Inizi di Art Deco
Entro la fine del 19 ° secolo in Francia, molti dei notevoli artisti, architetti e designer che avevano svolto un ruolo importante nello sviluppo dello stile Art Nouveau riconosciuto che stava diventando sempre più passé. Alla fine di un secolo che ha visto la rivoluzione industriale prendere piede, la vita contemporanea è diventata molto diversa da qualche decennio prima. Era tempo di qualcosa di nuovo, qualcosa che gridasse “20th Century” dai tetti modernisti e di buon gusto.
La Società degli Artisti Decorativi in Francia
Da questo desiderio di entrare nel nuovo secolo al passo con l’innovazione piuttosto che essere frenato dalla nostalgia, un gruppo di innovatori artistici francesi formò un’organizzazione chiamata Societé des Artistes Décorateurs (La Società degli Artisti decorativi). Il gruppo era composto da personaggi noti come il designer e incisore in stile Art Nouveau Eugene Grasset, e l’architetto Art Nouveau Hector Guimard, insieme ad artisti e designer decorativi emergenti come Pierre Chareau e Francis Jourdain. Lo stato francese ha sostenuto e promosso questa direzione dell’attività artistica.
Uno degli obiettivi principali del nuovo gruppo era quello di sfidare la struttura gerarchica delle arti visive che relegava gli artisti decorativi a uno status inferiore rispetto ai più classici media di pittura e scultura. Jourdain è notoriamente citato come dicendo, ” Di conseguenza abbiamo deciso di restituire l’arte decorativa, sconsideratamente trattata come una Cenerentola o povera relazione permessa di mangiare con i servi, al posto importante, quasi preponderante che occupava nel passato, di tutti i tempi e in tutti i paesi del globo.”Il progetto di una grande mostra che presentasse un nuovo tipo di arte decorativa fu originariamente concepito per il 1914, ma dovette essere sospeso fino alla fine della prima guerra mondiale e poi rimandato per vari motivi fino al 1925.
La Mostra, che ha ufficialmente lanciato il movimento
Il governo francese, che ha ospitato la mostra tra l’esplanade di la cupola dorata, Les Invalides e gli ingressi del Petit Palais e il Grand Palais su entrambi i lati della Senna, hanno cercato di mostrare il nuovo stile. Oltre 15.000 artisti, architetti e designer hanno esposto il loro lavoro all’esposizione. Durante i sette mesi della mostra, oltre 16 milioni di persone hanno visitato le numerose mostre individuali. Questa mostra è stata il catalizzatore per l’inizio del movimento.
Art Nouveau e Art Deco
L’Art Deco era una risposta diretta esteticamente e filosoficamente allo stile Art Nouveau e al più ampio fenomeno culturale del modernismo. Art Nouveau ha cominciato a cadere fuori moda durante la prima guerra mondiale, come molti critici hanno ritenuto i dettagli elaborati, disegni delicati, materiali spesso costosi e metodi di produzione dello stile erano poco adatti a un impegnativo, instabile, e sempre più meccanizzato mondo moderno. Mentre il movimento Art Nouveau derivava le sue forme intricate e stilizzate dalla natura ed esaltava le virtù del fatto a mano, l’estetica Art Deco enfatizzava la razionalizzazione dell’età della macchina e la geometria elegante.
Art Deco e Modernismo
L’Exposition Internationale ha riunito non solo opere in stile Art Deco, ma ha messo oggetti artigianali vicino a esempi di dipinti e sculture d’avanguardia in stili come Cubismo, Costruttivismo, Bauhaus, De Stijl e Futurismo. Dal 1920, Art Deco era un esuberante, ma in gran parte mainstream, contrappunto al Bauhaus più cerebrale e l’estetica De Stijl. Tutti e tre hanno condiviso l’enfasi su linee pulite e forti come principio di progettazione organizzativa. I professionisti dell’Art Deco hanno abbracciato l’innovazione tecnologica, i materiali moderni e la meccanizzazione e hanno tentato di enfatizzarli nell’estetica generale dello stile stesso. I praticanti hanno anche preso in prestito e imparato da altri movimenti modernisti. Art Deco è venuto per essere considerato da ammiratori che erano al passo con le prospettive lungimiranti delle avanguardie contemporanee. Ironia della sorte, la pittura e la scultura moderniste hanno giocato un ruolo secondario nella mostra con le poche eccezioni del padiglione sovietico e del padiglione Esprit Nouveau di Le Corbusier.
