Melanie Griffith, Ji-In Jeong, Maggie North et Juliana Ward
Déclaration de conservation
Directe et accessible, le dessin plus que tout autre médium offre une fenêtre sur le processus de l’artiste. La ligne tracée fait écho au mouvement de la main, et semble par extension tracer les méandres des pensées de l’artiste. Comme un fantôme d’un sentiment, d’un souvenir ou d’un mouvement qui passe, la ligne expressive apparaît urgente, essentielle, gestuelle et privée. Au 20ème siècle, les artistes expressionnistes et expressionnistes abstraits ont rejeté la hiérarchie rigide et le style de dessin naturaliste promu par l’académie et ont adopté des images expérimentales qui remettaient en question l’esthétique et les matériaux de dessin traditionnels. Cette exposition explore les dessins d’artistes modernes et contemporains qui ont créé un nouveau langage expressif basé sur le trait. Ces lignes innovantes sont arrivées sous de nombreuses formes, comme en témoigne la variété des techniques de marquage, des matériaux et des formes qui composent les œuvres exposées. Ces artistes ont utilisé la ligne expressive comme un code pour signifier une variété de significations, allant de l’observation à la personnelle et à la politique. Dans cette exposition, la ligne expressive se transforme et se transcende, pour parler au-delà des fondements privés et conventionnels du dessin.
En utilisant la ligne expressive, ces artistes ont utilisé de nouvelles techniques et concepts, et ont ainsi élargi la définition du dessin. Replacées dans leur contexte historique, les œuvres de cette exposition revendiquent la ligne comme un outil expressif, repensant son usage académique. La politique personnelle et culturelle est devenue essentielle pour les artistes contemporains qui expérimentent, réinventent et s’approprient encore la ligne expressive. Le dessin expressif à notre époque contemporaine défie nos valeurs, résiste à l’oppression et s’exprime au-delà des conventions.
Organisation de l’exposition
Cette exposition sera divisée en quatre sections. La première section, Modes et Méthodes espressionistes, explore la tension entre deux géants de l’abstraction moderne : Wassily Kandinsky et Aleksandr Mikhailovich Rodchenko. Les deux artistes étaient intéressés par une esthétique radicalement nouvelle qui pourrait exprimer les idées de l’époque moderne, mais les deux étaient en désaccord sur leurs méthodes et leurs intentions. Alors que les abstractions fluides de Kandinsky s’inspiraient de la musique ou de la nature, Rodchenko utilisait des outils, comme la boussole, pour créer des compositions géométriques purement non objectives. La deuxième section, Life Drawing and Distortion, explore la manière dont les lignes codées jouent un rôle dans les dessins de vie semi-figuratifs et expressifs. De nombreux artistes ont utilisé le geste et la distorsion pour représenter une version du corps qui est informée par, mais rompt avec la tradition académique. Les artistes représentés dans ce regroupement avaient pour objectif de dépasser la surface des images figuratives, de plonger dans la psychologie et l’imagination humaines. L’œuvre d’art en Myriad Marque la limite entre les formes reconnaissables et méconnaissables. Il présente une variété de lignes, à la fois organiques et géométriques, qui révèlent et cachent leurs significations. L’exposition se termine par le travail d’un artiste expressionniste abstrait américain qui s’est inspiré des émotions et des matériaux plutôt que de la nature.
Liste de contrôle et étiquettes murales
Section 1: Modes et méthodes expressionnistes
Wassily Kandinsky
(Russe, 1866-1944)
Composition abstraite, 1916
Encre de Chine, crayon sur papier carnet de croquis
13 1/2 x 10 po.; 34,3 x 25,4 cm
Don de Thomas P. Whitney (Promotion de 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.104
Ji-In Jeong:
Wassily Kandinsky était un théoricien d’origine russe et un pionnier du mouvement expressionniste allemand. Il a été profondément affecté par le paysage politique militarisé et nationaliste en Allemagne en 1914. Il croyait que l’art pouvait créer un parallèle avec les mouvements du cosmos. Kandinsky a tenté de traduire l’expérience unique de la synesthésie en art visuel, suggérant les vibrations de la musique symphonique dans son utilisation de la ligne et de la couleur. En composition abstraite, il suggère un espace corporel aux lignes fluides qui vont de l’épais à la mince. Les lignes d’encre de Chine contiennent des mouvements tremblants, ne laissant aucune partie de cette composition encore ou certaine. Les petits traits éparpillés sur la page imitent une forme organique, suggérant la texture de l’herbe ou des scènes de la nature. Inévitable à l’œil est la ligne diagonale épaisse et noire, placée au centre de la page. Il sert de guide au tourbillon d’informations que Kandinsky disperse de manière chaotique dans ce monde fragile. Il défie les conventions de la pratique artistique en tentant de relayer les vibrations invisibles du monde.
