Il 25 Americani Migliori Sceneggiature del 21 ° Secolo, Da ” Eternal Sunshine’ e ‘Lady Bird’

spesso Si sente amministrazione dire che ogni film è davvero tre film: L’uno sulla pagina, l’uno si spara, e quello che si finisce con il final cut. Questo ti dà tre possibilità di farlo bene o rovinare ancora di più, ma niente batte una solida base e un progetto ben realizzato. Almeno con una grande sceneggiatura, sai che sarà molto più difficile rovinare le altre due fasi.

Qualsiasi considerazione dei migliori film degli ultimi 18 anni assume un nuovo contesto se considerata esclusivamente in termini di sceneggiature. Ci sono alcuni maestri evidenti della forma, come Charlie Kaufman e Kenneth Lonergan, per non parlare della precisione a orologeria della Pixar story factory, motivo per cui tutti hanno due film in questa lista. Molti dei film qui sono stati derubati di nomination agli Oscar, tra cui “Zodiac” di David Fincher a “Memento” di Christopher Nolan, ma questo non toglie nulla ai loro meriti.

In questo spirito, ecco la lista di IndieWire delle migliori sceneggiature americane degli ultimi due decenni. Condividi il tuo nei commenti.

“American Psycho” (2000)

Il romanzo di Bret Easton Ellis del 1991 “American Psycho” fu avvolto dalle polemiche che circondarono la sua uscita, poiché ritrasse la vita brutalmente violenta di uno yuppie alpha NYC che preferiva uccidere prostitute e senzatetto. Così che cosa avrebbe ispirato due donne cowriters, regista Mary Harron e Guinevere Turner, per adattare la storia per il cinema? La coppia è molto più interessata alle meccaniche che fanno spuntare Patrick Bateman, e da quella la satira che sottolinea i momenti migliori del film. Dall’ossessivo one-upsmanship sui biglietti da visita e sui posti al ristorante, alle stridenti canzoni pop degli anni ‘ 80 che sottolineano gli omicidi più brutali di Bateman, l’assassino è abilmente spostato dalla glorificazione al caso di studio. Usando saggiamente il romanzo come punto di partenza invece di un testo sacro, Harron e Turner danno alla loro sceneggiatura un sacco di texture e sfumature che elevano questo film da nota a piè di pagina di culto a una masterclass di sceneggiatura. – William Earl

“Alla ricerca di Nemo” (2003)

E ‘ difficile pensare di maggiore carattere comico di Dory, il pesce tang blu con perdita di memoria a breve termine e un cuore d’oro. Come doppiato dall’incomparabile Ellen Degeneres, Dory è allo stesso tempo esasperante e irresistibile. Giocando un balbuziente Albert Brooks come confuso Marlon straight-fish (ok, tecnicamente è un pesce pagliaccio), questi due potrebbero reggere il confronto con qualsiasi duo comico classico. Certo, ci vorrebbe un film per bambini sul pesce per scrivere la più grande commedia non romantica di guy / gal buddy. Ma ciò che eleva “Alla ricerca di Nemo” al più grande film Pixar di tutti i tempi è il suo nucleo emotivo. Non solo “Alla ricerca di Nemo” è il tipo di film che gli adulti possono ridere, ma la ricerca di Marlon per Nemo taglia fino all’osso per qualsiasi genitore o bambino. Bob Peterson e David Reynolds assistito co-regista Andrew Stanton sulla sua storia originale, la stessa mente che ha sognato altri top giunti Pixar “Wall-E” e “Toy Story.”Commovente, esilarante e adornato da paesaggi marini vibranti e fluidi,” Alla ricerca di Nemo ” cattura la più grande lezione che ogni genitore deve imparare; l’arte di lasciarsi andare. —Jude Secco

