„Barock“ — das Wort, der Stil, die Zeit
Im Kontext der europäischen Geschichte wird die Zeit von 1585 bis 1700/1730 oft als Barock bezeichnet. Das Wort „Barock“ leitet sich von den portugiesischen und spanischen Wörtern für eine große, unregelmäßig geformte Perle („barroco“ bzw. Jahrhunderts waren die ersten, die den Begriff auf die Kunst des 17. Es war kein Begriff des Lobes. In den Augen dieser Kritiker, die die Zurückhaltung und Ordnung des Neoklassizismus bevorzugten, erschienen die Werke von Bernini, Borromini und Pietro da Cortona bizarr, absurd, sogar krank — mit anderen Worten, unförmig wie eine unvollkommene Perle.Mitte des 19.Jahrhunderts hatte das Wort seine abwertenden Implikationen verloren und wurde verwendet, um die kunstvollen und komplexen Qualitäten zu beschreiben, die in vielen Beispielen der Kunst, Musik und Literatur des 17.Jahrhunderts vorhanden sind. Schließlich kam der Begriff, um die historische Periode als Ganzes zu bezeichnen. Im Kontext der Malerei zum Beispiel sind der starke Realismus von Zurbarans Altarbildern, die ruhige Intimität von Vermeers Innenräumen und der zurückhaltende Klassizismus von Poussins Landschaften alle „barock“ (jetzt mit einem Großbuchstaben „B“, um die historische Periode anzuzeigen), unabhängig von der Abwesenheit der stilistischen Merkmale, die ursprünglich mit dem Begriff verbunden waren.
Gian Lorenzo Bernini, Cathedra Petri (oder Stuhl des Petersdoms), vergoldete Bronze, Gold, Holz, Glasmalerei, 1647-53 (Apsis des Petersdoms, Vatikanstadt, Rom)
Rom: Von der „Hure Babylons“ zur strahlenden Braut Christi
Als Martin Luther 1517 aus Protest gegen die Korruption der katholischen Kirche seine 95 Thesen an die Türen des Wittenburger Doms heftete, initiierte er eine Bewegung, die die religiöse, politische und künstlerische Landschaft Europas verändern sollte. Für das nächste Jahrhundert würde Europa in Aufruhr sein, da neue politische und religiöse Grenzen festgelegt wurden, oft durch blutige militärische Konflikte. Erst 1648, mit der Unterzeichnung des Westfälischen Vertrages, ließen die Konflikte zwischen Protestanten und Katholiken in Kontinentaleuropa nach.Martin Luther konzentrierte seine Kritik auf das, was er als Gier und Machtmissbrauch der Kirche ansah. Er nannte Rom, den Sitz der päpstlichen Macht, „die Hure Babylons“, geschmückt mit kostbarer Kunst, großartiger Architektur und prächtigen Banketten. Die Kirche reagierte auf die Krise auf zwei Arten: indem sie sich intern mit Fragen der Korruption befasste und die von den Protestanten abgelehnten Lehren verteidigte. Während also die ersten beiden Jahrzehnte des 16.Jahrhunderts eine Zeit verschwenderischer Ausgaben für das Papsttum waren, waren die mittleren Jahrzehnte eine Zeit der Austerität. Wie ein Besucher Roms in den 1560er Jahren bemerkte, war die gesamte Stadt zu einem Kloster geworden. Frömmigkeit und Askese beherrschten den Tag.
Am Ende des 16.Jahrhunderts war die katholische Kirche wieder optimistisch, sogar triumphierend. Sie war mit neuer Kraft und Zielstrebigkeit aus der Krise hervorgegangen. Die Gläubigen zu hüten — sie über katholische Lehren zu unterrichten und tugendhaftes Verhalten zu inspirieren — stand im Mittelpunkt. Um Roms Ruf als heilige Stadt wieder aufzubauen, begann das Papsttum umfangreiche Bau- und Dekorationskampagnen, um seine antiken Ursprünge, seinen Glauben und seine göttlich sanktionierte Autorität hervorzuheben. In den Augen treuer Katholiken war Rom keine untreue Hure, sondern eine reine Braut, die für ihre Vereinigung mit ihrem göttlichen Ehepartner wunderschön geschmückt war. Die Kunst dieser Bewegung wird Barockkunst genannt.
