De 25 Beste Amerikaanse Scenario ‘ s van de 21e Eeuw Van ‘Eternal Sunshine’ en ‘Lady Bird’

U zult vaak horen bestuur zeggen dat elke film is echt drie films: De één op de pagina, je schiet, en je eindigt met in de final cut. Dat geeft je drie kansen om het goed te doen of het nog meer te verpesten, maar niets verslaat een solide basis en goed gemaakte blauwdruk. Tenminste met een geweldig scenario, Weet je dat het een stuk moeilijker zal zijn om de andere twee fasen te verknoeien.

elke beschouwing van de beste films van de afgelopen 18 jaar krijgt een nieuwe context wanneer ze uitsluitend worden bekeken in termen van hun scenario ‘ s. Er zijn een aantal voor de hand liggende meesters van de vorm, zoals Charlie Kaufman en Kenneth Lonergan, om nog maar te zwijgen van de clockwork-achtige precisie van de Pixar story factory, dat is waarom ze allemaal twee films op deze lijst hebben staan. Veel van de films hier werden beroofd van Oscar nominaties, waaronder van David Fincher ‘ s “Zodiac” aan Christopher Nolan ‘ s “Memento,” maar dat neemt niets af van hun verdiensten.

In die geest is hier IndieWire ’s lijst van de beste Amerikaanse scenario’ s van de laatste twee decennia. Deel uw eigen in de commentaren.* “American Psycho”(2000) * “American Psycho “(2000) * “American Psycho” (2000) * “American Psycho” (2000) * “American Psycho” (1991) * “American Psycho” (1991) * “American Psycho” (1991) * “American Psycho” (1991) Dus wat zou twee vrouwelijke Co-schrijvers, regisseur Mary Harron en Guinevere Turner, inspireren om het verhaal aan te passen voor de film? Het duo is veel meer geïnteresseerd in de mechanica die Patrick Bateman doen tikken, en het opbouwen van de satire die de beste momenten van de film onderstreept. Van de obsessieve one-upsmanship over visitekaartjes en restaurantstoelen, tot de schokkende jaren ’80 popsongs die Bateman’ s meest brute moorden onderstrepen, de moordenaar is behendig verplaatst van verheerlijking naar case study. Door de roman verstandig te gebruiken als een springpunt in plaats van een heilige tekst, geven Harron en Turner hun script veel textuur en nuance die deze film van cult voetnoot naar een masterclass van scenarioschrijven verheft. – William Earl

“Finding Nemo” (2003)

Het is moeilijk een komisch karakter te bedenken dan Dory, de blauwe tangvis met kortdurend geheugenverlies en een hart van goud. Zoals geuit door de onvergelijkbare Ellen Degeneres, Dory is meteen gek en onweerstaanbaar. Het spelen van een stotterende Albert Brooks als verwarde straight-fish Marlon (oké, technisch gezien is hij een clownvis), deze twee konden houden hun eigen tegen een klassieke comedy duo. Natuurlijk, er is een kinderfilm over vis nodig om de grootste niet-romantische jongen/meisje buddy comedy te schrijven. Maar wat “Finding Nemo” verheft tot grootste Pixar-film aller tijden status is de emotionele kern. Niet alleen is “Finding Nemo” het soort film waar volwassenen om kunnen lachen, maar Marlon ‘ s zoektocht naar Nemo snijdt tot op het bot voor elke ouder of kind. Bob Peterson en David Reynolds assisteerden co-regisseur Andrew Stanton bij zijn originele verhaal, the same mind die andere top Pixar-gewrichten “Wall-E” en “Toy Story” bedacht.”Ontroerend, hilarisch, en versierd met levendige en vloeiende zeegezichten, “Finding Nemo” vangt de grootste les elke ouder moet leren; de kunst van het loslaten. —Jude Dry