“Bella & Incredibile” (2001)

recentemente “ha Detto Basta,” Nicole Holofcener scrive il tipo ideale di commedie: quelli profondamente sbagliata personaggi che si dilettano nella vita è inevitabile pasticci. Questo film quasi perfetto vede Catherine Keener ed Emily Mortimer come sorelle, con l’eccellente Brenda Blethyn come madre in cerca di liposuzione, e una rapitrice di scene Raven Goodwin come sorella nera adottata. Ogni personaggio è diverso da qualsiasi altra donna che vedrai sullo schermo, parti uguali autoironiche e egocentriche. Holofcener bilancia molti elementi, tra cui una relazione maggio-dicembre con un giovane Jake Gyllenhaal, e utilizzando il giovane Goodwin come foraggio comico sfacciato. È una scelta coraggiosa che paga. Erroneamente ancorato a” smart chick-flick ” da alcuni, Holofcener è quel raro doppio smacco di un autore la cui genuina arte è mascherata da puro valore di intrattenimento. —Jude Dry

“Creed” (2015)

Warner Bros./REX/

La sceneggiatura di “Creed” di Ryan Coogler e Aaron Covington è il tipo di knockout piacevole per la folla che sembra arrivare una volta in una luna blu. Non solo la sceneggiatura riesce a raccontare un’autentica storia di origine del giovane e determinato Adonis Creed, ma trova anche un modo autentico per far rivivere Rocky di Sylvester Stallone e renderlo il fulcro emotivo dell’ascesa di Adonis al pugile campione. Niente in” Creed “si sente calzato per soddisfare i fan di “Rocky”. La sceneggiatura combatte duramente per investirti nel viaggio di Adonis e guadagnare i suoi richiami al classico di Stallone. Non c’è da stupirsi che il momento in cui Creed attraversa le strade di Filadelfia si senta come un trionfo così rinvigorito. Lo script è la definizione stessa di soddisfazione. – Zack Sharf

“The Kids Are All Right” (2010)

Dopo aver fatto alcuni capolavori impegnativi, Lisa Cholodenko finalmente buttato fuori dal parco con una versione arguta e abile sulla vita familiare contemporanea. La sceneggiatura di Choldenko era così buona che attirò artisti del calibro di Annette Bening e Julianne Moore, e rese protagoniste le giovani Mia Wasikowska e Josh Hutcherson. Bening e Moore sono cinetici come una lesbica potere di controllo e la sua moglie dallo spirito libero che ha una relazione con il loro donatore di sperma, giocato con quintessenza rilassato brio da Mark Ruffalo. Wasikowska e Hutcherson portano una miscela perfetta di innocenza infantile e precocità volontaria come i bambini titolari. Il film è stato un successo di critica e al botteghino, anche se alcuni critici LGBT irto al tropo “lesbiche gira dritto”. A nostro parere, Cholodenko ottiene un passaggio come una lesbica fuori a Hollywood che fa grandi film-e si scopre tutto bene alla fine. —JD

“Punch-Drunk Love” (2002)

Criterion Collection

Paul Thomas Anderon brillante meditazione la rabbia, repressa uomini Adam Sandler ha giocato un triliardo di volte che trasforma l’archetipo in una mirabile visione. Il depresso solitario Barry Egan fatica a trovare le parole per affrontare un mondo che lo butta in giro senza fine, ma la sua panacea arriva come una rivelazione in compagnia romantica (che sarebbe Emily Watson). Potresti sezionare la politica di genere di questo film fino alla morte, ma la sceneggiatura di PTA gestisce la brillante scommessa di rimanere nei confini della testa di Barry, quindi non importa cosa vada davvero giù in quei momenti finali è chiaro che ha trovato un po ‘ di pace. ” Ho l’amore nella mia vita”, dichiara, ” e questo mi rende più potente di quanto tu possa immaginare.”In effetti, questo potrebbe essere il più vicino Anderson arriva a fare un film di supereroi attraverso la sua logica narrativa surreale e surreale. È anche una meditazione fantasiosa sull’inanità della rabbia alimentata dal testosterone. “Ecco, uomo materasso” dovrebbe essere il mantra di tutti. – Eric Kohn

“Carol” (2015)

