Melanie Griffith, Ji-U Jeong, Maggie Severu, a Juliana Oddělení
Kurátorské Prohlášení
Přímý a bezbariérový přístup, kreslení více než jakékoli jiné médium nabízí okno do umělcova proces. Nakreslená čára odráží pohyb ruky, a zdá se, že rozšířením sleduje meandry myšlenek umělce. Jako duch pomíjivého pocitu, paměti nebo pohybu se expresivní linie jeví jako naléhavá, nezbytná, gestická a soukromá. Ve 20. století, Expresionismus a Abstraktní Expresionismus umělci odmítli strnulé hierarchie a naturalistický styl kreslení podporována akademie a objal experimentální snímky, které zpochybnily tradiční kreslení estetika a materiály. Tato výstava zkoumá kresby moderních i současných umělců, kteří vytvořili nový, expresivní liniový jazyk. Tyto inovativní čáry dorazil v mnoha podobách, jak je patrné v různých mark techniky, materiálů a tvarů, které tvoří prací na pohled. Tito umělci používali expresivní linii jako kód k označení různých významů, od pozorovacího po osobní a politický. Na této výstavě se expresivní linie transformuje a překračuje, mluvit za hranice soukromých a konvenčních základů kresby.
pomocí expresivní linie použili tito umělci nové techniky a koncepty, a tím rozšířili definici kresby. Když jsou práce na této výstavě umístěny do historického kontextu, tvrdí, že linie je expresivním nástrojem a přehodnocuje její akademické využití. Politika osobní a kulturní staly zásadní pro současné umělce, kteří jsou stále experimentování, objevování, a přivlastňování expresivní linie. Expresivní kresba v naší současné době zpochybňuje naše hodnoty, odolává útlaku a vyjadřuje mimo konvence.
organizace výstavy
tato výstava bude rozdělena do čtyř sekcí. První část, Esprezionistické Módy a metody zkoumá napětí mezi dvěma obry moderní abstrakce: Wassily Kandinsky a Aleksandr Michajlovič Rodčenko. Oba umělci se zajímali o radikálně novou estetiku, která by mohla vyjádřit myšlenky moderní doby, Přesto se oba neshodli na svých metodách a záměrech. Zatímco Kandinskyho fluidní abstrakce byly inspirovány hudbou nebo přírodou, Rodchenko používal nástroje, jako je kompas, k vytvoření čistě neobjektivních geometrických kompozic. Druhá část, Life Drawing and Distortion, zkoumá způsob, jakým kódované čáry hrají roli v semi-figurální, expresivní kresby života. Mnoho umělců používá gesta a narušení líčit verze těla, která je informována, ale přestávky s akademickou tradicí. Umělci zastoupeni v tomto seskupení se snažili překonat povrch figurálních obrazů, ponořit se do lidské psychologie a představivosti. Umělecká díla v nesčetných značkách tvoří hranici mezi rozpoznatelnými a nerozpoznatelnými formami. Představuje řadu linií, organických i geometrických, které odhalují i skrývají jejich významy. Výstavu uzavírá práce amerického abstraktního expresionistického umělce, který čerpal inspiraci spíše z emocí a materiálů než z přírody.
Seznam a Zdi Štítky
Oddíl 1: Expresionistické Režimy a Metody
Wassily Kandinsky
(ruština, 1866-1944)
Abstraktní Kompozice, 1916
indický inkoust, tužkou na skicák, papír
13 1/2 x 10 v.; 34,3 x 25,4 cm
Dar Thomase P. Whitneyho (Třída 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.104
Ji-In Jeong:
Wassily Kandinsky byl ruský teoretik a průkopník německého expresionistického hnutí. V roce 1914 byl hluboce zasažen militarizovanou a nacionalistickou politickou krajinou v Německu. Věřil, že umění může vytvořit paralelu s pohyby vesmíru. Kandinsky se pokusil převést jedinečný zážitek synestézie do vizuálního umění a naznačil vibrace symfonické hudby v jeho použití linky a barvy. V Abstraktní kompozici navrhuje tělesný prostor s tekutými liniemi, které se pohybují od silných po tenké. Indické inkoustové čáry obsahují roztřesené pohyby, nezanechává žádnou část této kompozice stále ani jistou. Menší tahy rozptýlené po celé stránce napodobují organickou formu, což naznačuje strukturu trávy nebo scén z přírody. Nevyhnutelné pro oko je tlustá, černá diagonální čára, centrálně umístěná na stránce. Slouží jako vodítko k víru informací, které Kandinsky chaoticky rozptyluje v tomto nejistém světě. Zpochybňuje konvence umělecké praxe tím, že se pokouší předat neviditelné vibrace světa.