Ansicht der Cerasi-Kapelle in Santa Maria del Popolo, Rom mit Annibale Carraccis Altarbild, Die Himmelfahrt der Jungfrau Maria, 1600-01, Öl auf Leinwand, 96 in × 61 Zoll und rechts Caravaggios Bekehrung des Heiligen Paulus (Bekehrung des Saulus), 1601, 91 in × 69 Zoll
Die Kunst der Überzeugung: anweisen, erfreuen, bewegen
Während die Protestanten den Bilderkult scharf kritisierten, umarmte die katholische Kirche leidenschaftlich die religiöse Macht der Kunst. Die bildende Kunst, so argumentierte die Kirche, spielte eine Schlüsselrolle bei der Führung der Gläubigen. Sie waren sicherlich genauso wichtig wie das geschriebene und gesprochene Wort, und vielleicht sogar noch wichtiger, da sie den Gelehrten und den Ungelehrten gleichermaßen zugänglich waren. Um in ihrer pastoralen Rolle wirksam zu sein, musste religiöse Kunst klar, überzeugend und kraftvoll sein. Es musste nicht nur lehren, es musste inspirieren. Es musste die Gläubigen bewegen, die Realität des Opfers Christi, das Leiden der Märtyrer, die Visionen der Heiligen zu spüren.
Caravaggio, Die Dornenkrone, 1602-04, Öl auf Leinwand, 165,5 x 127 cm (Kunsthistorisches Museum, Wien )
Die Betonung der pastoralen Rolle der Kunst durch die Kirche veranlasste die Künstler, mit neuen und direkteren Mitteln zu experimentieren, um den Betrachter einzubeziehen. Künstler wie Caravaggio wandten sich einem kraftvollen und dramatischen Realismus zu, der durch kräftige Hell-Dunkel-Kontraste und eng geschnittene Kompositionen betont wird, die die physische und emotionale Unmittelbarkeit der dargestellten Erzählung verstärken. Andere Künstler, wie Annibale Carracci (die auch mit Realismus experimentierte), entschieden sich schließlich für eine klassischere Bildsprache, inspiriert von der lebendigen Palette, idealisierten Formen und ausgewogenen Kompositionen der Hochrenaissance. Wieder andere, wie Giovanni Battista Gaulli, wandten sich waghalsigen Kunststücken des Illusionismus zu, die nicht nur die Grenzen zwischen Malerei, Skulptur und Architektur, sondern auch die zwischen realer und dargestellter Welt verwischten. Auf diese Weise wurde das Göttliche physisch gegenwärtig und greifbar gemacht. Ob durch schockierenden Realismus, dynamische Bewegung oder üppige Ornamentik, die Kunst des siebzehnten Jahrhunderts soll beeindrucken. Es zielt darauf ab, den Betrachter von der Wahrheit seiner Botschaft zu überzeugen, indem es die Sinne beeinflusst, die Emotionen weckt und den Raum des Betrachters aktiviert und sogar teilt.
Giovanni Battista Gaulli, auch bekannt als il Baciccio, Der Triumph des Namens Jesu, Il Gesù Deckenfresko, 1672-1685
Die katholischen Monarchen und ihre Territorien
Die Monarchen von Spanien, Portugal und Frankreich nahmen auch die reich verzierten Elemente der Kunst des siebzehnten Jahrhunderts an, um den Katholizismus zu feiern. In Spanien und seinen Kolonien investierten die Herrscher enorme Ressourcen in kunstvolle Kirchenfassaden, atemberaubende, goldbedeckte Kapellen und Tabernakel und auffallend realistische polychrome Skulpturen. In den spanischen Niederlanden, wo die sakrale Kunst unter dem protestantischen Bildersturm (der Zerstörung von Kunst) schrecklich gelitten hatte, priorisierten bürgerliche und religiöse Führer die Verzierung von Kirchen, als die Region ihre katholische Identität wiedererlangte. Die Renovierung der Altäre der Antwerpener Kirchen beschäftigte die Werkstatt von Peter Paul Rubens viele Jahre lang. Europas Monarchen übernahmen dieses künstlerische Vokabular auch, um ihre eigene Macht und ihren eigenen Status zu verkünden. Ludwig XIV. zum Beispiel gab die prächtigen Gebäude und Gärten von Versailles als visuellen Ausdruck seines göttlichen Herrschaftsrechts in Auftrag.
Ansicht von Gemälden von Peter Paul Rubens in der Alten Pinakothek, München
Der protestantische Norden
In den protestantischen Ländern und insbesondere in der neu unabhängigen Niederländischen Republik (heutige Niederlande), das künstlerische Klima änderte sich nach der Reformation radikal.
Judith Leyster, Selbstporträt, um 1630, Öl auf Leinwand, 651 x 746 cm (National Gallery of Art, Washington)
Zwei der reichsten Mäzenatenquellen – die Monarchie und die Kirche — waren nun verschwunden. An ihrer Stelle entstand eine zunehmend wohlhabende Mittelschicht, die ihren Status und ihren neuen Nationalstolz durch den Kauf von Kunst ausdrücken wollte.
