begin van de Art Deco
aan het einde van de 19e eeuw in Frankrijk zagen veel van de bekende kunstenaars, architecten en ontwerpers die een belangrijke rol hadden gespeeld in de ontwikkeling van de Art Nouveau-stijl dat het steeds passéer werd. Aan het einde van een eeuw waarin de industriële revolutie haar intrede deed, werd het hedendaagse leven heel anders dan een paar decennia eerder. Het was tijd voor iets nieuws, iets dat “20e eeuw” riep van smaakvolle, modernistische daken.de Vereniging van decoratieve kunstenaars in Frankrijk vanuit deze wens om de nieuwe eeuw in te gaan met innovatie in plaats van te worden tegengehouden door nostalgie, richtte een groep Franse artistieke vernieuwers een organisatie op genaamd de Societé des Artistes Décorateurs (de Vereniging van decoratieve kunstenaars). De groep bestond uit bekende figuren zoals de Art Nouveau-ontwerper en prentkunstenaar Eugene Grasset, en de Art Nouveau-architect Hector Guimard, samen met opkomende decoratieve kunstenaars en ontwerpers zoals Pierre Chareau en Francis Jourdain. De Franse staat steunde en bevorderde deze richting van artistieke activiteit.
een van de belangrijkste doelstellingen van de nieuwe groep was om de hiërarchische structuur van de beeldende kunst die sierkunstenaars gedegradeerd naar een mindere status dan de meer klassieke schilder-en beeldhouwmedia uit te dagen. Jourdain wordt zelfs geciteerd als zeggende: “Wij vastbesloten om terug te keren decoratieve kunst, inconsiderately behandeld als een Assepoester of een slechte relatie mag eten, met de dienaren, om de belangrijke, bijna overheersende plaats bezet in het verleden, van alle tijden en in alle landen van de wereld.”Het plan voor een grote tentoonstelling met een nieuw soort decoratieve kunst was oorspronkelijk bedacht voor 1914, maar moest worden uitgesteld tot na de Eerste Wereldoorlog eindigde en vervolgens om verschillende redenen teruggezet tot 1925.
de tentoonstelling die officieel het startsein gaf voor de beweging
De Franse regering, die de tentoonstelling tussen de esplanade van de Gouden Koepel Les Invalides en de ingangen van het Petit Palais en het Grand Palais aan beide zijden van de Seine organiseerde, probeerde de nieuwe stijl te demonstreren. Meer dan 15.000 kunstenaars, architecten en ontwerpers toonden hun werk op de expositie. Tijdens de zeven maanden van de tentoonstelling, meer dan 16 miljoen mensen toerde de vele individuele tentoonstellingen. Deze tentoonstelling was de katalysator voor het begin van de beweging.
Art Nouveau en Art Deco
Art Deco was een directe reactie op de Art Nouveau stijl en op het bredere culturele fenomeen van het modernisme. Art Nouveau begon uit de mode te vallen tijdens de Eerste Wereldoorlog, omdat veel critici vonden dat de uitgebreide details, delicate ontwerpen, vaak dure materialen en productiemethoden van de stijl niet geschikt waren voor een uitdagende, onrustige en steeds meer gemechaniseerde moderne wereld. Terwijl de Art Nouveau-beweging zijn ingewikkelde, gestileerde vormen ontleende aan de natuur en de deugden van de handgemaakte verheerlijkte, benadrukte de Art Deco-esthetiek de stroomlijning van het machinetijdperk en de strakke geometrie.
