Melanie Griffith, Ji-in Jeong, Maggie North en Juliana Ward
Curatorial Statement
Direct en toegankelijk, meer tekenen dan enig ander medium biedt een venster in het proces van de kunstenaar. De getrokken lijn weerkaatst de beweging van de hand, en lijkt bij uitbreiding de meanderingen van de gedachten van de kunstenaar te traceren. Als een spook van een voorbijgaand gevoel, herinnering of beweging, lijkt de expressieve lijn dringend, essentieel, gebaren en privé. In de 20e eeuw verwierpen expressionistische en Abstract-expressionistische kunstenaars de starre hiërarchie en naturalistische tekenstijl die door de Academie werd gepromoot en omarmden experimentele beelden die traditionele tekenesthetiek en materialen uitdaagden. Deze tentoonstelling onderzoekt tekeningen van moderne en hedendaagse kunstenaars die een nieuwe, expressieve lijngebaseerde taal creëerden. Deze innovatieve lijnen kwamen in vele vormen, zoals blijkt uit de verscheidenheid van mark-making technieken, materialen en vormen die deel uitmaken van de werken te zien. Deze kunstenaars gebruikten de expressieve lijn als code om verschillende betekenissen aan te duiden, variërend van observationeel tot persoonlijk en politiek. In deze tentoonstelling transformeert en overstijgt de expressieve lijn, om verder te spreken dan de private en conventionele fundamenten van tekenen.
door gebruik te maken van de expressieve lijn gebruikten deze kunstenaars nieuwe technieken en concepten, waardoor de definitie van tekenen werd uitgebreid. In hun historische context claimen de werken in deze tentoonstelling line als expressief instrument, waarbij ze het academische gebruik ervan heroverwegen. Politiek van het persoonlijke en culturele zijn essentieel geworden voor hedendaagse kunstenaars die nog steeds experimenteren met, opnieuw uitvinden en zich de expressieve lijn toe-eigenen. Expressief tekenen in onze hedendaagse tijd daagt onze waarden uit, verzet zich tegen onderdrukking en drukt verder uit dan conventies.
organisatie van de tentoonstelling
Deze tentoonstelling zal in vier secties worden verdeeld. Het eerste deel, Espressionistische modi en methoden onderzoekt de spanning tussen twee reuzen van de moderne abstractie: Wassily Kandinsky en Aleksandr Michailovitsj Rodchenko. Beide kunstenaars waren geïnteresseerd in een radicaal nieuwe esthetiek die de ideeën van de moderne tijd kon uitdrukken, maar de twee waren het oneens over hun methoden en bedoelingen. Terwijl Kandinsky ‘ s vloeiende abstracties geïnspireerd waren door muziek of natuur, gebruikte Rodchenko instrumenten, zoals het kompas, om puur niet-objectieve, geometrische composities te maken. Het tweede deel, Life Drawing and Distortion, onderzoekt hoe gecodeerde lijnen een rol spelen in semi-figurale, expressieve levenstekeningen. Veel kunstenaars gebruikten gebaar en vervorming om een versie van het lichaam af te beelden die is geà nformeerd door, maar breekt met de academische traditie. De kunstenaars die in deze groep vertegenwoordigd waren, wilden verder gaan dan het oppervlak van figurale beelden en zich verdiepen in de menselijke psychologie en verbeelding. Het artwork in Myriad markeert de grens tussen herkenbare en onherkenbare vormen. Het presenteert een verscheidenheid aan lijnen, zowel organische als geometrische, die zowel onthullen en verbergen hun betekenis. De tentoonstelling sluit af met werk van de Amerikaanse Abstract expressionistische kunstenaar die zich eerder liet inspireren door emoties en materialen dan door de natuur.
Checklist and Wall Labels
Section 1: Expressionist Modes and Methods
Wassily Kandinsky
(Russian, 1866-1944)
Abstract Composition, 1916
India ink, pencil on sketchbook paper
13 1/2 x 10 in.; 34,3 x 25,4 cm
Gift Of Thomas P. Whitney (Class of 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.104
Ji – in Jeong:Wassily Kandinsky was een in Rusland geboren theoreticus en pionier van de Duitse expressionistische beweging. Hij werd diep getroffen door het gemilitariseerde en nationalistische politieke landschap in Duitsland in 1914. Hij geloofde dat kunst een parallel kon creëren met de bewegingen van de kosmos. Kandinsky probeerde de unieke ervaring van synesthesie te vertalen naar beeldende kunst, waarbij hij de vibraties van symfonische muziek suggereerde in zijn gebruik van lijn en kleur. In Abstracte compositie suggereert hij een lichamelijke ruimte met vloeiende lijnen die variëren van dik tot dun. De lijnen van de Oost-Indische inkt bevatten wankele bewegingen, waardoor geen enkel deel van deze compositie nog Of zeker is. De kleinere lijnen verspreid over de pagina bootsen een organische vorm na, wat de textuur van gras of scènes uit de natuur suggereert. Onvermijdelijk voor het oog is de dikke, zwarte diagonale lijn, centraal op de pagina. Het dient als een gids voor de wervelwind van informatie die Kandinsky chaotisch verstrooit binnen deze wankele wereld. Hij daagt de conventies van de artistieke praktijk uit door te proberen de onzichtbare trillingen van de wereld over te brengen.
