begyndelsen af Art Deco
Ved udgangen af det 19.århundrede i Frankrig, mange af de bemærkelsesværdige kunstnere, arkitekter og designere, der havde spillet vigtige roller i udviklingen af jugendstil erkendte, at det var ved at blive mere og mere passere Kristian. I slutningen af et århundrede, hvor den industrielle Revolution tog fat, blev det moderne liv meget anderledes end et par årtier tidligere. Det var tid til noget nyt, noget der ville råbe “20.århundrede” fra smagfulde, modernistiske hustage.
Society of Decorative Artists in France
fra dette ønske om at bevæge sig ind i det nye århundrede i takt med innovation snarere end at blive holdt tilbage af nostalgi, dannede en gruppe franske kunstneriske innovatører en organisation kaldet Societ Kurt Des Artistes d Kurtcorateurs (Society of Decorative Artists). Gruppen bestod af både kendte figurer som Art Nouveau-stil designer og grafiker Eugene Grasset, og Art Nouveau arkitekt Hector Guimard, sammen med nye dekorative kunstnere og designere som Pierre Chareau og Francis Jourdain. Den franske stat støttede og fremmede denne retning af kunstnerisk aktivitet.
et af de store mål for den nye gruppe var at udfordre den hierarkiske struktur af billedkunst, der henviste dekorative kunstnere til en mindre status end de mere klassiske maleri-og skulpturmedier. Jourdain er berømt citeret for at sige, ” vi besluttede derfor at returnere Dekorativ Kunst, hensynsløst behandlet som en Askepot eller et dårligt forhold, der fik lov til at spise med tjenerne, til det vigtige, næsten overvejende sted, Det besatte i fortiden, af alle tider og i alle verdens lande.”Planen for en større udstilling, der præsenterer en ny type dekorativ kunst, blev oprindeligt udtænkt for 1914, men måtte sættes på vent indtil efter Første Verdenskrig sluttede og derefter skubbes tilbage af forskellige grunde indtil 1925.
udstillingen, der officielt lancerede bevægelsen
den franske regering, der var vært for udstillingen mellem Esplanaden af den gyldne kuppel Les Invalides og indgangene til Petit Palais og Grand Palais på begge sider af Seinen, bestræbte sig på at fremvise den nye stil. Over 15.000 kunstnere, arkitekter og designere viste deres arbejde på udstillingen. I løbet af de syv måneder af udstillingen turnerede over 16 millioner mennesker de mange individuelle udstillinger. Denne udstilling var katalysatoren for bevægelsens begyndelse.
Art Nouveau og Art Deco
Art Deco var et direkte svar æstetisk og filosofisk til Art Nouveau-stilen og til det bredere kulturelle fænomen modernisme. Art Nouveau begyndte at falde ud af mode under Første Verdenskrig, da mange kritikere følte den detaljerede detalje, sarte design, ofte dyre materialer og produktionsmetoder i stilen var dårligt egnet til en udfordrende, urolig, og stadig mere mekaniseret moderne verden. Mens Art Nouveau-bevægelsen afledte sine indviklede, stiliserede former fra naturen og hyldede dyderne ved det håndlavede, Art Deco-æstetikken understregede maskinalderens strømlining og slank geometri.
Art Deco og modernisme
udstillingen Internationale samlede ikke kun værker i Art Deco-stil, men satte udformede genstande i nærheden af eksempler på avantgarde-malerier og skulpturer i stilarter som Kubisme, konstruktivisme, Bauhaus, De Stijl og futurisme. I 1920 ‘ erne var Art Deco et sprudlende, men stort set mainstream, kontrapunkt til den mere cerebrale Bauhaus og De Stijl æstetik. Alle tre delte vægt på rene, stærke linjer som et organiserende designprincip. Art Deco-udøvere omfavnede teknologisk innovation, moderne materialer og mekanisering og forsøgte at understrege dem i selve stilens overordnede æstetik. Udøvere lånte og lærte også af andre modernistiske bevægelser. Art Deco blev betragtet af beundrere, der var i takt med de fremadrettede perspektiver af nutidige avantgardebevægelser. Ironisk nok spillede modernistisk maleri og skulptur en sekundær rolle i udstillingen med de få undtagelser fra den sovjetiske pavillon og Le Corbusiers Esprit Nouveau-pavillon.