Aleksandr Mikhailovich Rodchenko
(russe, 1891 – 1956)
Compass Composition, 1915
Stylo et encre et encre noire sur papier blanc cassé doux et texturé de poids moyen
6 15/16 x 10 5/16 po.
Don de Thomas P. Whitney (Promotion 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.76
Melanie Griffith:
L’œuvre d’Aleksandr Rodchenko a créé de nouvelles possibilités pour l’art moderne. Ses œuvres après la Révolution russe de 1917 sont marquées par l’affirmation audacieuse que la peinture était morte, inaugurant une nouvelle ère de constructivisme. Plus tard connu pour sa photographie, il était également un peintre abstrait habile, produisant des œuvres qui rompaient avec les techniques traditionnelles de la peinture de chevalet. Avant même la période de révolution et de guerre civile qui allait bientôt remodeler la société russe, Rodchenko avait déjà rompu avec l’art académique traditionnel et était entré dans le monde de l’abstraction. Sa pièce utilise avec audace la technologie de conception de la boussole pour développer une expression ludique utilisant des formes géométriques.
Au début, Rodchenko a été influencé par les œuvres de Wassily Kandinsky. Mais l’art de Kandinsky, bien qu’abstrait, tend à renvoyer vers des sources figuratives, s’appuyant sur le symbolisme et la psychologie, alors que la jeune génération se concentre sur le purement abstrait.
Section 2 : Rupture avec l’Académie : Dessin de la vie et Distorsion
Oskar Kokoschka
(Autrichien, 1887-1980)
Max Reinhardt (Tête), 1919
Lithographie sur papier vélin gris
Démensions indisponibles
Don de Priscilla Paine Van der Poel, promotion 1928
SC 1977:32-169
Maggie North:
Bien qu’il s’agisse d’une lithographie, les lignes urgentes et désordonnées de cette estampe rappellent l’acte d’esquisser. Avec des marques erratiques, Oskar Kokoschka a capturé son contemporain, le célèbre metteur en scène de cinéma et de théâtre Max Reinhardt (1863-1943), dans un état d’anxiété apparente. Après avoir rompu avec l’École des Arts et Métiers de Vienne, Kokoschka s’est fait connaître pour des portraits qui, selon ses mots, « comprennent du visage, de son jeu d’expressions et de ses gestes, la vérité sur une personne en particulier. »Kokoschka était dramaturge, poète et artiste visuel, mais il s’intéressait aussi à la psychologie. Travaillant à une époque où les écrits psychanalytiques influents de Sigmund Freud étaient largement publiés, Kokoschka croyait que la « vérité” d’une personne existait dans son monde intérieur et cherchait à l’exposer. Dans ce portrait, les yeux incroyablement ronds et asymétriques de Reinhardt et les sourcils allongés et sillonnés sont expressifs plutôt que naturalistes.
Leonard Baskin
(Américain, 1922 – 2000)
Deux hommes, 1953
Encre de Chine et graphite sur papier couché chamois
38 1/8 po x 25 1/8 po
Don d’Hélène B. Black (promotion 1931)
MH 1988.14.17
Maggie North:
Inspirées par la fragilité de la condition humaine, les représentations de Leonard Baskin de la figure humaine sont souvent déformées ou défigurées. Il a déclaré un jour : « La figure humaine est l’image de tous les hommes et d’un seul homme – elle contient tout et peut tout exprimer. »Comme chez Deux Hommes, l’approche de Baskin du corps humain est éclairée par la connaissance de la musculature et l’étude académique de la proportion, mais Baskin enfreint les règles académiques. Fortement ombragés dans certaines zones et faiblement esquissés dans d’autres, ses corps sont parsemés de marques sombres et anguleuses qui pourraient représenter des veines ou des cicatrices plutôt qu’une peau lisse et souple. Les postures troublantes et les expressions faciales mystérieuses des hommes représentés contribuent à la qualité expressive du trait dans ce dessin. Représenté dans de nombreux musées et collections privées, Baskin est connu internationalement, mais il avait également une présence locale. L’artiste a enseigné l’art au Smith College de 1953 à 1974, puis au Hampshire College de 1984 à 1994.
