アールデコの始まり
フランスの19世紀末までに、アールヌーボースタイルの発展に重要な役割を果たしていた著名な芸術家、建築家、デザイナーの多くは、それがますますパッセになってきていることを認識しました。 産業革命が成立するのを見た世紀の終わりに、現代の生活は数十年前とは非常に異なっていました。 それは何か新しいもの、上品でモダニズムの屋根から”20世紀”を叫ぶ何かのための時間でした。
フランスの装飾芸術家協会
ノスタルジアに阻まれるのではなく、革新と歩調を合わせて新しい世紀に移りたいというこの願いから、フランスの芸術革新者のグループは、Societé des Artistes Décorateurs（装飾芸術家協会）と呼ばれる組織を形成した。 このグループは、アールヌーボー様式のデザイナーで版画家のユージーン-グラセット、アールヌーボー様式の建築家ヘクター-ギマールなどの有名な人物、ピエール-シャローやフランシスジュールダンなどの新興の装飾芸術家やデザイナーで構成されていた。 フランスの国家は、この芸術活動の方向性を支持し、促進した。
新しいグループの主な目標の一つは、より古典的な絵画や彫刻メディアよりも低い地位に装飾的なアーティストを追いやった視覚芸術の階層構造 ジュルダインは有名に言っているように引用されています,”私たちは、結果的に装飾的な芸術を返すことを決議しました,軽率にシンデレラや使用人と食べることを許さ貧しい関係として扱わ,それは過去に占領された重要な,ほとんど優勢な場所に,すべての時間のと世界中のすべての国で.”装飾芸術の新しいタイプを提示する主要な展覧会のための計画は、もともと1914年のために考案されたが、第一次世界大戦が終了した後、1925年まで様々な理由で押し戻された後まで保留にしなければならなかった。
正式に運動を開始した展覧会
黄金のドーム型レアンヴァリッドのエスプラネードとセーヌ川の両側にあるプティパレとグラン-パレの入り口の間の展覧会を開催したフランス政府は、新しいスタイルを披露するよう努めた。 15,000人以上のアーティスト、建築家、デザイナーが博覧会で自分の作品を表示しました。 展覧会の七ヶ月の間に、16万人以上の人々が多くの個々の展示を見学しました。 この展覧会は、運動の始まりのための触媒でした。
アールヌーボーとアールデコ
アールデコは、アールヌーボースタイルとモダニズムのより広範な文化的現象 アールヌーボーは、多くの批評家が手の込んだディテール、繊細なデザイン、しばしば高価な素材やスタイルの生産方法が、挑戦的で不安定で、ますます機械化された現代の世界には適していないと感じたため、第一次世界大戦中にファッションから脱落し始めました。 アールヌーボーの動きが性質から複雑な、様式化された形態を得、手作りされるの美徳を賞賛した間、アール-デコの審美的な強調された機械年齢の流線形にな
アールデコとモダニズム
博覧会Internationaleは、アールデコ様式の作品だけでなく、キュービズム、構成主義、バウハウス、デスティル、未来主義などのスタイルの前衛的な絵画や彫刻の例の近くに細工されたアイテムを置いた。 1920年代までに、アールデコは、より脳のバウハウスとDe Stijlの美学にあふれていましたが、主に主流であり、対位法でした。 三つのすべては、組織の設計原則として、クリーンで強力なラインに重点を共有しました。 アールデコの実務家は、技術革新、近代的な材料、および機械化を受け入れ、スタイル自体の全体的な美学でそれらを強調しようとしました。 実践者はまた、他のモダニズム運動から借りて学びました。 アールデコは、現代の前衛的な動きの前向きな視点と歩調を合わせていた崇拝者によってみなされるようになりました。 皮肉なことに、モダニズムの絵画と彫刻は、ソ連パビリオンとル-コルビュジエのエスプリ-ヌーボーパビリオンのいくつかの例外を除いて、展覧会で二次的な
大恐慌後のアールデコ
