początki Art Deco
pod koniec XIX wieku we Francji wielu wybitnych artystów, architektów i projektantów, którzy odegrali ważną rolę w rozwoju stylu secesyjnego, uznało, że staje się coraz bardziej passé. Pod koniec wieku, w którym wybuchła rewolucja przemysłowa, współczesne życie stało się zupełnie inne niż kilkadziesiąt lat wcześniej. Przyszedł czas na coś nowego, coś, co wykrzyczyłoby „XX wiek” ze gustownych, modernistycznych dachów.
Stowarzyszenie Artystów dekoracyjnych we Francji
z pragnienia przejścia w nowe stulecie w zgodzie z innowacjami, a nie z nostalgią, grupa francuskich innowatorów artystycznych utworzyła organizację o nazwie Societé des Artistes Décorateurs (Stowarzyszenie Artystów dekoracyjnych). Grupa składała się zarówno ze znanych postaci, takich jak secesyjny projektant i grafik Eugene Grasset, jak i secesyjny architekt Hector Guimard, a także wschodzących artystów dekoracyjnych i projektantów, takich jak Pierre Chareau i Francis Jourdain. Państwo francuskie popierało i popierało ten kierunek działalności artystycznej.
jednym z głównych celów nowej grupy było zakwestionowanie hierarchicznej struktury sztuk wizualnych, która Spychała artystów dekoracyjnych do mniejszego statusu niż bardziej klasyczne Media malarskie i rzeźbiarskie. Jourdain jest Sławnie cytowany jako mówiący: „w konsekwencji postanowiliśmy zwrócić sztukę dekoracyjną, nierozważnie traktowaną jako Kopciuszek lub słabą relację, pozwalającą jeść ze sługami, do ważnego, niemal dominującego miejsca zajmowanego w przeszłości, wszystkich czasów i we wszystkich krajach świata.”Plan dużej wystawy prezentującej nowy rodzaj sztuki dekoracyjnej został pierwotnie opracowany w 1914 roku, ale musiał zostać wstrzymany aż do zakończenia I wojny światowej, a następnie z różnych powodów przesunięty do 1925 roku.
wystawa, która oficjalnie zapoczątkowała ruch
rząd francuski, który gościł wystawę między esplanadą ze złotymi kopułami Les Invalides a wejściami do Petit Palais i Grand Palais po obu stronach Sekwany, starał się pokazać nowy styl. Ponad 15 000 artystów, architektów i projektantów zaprezentowało swoje prace na wystawie. W ciągu siedmiu miesięcy wystawy ponad 16 milionów ludzi zwiedziło wiele indywidualnych eksponatów. Wystawa ta była katalizatorem początku ruchu.
Art Nouveau i Art Deco
Art Deco był bezpośrednią odpowiedzią estetycznie i filozoficznie na styl secesyjny i na szerszy fenomen kulturowy modernizmu. Secesja zaczęła wychodzić z mody podczas I wojny światowej, ponieważ wielu krytyków uważało, że wyszukany detal, delikatne wzory, często drogie materiały i metody produkcji stylu nie pasują do wymagającego, niespokojnego i coraz bardziej Zmechanizowanego współczesnego świata. Podczas gdy ruch Art Nouveau czerpał swoje skomplikowane, stylizowane formy z natury i wychwalał zalety ręcznie tworzonego, estetyka Art Deco podkreślała opływowość i elegancką geometrię.