“Lovely & Amazing” (2001)

recenter bekend van “Enough Said,” schrijft Nicole Holofcener de perfecte komedies: die over diep gebrekkig personages die genieten van de onvermijdelijke puinhoop van het leven. In deze bijna perfecte film spelen Catherine Keener en Emily Mortimer als zussen, met de uitstekende Brenda Blethyn als hun liposuctie-zoekende moeder, en een scene-stelende Raven Goodwin als hun geadopteerde zwarte zus. Elk personage is in tegenstelling tot elke andere vrouw die je op het scherm ziet, gelijke delen zelfspottend en egocentrisch. Holofcener balanceert veel elementen, waaronder een Mei-December affaire met een jonge Jake Gyllenhaal, en het gebruik van de jonge Goodwin als Brutale komische voer. Het is een gewaagde keuze die loont. Ten onrechte gekoppeld een “slimme chick-flick” door sommigen, Holofcener is die zeldzame dubbel-whammy van een auteur wiens echte kunstenaarschap wordt gemaskeerd door pure entertainment waarde. —Jude Dry

“Creed” (2015)

Warner Bros. Niet alleen slaagt het script erin om een authentiek verhaal te vertellen over de jonge en vastberaden Adonis Creed, maar het vindt ook een authentieke manier om Sylvester Stallone’ s Rocky te doen herleven en hem de emotionele spil te maken van Adonis ‘ opkomst tot kampioen boxer. Niets in” Creed “voelt schoengewaad om” Rocky ” fans tevreden te stellen. Het script vecht hard om u te investeren in Adonis ‘reis en verdienen zijn callbacks naar Stallone’ s classic. Geen wonder dat het moment dat Creed door de straten van Philadelphia loopt, voelt als zo ‘ n versterkte triomf. Het script is de definitie van tevredenheid. – Zack Sharf

“The Kids Are All Right” (2010)

na het maken van enkele uitdagende meesterwerken, sloeg Lisa Cholodenko het eindelijk uit het park met een geestige en kunstzinnige kijk op het hedendaagse gezinsleven. Choldenko ‘ s script was zo goed dat het Annette Bening en Julianne Moore aantrok en sterren maakte van de jonge Mia Wasikowska en Josh Hutcherson. Bening en Moore zijn kinetisch als een controlerende macht Lesbienne en haar vrij-geestige vrouw die een affaire heeft met hun spermadonor, gespeeld met typisch laid-back brio door Mark Ruffalo. Wasikowska en Hutcherson brengen een perfecte mix van kinderlijke onschuld en moedwillige vroegrijpheid als de titulaire kinderen. De film was een kritische en box-office succes, hoewel sommige LHBT critici borstelden op de “lesbian turns straight” trope. Naar onze mening, Cholodenko krijgt een pass als een out lesbian in Hollywood die geweldige films maakt — en het blijkt in orde op het einde. – JD

“Punch Drunk Love” (2002)

The Criterion Collection

Paul Thomas Anderon ‘ s briljante meditatie over de boze, onderdrukte mannen Adam Sandler heeft een zillion keer gespeeld transformeert dat archetype in een wonderlijke visie. De depressieve eenling Barry Egan worstelt om de woorden te vinden om te gaan met een wereld die hem zonder einde rondgooit, maar zijn wondermiddel komt als een openbaring in Romantisch gezelschap (dat zou Emily Watson zijn). Je zou de genderpolitiek van deze film dood kunnen ontleden, maar PTA ’s script beheert de briljante gok om in de grenzen van Barry’ s hoofd te blijven dus het maakt niet uit wat er echt gebeurt in die slotmomenten het is duidelijk dat hij wat rust heeft gevonden. “Ik heb liefde in mijn leven,” verklaart hij, “en dat maakt me machtiger dan je je kunt voorstellen.”Inderdaad, dit kan het dichtst Anderson komt bij het maken van een superheld film door middel van zijn eigen loopy, surrealistische narratieve logica. Het is ook een fantasievolle meditatie over de waanzin van door testosteron aangewakkerde woede. “Dat is dat, Matras man” zou ieders mantra moeten zijn. – Eric Kohn