アールデコの第二段階の始まりは、大恐慌の始まりと一致しました。 緊縮財政は、実際には、アールデコのこの第二の開発のための実用的かつ概念的な理由の両方のためのコア美学かもしれません。 アールデコ建築は、例えば、高層ビルが高尚な高さに登ると垂直に配向されていたのに対し、その主に装飾されていない外観、優雅な曲線、水平強調を持つ後のアールデコの建物は、頑丈さ、静かな尊厳、そして弾力性を象徴していました。 経済災害の最悪の年の間に、1929年から1931年まで、アメリカのアールデコは、次の傾向からそれらを設定するために移行しました。
Streamline Moderne
Streamline Moderneは、ヨーロッパのアールデコ運動のアメリカの継続となりました。 深刻な経済的、哲学的影響を越えて、最初の流線形のModerneの構造のための審美的なインスピレーションは20世紀初頭に形作られたドイツの建築家、デザイナー、 新しい客観性の芸術家や建築家は、表現主義芸術の感情を含む過剰を排除するために合理化モダーンの支持者を余儀なく冷静な実用主義の同じ種に触発されました。 新しい客観性の建築家は、現実の生活の要求を反映して、実用的とみなすことができる構造を生産することに集中しました。 彼らは現実の世界に適応するために彼らのデザインを好んだのではなく、他の人が実用的ではなかった美学に適応させる。 そのために、新しい客観性の建築家はプレハブ技術を開拓しました（ドイツの貧しい人々を迅速かつ効率的に収容するのに役立ちます）。
装飾を欠いて、流線形のModerneの建築はきれいなカーブ、長い水平線（窓のバンドを含む）、ガラス煉瓦、舷窓様式の窓、および円柱および時々海事の形態を特色にした。 これまで以上に、空気力学や現代技術の他の表現に重点が置かれていました。 アールデコのより高価で、しばしばエキゾチックな材料は、合理化Moderneでコンクリート、ガラス、クロムのハードウェアに置き換えられました。 色はオフホワイト、ベージュとして控えめに使用され、アーストーンは、アールデコのより鮮やかな色を置き換えました。 このスタイルは、最初に建築に導入され、その後、伝統的なアールデコ様式と同様に、他のオブジェクトに拡張されました。
アールデコは遡及的に命名されています
もともと、”アールデコ”という用語は、有名な中傷者、モダニズムの建築家ル-コルビュジエによって、彼が現代建築では不要と考えていた装飾のためにスタイルを批判した記事で、軽蔑的に使用されました。 スタイルの支持者は、特にその直接の前身、アールヌーボーと比較して、過度の装飾に対するストリップダウン、モダニズムの応答としてそれを歓迎したが、任意の装飾はル*コルビュジエのために余分であったとして。 スタイルへの関心が再活性化された1960年代後半まで、英国の美術史家で評論家のBevis Hillierによって「アールデコ」という用語が肯定的に使用されていました。
アールデコと米国
米国では、
、アールデコの動きの受信は、別の軌道で開発しました。 当時の米国商務長官ハーバート・フーヴァーは、アメリカのデザイナーや建築家は博覧会で作品を展示することができないと宣言し、「十分に新しい」という明確なアメリカンスタイルの芸術をまだ想像していなかったと主張した。”別の方法として、彼は博覧会での製品を評価するためにフランスに代表団を送りました。 フーバーが送った美的使者の偶発に含まれていた建築のアメリカ研究所、メトロポリタン美術館、およびニューヨーク*タイムズからの重要な人物だった。 このミッションは、米国での芸術的革新のほぼ即時のブームに影響を与えました
1926年までに、”国際博覧会現代、産業、装飾芸術からのオブジェクトの選 シカゴ（1933年）とニューヨーク（1939年）のアメリカのワールドフェアでは、アールデコのデザインが目立つ一方で、ハリウッドは美的を受け入れ、全国で魅力的にしました。 ゼネラルモーターズやフォードなどのアメリカ企業でさえ、ニューヨーク万国博覧会にパビリオンを建設した。