Aleksandr Mikhailovich Rodchenko
(Russisch, 1891-1956)
Kompass Composition, 1915
Pen en inkt en zwarte inkt op middelzware zacht, getextureerd gebroken wit papier
6 15/16 x 10 5/16 in.schenking van Thomas P. Whitney (Class of 1937) Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.76 Melanie Griffith: het kunstwerk van Aleksandr Rodchenko creëerde nieuwe mogelijkheden voor Moderne Kunst. Zijn stukken na de Russische Revolutie van 1917 zijn gemarkeerd met de gedurfde uitspraak dat de schilderkunst dood was, wat een nieuw tijdperk van constructivisme inluidde. Later bekend om zijn fotografie, was hij ook een bekwaam abstract schilder, het produceren van werken die brak met de traditionele technieken van de schildersezel. Nog voor de periode van Revolutie en burgeroorlog die snel de Russische samenleving zou hervormen, had Rodchenko al gebroken met de traditionele academische kunst en de wereld van abstractie betreden. Zijn werk maakt stoutmoedig gebruik van de ontwerptechnologie van het kompas om een speelse uitdrukking te ontwikkelen met behulp van geometrische vormen.in het begin werd Rodchenko beïnvloed door de werken van Wassily Kandinsky. Maar Kandinsky ‘ s kunst, hoewel abstract, neigde naar Figuratieve bronnen, met een beroep op symboliek en psychologie, terwijl de jongere generatie zich richtte op het puur abstracte.hoofdstuk 2: breken met de Academie:Levenstekening en vervorming
Oskar Kokoschka
(Austrian, 1887-1980)
Max Reinhardt (Head), 1919
lithografie op grijs velijnpapier
Demensions unavialable
Gift of Priscilla Paine van der Poel, class of 1928
SC 1977:32-169
Maggie North:
hoewel het een lithografie is, doen de dringende en wanordelijke lijnen in deze prent denken aan het schetsen. Met grillige tekens heeft Oskar Kokoschka zijn tijdgenoot, de beroemde film-en theaterregisseur Max Reinhardt (1863-1943), in een staat van schijnbare angst gevangen genomen. Na het breken met de School voor Kunst en ambachten in Wenen, Kokoschka werd bekend om portretten die, in zijn woorden, “intuit van het gezicht, van het spel van uitdrukkingen, en van gebaren, de waarheid over een bepaalde persoon.”Kokoschka was toneelschrijver, dichter en beeldend kunstenaar, maar hij was ook geïnteresseerd in psychologie. In een tijdperk waarin invloedrijke psychoanalytische geschriften van Sigmund Freud op grote schaal werden gepubliceerd, geloofde Kokoschka dat iemands “waarheid” bestond in hun innerlijke wereld en probeerde het aan de kaak te stellen. In dit portret zijn Reinhardts onmogelijk ronde, asymmetrische ogen en langgerekte, gefronste wenkbrauwen eerder expressief dan naturalistisch.
Leonard Baskin
(American, 1922 – 2000)
Two Men, 1953
India ink and graphite on buff laid paper
38 1/8 in x 25 1/8 in
Gift of Helene B. Black (class of 1931)
MH 1988.14.17
Maggie North:
geïnspireerd door de kwetsbaarheid van de menselijke conditie, Leonard Baskin ‘ s afbeeldingen van de menselijke figuur zijn vaak vervormd of misvormd. Hij verklaarde eens: “de menselijke figuur is het beeld van alle mensen en van één mens—het bevat alles en kan alles uitdrukken.”Net als bij Twee mannen wordt Baskin’ s benadering van het menselijk lichaam geà nformeerd door kennis van de spieren en de academische studie van proportie, maar Baskin breekt de academische regels. Zwaar in de schaduw in sommige gebieden en dun geschetst in andere, zijn lichamen bezaaid met donkere, hoekige markeringen die aderen of littekens kunnen vertegenwoordigen in plaats van een gladde, soepele huid. De verontrustende houdingen en mysterieuze gezichtsuitdrukkingen van de afgebeelde mannen dragen bij aan de expressieve kwaliteit van Lijn in deze tekening. Baskin is vertegenwoordigd in talrijke musea en particuliere collecties en is internationaal bekend, maar hij had ook een lokale aanwezigheid. De kunstenaar doceerde kunst aan het Smith College van 1953–1974, vervolgens aan Hampshire College van 1984–1994.