Art Deco en modernisme
De Exposition Internationale bracht niet alleen werken in de Art Deco-stijl samen, maar plaatste bewerkte items in de buurt van voorbeelden van avant-garde schilderijen en sculpturen in stijlen zoals Kubisme, constructivisme, Bauhaus, de Stijl en futurisme. In de jaren twintig was Art Deco een uitbundig, maar grotendeels mainstream contrapunt met de meer cerebrale Bauhaus en de Stijl esthetiek. Alle drie legden de nadruk op strakke, sterke lijnen als organiserend ontwerpprincipe. Art Deco beoefenaars omarmd technologische innovatie, moderne materialen, en mechanisatie en probeerde ze te benadrukken in de algehele esthetiek van de stijl zelf. Beoefenaars ook geleend en geleerd van andere modernistische bewegingen. Art Deco werd beschouwd door bewonderaars die in de pas liepen met de toekomstgerichte perspectieven van hedendaagse avant-garde bewegingen. Ironisch genoeg speelden modernistische schilder-en beeldhouwkunst een secundaire rol in de tentoonstelling, met uitzondering van het Sovjetpaviljoen en Le Corbusier ‘ s Esprit Nouveau paviljoen.
Art Deco na de Grote Depressie
het begin van de tweede fase van de Art Deco viel samen met het begin van de Grote Depressie. Soberheid, in feite, zou de kern esthetiek voor zowel pragmatische als conceptuele redenen voor deze tweede ontwikkeling van de Art Deco. Terwijl de Art Deco-architectuur bijvoorbeeld verticaal was georiënteerd met wolkenkrabbers die naar hoge hoogten klommen, symboliseerden de latere Art Deco-gebouwen met hun veelal ongemengde buitenkant, sierlijke bochten en horizontale accenten stevigheid, stille waardigheid en veerkracht. Tijdens de ergste jaren van economische ramp, van 1929 tot 1931, ging de Amerikaanse Art Deco over van het volgen van trends naar het instellen ervan.
stroomlijn Moderne
stroomlijn Moderne werd de Amerikaanse voortzetting van de Europese Art Deco beweging. Naast de ernstige economische en filosofische invloeden, waren de esthetische inspiratie voor de eerste Streamline Moderne structuren gebouwen ontworpen door voorstanders van de nieuwe objectiviteit beweging in Duitsland, die ontstond uit een informele vereniging van Duitse architecten, ontwerpers en kunstenaars die in het begin van de 20e eeuw was gevormd. Nieuwe objectiviteit kunstenaars en architecten werden geïnspireerd door hetzelfde soort sober pragmatisme dat de voorstanders van Streamline Moderne dwong om overtollige, inclusief de emotionaliteit van expressionistische kunst, te elimineren. Nieuwe objectiviteit architecten richtten zich op het produceren van structuren die als praktisch konden worden beschouwd, als een afspiegeling van de eisen van het echte leven. Ze gaven de voorkeur aan hun ontwerpen om zich aan te passen aan de echte wereld in plaats van anderen aan te passen aan een esthetiek die onpraktisch was. Met het oog daarop hebben nieuwe Objectivity architects zelfs een pioniersrol gespeeld in de prefab-technologie (waarmee ze de armen in Duitsland snel en efficiënt konden huisvesten).
zonder ornament, de gestroomlijnde Moderne architectuur had strakke bochten, lange horizontale lijnen (inclusief banden van ramen), glazen bakstenen, patrijspoorten en cilindrische en soms nautische vormen. Meer dan ooit lag de nadruk op aerodynamica en andere uitingen van moderne technologie. De duurdere en vaak exotische materialen van Art Deco werden vervangen door beton, glas en chroom hardware in Streamline Moderne. Kleur werd spaarzaam gebruikt als gebroken wit, beige en aardetinten vervangen de meer levendige kleuren van Art Deco. De stijl werd voor het eerst geïntroduceerd in de architectuur en vervolgens uitgebreid naar andere objecten, vergelijkbaar met de traditionele Art Deco-stijl.
Art Deco is de Naam, met terugwerkende kracht
Oorspronkelijk was de term “Art Deco” was pejoratief gebruikt door een beroemde detractor, de modernistische architect Le Corbusier, in de artikelen, waarin hij kritiek op de stijl voor de versiering, een eigenschap die hij beschouwde als niet noodzakelijk in de moderne architectuur. Voorstanders van de stijl prezen het als een uitgeklede, modernistische reactie op de buitensporige versiering, vooral in vergelijking met zijn directe voorganger, Art Nouveau, omdat elke decoratie overbodig was voor Le Corbusier. Pas aan het eind van de jaren zestig, toen de belangstelling voor de stijl nieuw leven werd ingeblazen, werd de term “Art Deco” door de Britse kunsthistoricus en criticus Bevis Hillier op een positieve manier gebruikt.