Aleksandr Michajlovič Rodčenko
(ruština, 1891 – 1956)
Compass Kompozice, 1915
Pero a inkoust, černá inkoust na střední hmotnosti měkké, texturou off-white paper
6 15/16 x 10 5/16 palce.
Dárek Thomas P. Whitney (ročník 1937)
Medovina Art Museum, Amherst College, AC 2001.76
Melanie Griffith:
Aleksandr Rodčenko kresby vytvořil nové možnosti pro moderní umění. Jeho díla po ruské revoluci 1917 jsou označena odvážným prohlášením, že malba byla mrtvá, ohlašující novou éru konstruktivismu. Později známý pro jeho fotografii, byl také zručný abstraktní malíř, produkovat díla, která se rozešla s tradičními technikami malířství stojanu. Ještě před obdobím revoluce a občanské války, která brzy přetvořila ruskou společnost, se Rodchenko již rozešel s tradičním akademickým uměním a vstoupil do světa abstrakce. Jeho dílo odvážně využívá konstrukční technologii kompasu k vývoji hravého výrazu pomocí geometrických tvarů.
Na začátku byl Rodchenko ovlivněn pracemi Wassily Kandinského. Ale Kandinského umění, i když abstraktní, mělo tendenci směřovat zpět k obrazovým zdrojům, spoléhat se na symboliku a psychologii, zatímco mladší generace se zaměřila na čistě abstraktní.
Oddíl 2: Lámání s Akademií:Kreslení Života a Narušení
Oskar Kokoschka
(Rakouské, 1887-1980)
Max Reinhardt (Hlava), 1919
Litografie na šedé pletl papír
Demensions unavialable
Dar Priscilla Paine Van der Poel, ročník 1928
SC 1977:32-169
Maggie Sever:
ačkoli se jedná o litografii, naléhavé a neuspořádané linie v tomto tisku vyzývají k tomu, aby se jednalo o skicování. S nevyzpytatelnými znaky zachytil Oskar Kokoschka svého současníka, slavného filmového a divadelního režiséra Maxe Reinhardta (1863-1943), ve stavu zjevné úzkosti. Po rozchodu s Škole Umění a Řemesel ve Vídni, Kokoschka se stal známý pro portréty, které, podle jeho slov, „intuit z obličeje, z jeho hra výrazů, a z gesta, pravdu o konkrétní osobu.“Kokoschka byl dramatik, básník a vizuální umělec, ale zajímal se také o psychologii. Pracovat v době, kdy vlivné psychoanalytické spisy Sigmunda Freuda byly široce publikovány, Kokoschka věřil, že člověk je „pravda“ existuje ve své vnitřní svět a odhalovat je. Na tomto portrétu jsou Reinhardtovy neskutečně kulaté asymetrické oči a protáhlé, rýhované obočí spíše expresivní než naturalistické.
Leonard Baskin
(Americká, 1922 – 2000)
Dva Muži, 1953,
indický inkoust a grafitu na buff položil papír
38 1/8 palce x 25 1/8 palce
Dar Helene B. Černá (ročník 1931)
MH 1988.14.17
Maggie Sever:
Inspirován křehkosti lidské existence, Leonard Baskin je vyobrazení lidské postavy jsou často zkreslené nebo znetvořený. Jednou prohlásil: „lidská postava je obrazem všech lidí a jednoho muže-obsahuje vše a může vše vyjádřit.“Stejně jako u dvou mužů je Baskinův přístup k lidskému tělu informován znalostí svalstva a akademickým studiem proporcí, ale Baskin porušuje akademická pravidla. V některých oblastech silně zastíněný a v jiných řídce načrtnutý, jeho těla jsou rozptýlena tmavými, hranaté značky, které by mohly představovat žíly nebo jizvy spíše než hladké, pružná kůže. Zneklidňující postoje a tajemné výrazy obličeje zobrazených mužů přispívají k výrazné kvalitě linie v této kresbě. Zastoupený v mnoha muzeích a soukromých sbírkách, Baskin je známý mezinárodně, ale měl také místní přítomnost. Umělec vyučoval umění na Smith College v letech 1953-1974,poté na Hampshire College v letech 1984-1994.