Art Deco i Modernizm
wystawa Internationale zgromadziła nie tylko prace w stylu Art Deco, ale umieściła wykonane przedmioty w pobliżu przykładów awangardowych obrazów i rzeźb w stylach takich jak Kubizm, konstruktywizm, Bauhaus, De Stijl i futuryzm. XX wieku Art Deco było żywiołowym, ale w dużej mierze głównym nurtem, kontrapunktem dla bardziej mózgowej estetyki Bauhausu i De Stijl. Wszystkie trzy kładły nacisk na czyste, mocne linie jako zasadę organizowania projektu. Praktycy Art Deco przyjęli innowacje technologiczne, nowoczesne materiały i mechanizację i starali się podkreślić je w ogólnej estetyce samego stylu. Praktycy zapożyczali się również i uczyli się od innych ruchów modernistycznych. Art Deco zostało docenione przez wielbicieli, którzy podążali za przyszłościowymi perspektywami współczesnych ruchów awangardowych. Jak na ironię, modernistyczne malarstwo i rzeźba odegrały drugorzędną rolę na wystawie, z nielicznymi wyjątkami Pawilonu Radzieckiego i pawilonu Esprit Nouveau Le Corbusiera.
Art Deco po Wielkim Kryzysie
początek drugiej fazy Art Deco zbiegł się z początkiem Wielkiego Kryzysu. Surowość, w rzeczywistości, może być podstawą estetyki zarówno dla pragmatycznych, jak i konceptualnych powodów tego drugiego rozwoju Art Deco. Podczas gdy architektura Art Deco, na przykład, była zorientowana pionowo z drapaczami chmur wznoszącymi się na wysokie wysokości, późniejsze budynki Art Deco z ich w większości nieoznakowanymi zewnętrznymi powierzchniami, wdzięcznymi łukami i poziomymi akcentami symbolizowały solidność, ciszę i odporność. W najgorszych latach ekonomicznej katastrofy, od 1929 do 1931 roku, amerykański Art Deco przeszedł od podążania za trendami do ich wyznaczania.
Streamline Moderne
Streamline Moderne stał się amerykańską kontynuacją europejskiego ruchu Art Deco. Poza poważnymi wpływami ekonomicznymi i filozoficznymi, inspiracją estetyczną dla pierwszych usprawnionych struktur Moderne były budynki zaprojektowane przez zwolenników ruchu nowego obiektywizmu w Niemczech, który powstał z nieformalnego Stowarzyszenia Niemieckich architektów, projektantów i artystów, które powstało na początku XX wieku. Nowy obiektywizm artyści i architekci inspirowali się tym samym trzeźwym pragmatyzmem, który zmusił zwolenników Streamline Moderne do wyeliminowania nadmiaru, w tym emocjonalności sztuki ekspresjonistycznej. Nowy obiektywizm architekci skoncentrowali się na tworzeniu struktur, które mogłyby być uznane za praktyczne, odzwierciedlające wymagania prawdziwego życia. Woleli, aby ich projekty dostosowywały się do realnego świata, niż zmuszać innych do dostosowywania się do estetyki, która była niepraktyczna. W tym celu nowi Architekci Objectivity byli nawet pionierami technologii prefabrykacji (pomagając szybko i skutecznie w domu ubogich w Niemczech).
pozbawiona ornamentu, modernistyczna Architektura charakteryzowała się czystymi łukami, długimi poziomymi liniami (w tym pasmami okien), szklanymi cegłami, oknami w stylu portyku oraz cylindrycznymi, a czasem morskimi formami. Bardziej niż kiedykolwiek położono nacisk na aerodynamikę i inne przejawy nowoczesnej technologii. Droższe i często egzotyczne materiały Art Deco zostały zastąpione betonem, szkłem i chromowanymi okuciami w Streamline Moderne. Kolor był używany oszczędnie, ponieważ odcienie złamanej bieli, beżu i ziemi zastąpiły bardziej żywe kolory Art Deco. Styl został najpierw wprowadzony do architektury, a następnie rozszerzony na inne obiekty, podobnie jak tradycyjny styl Art Deco.