Art Deco en de Verenigde Staten
In de VS de ontvangst van de Art Deco-beweging ontwikkelde zich in een ander traject. Herbert Hoover, de Amerikaanse minister van handel in die tijd, verordende dat Amerikaanse ontwerpers en architecten hun werk niet konden tentoonstellen op de internationale Exposition omdat hij beweerde dat het land nog geen idee had van een duidelijk Amerikaanse stijl van kunst die bevredigend “nieuw genoeg was.”Als alternatief stuurde hij een delegatie naar Frankrijk om het aanbod op de expositie te beoordelen en vervolgens toe te passen wat zij zagen op een hedendaagse Amerikaanse artistieke en architectonische stijl. Belangrijke figuren van het American Institute of Architecture, het Metropolitan Museum of Art en de New York Times waren opgenomen in het contingent van esthetische afgezanten die door Hoover werden gestuurd. In 1926 reisde een kleinere versie van de Franse beurs genaamd “A Selected Collection of Objects from the International Exposition Modern, Industrial and Decorative Arts” door vele Amerikaanse steden zoals New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St.Louis, Boston, Minneapolis en Philadelphia. De Amerikaanse wereldbeurzen in Chicago (1933) en New York City (1939) prominent featured Art Deco ontwerpen, terwijl Hollywood omarmde de esthetiek en maakte het glamoureuze in het hele land. Zelfs Amerikaanse bedrijven zoals General Motors en Ford bouwden paviljoens op de New York World Fair.
tot de bekendste voorbeelden van de Amerikaanse Art Deco stijl behoren wolkenkrabbers en andere grootschalige gebouwen. In feite, de Amerikaanse iteratie van Art Deco in bouwontwerpen is aangeduid als zigzag Modern voor zijn hoekige en geometrische patronen als uitgebreide architectonische gevels. Over het algemeen is de Amerikaanse Art Deco echter vaak minder ornament dan zijn Europese voorganger. Naast de strakke lijnen en sterke rondingen, gedurfde geometrische vormen, rijke kleuren en soms uitbundige versiering, is de Amerikaanse versie meer gestript-down. Omdat belangrijke invloeden zoals de nieuwe objectiviteit en de internationale stijl van de architectuur, evenals de ernstige economische tegenslagen van de late jaren 1920 en vroege jaren 1930 begonnen uit te oefenen op de Art Deco esthetiek, werd de stijl veel minder uitbundig. Deze transformatie zou bijvoorbeeld gesymboliseerd kunnen worden door de vervanging van goud door chroom, van parelmoer door Bakeliet, van graniet door beton, enz.de Amerikaanse Art Deco stijl ontwikkelde zich als een viering van technologische vooruitgang, waaronder massaproductie, en een hersteld geloof in sociale vooruitgang. In wezen kunnen deze prestaties worden beschouwd als een weerspiegeling van nationale trots. In de jaren 1930 onder Roosevelt ‘ S Works Progress Administration (WPA), veel van de werken die werden gemaakt waren Art Deco, van gemeentelijke structuren zoals bibliotheken en scholen tot massale openbare muurschilderingen. De WPA was bedoeld om de naoorlogse Amerikaanse economie op te starten door banen te creëren in openbare werken, en probeerde de gemeenschap te dienen door banen te creëren en Amerikaanse waarden binnen design te brengen. Het gebruik van de Amerikaanse Art Deco bracht zo een uitdrukking van democratie door middel van design. Sommige materialen die vaak werden gebruikt in de Art Deco creatie waren duur en dus buiten het bereik van de gemiddelde man. Echter, het gebruik van goedkope of nieuwe materialen maakte het mogelijk om een breed scala van betaalbare producten te produceren, en dus bracht schoonheid in de publieke sfeer op een nieuwe manier. Art Deco inspireerde het ontwerp en de productie van een scala aan objecten – van tijdschriftomslagen en kleurrijke advertenties tot functionele items zoals bestek, meubels, klokken, auto ‘ s en zelfs oceaanbekleding.