Uno degli aspetti più belli di “Carol” è quanto peso ed emozione si tengono in un solo sguardo tra Carol e Therese, soprattutto in un momento in cui le parole potevano essere ponderate solo con un’emozione accuratamente velata. L’attrazione tra Carol e Therese è innegabile e sconvolge tutto ciò che Therese pensava di sapere di se stessa, mandandola nel suo viaggio di scoperta di sé sia intrecciata che separata da Carol. Oggi, all’ombra di film come “Moonlight” e “Call Me By Your Name”, “Carol” sembra quasi una reliquia, un film che non può celebrare appieno l’amore gay senza gettare conseguenze schiaccianti. Tuttavia, la sceneggiatura di Phyllis Nagy nominata all’Oscar rimane un promemoria vitale sia della bellezza della queerness, sia delle lunghezze che abbiamo percorso (e dobbiamo ancora andare) in termini di accettazione.

Quando le due donne finalmente danno nella loro passione, il risultato è una bella dimostrazione di erotismo tinto di angoscia — Carol sa che finalmente cedere significa anche la fine. La loro passione implose sia il matrimonio di Carol e la loro relazione, e quando finalmente si vedono dopo qualche tempo, i loro ruoli sono stati definitivamente invertiti. Therese è diversa, più sicura e sicura di chi è, grazie in parte a Carol. Ed è Carol che ora sembra insicura, avendo perso le comodità della sua vita precedente, il suo matrimonio e il suo bambino, e l’unico vero amore che aveva trovato in Therese. —Jamie Righetti

“bastardi senza gloria” (2009)

François Duhamel / The Weinstein Company / Universal Pictures

Mai uno a rifuggire da brunitura del suo stesso mito, Quentin Tarantino ha dichiarato pubblicamente che la scena di apertura di “bastardi senza gloria” è il suo preferito cosa che abbia mai scritto. E mentre gli artisti non sono sempre i migliori arbitri del proprio lavoro, Tarantino è il raro regista famoso tanto per il suo gusto nei film quanto per averli realizzati. Abbastanza sicuro, ha ottenuto questo giusto.

di data Mining incredibile suspense da una mega-dose di esposizione, Hans Landa di conversazione con un sospetto tesa francese allevatore non fa solo per uno dei più grandi villain introduzioni di tutti i tempi, ci vuole anche un familiare tropo dell’Olocausto cinema — taglio tra una calma Nazista e pietrificata Ebrei nascondersi da lui, a pochi metri di distanza — ed esplode in un mondo colorato che è meno informato dalla seconda Guerra Mondiale che è il film che sono stati fatti su di esso. Il terrificante climax della sequenza, schiacciare “The Searchers” in ” Texas Chainsaw Massacre “per arrivare a qualcosa di completamente nuovo, pone le basi per il più grande film di Tarantino, quello che meglio sostiene che” pastiche” è solo una parola sporca se non sai come pronunciarla correttamente. Un abbagliante lavoro di storia revisionista che sovrappone un pezzo indimenticabile a un altro, “Inglourious Basterds” in qualche modo sforna una piccola manciata di scene autonome in un’epica delirante e soddisfacente piena di grandi personaggi, momenti citabili e un profondo amore per i film stessi. – David Ehrlich

“You Can Count on Me” (2000)

Alla fine dell’acclamato debutto di Kenneth Lonergan, il fratello minore ribelle (Mark Ruffalo) sta per salire su un autobus verso un futuro poco chiaro. Ripete a sua sorella (Laura Linney), ” Ricorda quello che diciamo.”I personaggi non dicono mai cosa sia, ma il pubblico sa istintivamente che è il titolo del film: puoi contare su di me. È un puro momento di Kenneth Lonergan, con il pubblico che riempie gli spazi vuoti dei suoi personaggi danneggiati in modo tale che la nostra comprensione di loro sia più profonda e più emotiva. Nel primo lungometraggio dell’acclamato drammaturgo, il legame tra fratello e sorella è stato chiaramente modellato dai tragici eventi della loro infanzia, ma è un passato di cui ci viene dato un quadro completo senza aver mai visto. Invece, lo scrittore espone tutto attraverso implicazioni e si fida dei suoi interpreti — così come del pubblico — per fare il salto. – Chris O’Falt