Art Deco efter den store Depression
begyndelsen af anden fase af Art Deco faldt sammen med begyndelsen af den store Depression. Nøjsomhed, faktisk, kan være kernen æstetik for både pragmatiske og konceptuelle årsager til denne anden udvikling af Art Deco. Mens Art Deco-arkitektur, for eksempel, havde været lodret orienteret med skyskrabere, der klatrede til høje højder, de senere Art Deco-bygninger med deres mest uornamenterede ydre, yndefulde kurver, og vandrette betoninger symboliserede robusthed, stille værdighed, og modstandsdygtighed. I de værste år med økonomisk katastrofe, fra 1929 til 1931, skiftede Amerikansk Art Deco fra at følge tendenser til at indstille dem.
Streamline Moderne
Streamline Moderne blev den amerikanske fortsættelse af Den Europæiske Art Deco-bevægelse. Ud over de alvorlige økonomiske og filosofiske påvirkninger var den æstetiske inspiration til de første Streamline moderne strukturer bygninger designet af tilhængere af den nye Objektivitetsbevægelse i Tyskland, Der opstod fra en uformel sammenslutning af tyske arkitekter, designere og kunstnere, der var dannet i det tidlige 20.århundrede. Ny objektivitet kunstnere og arkitekter blev inspireret af den samme slags ædru pragmatisme, der tvang fortalerne for Streamline Moderne til at eliminere overskydende, herunder følelsesmæssigheden af ekspressionistisk kunst. Nye Objektivitetsarkitekter koncentrerede sig om at producere strukturer, der kunne betragtes som praktiske, som afspejler kravene i det virkelige liv. De foretrak deres design for at tilpasse sig den virkelige verden snarere end at få andre til at tilpasse sig en æstetik, der var upraktisk. Til dette formål var nye Objektivitetsarkitekter endda banebrydende for præfabrikationsteknologi (hjælper hurtigt og effektivt med at huse Tysklands fattige).uden ornament indeholdt Streamline Moderne arkitektur rene kurver, lange vandrette linjer (inklusive bånd af vinduer), glassten, vinduer i porthole-stil og cylindriske og undertiden nautiske former. Mere end nogensinde var der vægt på aerodynamik og andre udtryk for moderne teknologi. De dyrere og ofte eksotiske materialer i Art Deco blev erstattet med beton, glas og krom i Streamline Moderne. Farve blev brugt sparsomt som råhvid, beige, og jordfarver erstattede de mere levende farver i Art Deco. Stilen blev først introduceret til arkitektur og derefter udvidet til andre objekter på samme måde som den traditionelle Art Deco-stil.
Art Deco er navngivet med tilbagevirkende kraft
oprindeligt blev udtrykket “Art Deco” brugt pejorativt af en berømt detractor, den modernistiske arkitekt Le Corbusier, i artikler, hvor han kritiserede stilen for dens udsmykning, et kendetegn, som han betragtede som unødvendigt i moderne arkitektur. Mens tilhængere af stilen hyldede den som en afskåret, modernistisk reaktion på den overdrevne udsmykning, især i sammenligning med dens umiddelbare forgænger, jugendstil, da enhver dekoration var overflødig for Le Corbusier. Det var først i slutningen af 1960 ‘ erne, da interessen for stilen blev genoplivet, at udtrykket “Art Deco” blev brugt på en positiv måde af den britiske kunsthistoriker og kritiker Bevis Hillier.
Art Deco og USA
i USA., modtagelsen af Art Deco-bevægelsen udviklede sig i en anden bane. Herbert Hoover, den amerikanske handelsminister på det tidspunkt, dekreterede, at amerikanske designere og arkitekter ikke kunne udstille deres arbejde på udstillingen Internationale, da han hævdede, at landet endnu ikke havde forestillet sig en tydelig Amerikansk kunststil, der var tilfredsstillende “ny nok.”Som et alternativ sendte han en delegation til Frankrig for at vurdere tilbudene på udstillingen; og derefter anvende det, de så, på en moderne amerikansk kunstnerisk og arkitektonisk stil. Inkluderet i kontingentet af æstetiske udsendinge sendt af Hoover var vigtige figurer fra American Institute of Architecture, Metropolitan Museum of Art og Ny York Times. Missionen inspirerede en næsten øjeblikkelig boom i kunstnerisk innovation i USA
i 1926 rejste en mindre version af den franske Messe kaldet “en udvalgt samling af genstande fra Den Internationale Udstilling moderne, industriel og dekorativ kunst” gennem mange amerikanske byer som f.eks. De Amerikanske Verdensmesser i Chicago (1933) og Ny York City (1939) fremhævede fremtrædende Art Deco-design, mens Holly omfavnede æstetikken og gjorde den glamourøs over hele landet. Selv amerikanske virksomheder som General Motors og Ford byggede pavilloner på Verdensudstillingen.