Henry Spencer Moore
(Britannique, 1898-1986)
Sans titre: Figures féminines, 1956
Crayon, stylo et encre, crayon et lavis de couleur
10 15/16 po x 7 1/4 po
Cadeau de Richard S. Zeisler (Classe de 1937)
Art de l’hydromel Musée, Collège Amherst, AC 1959.139
Ji-In Jeong:
Henry Moore a principalement travaillé en sculpture, mais a utilisé le dessin comme moyen d’exprimer rapidement des idées de son inconscient. Moore a mélangé des figures humaines et d’autres observations du monde naturel pour construire de manière abstraite ses dessins, utilisant souvent une variété de médiums pour rendre des images en deux dimensions qui seront plus tard traduites en sculpture. Dans Untitled: Female Figures, l’artiste crée l’illusion d’une œuvre sculpturale par l’utilisation de la ligne, du contour, de la couleur et des matériaux. Il met en évidence certaines zones avec un lavage de couleur vibrant et en laisse d’autres blanches, jouant avec l’espace positif et négatif. Pour compléter ces zones plus claires, Moore superpose une variété de tonalités texturées, de l’ombrage subtil du crayon graphite à l’encre noire austère utilisée pour rendre les zones hachurées les plus sombres. Moore utilise la ligne pour pousser ses formes imaginées dans une troisième dimension. Le dessin sert de mode d’expression accessible et rapide qui peut ensuite être transformé en une forme sculpturale.
Section 3: Myriad Marks
Harvey Quaytman (Américain, 1937-2000)
Cinzano, 1963
Crayon et crayon à l’huile sur papier
11 1/16 po x 14 po
Cadeau de l’artiste à la mémoire de son père, Mark Quaytman. Musée Universitaire d’Art Contemporain, Université du Massachusetts, Amherst, UM 1963.3
Ji-In Jeong:
Harvey Quaytman était un artiste abstrait géométrique basé à New York connu pour son style de peinture à bords durs lié au minimalisme. Son travail combine également un langage expressif avec des compositions asymétriques et des zones riches de couleurs. Dans Cinzano, des lignes d’épaisseurs, de formes et de flexibilités variables interprètent des formes géométriques dans un plan abstrait. Le titre vient d’un vermouth italien emblématique, suggérant que l’artiste a travaillé à partir d’une observation directe de la bouteille afin de redéfinir les conventions traditionnelles d’une image de nature morte. Les principales lignes de composition sont épaisses et confiantes. Les lignes secondaires griffonnées ou hachurées ont un mouvement plus fluide vers elles, flottant à travers une suggestion d’espace peu profond. Certaines lignes sont créées négativement par effacement, tandis que d’autres sont appliquées de manière épaisse par un ombrage lourd, comme on le voit dans le bloc rectangulaire sur le côté gauche de la page.
Barbara Hepworth (Britannique, 1903-1975)
Projet pour Bois et cordes, Trezion II, 1959
Peinture, huile, gesso, crayon à bord
14 7/8 po x 21 1/8 po. Don de Richard S. Zeisler. Musée d’art de l’hydromel, Amherst College, AC 1960.1
Juliana Ward:
Barbara Hepworth, sculptrice britannique de renommée internationale, est connue pour ses sculptures abstraites qui évoquent la nature en utilisant la ligne, la forme, l’espace, la texture et les matériaux naturels. Cette esquisse pour une sculpture, Projet pour Bois et cordes, Trezion II, donne un aperçu de l’obsession d’Hepworth pour la forme, à travers les lignes précises et presque mathématiques qu’elle emploie au crayon sur un fond peint ton sur ton. Ces lignes de graphite apparaissent pour créer des formes abstraites lorsqu’elles tournent et s’attachent les unes aux autres, suggérant des tensions d’espace tridimensionnel. Les lignes diagonales hachurées au centre du ton bleu le plus brillant créent un point de fuite faisant allusion à la tradition du dessin en perspective. Hepworth réinvente l’espace perspectif à travers une abstraction futuriste. Elle utilise la ligne abstraite pour ré-envisager l’esquisse dans ce dessin éthéré.
Iwami Reika
(japonais, né en 1924)
Sans titre « Skating by the Water”, 1976
Estampe, bloc de bois et feuille d’or
13 3/4 po x 10 1/16 po.