“Carol” (2015)

een van de mooiste aspecten van “Carol” is hoeveel gewicht en emotie in één oogopslag wordt gehouden tussen Carol en Therese, vooral in een tijd waarin woorden alleen konden worden gewogen met zorgvuldig gesluierde emotie. De aantrekkingskracht tussen Carol en Therese is onmiskenbaar en het upends alles Therese dacht dat ze wist over zichzelf, sturen haar op haar eigen reis van zelf-ontdekking zowel verweven en los van Carol. Vandaag, in de schaduw van films als “Moonlight” en “Call Me By Your Name”, “Carol” voelt bijna als een relikwie, een film die niet volledig te vieren gay liefde zonder gooien in vernietigende gevolgen. Niettemin blijft Phyllis Nagy ‘ s Oscar-genomineerde scenario een essentiële herinnering aan zowel de schoonheid van queerness, en de lengtes die we zijn gekomen (en nog moeten gaan) in termen van acceptatie.

wanneer de twee vrouwen eindelijk toegeven aan hun passie, is het resultaat een mooie vertoning van erotiek getint met hartzeer — Carol weet dat eindelijk toegeven ook het einde betekent. Hun passie implodeerde zowel Carol ‘ s huwelijk en hun eigen relatie, en wanneer ze eindelijk zien elkaar na enige tijd, hun rollen zijn permanent omgekeerd. Therese is anders, veiliger en zekerder van wie ze is, mede dankzij Carol. En het is Carol die nu onzeker lijkt, die het comfort van haar vorige leven, haar huwelijk en kind, en de enige ware liefde die ze in Therese had gevonden, heeft verloren. —Jamie Righetti

“Inglourious Basterds” (2009)

François Duhamel / The Weinstein Company / Universal Pictures

openingsscène van “Inglourious Basterds” is zijn favoriete ding dat hij ooit heeft geschreven. En hoewel kunstenaars niet altijd de beste scheidsrechters van hun eigen werk zijn, is Tarantino de zeldzame filmmaker die net zo beroemd is om zijn smaak in films als voor het maken ervan. Zeker genoeg, hij heeft deze precies goed.Hans Landa ‘ s gesprek met een verdacht gespannen Franse melkveehouder is niet alleen een van de grootste schurken-introducties aller tijden, het neemt ook een vertrouwde stijl van Holocaust cinema — snijden tussen een kalme Nazi en de versteende Joden verbergen zich voor hem op slechts een paar meter afstand — en explodeert het in een kleurrijke wereld die minder geïnformeerd door de Tweede Wereldoorlog dan het zijn de films die er over zijn gemaakt. De angstaanjagende climax van de reeks, Die “The Searchers” in “Texas Chainsaw Massacre” smelt om tot iets compleet nieuws te komen, zet het podium voor Tarantino ‘ s beste film, de film die het beste de stelling maakt dat “pastiche” alleen een vies woord is als je niet weet hoe je het goed moet uitspreken. Een oogverblindend werk van revisionistische geschiedenis dat het ene onvergetelijke set stuk op het andere legt, “Inglourious Basterds” maakt op de een of andere manier een handvol op zichzelf staande scènes tot een ijlend bevredigend epos vol grote personages, citeerbare momenten en een diepe liefde voor de films zelf. – David Ehrlich

“You Can Count on Me”(2000)

aan het einde van Kenneth Lonergans veelgeprezen debuut staat de eigenzinnige jongere broer (Mark Ruffalo) op het punt aan boord te gaan van een bus naar een onduidelijke toekomst. Hij herhaalt aan zijn zus (Laura Linney), ” herinner wat we gebruiken om te zeggen.”De personages zeggen nooit wat dat is, maar het publiek weet instinctief dat het de titel van de film is: je kunt op me rekenen. Het is een puur Kenneth Lonergan-moment, waarbij het publiek de lege plekken van zijn beschadigde personages zo opvult dat ons begrip van hen zowel dieper als emotioneler is. In de eerste langspeelfilm van de veelgeprezen toneelschrijver werd de band van de broer en zus duidelijk gevormd door de tragische gebeurtenissen van hun kindertijd, maar het is een verleden waarvan we een volledig beeld krijgen zonder ooit te hebben gezien. In plaats daarvan legt de schrijver het allemaal uit door middel van implicaties en vertrouwt erop dat zijn performers — evenals het publiek — de sprong zullen maken. – Chris O ‘ falt