blandt de mest kendte eksempler på den amerikanske Art Deco-stil er skyskrabere og andre store bygninger. Faktisk er den amerikanske iteration af Art Deco i Bygningsdesign blevet omtalt som siksak Moderne for sine kantede og geometriske mønstre som detaljerede arkitektoniske facader. Imidlertid er den samlede amerikanske Art Deco ofte mindre dekorativ end sin europæiske forgænger. Ud over de rene linjer og stærke kurver, dristige geometriske former, rig farve og undertiden overdådig ornamentik er den amerikanske version mere afskåret. Da vigtige påvirkninger som den nye objektivitet og den internationale arkitekturstil samt de alvorlige økonomiske tilbageslag i slutningen af 1920 ‘erne og begyndelsen af 1930’ erne begyndte at udøve sig på art Deco-æstetikken, blev stilen langt mindre overdådig. For eksempel, denne transformation kan symboliseres ved udskiftning af guld med krom, af perlemor med bakelit, af granit med beton, etc.den amerikanske Art Deco-stil udviklede sig som en fejring af teknologisk fremskridt, herunder masseproduktion, og en genoprettet tro på sociale fremskridt. I det væsentlige kan disse resultater betragtes som en afspejling af national stolthed. I 1930 ‘ erne under Roosevelts værker Progress Administration (APPA) var mange af de værker, der blev oprettet, Art Deco, fra kommunale strukturer som biblioteker og skoler til massive offentlige vægmalerier. Den APV havde til formål at kickstarte efterkrigstidens amerikanske økonomi ved at skabe arbejdspladser i offentlige arbejder, og søgte at tjene samfundet ved at skabe arbejdspladser og indgyde amerikanske værdier inden for design. Brugen af amerikansk Art Deco frembragte således et udtryk for demokrati gennem design. Nogle materialer, der ofte blev brugt i art Deco-skabelsen, var dyre og derfor uden for den gennemsnitlige mands rækkevidde. Imidlertid gjorde brugen af billige eller nye materialer det muligt at producere en bred vifte af overkommelige produkter og bragte således skønhed ind i den offentlige sfære på en ny måde. Art Deco inspirerede design og produktion af en række genstande – fra magasinomslag og farverige reklamer til funktionelle genstande såsom bestik, møbler, ure, biler, og endda havforinger.
Global vækst i Art Deco
Art Deco-stilen tog fat i verdens hovedstæder så forskellige som Havana, Cuba, Mumbai og Jakarta. Havana kan prale af et helt kvarter bygget i Art Deco-stil. London Underground-jernbanesystemet inkorporerer stærkt stilen. Shanghai havn indeholder mere end halvtreds Art Deco-strukturer, hvoraf de fleste er designet af den ungarske Hudec. Fra krigsmonumenter til hospitaler, byer så vidtrækkende som Sydney og Melbourne i Australien har også absorberet den fænomenale stil.
Art Deco: Begreber, stilarter og tendenser
Art Deco ‘ s vigtigste visuelle egenskaber stammer fra gentagen brug af lineære og geometriske former, herunder trekantede, siksaggede, trapesformede og chevron-mønstrede former. I lighed med sin forgænger, Art Nouveau, når genstande som blomster, dyr eller menneskelige figurer er repræsenteret, er de meget stiliserede og forenklede for at holde sig til Art Deco ‘ s overordnede æstetik. Arten og omfanget af stylisering og forenkling eller stripning varierer afhængigt af den regionale iteration af stilen. For eksempel er en figur som Firebird (1922) af den franske designer ren Kurt Lalike elegant slank og svækket, mens Lee Lovrie ‘ s Atlas (1937) uden for Rockefeller Center er solid og robust med eftertrykkeligt lineær muskulatur, selvom begge betragtes som fine repræsentationer af Deco-stil.
i overensstemmelse med bevægelsens vægt på moderne teknologi udnyttede Art Deco-kunstnere og designere moderne materialer som plast, bakelit og rustfrit stål. Men da der var behov for et stænk af rigdom og forfining, indarbejdede designere mere eksotiske materialer som elfenben, horn og Sebra hud. Som med Art Nouveau-og kunst-og Håndværksbevægelserne blev Art Deco-stilen anvendt langt mindre på de traditionelt højest rangerede billedkunstformer: maleri og skulptur.