“Moonlight” (2016)

Poiché “Moonlight” è così visceralmente coinvolgente, le qualità non convenzionali e non americane della narrazione in questa sceneggiatura premio Oscar spesso vengono ignorate. In un film che copre decenni della vita del suo protagonista, gli sceneggiatori Barry Jenkins e Tarell Alvin McCraney scavano in profondità in tre brevi momenti e chiedono al pubblico di creare connessioni che rivelino grandi verità sull’uomo che Chirone diventa. Dalla scomparsa di Juan (Mahershala Ali) nel secondo capitolo – lasciandoci disorientati e dovendo mettere insieme la storia di ciò che è accaduto, non diversamente da un bambino abbandonato – agli strazianti 20 minuti finali del film, le scelte audaci e rischiose della sceneggiatura di ”Moonlight” pagano in modi che fanno sì che questo capolavoro migliori solo con il tempo e le visioni ripetute. – CO

“Lost in Translation” (2003)

Se “The Virgin Suicides” unse Coppola come un grande nuovo talento, “Lost in Translation” ha dimostrato che era appena iniziato. L “affascinante, situazione strutturata di invecchiamento star del cinema Bob Harris e la giovane donna che fa amicizia in un sontuoso hotel di Tokyo compiuto molte cose in una sola volta: E” single handedly rifatto la carriera di Bill Murray e mettere Scarlett Johansson sulla mappa; si è trasformato la visione occidentalizzata del lusso di Tokyo sul suo orecchio; ha assalito l’industria della pubblicità; ha fatto sembrare il karaoke cool. Entrambi gli attori erano pronti per la commedia romantica giocosa e misteriosa di Coppola, un racconto kafkiano di due persone provenienti da diversi percorsi di vita che trovano un terreno comune nel mondo triste e solitario che li circonda. Il volto di Murray racconta metà della storia, con ogni piega e un sopracciglio che parla delle sue frustrazioni interiorizzate. Ma il personaggio di Johansson, una giovane donna stanca di giocare a trophy wife al marito egocentrico, è stato a lungo interpretato come un avatar per le esperienze di Coppola nel suo matrimonio con Spike Jonze.

Coppola non nega a questi personaggi la possibilità di trovare la loro strada verso un lieto fine; ma in un colpo da maestro diventato iconico, nega al pubblico la possibilità di ascoltare le parole di separazione della coppia. Questa è la genialità di Coppola in poche parole: i limiti del linguaggio non possono mai trasmettere le infinite possibilità dell’impegno emotivo. Saremo sconcertanti sullo scambio finale di Bob e Charlotte per secoli, ma le sue implicazioni commoventi sono innegabili. —EK

“Il Signore degli Anelli Trilogia” (2001-2003)

Un incredibile impresa di adattamento, Philippa Boyens, Peter Jackson, e Fran Walsh script per “Il Signore degli Anelli” in qualche modo distillata di 450.000 parole in un fluido trilogia cinematografica che si scioglie di J. R. R. Tolkien ridicolmente denso mitologia in un’epica avventura ricca di cuore e di umanità. Sapendo solo cosa omettere (ci vediamo, Tom Bombadil) e solo cosa aggiungere (l’evoluzione di Arwen in un pilota campione è un bel tocco che aiuta a galvanizzare la sua trama d’amore), la squadra di Jackson ha tagliato l’essenza di questi personaggi, pur lasciando spazio agli spettatori per godersi lo splendore della Terra di Mezzo che li circonda. Che l’edizione estesa di “The Two Towers” sia ancora più ricca (e si senta più corta) del taglio teatrale è un omaggio alla visione di Tolkien — che il film funzioni così magnificamente anche senza i bit di Faramir è un testamento inoppugnabile all’integrità di base di queste sceneggiature, che non imbrogliano mai o prendono scorciatoie emotive non guadagnate. Potremmo non sapere mai perché le aquile non hanno semplicemente volato l’Unico Anello a Mount Doom, ma con la scrittura di questo bene, è difficile lamentarsi. – DE