“Moonlight” (2016)

omdat “Moonlight” zo intens boeiend is, worden de onconventionele en niet-Amerikaanse kwaliteiten van het vertellen van verhalen in dit Oscar-winnende scenario vaak genegeerd. In een film die tientallen jaren van het leven van de protagonist beslaat, scenarioschrijvers Barry Jenkins en Tarell Alvin McCraney graven diep in drie korte momenten en vragen het publiek om verbindingen te maken die grote waarheden onthullen over de man die Chiron wordt. Van de verdwijning van Juan (Mahershala Ali) in het tweede hoofdstuk – waardoor we gedesoriënteerd en hebben om het verhaal samen te stellen wat er gebeurd is, niet in tegenstelling tot een verlaten kind – tot de film hartverscheurende laatste 20 minuten, de gedurfde en riskante keuzes van het “Moonlight” scenario betalen zich op een manier die dit meesterwerk alleen verbeteren met de tijd en herhaalde views. – CO

“Lost in Translation” (2003)

Als “the Virgin Suicides” Coppola als een belangrijk nieuw talent zalfde, bewees “Lost In Translation” dat ze nog maar net begonnen was. De fascinerende, getextureerde benarde situatie van het verouderen filmster Bob Harris en de jonge vrouw hij raakt bevriend bij een vorstelijk Tokyo hotel bereikt vele dingen tegelijk: het eigenhandig remade Bill Murray ‘ s carrière en zet Scarlett Johansson op de kaart; het draaide de verwesterde visie van Tokyo luxe op zijn oor; het viel de reclame-industrie aan; het maakte karaoke cool lijken. Beide acteurs waren klaargemaakt voor Coppola ‘ s speelse, mysterieuze romantische komedie, een kafkaesk verhaal van twee mensen uit verschillende lagen van het leven die gemeenschappelijke grond vinden in de trieste, eenzame wereld om hen heen. Murray ‘ s gezicht vertelt de helft van het verhaal, met elke plooi en pik een wenkbrauw spreken volumes over zijn geïnternaliseerde frustraties. Maar Johansson ’s karakter, een jonge vrouw moe van het spelen trofee vrouw aan haar egocentrische echtgenoot, is lange tijd geïnterpreteerd als een avatar voor Coppola’ s eigen ervaringen in haar huwelijk met Spike Jonze.

Coppola ontzegt deze personages niet de mogelijkheid om hun weg naar een gelukkig einde te vinden; maar in een meesterzet die iconisch is geworden, ontzegt ze het publiek de mogelijkheid om de scheidende woorden van het stel te horen. Dit is Coppola ‘ s schittering in een notendop — de beperkingen van taal kunnen nooit de grenzeloze mogelijkheden van emotionele betrokkenheid overbrengen. We zullen lang puzzelen over Bob en Charlotte ‘ s laatste uitwisseling, maar de ontroerende implicaties zijn onmiskenbaar. —EK

“The Lord of the Rings” Trilogy (2001-2003)

een duizelingwekkende prestatie van aanpassing, Philippa Boyens, Peter Jackson, en Fran Walsh ‘ s scripts voor “The Lord of the Rings” een of andere manier gedistilleerd 450.000 woorden in een vloeiende filmische trilogie die alle van J. R. R. Tolkien ‘ s belachelijk dichte mythologie smelt in een episch avontuur rijk aan hart en menselijkheid. Weten wat weg te laten (see ya, Tom Bombadil), en precies wat toe te voegen (Arwen ’s evolutie in een kampioen rider is een mooie touch die helpt galvaniseren haar liefde plot), Jackson’ s team gesneden recht op de essentie van deze personages, terwijl nog steeds ruimte voor de kijkers om te genieten van de pracht van Midden-aarde om hen heen. Dat de extended edition van “The Two Towers” nog rijker is (en korter aanvoelt) dan de theatrale versie is een eerbetoon aan Tolkiens visie — dat de film zo mooi werkt, zelfs zonder de Faramir bits, is een onbetwistbaar bewijs van de fundamentele integriteit van deze scenario ‘ s, die nooit vals spelen of onverdiende emotionele shortcuts nemen. We zullen misschien nooit weten waarom de eagles niet gewoon de Ene Ring naar Mount Doom vlogen, maar met het schrijven van deze goede, is het moeilijk om te klagen. – De

