古典的なprecedentEdit
古典的な時代からの悲劇の簡潔な正式な定義はありません。 ギリシャの哲学者アリストテレスは、詩学において、二重の結末を持つ悲劇について議論するとき、ルネサンスの意味（すなわち、ハッピーエンドを伴う深刻な行動）のようなものを念頭に置いていたようである。 この点で、例えばAlcestisのようなギリシャ語とローマ語の演劇の数は、プロットの外に明確な属性がないものの、悲劇と呼ばれることがあります。 この言葉自体は、ローマの漫画劇作家プラウトゥスに由来し、彼は彼の演劇Amphitryonのプロローグでややfacetiouslyという言葉を造語しました。 キャラクターマーキュリーは、喜劇に召使と一緒に王と神の両方を含めるという優柔不断を感知し、演劇は”悲劇”である方が良いと宣言しています：
私はそれを混合物にします：それを悲劇にしましょう。 私はそれに王と神があるとき、それを一貫してコメディにすることは適切ではないと思います。 どう思う? 奴隷にも劇中の役割があるので、私はそれを悲劇にします。..-Plautus,Amphitryon
ルネッサンスrevivalsEdit
ItalyEdit
Plautusのコメントは、ルネサンスの美学理論に間違いなく過度の影響を与え、アリストテレスのドラマ “Rule mongers”（用語はジョルダーノ-ブルーノのもの）では、上記のような”混合”作品、Orlando Furiosoのようなより最近の”ロマンス”、さらにはOdysseyでさえ、最高のパズルでした。 二つの数字は、厳格なルールの独自のセットを持つものを意味することにより、通常のジャンルの状態に悲劇を高めるのに役立ちました。 ジョヴァンニ-バッティスタ-ジラルディ-チンティオは、16世紀半ばに、悲劇と漫画の結末（tragedia de lieto fin）が現代に最も適していると主張し、そのような演劇の彼自身の例を生み出した。 さらに重要なのはジョヴァンニ-バッティスタ-グァリーニだった。 1590年に出版されたGuariniのIl Pastor Fidoは、guariniの汎用的な革新の精神的な防衛が最終的にその日を運んだ激しい批判的な議論を引き起こした。 グァリーニの悲劇は、喜劇や悲劇、礼儀正しいキャラクター、牧歌的な設定のいずれかにあまりにも遠くに漂流したことのない変調された行動を提供した。 三人はいずれも一世紀以上にわたって大陸の悲劇のステープルとなった。
EnglandEdit
練習が理論よりも先行していたイギリスでは、状況はかなり異なっていました。 16世紀には、「悲劇」は、時間、場所、行動の統一性を侵害し、ハイとロー生まれのキャラクターを鮮やかに混合し、幻想的な行動を提示する、ネイティブの一種のロマ これらはフィリップ・シドニーが1580年代の「マングレルの悲劇喜劇」に対する不満の中で嘆いた特徴であり、そのうちのシェイクスピアのポロニウスは有名な証言を提供している：「悲劇、喜劇、歴史、牧歌的、牧歌的-コミカル、歴史的-牧歌的、悲劇的-歴史的、悲劇的-コミカル-歴史的-牧歌的、場面個性的、または詩無制限のいずれかのために、世界で最高の俳優：セネカは重すぎることはできず、プラウタスは軽すぎることはできない。 令状と自由の法則のために、これらは唯一の男性です。”このロマンチックな衝動のいくつかの側面は、より洗練された劇作家の作品にも残っています：シェイクスピアの最後の演劇は、悲劇と呼ばれることが
初期のスチュアート期までに、いくつかの英語の劇作家はグァリーニ論争の教訓を吸収していました。 ジョン・フレッチャーの『忠実な羊飼い』（The Faithful Shepherdess）は、グァリーニの戯曲を翻案したもので、1608年に制作された。 印刷版では、フレッチャーは長さで引用する価値がある用語の興味深い定義を提供しました: “トラギ-コメディーは、その笑いと殺害の点で呼ばれていません,しかし、点で、それは死を望んでいます,これはそれを悲劇にするのに十分です,まだいくつかのneereそれをもたらします,これはそれをコメディーにするのに十分ではありません.”フレッチャーの定義は、主にイベントに焦点を当てています：演劇のジャンルは、人々がそれで死ぬかどうかによって決定され、アクションが死に来るど しかし、Eugene Waithが示したように、次の十年に開発された悲劇的なフレッチャーも統一された文体的特徴を持っていました: 突然の予期せぬ啓示、アウトレプロット、遠くのロケール、そして精巧な、人工的なレトリックに永続的な焦点。
フレッチャーの同時代の何人か、特にフィリップ-マッシンジャーとジェームズ-シャーリーは、人気のある悲劇を書いた。 リチャード-ブロームもこの形式を提案したが、あまり成功しなかった。 そして、ジョン-フォードからロドウィック-カーレル、サー-アストン-コケインに至るまで、現代の作家の多くは、このジャンルで試みを行った。悲劇は1642年に劇場が閉鎖されるまでかなり人気があり、フレッチャーの作品は修復でも人気がありました。 “ハッピーエンドの悲劇”は最終的にメロドラマに発展し、それはまだ繁栄しています。アイルランドの劇作家がアイルランドの劇場で上演した最初の戯曲であるヘンリー・バーネルの『Landgartha』（1640年）は、作者によって悲劇として明示的に記述されていた。 劇に対する批判的な反応は普遍的に敵対的であったが、部分的には結末が幸せでも不幸でもなかったためであるようである。 バーネルは、劇の印刷版への彼の紹介で、彼らの無知のために彼の批評家を攻撃し、彼らが完全によく知っているべきであるように、多くの演劇は悲劇でも喜劇でもなく、”間の何か”ではないと指摘した。
後の開発編集
ルネサンスの後に開発された批判は、プロットではなく、悲劇の主題的かつ正式な側面を強調した。 ゴットホルト-エフライム-レッシングは、”深刻さは笑いと痛みの喜びを刺激する感情の混合物としてそれを定義しました。「悲劇的な風刺と「暗い」コメディとの親和性は、サミュエル・ベケットやトム・ストッパードを含む多くの劇作家に影響を与えたルイージ・ピランデッロとの現代演劇における悲劇的衝動を示唆している。 また、それは不条理なドラマで見ることができます。 スイスの劇作家フリードリヒ・デュレンマットは、20世紀には悲劇が避けられないジャンルであると提案し、彼は彼の戯曲『訪問』（1956年）を悲劇として記述している。 悲劇は第二次世界大戦後のイギリスの劇場では一般的なジャンルであり、サミュエル-ベケット、トム-ストッパード、ジョン-アーデン、アラン-エイクボーン、ハロルド-ピンターなど様々な作家がこのジャンルで書いている。 ウラジーミル-ナボコフのポストモダン小説”ペール-ファイア”は、エリザベス朝のドラマに夢中になった悲劇である
アメリカのポストモダン悲劇編集
メタモダニストとポストモダン運動のアメリカの作家は、悲劇および/または絞首台のユーモアを利用している。 メタモダニストの悲劇の顕著な例は、デイビッド・フォスター・ウォレスの1996年のマグナム作品、Infinite Jestです。 ウォレスは、人間の悲劇と苦しみが染み込んだ場所である中途半端な家（すなわち、”何人かの人々は本当にげっ歯類のように見える）に住む喜劇的要素について書いている。