“Sideways” (2004)

Sad men potrebbe essere l’obiettivo iniziale della sceneggiatura premio Oscar di Alexander Payne e Jim Taylor (adattata dall’omonimo romanzo di Rex Pickett), ma gli scribi si aprono saggiamente quando è il momento di introdurre personaggi femminili come Maya e Stephanie-anche se questo non vuol dire che Miles e Jack non siano ben scritti; sono entrambi scritti così bruscamente che fa quasi male vederli esporsi in modi più orribili, ma la sceneggiatura ha la generosità e la saggezza di espandersi ulteriormente verso l’esterno man mano che vengono introdotte più persone. Ed è la gente che fa “Lateralmente” andare giù così facile, soprattutto quando le cose si fanno difficili da ingoiare. Uno studio di carattere principalmente di Miles, “Sideways” è altrettanto costretto dalle altre persone che filtrano dentro e fuori dalla sua vita, disegnando le sue cose buone e cose molto, molto cattive in forte rilievo mentre ogni pagina gira. È una sceneggiatura scandita da linee classiche (per lo più sul vino, sicuramente sul “fottuto Merlot”) e discorsi appassionati (del tipo che si sentono sia ben fatti che riconoscibili), pezzi di scena selvaggi e la sensazione che Taylor e Payne sappiano sempre quando fermarsi (anche se vuoi che vadano oltre). Si legge come il suo romanzo, sia una tragedia e una commedia, con tutto disposto sulla pagina e fuoriuscire. – Kate Erbland

“Spotlight” (2015)

Anche quando è una vera notizia sulla linea, i film sul giornalismo non sempre funzionano: nessuno lo sa meglio di” Spotlight ” scribe Josh Singer, che ha scritto il dramma Wikileaks deludente “The Fifth Estate” prima di collegare con il regista Tom McCarthy a penna quello che sarebbe andato a diventare un vincitore Miglior film. Mettere insieme la sceneggiatura per la vera storia dietro l’indagine straziante — e che cambia il mondo-del Boston Globe sui crimini sessuali commessi da preti cattolici è stato un atto di giornalismo stesso, punteggiato da ore di interviste, tonnellate di viaggi e una modifica avanti e indietro tra la coppia per arrivare al cuore di una storia straordinaria. Forse è per questo che spunta così bene, non tagliando angoli quando si tratta del nocciolo della cronaca del mondo reale, trovando anche il tempo di sviluppare i suoi personaggi e raccontare una storia. Colpisce i battiti giusti, ma lo fa in modi guadagnati, radicati nel realismo e combattendo per la verità ad ogni turno. —KE

“The Grand Budapest Hotel” (2014)

Moviestore/REX/

In un palazzo rosa resort in un paese, un ragazzo di nome dopo un certo numero di studi di ospitalità da un sospetto di omicidio e possibile gigolò. Così ha pensato Wes Anderson quando ha scritto la sceneggiatura geniale per il suo ottavo lungometraggio, che gli è valso la metà delle sue sei nomination agli Oscar (tra cui una miglior sceneggiatura originale nod, condivisa con Hugo Guinness), oltre ai suoi migliori numeri al botteghino fino ad oggi. Influenzato dalle storie dello scriba austriaco Stefan Zweig, la favola “The Grand Budapest Hotel” non è raccontata da un dipendente, ma da un autore che ha incontrato il resort solo decenni dopo aver perso il suo splendore. Ambientato per la maggior parte negli anni ’30, ma a volte rimbalzando negli anni ’60 e oltre, il film del 2014 di Anderson ha beneficiato ancora una volta di un design di produzione prismatico e di un casting guileful (tra cui un protagonista sconosciuto, Tony Revolori e Tilda Swinton come proprietario geriatrico di una volta dell’hotel). Il finale desolante rende solo i 100 minuti trascorsi nella sierra di Zubrowka extra stravaganti. -Jenna Marotta

“Toy Story 3” (2010)