Don de Doris Lee et John H. Rich, Jr. Musée d’art Mead, Amherst College, AC 2010.31
Juliana Ward:
Iwami Reika, maître graveur japonais, est connue pour ses évocations linéaires abstraites de la nature. Elle réinvente les capacités de la ligne expressive en incorporant des matériaux trouvés dans son imprimé. Reika ne s’appuie pas seulement sur sa propre main pour rendre la ligne, mais utilise du bois flotté trouvé, imprimant à la fois le grain de bois naturel et l’utilisant comme source d’inspiration pour des lignes dessinées organiques. Son langage expressif de la ligne brouille les divisions entre les éléments naturels tels que l’eau, le bois, l’air et l’espace. Travaillant dans une palette de couleurs limitée, Reika permet à la ligne, à l’espace et à la texture visuelle de prendre le devant de la scène. Son accent sur la ligne ou la forme expressive et parfois symbolique crée un drame sobre, suggérant un monde intérieur philosophique ou spirituel. Reika est aussi une poétesse du haïku, une autre tradition japonaise basée sur la retenue. Elle déclare : « Le haïku est une étude de discipline. Cela oblige à éliminer ce qui n’est pas nécessaire, et c’est pourquoi je l’utilise comme un exercice spirituel pour mes empreintes. »
La Ligne Expressive comme Geste
Lee Krasner
(Américain, 1908 – 1984)
Série primaire: Pierre d’or, 1969
Lithographie en couleur
22 1/2 po x 30 po.
Don de Robert Staub par la Fondation Martin S. Ackerman, Musée Universitaire d’Art Contemporain, Université du Massachusetts, Amherst, UM 1979.23
Lee Krasner
(Américain, 1908 – 1984)
Série primaire: Pierre rose, 1969
Lithographie en couleur
22 1/2 in x 30 po.
Don de Robert Staub par la Fondation Martin S. Ackerman, Musée Universitaire d’Art Contemporain, Université du Massachusetts, Amherst, UM 1979.24
Lee Krasner
(Américain, 1908 – 1984)
Série primaire: Pierre bleue, 1969
Lithographie couleur
22 1/2 po x 30 po.
Don de Robert Staub par la Fondation Martin S. Ackerman, Musée d’Art Contemporain de l’Université du Massachusetts, Amherst, UM 1979.25
Melanie Griffith:
La série primaire de Lee Krasner présente une éclaboussure de couleur convaincante sur la toile. Le triptyque est basé sur les couleurs primaires, mais remplace le rouge, le jaune et le bleu communs par des teintes plus suggestives ou poétiques. Krasner est devenue connue pour les peintures colorées et exubérantes qu’elle a produites après la mort de son mari, le peintre Jackson Pollock, en 1956. Portée par le mouvement des femmes, elle a pris de l’avance, créant des peintures et des estampes réputées pour leur expression dynamique et colorée. Elle a expérimenté un large éventail de techniques différentes de mise en couleur sur la toile et le papier. Dans cette série en trois parties, Krasner rend hommage aux peintures goutte à goutte de Pollock, expérimentant la transparence et l’opacité obtenues en faisant varier l’épaisseur de l’encre de lithographie avant d’imprimer chaque image dans la couleur de son choix.
Joan Mitchell
(Américaine, 1926-1992)
Côtés d’une rivière I, de la série Bedford, 1981
Lithographie imprimée sur papier couleur
42 x 32 po.
Don de Lois Perelson-Gross, promotion 1983, et Stewart Gross en l’honneur de Janice Carlson Oresman, promotion 1955, à l’occasion de sa 50e réunion
SC 2005:12-1
Maggie North:
Joan Mitchell était l’une des rares artistes féminines à faire irruption dans le groupe expressionniste abstrait américain dominé par les hommes dans les années 1950. Bien qu’elle soit célèbre pour ses grandes peintures d’action colorées, Mitchell a également utilisé le pastel et était une graveuse accomplie. Au premier abord glacial, ses marques peuvent sembler imprévues, mais une attention extraordinaire aux jeux de couleurs équilibrés et à la relation figure-sol sous-tendent généralement les œuvres gestuelles de Mitchell. En 1981, Mitchell travaille en étroite collaboration avec le célèbre imprimeur Kenneth Tyler pour créer une série de dix grandes lithographies, dont celle-ci. La série a été intitulée « Série Bedford », d’après l’emplacement de l’atelier à Bedford Village, New York. Des marques éparses, crayeuses et semi-verticales remplissent le centre de la composition, devenant plus sombres et plus condensées en haut et en bas du papier. Les lignes compressées de Mitchell sont presque calligraphiques. Comme des signatures illisibles, elles invitent simultanément à la spéculation et cachent leur signification expressive.