Henry Spencer Moore
(Britská, 1898-1986)
Untitled: Ženské Postavy, 1956
Tužka, pero a inkoust, pastel a barevné mytí
10 15/16 x 7 1/4
Dárek Richarda S. Zeisler (ročník 1937)
Medovina Art Museum, Amherst College, AC 1959.139
Ji-U Jeong:
Henry Moore pracoval především v sochařství, ale kresbu používal jako prostředek k rychlému vyjádření myšlenek ze svého nevědomí. Moore blended lidské postavy a další připomínky z přirozeného světa abstraktně postavit jeho kresby, často využívají různých médií k vykreslení dvou-dimenzionální obrázky, které by později byl přeložen do sochařství. V Untitled: ženské postavy, umělkyně vytváří iluzi sochařského díla pomocí čáry, obrys, barva, a materiály. Zdůrazňuje určité oblasti živým praním barev a ostatní nechává bílé, hraje si s pozitivním a negativním prostorem. K doplnění těchto světlejších oblastí, Moore vrstev na různých texturou tónů, od jemné stínování tužka na stark černý inkoust používá k tomu nejtemnější šrafované oblasti. Moore pomocí linie posouvá své imaginární formy do třetí dimenze. Kresba slouží jako způsob přístupného a rychlého vyjádření, který lze později zpracovat do sochařské podoby.
Oddíl 3: Nesčetné Stopy
Harvey Quaytman (Americké, 1937-2000)
Cinzano, 1963
Tužka a olej pastel na papíře
11 1/16 v x 14
Dar umělce v paměti jeho otec, Mark Quaytman. University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1963.3
Ji-U Jeong:
Harvey Quaytman byl New York založen geometrické abstraktní umělec známý pro jeho podpis nekompromisní malba vztahující se k Minimalismu. Jeho práce také kombinuje expresivní jazyk s asymetrickými kompozicemi a bohatými oblastmi barev. V Cinzanu, linie různých tloušťek, tvary, a flexibility interpretují geometrické formy v abstraktní rovině. Název pochází z ikonického italského vermutu, což naznačuje, že umělec pracoval z přímého pozorování láhve, aby předefinoval tradiční konvence Zátiší. Hlavní kompoziční linie jsou silné a sebevědomé. Sekundární načmárané nebo šrafované čáry mají k nim plynulejší pohyb, plovoucí návrhem mělkého prostoru. Některé řádky jsou vytvořeny negativně vymazáním, zatímco jiné jsou silně aplikovány těžkými rukama stínováním, jak je vidět v obdélníkovém bloku na levé straně stránky.
Barbara Hepworth (Britská, 1903-1975)
Projekt pro Dřevo a Struny, Trezion II, 1959
Malba, olej, gesso, tužka na palubě
14 7/8 x 21 1/8 palce. Dar Richarda s. Zeislera. Muzeum medoviny, Amherst College, AC 1960.1
Juliana Ward:
Barbara Hepworth, mezinárodně uznávaná britská sochařka, je známá svými abstraktními sochami, které evokují přírodu pomocí linie, tvaru, prostoru, textury a přírodních materiálů. Tato skica sochy, Projekt pro Dřevo a Struny, Trezion II, nabízí pohled do Hepworth posedlost formou, a to prostřednictvím přesné a téměř matematické lines zaměstnává tužkou přes tonální malované pozadí. Tyto grafitové čáry vycházejí a vytvářejí abstraktní tvary, které se otáčejí a připevňují k sobě, což naznačuje napětí trojrozměrného prostoru. Šrafované diagonální čáry ve středu nejjasnějšího modrého tónu vytvářejí mizející bod odkazující na tradici perspektivního kreslení. Hepworth znovuobjevuje perspektivní prostor prostřednictvím futuristické abstrakce. Využívá abstraktní linii, aby si znovu představila skicu v této éterické kresbě.
Iwami kniha přeložena
(Japonština, b.1924)
Untitled „Bruslení po Vodě“, 1976
Tisk, dřevořez a zlatý list.