Dopo aver vinto un Oscar per la sua prima sceneggiatura prodotta, “Little Miss Sunshine”, Michael Arndt si unì al team Pixar e fu incaricato di scrivere la sceneggiatura per l’amato franchise “Toy Story 3.”Ha iniziato con il forte scheletro di un trattamento Andrew Stanton di 20 pagine, i risultati di un ritiro di due giorni con la Pixar brain trust guidata dai creatori originali di “Toy Story”-John Lasseter, Lee Unkrich e Pete Docter. Arndt ha dovuto inventare alcune sequenze forti 25 per gli animatori per dare vita mentre continuava a affinare la trama complicata, che occupa 10 anni dopo mentre Andy si dirige al college. I suoi giocattoli ansiosi stanno affrontando quella che potrebbe essere la fine della loro vita naturale. A Andy importa di loro, tranne Woody? Così si donano al Sunny Side daycare center, che sembra benevolo in superficie ma si rivela essere una prigione. Questo è quando il film vira in modalità di fuga prigione, con omaggi a “The Great Escape” e “Cool Hand Luke.”

La sceneggiatura porta Andy in un posto dove può regalare i giocattoli a una bambina meritevole. Ma ci sono voluti tre anni e diverse versioni del film per raggiungere il traguardo, e ne è valsa la pena. – Anne Thompson

“A Serious Man” (2009)

Sai che Joel e Ethan Coen stanno per diventare personali quando iniziano una sceneggiatura con un prologo yiddish su un omicidio in uno shtetl nell’Europa orientale del xix secolo. Il prologo di” A Serious Man ” presenta una visione pessimistica su una vita maledetta, e quella prospettiva desolante sanguina nella storia dei fratelli Coen di Larry Gopnick, un professore di fisica ebreo sfortunato la cui vita è una lunga serie di eventi sfortunati. La sceneggiatura dei Coen è una masterclass in dark comedy, con la situazione di Larry che diventa un’ode deprimente ma spesso umoristica al mondo che non funziona a nostro favore. —ZS

“Lady Bird” (2017)

A24

“Frances Ha”, è stata la prima cosa Greta Gerwig aveva cowritten (con partner Noah Baumbach) che sentiva come un passo verso il cinema e la scrittura ha voluto fare. Nel 2013, Gerwig aveva gettato tutte le sue idee” Lady Bird ” in una prima bozza di 350 pagine. Ha poi trascorso anni tagliandolo verso il basso, lentamente e deliberatamente, la lettura ad alta voce, affinando i ritmi. Quando la sceneggiatura fu finita, Gerwig dovette decidere se regalare il film o dirigerlo da sola. Il suo film immaginario ma semi-autobiografico era vicino alla sceneggiatura finale. La candidata irlandese all’Oscar Saoirse Ronan ha interpretato il ruolo di Christine “Lady Bird” Macpherson (una versione del liceale cattolico Gerwig) come un avvoltoio della cultura scrappy e vorace desideroso di sfuggire ai suoi confini di Sacramento per un college orientale. Laurie Metcalf inchioda la sua madre arrabbiata, frustrata, pizzicata e amorevole che non può fare a meno di tornare a vecchi argomenti. Tracy Letts è il padre adorante di Lady Bird, e Lucas Hedges e Timothee Chalamet sono i suoi coinvolgimenti romantici impegnativi. “Lady Bird” segna un trionfo in piena regola non solo come una superba sceneggiatura, ma anche come un film pienamente realizzato. Chiaramente, Gerwig si stava preparando a prendere le redini della regia per tutta la sua vita. – A

“Memento” (2000)