Henry Spencer Moore
(British, 1898-1986)
Zonder Titel: vrouwenfiguren, 1956
potlood, pen en inkt, krijt en gekleurde was
10 15/16 in x 7 1/4 in
Gift Of Richard S. Zeisler (Class of 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 1959.139
ji-in Jeong:Henry Moore werkte voornamelijk in de beeldhouwkunst, maar gebruikte tekenen als een middel om snel ideeën uit zijn onderbewustzijn uit te drukken. Moore combineerde menselijke figuren en andere observaties uit de natuurlijke wereld om zijn tekeningen abstract te construeren, waarbij hij vaak gebruik maakte van verschillende mediums om tweedimensionale beelden te maken die later in sculptuur zouden worden vertaald. In Untitled: Female Figures creëert de kunstenaar de illusie van een sculpturaal werk door het gebruik van lijn, contour, kleur en materialen. Hij benadrukt bepaalde gebieden met een levendige kleur en laat anderen Wit, spelen met positieve en negatieve ruimte. Als aanvulling op deze lichtere gebieden, Moore lagen op een verscheidenheid van getextureerde tonaliteiten, van de subtiele arcering van het grafiet potlood tot de grimmige zwarte inkt gebruikt om de donkerste gearceerde gebieden te maken. Moore gebruikt lijn om zijn ingebeelde vormen naar een derde dimensie te duwen. Tekenen dient als een wijze van toegankelijke en snelle expressie die later kan worden verwerkt tot een sculpturale vorm.
sectie 3: Myriad Markes
Harvey Quaytman (American, 1937-2000)inzano, 1963
potlood en oliekrijt op papier
11 1/16 in x 14 In
Gift of the artist in memory of his father, Mark Quaytman. University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1963.3
Ji-in Jeong:
Harvey Quaytman was een in New York gevestigde geometrisch abstracte kunstenaar bekend om zijn handtekening hard-edged schilderstijl gerelateerd aan het minimalisme. Zijn werk combineert ook een expressieve taal met asymmetrische composities en rijke kleurvlakken. In Cinzano interpreteren lijnen van verschillende diktes, vormen en flexibiliteit geometrische vormen binnen een abstract vlak. De titel komt van een iconische Italiaanse vermout, die suggereert dat de kunstenaar vanuit een directe observatie van de fles werkte om de traditionele conventies van een stilleven te herdefiniëren. De belangrijkste compositorische lijnen zijn dik en zelfverzekerd. Secundaire gekrabbelde of uitgebroed lijnen hebben een meer vloeiende beweging om hen, zweven door een suggestie van ondiepe ruimte. Sommige lijnen worden negatief gemaakt door te wissen, terwijl andere dik worden aangebracht door middel van zware handige arcering, zoals te zien is in het rechthoekige blok aan de linkerkant van de pagina.
Barbara Hepworth (British, 1903-1975)
Project for Wood and Strings, Trezion II, 1959
Painting, oil, gesso, pencil on board
14 7/8 in x 21 1/8 in. Geschenk van Richard S. Zeisler. Mead Art Museum, Amherst College, AC 1960.1
Juliana Ward:Barbara Hepworth, een internationaal erkende Britse beeldhouwer, staat bekend om haar abstracte sculpturen die de natuur oproepen met behulp van lijn, vorm, ruimte, textuur en natuurlijke materialen. Deze schets voor een sculptuur, Project for Wood and Strings, Trezion II, geeft een kijkje in Hepworth ‘ s obsessie met vorm, door de precieze en bijna wiskundige lijnen die ze gebruikt in potlood over een tonaal geschilderde achtergrond. Deze grafietlijnen komen naar voren om abstracte vormen te creëren terwijl ze roteren en zich aan elkaar hechten, wat spanningen van de driedimensionale ruimte suggereert. De gearceerde diagonale lijnen in het midden van de helderste blauwe toon creëren een verdwijnpunt dat verwijst naar de traditie van perspectieftekening. Hepworth vindt perspectivale ruimte opnieuw uit door futuristische abstractie. Ze gebruikt abstracte lijn om de schets in deze etherische tekening opnieuw voor te stellen.