Art Deco nazywa się Retroaktywnie
pierwotnie termin „Art Deco” był używany pejoratywnie przez słynnego krytyka, modernistycznego architekta Le Corbusiera, w artykułach, w których krytykował styl za jego ornamentację, cechę, którą uważał za niepotrzebną w nowoczesnej architekturze. Podczas gdy zwolennicy stylu okrzyknęli go jako odartą, modernistyczną odpowiedź na nadmierną ornamentację, zwłaszcza w porównaniu z jego bezpośrednim poprzednikiem, secesją, ponieważ każda dekoracja była zbyteczna dla Le Corbusiera. Dopiero pod koniec lat 60., kiedy zainteresowanie stylem ożywiło się, termin „Art Deco” został w pozytywny sposób użyty przez brytyjskiego historyka i krytyka sztuki Bevisa Hilliera.
Art Deco i Stany Zjednoczone
w USA, recepcja ruchu Art Deco rozwijała się w innej trajektorii. Herbert Hoover, Sekretarz handlu USA w tym czasie, zarządził, że amerykańscy projektanci i architekci nie mogą wystawiać swoich prac na Exposition Internationale, ponieważ twierdził, że kraj musi jeszcze wyobrazić sobie wyraźnie amerykański styl sztuki, który był zadowalająco ” wystarczająco nowy.”Jako alternatywę wysłał delegację do Francji w celu oceny ofert na wystawie, a następnie zastosowania tego, co widzieli, do współczesnego amerykańskiego stylu artystycznego i architektonicznego. W skład kontyngentu wysłanych przez Hoovera wysłanników estetycznych wchodziły ważne osobistości z American Institute of Architecture, Metropolitan Museum of Art i New York Times. Misja zainspirowała niemal natychmiastowy boom na innowacje artystyczne w USA
do 1926 roku mniejsza wersja francuskich targów o nazwie „a Selected Collection of Objects from the International Exposition Modern, Industrial and Decorative Arts” podróżowała po wielu amerykańskich miastach, takich jak Nowy Jork, Cleveland, Chicago, Detroit, St.Louis, Boston, Minneapolis i Filadelfia. Amerykańskie Targi światowe w Chicago (1933) i Nowym Jorku (1939) wyróżniły projekty w stylu Art Deco, podczas gdy Hollywood przyjęło estetykę i sprawiło, że było Czarujące w całym kraju. Nawet amerykańskie korporacje, takie jak General Motors I Ford, budowały pawilony na nowojorskich Targach Światowych.
do najbardziej znanych przykładów amerykańskiego stylu Art Deco należą drapacze chmur i inne duże budynki. W rzeczywistości Amerykańska iteracja Art Deco w projektach budowlanych została określona jako Zigzag Modern ze względu na kątowe i geometryczne wzory jako wyszukane fasady architektoniczne. Jednak ogólnie Amerykański Art Deco jest często mniej ozdobny niż jego europejski poprzednik. Poza czystymi liniami i mocnymi krzywiznami, odważnymi geometrycznymi kształtami, bogatą kolorystyką, a czasem bogatym ornamentem, wersja amerykańska jest bardziej obnażona. Jako ważne wpływy, takie jak nowy obiektywizm i międzynarodowy styl architektury, a także poważne ekonomiczne niepowodzenia końca 1920 i początku 1930 roku zaczęły wywierać wpływ na estetykę Art Deco, styl stał się znacznie mniej wystawny. Na przykład, ta przemiana może być symbolizowana przez zastąpienie złota chromem, masy perłowej bakelitem, granitu betonem itd.
Amerykański Styl Art Deco rozwinął się jako celebracja postępu technologicznego, w tym masowej produkcji i przywróconej wiary w postęp społeczny. Zasadniczo osiągnięcia te można uznać za odzwierciedlenie dumy narodowej. W latach trzydziestych XX wieku pod rządami Roosevelta wiele z dzieł, które powstały, było w stylu Art Deco, od struktur miejskich, takich jak biblioteki i szkoły, po masywne publiczne murale. WPA miała na celu rozkręcenie powojennej gospodarki USA poprzez tworzenie miejsc pracy w pracach publicznych i starała się służyć społeczności poprzez tworzenie miejsc pracy i zaszczepianie amerykańskich wartości w designie. W ten sposób użycie amerykańskiego Art Deco dało wyraz demokracji poprzez design. Niektóre materiały często używane w kreacji Art Deco były drogie, a zatem poza zasięgiem przeciętnego człowieka. Jednak wykorzystanie niedrogich lub nowych materiałów umożliwiło produkcję szerokiej gamy niedrogich produktów, a tym samym wprowadziło piękno w sferę publiczną w nowy sposób. Art Deco zainspirowało projekt i produkcję szeregu obiektów – od okładek czasopism i kolorowych reklam po przedmioty funkcjonalne, takie jak sztućce, meble, zegary, samochody, a nawet liniowce oceaniczne.