アメリカのアールデコ様式の最もよく知られた例の中には、高層ビルや他の大規模な建物 実際には、建物のデザインにおけるアールデコのアメリカの反復は、精巧な建築のファサードとして、その角度と幾何学的なパターンのためにジグザグモダンと呼ばれてきました。 しかし、全体的なアメリカのアールデコは、多くの場合、そのヨーロッパの前任者よりも少ない装飾的です。 はっきりしたラインおよび強いカーブ、大胆で幾何学的な形、豊富な色および時々贅沢な装飾を越えて、アメリカ版はより除去される。 このような新しい客観性と建築の国際的なスタイルだけでなく、1920年代後半と1930年代初頭の深刻な経済的挫折などの重要な影響は、アールデコの美学に 例えば、この変換は、金をクロム、真珠の母をベークライト、花崗岩をコンクリートなどに置き換えることによって象徴されるかもしれません。
アメリカのアールデコ様式は、大量生産を含む技術進歩の祭典として発展し、社会進歩への信仰が回復しました。 本質的に、これらの成果は国家の誇りを反映していると考えることができます。 1930年代にルーズベルトの作品進捗管理（WPA）の下で、作成された作品の多くは、図書館や学校のような市立の構造から大規模な公共の壁画に、アールデコでした。 WPAは、公共事業で雇用を創出することによって戦後の米国経済を飛躍させることを意図しており、雇用を創出し、デザインの中にアメリカの価値を植 アメリカのアールデコの使用は、このようにデザインを通じて民主主義の表現をもたらしました。 アールデコの創造に頻繁に使用されるいくつかの材料は高価であったため、平均的な人の手の届かないところにありました。 しかし、安価なまたは新しい材料の使用は、手頃な価格の製品の広い範囲を生産することを可能にし、したがって、新しい方法で公共の球に美しさをも アールデコは、雑誌の表紙やカラフルな広告から、食器、家具、時計、車、さらには海洋ライナーなどの機能的なアイテムまで、一連のオブジェクトの設計と
アールデコの世界的な成長
アールデコ様式は、ハバナ、キューバ、ムンバイ、ジャカルタなどの多様な世界の首都で定着しました。 ハバナは、アールデコ様式で建てられた全体の近所を誇っています。 ロンドン地下鉄の鉄道システムは、このスタイルを大きく取り入れています。 上海の港には50以上のアールデコ様式の建造物があり、そのほとんどはハンガリーのLaszlo Hudecによって設計されました。 戦争の記念碑から病院まで、オーストラリアのシドニーやメルボルンなどの都市も驚異的なスタイルを吸収しています。
アールデコ: コンセプト、スタイル、トレンド
アールデコの主な視覚的特徴は、三角形、ジグザグ、台形、シェブロン模様のフォームを含む線形および幾何学的形状の繰 前身のアールヌーボーと同様に、花、動物、人物などのオブジェクトが表現されると、アールデコの全体的な美しさを保つために高度に様式化され、簡素化されます。 スタイル化と簡素化またはストリッピングダウンの性質と程度は、スタイルの地域的な反復によって異なります。 例えば、フランスのデザイナー René LaliqueによるFirebird（1922）のような図は、エレガントに細身で減衰していますが、Lee LawrieのAtlas（1937）はロックフェラーセンターの外にありますが、どちらもデコスタイルの細かい表現と考えられていますが、強調的に直線的な筋肉で頑丈で堅牢です。
現代技術の動きの重点に応じて、アールデコの芸術家およびデザイナーはプラスチック、ベークライトおよびステンレス鋼のような現代材料を開発し しかし、富と洗練のスプラッシュが必要とされたとき、デザイナーは象牙、ホーン、ゼブラスキンなどのよりエキゾチックな材料を組み込 アールヌーボーや工芸品の動きと同様に、アールデコ様式は、伝統的に最高ランクの視覚芸術形式の表現、すなわち絵画や彫刻にはるかに適用されませんでした。
デザイン
アールデコ様式は、スピードとマシンの崇拝のための愛とイタリアの未来主義の影響を明らかにする方法で、グラフィックアート 未来派の芸術家は、動きの速い車や列車の車輪から出る”スピードウィスカー”として知られている動きを示すために線を使用しました。 さらに、アールデコの実務家は、対称性と合理化を示唆する平行線と先細りの形を利用しました。 タイポグラフィはアールデコの国際的な影響の影響を受け、Bifur、Broadway、Peignotの書体はすぐにスタイルを念頭に置いています。