Art Deco Dopo la Grande Depressione
L’inizio della seconda fase dell’Art Deco coincise con l’inizio della Grande Depressione. L’austerità, infatti, potrebbe essere il nucleo estetico sia per ragioni pragmatiche che concettuali di questo secondo sviluppo dell’Art Deco. Mentre l’architettura Art Deco, per esempio, era stata orientata verticalmente con grattacieli che si arrampicavano ad altezze elevate, i successivi edifici Art Deco con i loro esterni per lo più non decorati, le curve aggraziate e le sottolineature orizzontali simboleggiavano robustezza, dignità silenziosa e resilienza. Durante i peggiori anni di disastro economico, dal 1929 al 1931, l’Art Deco americano è passato dal seguire le tendenze all’impostarle.
Streamline Moderne
Streamline Moderne divenne la continuazione americana del movimento Art Deco europeo. Al di là delle gravi influenze economiche e filosofiche, l’ispirazione estetica per le prime strutture Streamline Moderne erano edifici progettati dai fautori del movimento New Objectivity in Germania, nato da un’associazione informale di architetti, designer e artisti tedeschi che si era formata nei primi anni del 20 ° secolo. Nuova oggettività artisti e architetti sono stati ispirati dallo stesso tipo di pragmatismo sobrio che ha costretto i fautori di Streamline Moderne per eliminare l’eccesso, tra cui l’emotività dell’arte espressionista. Gli architetti di nuova oggettività si sono concentrati sulla produzione di strutture che potrebbero essere considerate pratiche, come riflettenti le esigenze della vita reale. Preferivano che i loro disegni si adattassero al mondo reale piuttosto che fare in modo che gli altri si adattassero a un’estetica poco pratica. A tal fine, New Objectivity architects ha persino aperto la strada alla tecnologia di prefabbricazione (aiutando in modo rapido ed efficiente a ospitare i poveri della Germania).
Priva di ornamenti, Streamline Moderne architecture presentava curve pulite, lunghe linee orizzontali (comprese fasce di finestre), mattoni di vetro, finestre in stile oblò e forme cilindriche e talvolta nautiche. Più che mai, c’era un’enfasi sull’aerodinamica e su altre espressioni della tecnologia moderna. I materiali più costosi e spesso esotici dell’Art Deco sono stati sostituiti con cemento, vetro e hardware cromato in Streamline Moderne. Il colore è stato usato con parsimonia come off-bianco, beige, e toni della terra sostituito i colori più vividi di Art Deco. Lo stile è stato introdotto per l’architettura e poi ampliato ad altri oggetti, in modo simile al tradizionale stile Art Deco.
L’Art Deco è chiamato retroattivamente
Originariamente, il termine “Art Deco” è stato usato in modo peggiorativo da un famoso detrattore, l’architetto modernista Le Corbusier, in articoli in cui criticava lo stile per la sua decorazione, una caratteristica che considerava non necessaria nell’architettura moderna. Mentre i fautori dello stile salutato come un spogliato-down, modernista risposta alla eccessiva ornamentazione, soprattutto in confronto al suo immediato predecessore, Art Nouveau, come ogni decorazione era superfluo per Le Corbusier. Non è stato fino alla fine del 1960, quando l’interesse per lo stile è stato rinvigorito, che il termine “Art Deco” è stato utilizzato in modo positivo dallo storico dell’arte britannico e critico Bevis Hillier.
Art Deco e Stati Uniti
Negli Stati Uniti., la ricezione del movimento Art Deco si è sviluppata in una traiettoria diversa. Herbert Hoover, il Segretario del commercio degli Stati Uniti al momento, decretò che i designer e gli architetti americani non potevano esporre il loro lavoro all’Exposition Internationale poiché sosteneva che il paese doveva ancora concepire uno stile artistico distintamente americano che fosse soddisfacentemente “abbastanza nuovo.”In alternativa, mandò una delegazione in Francia per valutare le offerte all’Esposizione; e poi applicare ciò che vedevano a uno stile artistico e architettonico americano contemporaneo. Inclusi nel contingente di emissari estetici inviati da Hoover erano importanti figure dell’American Institute of Architecture, del Metropolitan Museum of Art e del New York Times. La missione ispirò un boom quasi immediato nell’innovazione artistica negli Stati Uniti
Nel 1926 una versione più piccola della fiera francese chiamata “Una collezione selezionata di oggetti dell’Esposizione Internazionale di Arti Moderne, industriali e decorative” viaggiò attraverso molte città degli Stati Uniti come New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis e Philadelphia. Le fiere mondiali americane di Chicago (1933) e New York (1939) hanno caratterizzato in modo prominente i disegni Art Deco mentre Hollywood ha abbracciato l’estetica e l’ha resa glamour in tutto il paese. Anche aziende americane come General Motors e Ford hanno costruito padiglioni nella Fiera mondiale di New York.