wereldwijde groei van Art Deco
De Art Deco-stijl vond plaats in wereldhoofdsteden als Havana, Cuba, Mumbai en Jakarta. Havana heeft een hele wijk gebouwd in de Art Deco stijl. Het London Underground railway systeem is sterk in de stijl verwerkt. De haven van Shanghai bevat meer dan vijftig Art Deco structuren, waarvan de meeste zijn ontworpen door de Hongaarse Laszlo Hudec. Van oorlogsmonumenten tot ziekenhuizen, steden zo ver als Sydney en Melbourne in Australië hebben de fenomenale stijl ook geabsorbeerd.
Art Deco: Concepten, stijlen en Trends
Art Deco ‘ s belangrijkste visuele kenmerken vloeien voort uit het herhaalde gebruik van lineaire en geometrische vormen, waaronder driehoekige, zigzagged, trapeziumvormige en chevron-gevormde vormen. Net als zijn voorganger, Art Nouveau, wanneer objecten zoals bloemen, Dieren of menselijke figuren worden weergegeven, zijn ze sterk gestileerd en vereenvoudigd om te houden met de algehele esthetiek van de Art Deco. De aard en de omvang van de stylisering en vereenvoudiging of strippen varieert afhankelijk van de regionale iteratie van de stijl. Zo is bijvoorbeeld een figuur als de Firebird (1922) van de Franse ontwerper René Lalique elegant slank en verzwakt, terwijl Lee Lawrie ‘ s Atlas (1937) buiten Rockefeller Center solide en robuust is met nadrukkelijk lineaire spieren, hoewel beide worden beschouwd als fijne representaties van Deco-stijl.in overeenstemming met de nadruk van de beweging op moderne technologie, maakten Art Deco kunstenaars en ontwerpers gebruik van moderne materialen zoals plastics, bakeliet en roestvrij staal. Maar toen een splash van rijkdom en verfijning nodig was, Namen ontwerpers meer exotische materialen zoals ivoor, Hoorn, en zebra huid. Net als bij de Art Nouveau en de Kunsten en ambachten werd de Art Deco-stijl veel minder toegepast op de traditioneel hoogste beeldende expressievormen: schilderkunst en beeldhouwkunst.
Design
De Art Deco-stijl oefende zijn invloed uit op de grafische kunst op een manier die de invloed van het Italiaanse futurisme onthult met zijn liefde voor snelheid en aanbidding van de machine. Futuristische kunstenaars gebruikten lijnen om beweging aan te geven, bekend als “speed whiskers” die zou streak uit de wielen van snel bewegende auto ‘ s en treinen. Daarnaast gebruikten beoefenaars van Art Deco parallelle lijnen en taps toelopende vormen die symmetrie en stroomlijning suggereren. De typografie werd beïnvloed door de internationale invloed van Art Deco en de lettertypen Bifur, Broadway en Peignot roepen meteen de stijl op.in termen van beeldspraak doen eenvoudige vormen en grote vlakken van effen kleur denken aan Japanse houtsnijwerken, die een belangrijke bron van invloed waren geworden voor Westerse kunstenaars, vooral in Frankrijk, na het einde van de isolationistische Edo-periode in 1868. De daaropvolgende instroom van kunst uit Japan naar Europa maakte een enorme impact. In het bijzonder, kunstenaars vonden in de formele eenvoud van houtsnijwerk een model voor het creëren van hun eigen duidelijk moderne stijlen te beginnen met de Impressionist.tot de late jaren 1920 was het avant-garde meubelontwerp in Frankrijk vooral variaties op de Art Nouveau-stijl, maar vereenvoudigd en minder kromlijnig. In de loop van het decennium ontwikkelde Émile-Jacques Ruhlmann zich tot de belangrijkste meubelontwerper (Ruhlmann had een eigen paviljoen op de expositie van 1925). Hoewel zijn ontwerpen voornamelijk waren geïnspireerd op stukken uit de 18e eeuw die in de neoklassieke stijl werden geproduceerd, elimineerde hij veel van de