画像の面では、シンプルな形と無地の広い領域は、1868年の孤立主義の江戸時代の終わりに続いて、特にフランスでは、西洋の芸術家のための主要な影響源となっていた日本の木版画を彷彿とさせます。 その後の日本からヨーロッパへの芸術の流入は大きな影響を与えました。 特に、芸術家は木版画の形式的な簡易性で印象派から始まる彼らの自身の明瞭に現代様式を作成するためのモデルを印刷することを見つけた。
家具
1920年代後半まで、フランスの前衛的な家具のデザインは、主にアールヌーボー様式のバリエーションでしたが、単純化され、曲線が少なかった。 十年が進むと同時に、Émile-Jacques Ruhlmannは一番の家具デザイナーとして現れた（Ruhlmannは1925年の博覧会で彼自身のパビリオンを持っていた）。 彼のデザインは主に新古典主義スタイルで生産された18世紀の作品に触発されたが、マホガニー、黒檀、ローズウッド、象牙、亀の殻などのアールヌーボーのデザイナーが好むエキゾチックな素材を使用しながら、彼は装飾の多くを排除した。 もちろん、彼の作品は、多くの場合、最も裕福な以外の誰のために取得するにはあまりにも高価でした。
アールヌーボーとアールデコのスタイルにまたがるように見えたルールマンの豪華なデザインとは対照的に、フランスのアールデコの家具デザイナーはJules Leleuでした。 新しいスタイルがアールヌーボーに取って代わるまで、彼は伝統的なデザイナーであり、パリのエリゼ宮の壮大なダイニングルーム、エレガントな蒸気船、ノルマンディーのファーストクラスのデッキの豪華なキャビンのデザインで知られていました。
LeleuとRuhlmannとは対照的に、Le Corbusierは、多くの場合、禁欲的なインテリアに適した家具を作成し、アールデコ様式の非常に皮をむいた、装飾のないバージョンの支持 彼の意図は、大量生産され、より広範な市場に手頃な価格であることができる椅子のプロトタイプを、特に設計することでした。 また、ニューヨーク市の有名なランドマーク、ラジオシティ音楽ホールのドナルドDeskeyのインテリアデザインは、今日も元の形でそのままであるアメリカのアールデコ調の家具デザインの優れた例です。
アーキテクチャ
アールデコ建築は、金属のアクセントをキラリと光ることによって強調され、ハードエッジ、多くの場合、豊かに装飾されたデザイ これらの建物の多くは、上向きに目を引くことを意図した方法で構築された垂直強調を持っています。 長方形の、頻繁にブロック状の形態は合理化された効果を提供するために屋上の尖塔や曲げられた装飾用の要素の付加と幾何学的に、整理される。 ニューヨークの高層ビルやマイアミのパステルカラーの建物は、最も有名なアメリカの例の中でランク付けされていますが、スタイルは世界中の様々な構造
米国では、Works Progress Administrationがアールデコ建築が主流になるのを助けました。 興味深いことに、多くの不況時代の公共事業で見られるアールデコとボザールの古典主義の合併は、PWA ModerneまたはDepression Moderneとして知られるようになった。
後の発展-アールデコの後
アールデコは、戦時の緊縮により、スタイルがこれまで派手で退廃的に見えるようになって、ヨーロッパと北米で第二次 金属は、建物や内部空間を飾るのではなく、武器を構築するために使用するために引き揚げられました。 家具はもはやステータスオブジェクトとはみなされませんでした。 さらなる技術の進歩は、基本的な消費者アイテムの安価な生産を可能にし、アールデコのデザイナーの必要性と人気を追い出しました。
多くの点で過去から脱却しようとした動きは、今では懐かしい、愛情を込めて記憶された古典となっています。 1960年代以降、このスタイルには安定した、継続的な関心がありました。 アールデコのエコーはDecoの合理化された審美的の前方に運び、バウハウスのきれいな簡易性を再び訪問する世紀半ばの現代設計で見ることができる。 Decoはまた、1980年代にミラノを中心としたデザインと建築の動きであるMemphis Groupを鼓舞するのにも役立ちました。Memphisはまた、ポップアートやキッチュからカラフルで意識的にポストモダンなデザインの源として引き出しました。