Mitte des 17.Jahrhunderts war ein neuer Markt entstanden, um den künstlerischen Geschmack dieser Klasse zu befriedigen. Die Nachfrage war jetzt nach kleineren Gemälden, die für die Ausstellung in Privathäusern geeignet waren. Diese Gemälde enthielten religiöse Themen für die private Kontemplation, wie sie in Rembrandts ergreifenden Gemälden und Drucken biblischer Erzählungen zu sehen sind, sowie Porträts, die individuelle Ähnlichkeiten dokumentieren.
Willem Claesz Heda, Bankett Stück mit Mince Pie, 1635, öl auf leinwand, 42×43-3/4 zoll (National Gallery of Die größte Veränderung auf dem Markt war jedoch die dramatische Zunahme der Popularität von Landschaften, Stillleben und Alltagsszenen (bekannt als Genremalerei). In der Tat war die Verbreitung dieser Themen als eigenständige künstlerische Gattungen einer der bedeutendsten Beiträge des 17. In all diesen Genres zeigten Künstler ein großes Interesse daran, die beobachtete Realität nachzubilden – sei es das Licht auf der niederländischen Landschaft, der momentane Ausdruck auf einem Gesicht oder die vielfältigen Texturen und Materialien der Objekte, die die Niederländer sammelten, als sie die Vorteile ihres expandierenden Handelsimperiums ernteten. Diese Werke zeigten so viel künstlerische Virtuosität und körperliche Unmittelbarkeit wie die großen Dekorationen der Paläste und Kirchen des katholischen Europas.
Die Anfänge des Rokoko
In den frühen Jahren der 1700er Jahre, am Ende der Regierungszeit Ludwigs XIV. (der 1715 stirbt), gab es eine Abkehr vom Klassizismus und der „Großen Art“ (basierend auf der Kunst von Poussin), die die Kunst der vorangegangenen 50 Jahre regiert hatten, hin zu einem neuen Stil, den wir Rokoko nennen.Versailles wurde von der Aristokratie verlassen, die sich erneut in Paris niederließ. Eine Abkehr von der Monarchie hin zur Aristokratie kennzeichnet diese Zeit.
Welchen Lebensstil führte die Aristokratie in dieser Zeit? Denken Sie daran, dass die Aristokratie enorme politische Macht sowie enormen Reichtum hatte. Viele wählten Freizeit als Verfolgung und verwickelten sich in romantische Intrigen. In der Tat schufen sie eine Kultur des Luxus und des Überflusses, die einen starken Kontrast zum Leben der meisten Menschen in Frankreich bildete. Die Aristokratie, nur ein kleiner Prozentsatz der Bevölkerung Frankreichs, besaß über 90% ihres Reichtums. Eine kleine, aber wachsende Mittelschicht sitzt damit nicht lange still (erinnern Sie sich an die Französische Revolution von 1789).
Jean-Honoré Fragonard, Die Schaukel, öl auf Leinwand, 1767 (Wallace Collection, London)
Fragonards Die Schaukel
Wie bei den meisten Rokoko-Gemälden ist das Thema von Fragonards The Swing nicht sehr kompliziert! Zwei Liebende haben sich verschworen, um diesen älteren Kerl dazu zu bringen, die junge Dame in die Schaukel zu schieben, während sich ihr Geliebter im Gebüsch versteckt. Ihre Idee ist, dass sie, wenn sie in die Schaukel steigt, ihre Beine teilen kann und er einen perfekten Blick auf ihren Rock hat.
Sie sind von einem üppigen, bewachsenen Garten umgeben. Eine skulpturale Figur auf der linken Seite legt seine Finger an den Mund, als ob er „still“ sagen würde, während eine andere Skulptur im Hintergrund zwei Amorfiguren aneinander gekuschelt hat. Die Farben sind pastellfarben – blasses Rosa und Grün, und obwohl wir ein Gefühl von Bewegung und eine markante diagonale Linie haben — fehlt dem Gemälde die ganze Ernsthaftigkeit eines Barockgemäldes.
Wenn Sie genau hinschauen, können Sie die losen Pinselstriche in dem rosa Seidenkleid sehen, und als sie ihre Beine öffnet, bekommen wir einen Blick auf ihren Strumpfgürtel. Genau diese Art von Malerei sollten die Philosophen der Aufklärung bald verurteilen. Sie forderten einen neuen Kunststil, der ein Beispiel für moralisches Verhalten von Menschen in ihrer edelsten Form zeigte.