globalny rozwój Art Deco
styl Art Deco utrzymał się w światowych stolicach tak różnych, jak Hawana, Kuba, Bombaj i Dżakarta. Hawana szczyci się całą dzielnicą zbudowaną w stylu Art Deco. System londyńskiej kolei podziemnej w dużym stopniu łączy ten styl. Port w Szanghaju zawiera ponad pięćdziesiąt struktur w stylu Art Deco, z których większość została zaprojektowana przez węgierskiego Laszlo Hudec. Od pomników wojennych po szpitale, miasta sięgające Sydney i Melbourne w Australii wchłonęły również fenomenalny styl.
Art Deco: Koncepcje, style i trendy
główne cechy wizualne Art Deco wynikają z powtarzalnego stosowania liniowych i geometrycznych kształtów, w tym form trójkątnych, zygzakowatych, trapezowych i szewronowych. Podobnie jak jego poprzednik, Secesja, gdy obiekty takie jak kwiaty, zwierzęta lub postacie ludzkie są reprezentowane, są wysoce stylizowane i uproszczone, aby zachować ogólną estetykę Art Deco. Charakter i zakres stylizacji i uproszczenia lub rozbiórki różni się w zależności od regionalnej iteracji stylu. Na przykład postać, taka jak Firebird (1922) francuskiego projektanta René Lalique 'a, jest elegancko smukła i osłabiona, podczas gdy Atlas Lee Lawrie’ ego (1937) poza Rockefeller Center jest solidny i solidny z wyraźną linearną muskulaturą, chociaż oba są uważane za piękne reprezentacje stylu Deco.
zgodnie z naciskiem ruchu na nowoczesną technologię, artyści i projektanci Art Deco wykorzystywali nowoczesne materiały, takie jak Tworzywa sztuczne, Bakelit i stal nierdzewna. Ale gdy potrzeba było odrobiny bogactwa i wyrafinowania, projektanci zastosowali bardziej egzotyczne materiały, takie jak kość słoniowa, róg i skóra zebry. Podobnie jak w przypadku secesji i ruchów artystycznych i rzemieślniczych, styl Art Deco był znacznie mniej stosowany do tradycyjnie najwyższych form ekspresji sztuki wizualnej: malarstwa i rzeźby.
Design
styl Art Deco wywarł swój wpływ na grafikę w sposób, który ujawnia wpływy włoskiego futuryzmu z jego miłością do szybkości i uwielbieniem maszyny. Artyści futurystyczni używali linii do wskazywania ruchu, znanych jako” wąsy prędkości”, które wyrywały się z kół szybko poruszających się samochodów i pociągów. Ponadto praktycy Art Deco wykorzystywali równoległe linie i zwężające się formy, które sugerują symetrię i usprawnienie. Typografia została dotknięta międzynarodowym wpływem Art Deco, a kroje pisma Bifur, Broadway i Peignot natychmiast przywołują ten styl na myśl.
pod względem obrazów proste formy i duże obszary o jednolitym kolorze przypominają Japońskie drzeworyty, które stały się głównym źródłem wpływów zachodnich artystów, zwłaszcza we Francji, po zakończeniu izolacjonistycznego okresu Edo w 1868 roku. Ogromny wpływ wywarł późniejszy napływ sztuki z Japonii do Europy. W szczególności artyści znaleźli w formalnej prostocie woodblock wzór do tworzenia własnych wyraźnie nowoczesnych stylów, począwszy od impresjonizmu.