Design
Art Deco-stilen udøvede sin indflydelse på grafik på en måde, der afslører indflydelsen fra italiensk futurisme med sin kærlighed til hastighed og tilbedelse af maskinen. Futuristiske kunstnere brugte linjer til at indikere bevægelse, kendt som “speed knurhår”, som ville stribe ud fra hjulene på hurtige biler og tog. Derudover anvendte udøvere af Art Deco parallelle linjer og tilspidsede former, der antyder symmetri og strømlining. Typografi blev påvirket af den internationale indflydelse af Art Deco og skrifttyperne Bifur, Bredvejog Peignot kalder straks stilen til at tænke på.
med hensyn til billedsprog minder enkle former og store områder med Ensfarvet farve om japanske træbloktryk, som var blevet en vigtig kilde til indflydelse for vestlige kunstnere, især i Frankrig, efter afslutningen af isolationisten Edo periode i 1868. Den efterfølgende tilstrømning af kunst fra Japan til Europa gjorde en enorm indflydelse. Især kunstnere, der findes i den formelle enkelhed af træblok, udskriver en model til at skabe deres egne tydeligt moderne stilarter, der begynder med Impressionisten.
møbler
indtil slutningen af 1920 ‘ erne var avantgarde møbeldesign i Frankrig for det meste variationer i jugendstil, men forenklet og mindre krøllet. Som årtiet skred frem, fremstod Ruhlmann som den førende møbeldesigner (Ruhlmann havde sin egen pavillon ved udstillingen i 1925). Mens hans design primært var inspireret af stykker fra det 18.århundrede produceret i neoklassisk stil, eliminerede han meget af ornamentikken, mens han stadig brugte eksotiske materialer begunstiget af Jugendstildesignere som mahogni, ibenholt, palisander, elfenben og skildpaddeskal. Selvfølgelig var hans stykker ofte for dyre at erhverve for nogen bortset fra de mest velhavende.
i modsætning til Ruhlmanns overdådige design, der syntes at strække sig over Art Nouveau-og Art Deco-stilarterne, var den mere definitive Art Deco-møbeldesigner i Frankrig Jules Leleu. Han havde været en traditionel designer, indtil den nye stil fortrængte jugendstil og er kendt for designet af den store spisestue i Elysee-paladset i Paris og de luksuriøse hytter på førsteklasses dæk i den elegante damper, Normandie.
I modsætning til Leleu og Ruhlmann Var Le Corbusier en fortaler for en meget nedsparet, ornamentfri version af Art Deco-stilen og skabte ofte møbler, der var egnede til det stramme interiør, hans egne arkitektoniske strukturer. Hans hensigt var at designe prototyper, især af stole, der kunne masseproduceres og derfor overkommelige for et bredere marked. Donald Deskeys indretning af byens berømte vartegn, Radio City Music Hall, er et glimrende eksempel på amerikansk art Deco-møbeldesign, som stadig er intakt i sin oprindelige form i dag.
arkitektur
Art Deco-arkitektur er kendetegnet ved hårdkantede, ofte rigt pyntet design, fremhævet af skinnende metal accenter. Mange af disse bygninger har en lodret vægt, konstrueret på en måde, der er beregnet til at trække øjet opad. Rektangulære, ofte blokerede former er arrangeret geometrisk med tilføjelse af tagspir og/eller buede dekorative elementer for at give en strømlinet effekt. Skyskrabere og Miamis pastelfarvede bygninger rangerer blandt de mest berømte amerikanske eksempler, selvom stilen blev implementeret i en række strukturer over hele verden.
i USA, værkerne Progress Administration hjalp Art Deco arkitektur bliver mainstream. Interessant, fusionen af Art Deco og Skønhedskunstklassicisme set i mange offentlige værker i depressionstiden er blevet kendt som moderne eller Depression Moderne.
senere udviklinger – efter Art Deco
Art Deco faldt ud af mode i årene med Anden Verdenskrig i Europa og Nordamerika, med krigstidens stramhed, der får stilen til at virke nogensinde prangende og dekadent. Metaller blev bjærget til brug mod konstruktion af våben i modsætning til udsmykning af bygninger eller indvendige rum. Møbler blev ikke længere betragtet som statusobjekter. Yderligere teknologiske fremskridt muliggjorde billigere produktion af basale forbrugsvarer, hvilket uddrev behovet og populariteten hos Art Deco-designere.
en bevægelse, der i mange henseender søgte at bryde væk fra fortiden, er nu blevet en nostalgisk, kærligt husket klassiker. Siden 1960 ‘ erne har der været en konstant, fortsat interesse for stilen. Ekkoer af Art Deco kan ses i midten af århundredet moderne design, som viderefører den strømlinede æstetik af Deco og genoptager Bauhaus ‘ rene enkelhed. Deco hjalp også med at inspirere Memphis Group, en design-og arkitekturbevægelse centreret i Milano i 1980 ‘ erne. Memphis trak også fra popkunst og Kitsch som kilder til sine farverige, bevidst postmoderne design.