“Sideways” (2004)

Sad men zou de eerste focus kunnen zijn van Alexander Payne en Jim Taylor ’s Oscar-winnende scenario (aangepast van Rex Pickett’ s roman met dezelfde naam) , maar de schriftgeleerden openen wijselijk wanneer het tijd is om vrouwelijke personages als Maya en Stephanie te introduceren-hoewel dat niet wil zeggen dat Miles en Jack niet goed geschreven zijn; ze zijn beide zo scherp geschreven dat het bijna pijn doet om te zien hoe ze zichzelf blootstellen op meer gruwelijke manieren — maar het scenario heeft de vrijgevigheid en wijsheid om alleen verder uit te breiden naar buiten als meer mensen worden geïntroduceerd. En het zijn de mensen die “zijwaarts” zo gemakkelijk naar beneden laten gaan, vooral als dingen moeilijk te slikken worden. Een karakterstudie voornamelijk van Miles, “Sideways” is net zo gedwongen door de andere mensen die filteren in en uit zijn leven, tekenen zijn goede en zeer, zeer slechte dingen in scherpe opluchting als elke pagina flipt door. Het is een script gekenmerkt door klassieke lijnen (meestal over wijn, zeker over “fucking Merlot”) en gepassioneerde toespraken (het soort dat zowel goed gemaakt en relateerbaar aanvoelt), wilde set stukken en het gevoel dat Taylor en Payne altijd weten wanneer ze moeten stoppen (zelfs als je wilt dat ze verder gaan). Het leest als zijn eigen roman, zowel een tragedie als een komedie, met alles op de pagina en morsen. – Kate Erbland

“Spotlight” (2015)

zelfs als er echt nieuws op het spel staat, werken films over journalistiek niet altijd: niemand weet dat beter dan” Spotlight “schrijver Josh Singer, die schreef de teleurstellende WikiLeaks drama” The Fifth Estate ” voordat hij aangesloten met regisseur Tom McCarthy te pen wat zou gaan om een beste foto winnaar te worden. Het samenstellen van het script voor het ware verhaal achter de Boston Globe ‘ s schrijnende — en wereldveranderende-onderzoek naar zedendelicten gepleegd door katholieke priesters was een daad van journalistiek zelf, onderbroken door uren van interviews, tonnen reizen, en een heen en weer edit tussen het paar om de kern van een prachtig verhaal te krijgen. Misschien is dat de reden waarom het tikt langs zo goed, niet snijden geen hoeken als het gaat om de nitty gritty van real-world reporting, terwijl ook het vinden van de tijd om zijn personages te ontwikkelen en vertellen een banger van een verhaal. Het slaat de juiste beats, maar het doet het op verdiende manieren, geworteld in realisme, en vechten voor de waarheid bij elke beurt. – KE

“The Grand Budapest Hotel” (2014)

Moviestore/REX/

in een vorstelijk roze resort in een verzonnen land, bestudeert een jongen vernoemd naar een nummer gastvrijheid van een moordverdachte en mogelijke gigolo. Dus dacht Wes Anderson bij het schrijven van het ingenieuze script voor zijn achtste functie, die hem de helft van zijn zes Oscar nominaties (inclusief een beste originele scenario nod, gedeeld met Hugo Guinness), plus zijn beste box office nummers tot nu toe. Beïnvloed door de verhalen van de Oostenrijkse schrijver Stefan Zweig, “The Grand Budapest Hotel” fable wordt verteld niet door een werknemer, maar een auteur die het resort pas tientallen jaren nadat het verloor zijn pracht. De film van Anderson uit 2014, die zich voor het grootste deel in de jaren ’30 afspeelde maar soms terugkeerde naar de jaren ’60 en daarna, profiteerde opnieuw van prismatisch productieontwerp en guileful casting (waaronder een onbekende hoofdrol, Tony Revolori, en Tilda Swinton als de geriatrische eenmalige eigenaar van het hotel). Het sombere einde maakt alleen de 100 minuten doorgebracht in de Zubrowka sierra voelen extra extravagant. – Jenna Marotta

“Toy Story 3” (2010)