versiering, terwijl hij nog steeds exotische materialen gebruikte die favoriet waren bij Art Nouveau-ontwerpers zoals mahonie, ebbenhout, palissander, ivoor en schildpad. Natuurlijk, zijn stukken waren vaak te duur om te verwerven voor iedereen, afgezien van de meest welvarende.in tegenstelling tot Ruhlmanns weelderige ontwerpen, die zich leken te uitstrekken over de Art Nouveau en Art Deco stijlen, was de meer definitieve Art Deco meubelontwerper in Frankrijk Jules Leleu. Hij was een traditionele ontwerper tot de nieuwe stijl verdrong Art Nouveau en staat bekend om het ontwerp van de grote eetzaal van het Elysee paleis in Parijs, en de luxe hutten op het eerste klas dek van de elegante stoomboot, de Normandie.in tegenstelling tot Leleu en Ruhlmann, was Le Corbusier een voorstander van een zeer ingepakte, ornament-vrije versie van de Art Deco-stijl, vaak het creëren van meubels geschikt voor de sobere interieurs zijn eigen architectonische structuren. Zijn bedoeling was om prototypes te ontwerpen, met name van stoelen, die in massa geproduceerd zouden kunnen worden en daardoor betaalbaar zouden zijn voor een bredere markt. Ook van belang, Donald DESkey ‘ s interieur van de beroemde bezienswaardigheid van New York City, Radio City Music Hall, is een uitstekend voorbeeld van de Amerikaanse Art Deco meubelontwerp dat is nog steeds intact in zijn oorspronkelijke vorm vandaag.
architectuur
Art Deco-architectuur wordt gekenmerkt door harde, vaak rijkelijk versierde ontwerpen, geaccentueerd door glanzende metalen accenten. Veel van deze gebouwen hebben een verticale nadruk, gebouwd op een manier die bedoeld is om het oog naar boven te trekken. Rechthoekige, vaak blokvormige vormen zijn geometrisch gerangschikt, met de toevoeging van dakspitsen en / of gebogen sierelementen om een gestroomlijnd effect te bieden. New York wolkenkrabbers en Miami ‘ s pastelkleurige gebouwen behoren tot de beroemdste Amerikaanse voorbeelden, hoewel de stijl werd ingezet in een verscheidenheid van structuren over de hele wereld.
in de Verenigde Staten heeft de Works Progress Administration ertoe bijgedragen dat de Art Deco-architectuur mainstream werd. Interessant is dat de fusie van Art Deco en Beaux-Arts classicisme gezien in vele depressie-Tijdperk openbare werken is gekomen om bekend te worden als PWA Moderne of depressie Moderne.latere ontwikkelingen-na Art Deco raakte Art Deco uit de mode tijdens de jaren van de Tweede Wereldoorlog in Europa en Noord-Amerika, met de soberheid van oorlogstijd waardoor de stijl steeds opzichtig en decadent leek. Metalen werden geborgen om te gebruiken voor de bouw van wapens, in tegenstelling tot het versieren van gebouwen of binnenruimtes. Meubels werden niet langer beschouwd als statusobjecten. Verdere technologische vooruitgang mogelijk gemaakt voor goedkopere productie van fundamentele consumentenartikelen, het verdrijven van de behoefte en de populariteit van Art Deco-ontwerpers.
een beweging die in veel opzichten probeerde los te komen van het verleden, is nu een nostalgische, liefdevolle klassieker geworden. Sinds de jaren 1960 is er een gestage, voortdurende interesse in de stijl. Echo ‘ s van de Art Deco zijn te zien in het midden van de eeuw Modern design, die de gestroomlijnde esthetiek van Deco draagt en de schone eenvoud van het Bauhaus opnieuw bekijkt. Deco heeft ook bijgedragen aan de inspiratie voor de Memphis Group, een ontwerp-en architectuurbeweging die in de jaren tachtig in Milaan was gecentreerd. Memphis putte ook uit popart en Kitsch als bron voor zijn kleurrijke, bewust postmoderne ontwerpen.