Iwami Reika
(Japans, 1924)
Zonder Titel “Skating by the Water”, 1976
Print, woodblock and gold leaf
13 3/4 in x 10 1/16 in.Gift van Doris Lee en John H. Rich, Jr. Mead Art Museum, Amherst College, AC 2010.31:
Iwami Reika, een meester-japanse prentkunstenaar, staat bekend om haar abstracte lineaire evocaties van de natuur. Ze vindt de mogelijkheden van de expressieve lijn opnieuw uit door gevonden materialen in haar print te verwerken. Reika vertrouwt niet alleen op haar eigen hand om lijn te renderen, maar gebruikt gevonden drijfhout, zowel het afdrukken van de natuurlijke houtnerf als het gebruik ervan als inspiratie voor organische getrokken lijnen. Haar expressieve taal van lijn vervaagt de scheidslijnen tussen natuurlijke elementen zoals water, hout, lucht en ruimte. Werken in een beperkt kleurenpalet, Reika laat lijn, ruimte,en visuele textuur centraal staan. Haar nadruk op de expressieve en soms symbolische lijn of vorm creëert een ingetogen drama, dat een filosofische of spirituele innerlijke wereld suggereert. Reika is ook een dichter van haiku, een andere Japanse traditie gebaseerd op terughoudendheid. Ze zegt: “Haiku is een discipline studie. Het dwingt je te elimineren wat niet nodig is, en daarom gebruik ik het als een spirituele oefening voor mijn afdrukken.”
The Expressive Line as Gesture
Lee Krasner
(American, 1908 – 1984)
primaire serie: Gold Stone, 1969
Color lithograph
22 1/2 in x 30 in.schenking van Robert Staub via de Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.23
Lee Krasner
(American, 1908 – 1984)
primaire serie: Pink Stone, 1969
Kleurenlithografie
22 1/2 in x 30 in.schenking van Robert Staub via de Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.24
Lee Krasner
(American, 1908-1984)
primaire serie: Blauwe hardsteen, 1969
Kleurenlithografie
22 1/2 in x 30 in.schenking van Robert Staub door de Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.25 Melanie Griffith: Lee Krasners primaire serie presenteert een meeslepende kleurenspatter op doek. Het drieluik is gebaseerd op de primaire kleuren, maar vervangt de gemeenschappelijke rood, geel en blauw door meer suggestieve of poëtische tinten. Krasner werd bekend om de kleurrijke en uitbundige schilderijen die ze maakte na de dood van haar man, de schilder Jackson Pollock, in 1956. Gesterkt door de vrouwenbeweging, ze geladen vooruit, het creëren van schilderijen en prenten bekend om hun dynamische en kleurrijke expressie. Ze experimenteerde met een breed scala aan verschillende technieken om kleur neer te zetten op doek en papier. In deze driedelige serie brengt Krasner een hommage aan Pollock ‘ s drip paintings, waarbij hij experimenteert met transparantie en opaciteit die bereikt wordt door de dikte van de lithografische inkt te variëren voordat elke afbeelding in haar gekozen kleur wordt afgedrukt.
Joan Mitchell
(American, 1926-1992)
Sides of a River I, from Bedford Series, 1981
lithografie printed on color paper
42 x 32 in.Gift of Lois Perelson-Gross, class of 1983, and Stewart Gross ter ere van Janice Carlson Oresman, class of 1955,ter gelegenheid van haar 50ste Reünie. Hoewel ze wordt gevierd voor haar grote, kleurrijke, actie schilderijen, Mitchell gebruikte ook pastel en was een volleerd prentkunstenaar. In het begin lijkt glace misschien ongepland, maar buitengewone aandacht voor gebalanceerde kleurenschema ’s en de figuur-grond relatie liggen meestal ten grondslag aan Mitchell’ s gebaren. In 1981 werkte Mitchell nauw samen met de bekende drukker Kenneth Tyler om een serie van tien grote litho ‘ s te maken, waaronder deze. De serie kreeg de titel “Bedford Series”, naar de locatie van de workshop in Bedford Village, New York. Verspreide, kalkachtige, semi-verticale markeringen vullen het midden van de compositie, steeds donkerder en meer gecondenseerd aan de boven-en onderkant van het papier. Mitchell ‘ s gecomprimeerde lijnen zijn bijna kalligrafisch. Net als onleesbare handtekeningen nodigen ze tegelijkertijd speculatie uit en verbergen ze hun expressieve betekenis.