Tra gli esempi più noti dello stile Art Deco americano ci sono grattacieli e altri edifici su larga scala. In effetti, l’iterazione americana dell’Art Deco nei progetti di costruzione è stata definita Zigzag Moderna per i suoi motivi angolari e geometrici come elaborate facciate architettoniche. Tuttavia, nel complesso l’Art Deco americano è spesso meno ornamentale del suo predecessore europeo. Oltre le linee pulite e le curve forti, le forme geometriche audaci, i colori ricchi e le decorazioni a volte sontuose, la versione americana è più ridotta. Come importanti influenze come la nuova oggettività e lo stile internazionale di architettura, nonché le gravi battute d’arresto economiche della fine del 1920 e l’inizio del 1930 ha cominciato a esercitare se stessi sull’estetica Art Deco, lo stile è diventato molto meno sontuoso. Ad esempio, questa trasformazione potrebbe essere simboleggiata dalla sostituzione dell’oro con il cromo, della madreperla con la Bachelite, del granito con il cemento, ecc.
Lo stile Art Deco americano si sviluppò come celebrazione del progresso tecnologico, inclusa la produzione di massa, e una fede restaurata nel progresso sociale. In sostanza, questi risultati potrebbero essere considerati un riflesso dell’orgoglio nazionale. Nel 1930 sotto la Works Progress Administration (WPA) di Roosevelt, molte delle opere che sono state create erano Art Deco, da strutture municipali come biblioteche e scuole a massicci murales pubblici. Il WPA aveva lo scopo di far ripartire l’economia statunitense del dopoguerra creando posti di lavoro nei lavori pubblici, e cercava di servire la comunità creando posti di lavoro e instillando i valori americani all’interno del design. L’uso dell’Art Deco americano ha così prodotto un’espressione di democrazia attraverso il design. Alcuni materiali spesso utilizzati nella creazione Art Deco erano costosi e quindi fuori dalla portata dell’uomo medio. Tuttavia, l’uso di materiali poco costosi o nuovi ha permesso di produrre una vasta gamma di prodotti a prezzi accessibili, e quindi ha portato la bellezza nella sfera pubblica in un modo nuovo. Art Deco ha ispirato il design e la produzione di una serie di oggetti – da copertine di riviste e pubblicità colorate a oggetti funzionali come posate, mobili, orologi, automobili e persino transatlantici.
Crescita globale dell’Art Deco
Lo stile Art Deco ha preso piede in capitali mondiali diverse come L’Avana, Cuba, Mumbai e Jakarta. L’Avana vanta un intero quartiere costruito in stile Art Deco. Il sistema ferroviario metropolitano di Londra incorpora pesantemente lo stile. Il porto di Shanghai contiene più di cinquanta strutture Art Deco, la maggior parte delle quali sono state progettate dall’ungherese Laszlo Hudec. Dai monumenti di guerra agli ospedali, città di vasta portata come Sydney e Melbourne in Australia hanno assorbito lo stile fenomenale pure.
Art Deco: Concetti, stili e tendenze
Le principali caratteristiche visive dell’Art Deco derivano dall’uso ripetitivo di forme lineari e geometriche tra cui forme triangolari, zigzagate, trapezoidali e a motivi chevron. Simile al suo predecessore, Art Nouveau, quando sono rappresentati oggetti come fiori, animali o figure umane, sono altamente stilizzati e semplificati per mantenere l’estetica complessiva dell’Art Deco. La natura e l’estensione della stilizzazione e semplificazione o stripping down varia a seconda dell’iterazione regionale dello stile. Ad esempio, una figura come L’uccello di fuoco (1922) del designer francese René Lalique, è elegantemente snella e attenuata, mentre l’Atlante di Lee Lawrie (1937) al di fuori del Rockefeller Center è solido e robusto con una muscolatura enfaticamente lineare anche se entrambi sono considerati belle rappresentazioni dello stile deco.
In linea con l’enfasi del movimento sulla tecnologia moderna, artisti e designer Art Deco hanno sfruttato materiali moderni come plastica, bachelite e acciaio inossidabile. Ma quando è stato necessario un tocco di ricchezza e raffinatezza, i designer hanno incorporato materiali più esotici come l’avorio, il corno e la pelle di zebra. Come per l’Art Nouveau e le Arti e Mestieri movimenti, lo stile Art Deco è stato applicato molto meno alle forme di arte visiva tradizionalmente più alto rango di espressione: pittura e scultura.
Design
Lo stile Art Deco ha esercitato la sua influenza sulle arti grafiche in un modo che rivela l’influenza del Futurismo italiano con il suo amore per la velocità e l’adorazione della macchina. Gli artisti futuristi usavano le linee per indicare il movimento, noto come” baffi di velocità ” che uscivano dalle ruote di automobili e treni in rapido movimento. Inoltre, i praticanti dell’Art Deco utilizzavano linee parallele e forme affusolate che suggeriscono simmetria e razionalizzazione. La tipografia è stata influenzata dall’influenza internazionale dell’Art Deco e i caratteri Bifur, Broadway e Peignot richiamano immediatamente lo stile alla mente.