È una grande testimonianza del talento di Christopher e Jonathan Nolan che “Memento” è stato in grado di ottenere un tale impatto un solo anno dopo “Fight Club” di David Fincher.”Ma mentre entrambi i film tirano fuori il tappeto da sotto gli spettatori grazie a narratori inaffidabili, le timeline altalenanti della sceneggiatura nominata all’Oscar hanno fatto tornare il pubblico per cercare di mettere insieme il puzzle allettante del film. Basato su un racconto di Jonathan Nolan, “Memento” segue Leonard, un uomo così gravato dal senso di colpa che frantuma la sua mente, e lo manda in cerca di vendetta contro l’aggressore sconosciuto che ha fatto irruzione nella sua casa e ucciso sua moglie. Leonard soffre di amnesia anterograda a causa dell’attacco, e la sua incapacità di creare nuovi ricordi hanno trasformato il suo corpo in una tela di paranoia, con tatuaggi relativi al suo compito inchiostrati su ogni centimetro di pelle disponibile. Ma “Memento” non riguarda davvero se Leonard è John G, e se ha ucciso sua moglie in un’esplosione di violenza o un’overdose di insulina. Invece, si tratta delle lunghezze a cui possiamo andare per evitare il lutto e di quanto pericolosamente vulnerabili diventiamo di conseguenza. È questa parabola più profonda, intrecciata nel più grande mistero strutturale, che aiuta a rendere “Memento” così agghiacciante e indimenticabile. – JR

“Zodiac” (2007)

Paramount

David Fincher non era estraneo al genere del crimine, avendo sia “Se7en” che “Fight Club” già sotto la sua cintura quando ha realizzato “Zodiac” nel 2007. Adattato dal libro di Robert Graysmith sul serial killer che terrorizzò San Francisco alla fine degli anni ’60 e’ 70, c’è una buona ragione per cui “Zodiac” è spesso salutato come il capolavoro di Fincher e uno dei migliori film del genere. L’attenzione maniacale di Fincher per i dettagli e l’aderenza della sceneggiatura al materiale originale infondono al film un senso di realismo quasi allarmante e catturano l’atmosfera tesa di una città ai margini. Ogni omicidio è portato alla vita sulla base della testimonianza dei sopravvissuti della vita reale, e i risultati sono agghiaccianti. Il sangue e la violenza non si sentono mai sensazionalizzati o glorificati, ma trasmettono invece quanto sia stato veramente orribile ogni attacco. Ma al di là dei crimini stessi, il suo amore per la sua città natale di Fincher è evidente in tutto il film e mostra come la città si è evoluta in un periodo così buio della sua storia. Ancora oggi, “Zodiac” rimane una meraviglia CGI, e ricco di prestazioni eccezionali di Mark Ruffalo, Robert Downey, Jr.e Jake Gyllenhaal, rimane una meraviglia che il film è stato snobbato dagli Oscar. Nonostante questo, “Zodiac” ha vissuto, guadagnandosi elogi da cinefili come Guillermo del Toro, e persino in cima ai migliori film polizieschi di IndieWire della lista del 21 ° secolo. —JR

“Manchester by the Sea” (2016)

che Cosa è spesso trascurato quando si parla di “Manchester by the Sea”, una delle 2016 film migliori (e certamente il più difficile), è come dannatamente divertente è. La sceneggiatura di Kenneth Lonergan bilancia quasi ogni scena straziante con un momento di leggerezza, la maggior parte dei quali per gentile concessione di Lucas Hedges (due parole: “basement business”); questo si rivela cruciale, poiché il film potrebbe altrimenti essere stato semplicemente troppo triste per la maggior parte delle persone per passare. Ogni lacrima è guadagnata qui, sia che si tratti di risate o (più spesso) dolore, con Lonergan che mostra più e più volte che “Puoi contare su di me” e “Margaret” erano lontani dai trematodi. È aiutato molto dal suo cast, in particolare da Casey Affleck e Michelle Williams, che in una scena devastante danno vita alle sue parole in un modo difficile da sopportare e impossibile da allontanare. Questa descrizione si applica a “Manchester” nel suo complesso. – Michael Nordine

“Il social Network” (2010)