13 3/4 x 10 1/16.
Dar Doris Lee a John H. Rich, Jr. Mead Art Museum, Amherst College, AC 2010.31
Juliana Ward:
Iwami Reika, mistr Japonský Grafik, je známý pro své abstraktní lineární evokace přírody. Znovuobjevuje schopnosti expresivní linie začleněním nalezených materiálů do svého tisku. Reika se při vykreslování čáry nespoléhá pouze na vlastní ruku, ale používá nalezené naplavené dříví, tisk přírodního dřeva a jeho použití jako inspirace pro organické nakreslené čáry. Její expresivní jazyk linie stírá rozdíly mezi přírodními živly, jako je voda, dřevo, vzduch a prostor. Reika pracuje v omezené paletě barev a umožňuje linii, prostor a vizuální texturu, aby se dostaly do centra pozornosti. Její důraz na expresivní a někdy symbolickou linii nebo tvar vytváří zdrženlivé drama, naznačující filozofický nebo duchovní vnitřní svět. Reika je také básníkem haiku, další japonské tradice založené na zdrženlivosti. Říká: „Haiku je disciplína. Nutí člověka eliminovat to, co není nutné, a proto ho používám jako duchovní cvičení pro své tisky.“
Expresivní Linie jako Gesto
značka Lee Krasner,
(Americká, 1908 – 1984)
Základní Řady: Gold Stone, 1969
Barevné litografie
22 1/2 x 30.
Dárek Robert Staub přes Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.23
značka Lee Krasner,
(Americká, 1908 – 1984)
Základní Série: Růžový Kámen, 1969
Barevné litografie
22 1/2 x 30.
Dárek Robert Staub přes Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.24
značka Lee Krasner,
(Americká, 1908 – 1984)
Základní Série: Modrý kámen, 1969
barevná litografie
22 1/2 palce x 30 palců.
Dárek Robert Staub přes Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.25
Melanie Griffith:
značka Lee Krasner Základní Série představuje přesvědčivé cákance barev na plátně. Triptych je založen na primárních barvách, ale nahrazuje běžné červené, žluté a modré s více sugestivními nebo poetickými odstíny. Krasner se stala známou pro barevné a bujné obrazy, které vytvořila po smrti svého manžela, malíře Jacksona Pollocka v roce 1956. Zmocněna ženským hnutím, Nabila se dopředu, vytvářet obrazy a tisky proslulé svým dynamickým a barevným výrazem. Experimentovala se širokou škálou různých technik nanášení barvy na plátno a papír. V této třídílné série, Krasner činí pocta Pollockovi je odkapávací obrazy, experimentování s transparentnost a neprůhlednost dosaženo změnou tloušťky litografie inkoust před tiskem každého snímku ve své zvolené barvě.
Joan Mitchell
(Americká, 1926-1992)
Strany Řeka, z Bedford Série, 1981
Litografie tisknout na barevný papír
42 x 32.
Dárek Lois Perelson-Hrubý, ročník 1983, a Stewart Hrubého na počest Janice Carlson Oresman, ročník 1955, u příležitosti jejích 50. srazu
SC 2005:12-1
Maggie Sever:
Joan Mitchell byl jedním z mála umělkyň proniknout do mužské dominuje Americký Abstraktní Expresionistické skupiny v roce 1950. Ačkoli ona je oslavována pro její velké, barevný, akční obrazy, Mitchell také používal pastel a byl dokonalý Grafik. Na první glace, její známky se může zdát neplánované, ale mimořádnou pozornost vyváženému barevných schémat a obrázku-pozemní vztah obvykle jsou základem Mitchella pohybové funguje. V roce 1981 Mitchell úzce spolupracoval s renomovaným tiskařem Kennethem Tylerem na vytvoření série deseti velkých litografií, včetně této. Série byla nazvána „Bedford Series,“ po umístění workshopu v Bedford Village, New York. Rozptýlené, křídové, semi-vertikální značky vyplňují střed kompozice, stávají se tmavšími a kondenzovanějšími v horní a dolní části papíru. Mitchellovy komprimované linie jsou téměř kaligrafické. Stejně jako nečitelné podpisy současně vyzývají ke spekulacím a skrývají svůj expresivní význam.