In termini di immagini, forme semplici e ampie aree di colore solido ricordano le xilografie giapponesi, che erano diventate una delle principali fonti di influenza per gli artisti occidentali, specialmente in Francia, dopo la fine del periodo isolazionista Edo nel 1868. Il successivo afflusso di arte dal Giappone all’Europa ha avuto un impatto enorme. In particolare, gli artisti hanno trovato nella semplicità formale delle xilografie un modello per creare i propri stili distintamente moderni a partire dall’impressionista.
Mobili
Fino alla fine del 1920, il design di mobili d’avanguardia in Francia era per lo più variazioni sullo stile Art Nouveau ma semplificato e meno curvilineo. Con il progredire del decennio, Émile-Jacques Ruhlmann emerse come il più importante designer di mobili (Ruhlmann aveva un suo padiglione all’Esposizione del 1925). Mentre i suoi disegni sono stati principalmente ispirati da pezzi del 18 ° secolo prodotto in stile neoclassico, ha eliminato gran parte della decorazione, pur utilizzando materiali esotici favorito da designer Art Nouveau come mogano, ebano, palissandro, avorio, e guscio di tartaruga. Naturalmente, i suoi pezzi erano spesso troppo costosi da acquistare per chiunque a parte i più ricchi.
In contrasto con i sontuosi disegni di Ruhlmann, che sembravano a cavallo tra gli stili Art Nouveau e Art Deco, il designer di mobili Art Deco più definitivo in Francia era Jules Leleu. Era stato un designer tradizionale fino a quando il nuovo stile ha soppiantato l’Art Nouveau ed è noto per il design della grande sala da pranzo del Palazzo dell’Eliseo a Parigi, e le lussuose cabine sul ponte di prima classe dell’elegante piroscafo, il Normandie.
In contrasto con Leleu e Ruhlmann, Le Corbusier è stato un fautore di una versione molto ridotta, senza ornamenti dello stile Art Deco, spesso creando mobili adatti per gli interni austeri proprie strutture architettoniche. La sua intenzione era quella di progettare prototipi, in particolare di sedie, che potessero essere prodotti in serie e quindi accessibili a un mercato più ampio. Da segnalare anche l’interior design di Donald Deskey del famoso punto di riferimento di New York City, Radio City Music Hall, è un eccellente esempio di design di mobili Art Deco americano che è ancora intatto nella sua forma originale oggi.
Architecture
L’architettura Art Deco è caratterizzata da un design duro, spesso riccamente impreziosito, accentuato da accenti metallici scintillanti. Molti di questi edifici hanno un’enfasi verticale, costruita in un modo destinato a disegnare l’occhio verso l’alto. Le forme rettangolari, spesso a blocchi, sono disposte geometricamente, con l’aggiunta di guglie sul tetto e/o elementi ornamentali curvi per fornire un effetto aerodinamico. I grattacieli di New York e gli edifici color pastello di Miami sono tra i più famosi esempi americani, anche se lo stile è stato distribuito in una varietà di strutture in tutto il mondo.
Negli Stati Uniti, la Works Progress Administration ha aiutato l’architettura Art Deco a diventare mainstream. È interessante notare che, la fusione di Art Deco e Beaux-Arts classicismo visto in molte opere pubbliche Depressione-era è venuto per essere conosciuto come PWA Moderne o Depressione Moderne.
Sviluppi successivi – Dopo Art Deco
Art Deco è caduto fuori moda durante gli anni della seconda guerra mondiale in Europa e Nord America, con l’austerità del tempo di guerra causando lo stile a sembrare sempre sgargiante e decadente. I metalli sono stati recuperati da utilizzare per la costruzione di armamenti, al contrario di decorare edifici o spazi interni. Gli arredi non erano più considerati oggetti di stato. Ulteriori progressi tecnologici hanno permesso una produzione più economica di articoli di consumo di base, allontanando la necessità e la popolarità dei designer Art Deco.
Un movimento che per molti aspetti ha cercato di staccarsi dal passato, è diventato un classico nostalgico e ricordato con affetto. Dal 1960, c’è stato un costante, costante interesse per lo stile. Echi di Art Deco può essere visto nel design moderno metà del secolo, che porta avanti l’estetica snella di Deco e rivisita la semplicità pulita del Bauhaus. Deco ha anche contribuito a ispirare il Gruppo Memphis, un movimento di design e architettura centrato a Milano nel corso del 1980. Memphis ha anche attinto dalla Pop art e Kitsch come fonti per i suoi disegni colorati, consapevolmente postmoderni.