Facebook non è cool. Sai cosa va bene? Un film su Facebook. Ora considerato come uno dei migliori film di aughts, “The Social Network” è stato respinto vista invisibile da molti a causa della sua materia. E perché no? Il sito di social media era veramente salito alla ribalta solo pochi anni prima, ed era difficile immaginare il follow-up di David Fincher a “The Curious Case of Benjamin Button” che riceveva un plauso così travolgente. Ma tutto è venuto insieme quasi perfettamente sul film, grazie in gran parte alla sceneggiatura premio Oscar di Aaron Sorkin. La sua trova lo scriba loquace al suo meglio, con tutti i takedown verbali (”Se voi ragazzi foste gli inventori di Facebook, avresti inventato Facebook”) e il fuoco rapido back-and-forths ci si aspetta (e, più spesso di nota, l’amore) da lui. Il ritratto di Sorkin di Mark Zuckerberg non era affatto lusinghiero, ma i titoli recenti suggeriscono che potrebbe essere stato troppo comprensivo. – MN

“Get Out” (2017)

Durante la premiazione di “Get Out”, Jordan Peele ha parlato molto di come la verità fosse l’ingrediente essenziale che ha permesso al suo film di offrire la sua complessa prospettiva sulla razza a un pubblico di massa. E mentre Peele metteva sullo schermo realtà innegabili e una sensibilità gravemente mancante dall’intrattenimento mainstream, camminava su un filo narrativo che richiedeva tanto mestiere quanto intuizione. Con un margine di errore zero, lo scrittore-regista ha costruito una sceneggiatura in cui la comprensione del pubblico di ciò che Chris (Daniel Kaluuya) sta pensando e provando è sempre chiara. Hitchcock-come nella sua esecuzione, e giocando fuori genere e aspettativa del pubblico (in particolare su come le dinamiche razziali sono tradizionalmente rappresentati sullo schermo), i colpi di scena di “Get Out” non sono solo gasp-inducing; ognuno rivela un nuovo livello per la sua esplorazione di sistemi di credenze razziste sistematiche. Film di genere questo divertente e sì, veritiero, può essere pienamente apprezzato solo quando si ripartizione gli elementi costitutivi di come Peele messo insieme. – CO

“Adaptation” (2002)

È sempre meraviglioso fare una passeggiata nella mente di Charlie Kaufman, e il suo vertiginoso esame del blocco dello scrittore in “Adaptation” è una delle sue opere più belle. Prendendo una versione romanzata di se stesso per un giro, “Adattamento” segue un “Charlie Kaufman” mentre lotta per scrivere un adattamento cinematografico di Susan Orlean “The Orchid Thief.”Nel frattempo, il suo gemello fannullone Donald inizia a promuovere i suoi sogni di celebrità della sceneggiatura, e i film si scheggiano in un racconto metafizionale di arte, lussuria e lotta creativa. Mentre un coraggioso cast — guidato da Nicolas Cage, Meryl Streep e Chris Cooper — e la direzione inventiva di Spike Jonze hanno fatto un film senza tempo, la spina dorsale creativa era tutta di Kaufman. — ABBIAMO

“Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (2004)

messa a Fuoco

Sans fantastico premessa e vista gag — Zap ricordi dal cervello una volta svolta spiacevole! Immergi Jim Carrey e Kate Winslet in un lavello da cucina oversize! – La sceneggiatura di Charlie Kaufman sarebbe rimasta un capolavoro meritato del suo Oscar. Un “Annie Hall”, per l’età post-privacy per gentile concessione di genere-camaleonte Michel Gondry,” Eternal Sunshine of the Spotless Mind ” rifaccia momenti mondani come ouverture romantiche. Joel e Clementine, consapevoli di sé, si corteggiano due volte per i saluti del treno, le bacchette di pollo strisciate e l’hokum che osserva le stelle. Quando si rompono, ognuno ha cancellato ogni ricordo dell’altro, una procedura seria eseguita da tecnici saltellanti (Kirsten Dunst, Mark Ruffalo e Elijah Wood). Al suo punto medio, Joel vuole abortire, ma non può, così Clementine gioca guida turistica attraverso i corridoi ancora intatti della sua mente, imparare tutti i suoi segreti come lei lo consiglia attraverso un immaginato “addio.”Carrey non è mai stato più radicato o sincero, e la verve di Winslet è sufficiente per ispirare innumerevoli trekking a Montauk. – JM