Meble
do końca lat 20.awangardowe wzornictwo mebli we Francji było głównie wariacjami na temat stylu secesyjnego, ale uproszczone i mniej krzywoliniowe. W miarę upływu dekady Émile-Jacques Ruhlmann stał się czołowym projektantem mebli (Ruhlmann miał własny pawilon na wystawie w 1925 roku). Podczas gdy jego projekty były inspirowane głównie dziełami z XVIII wieku produkowanymi w stylu neoklasycystycznym, wyeliminował większość dekoracji, nadal używając egzotycznych materiałów preferowanych przez secesyjnych projektantów, takich jak mahoń, Heban, Palisander, kość słoniowa i skorupa żółwia. Oczywiście, jego dzieła były często zbyt drogie, aby nabyć dla każdego, oprócz najbardziej zamożnych.
w przeciwieństwie do wystawnych projektów Ruhlmanna, które wydawały się okrakiem stylu Art Nouveau i Art Deco, bardziej definitywnym projektantem mebli w stylu Art Deco we Francji był Jules Leleu. Był tradycyjnym projektantem, dopóki nowy styl nie wyparł secesji i jest znany z projektowania Wielkiej jadalni Pałacu Elizejskiego w Paryżu i luksusowych kabin na pokładzie pierwszej klasy eleganckiego parowca Normandie.
w przeciwieństwie do Leleu i Ruhlmanna, Le Corbusier był zwolennikiem bardzo skromnej, pozbawionej ornamentu wersji stylu Art Deco, często tworząc meble odpowiednie do surowych wnętrz własnych konstrukcji architektonicznych. Jego zamiarem było zaprojektowanie prototypów, w szczególności krzeseł, które mogłyby być produkowane masowo, a zatem przystępne cenowo dla szerszego rynku. Warto również zauważyć, że projekt wnętrza Donalda Deskeya słynnego punktu orientacyjnego w Nowym Jorku, Radio City Music Hall, jest doskonałym przykładem amerykańskiego projektu mebli w stylu Art Deco, który do dziś pozostaje nienaruszony w swojej pierwotnej formie.
Architektura
architektura Art Deco charakteryzuje się twardymi, często bogato zdobionymi wzorami, podkreślonymi lśniącymi metalowymi akcentami. Wiele z tych budynków ma pionowe podkreślenie, skonstruowane w sposób mający na celu przyciągnięcie oka do góry. Prostokątne, często blokowe formy są ułożone geometrycznie, z dodatkiem wież dachowych i / lub zakrzywionych elementów ozdobnych, aby zapewnić opływowy efekt. Nowojorskie drapacze chmur i pastelowe budynki w Miami należą do najbardziej znanych amerykańskich przykładów, chociaż styl ten został wdrożony w różnych strukturach na całym świecie.
w Stanach Zjednoczonych, the Works Progress Administration pomogło architekturze Art Deco stać się głównym nurtem. Co ciekawe, połączenie Art Deco i klasycyzmu Beaux-Arts widoczne w wielu pracach publicznych epoki depresji stało się znane jako PWA Moderne lub Depression Moderne.
późniejsze wydarzenia – Po Art Deco
Art Deco wypadł z mody w latach II Wojny Światowej w Europie i Ameryce Północnej, a surowość czasu wojennego sprawiała, że styl wydawał się coraz bardziej krzykliwy i dekadencki. Odzyskiwano metale, aby wykorzystać je do budowy uzbrojenia, w przeciwieństwie do dekorowania budynków lub wnętrz. Meble nie były już uważane za obiekty statusowe. Dalszy postęp technologiczny pozwolił na tańszą produkcję podstawowych artykułów konsumpcyjnych, eliminując potrzebę i popularność projektantów Art Deco.
ruch, który pod wieloma względami starał się oderwać od przeszłości, stał się nostalgicznym, czule wspominanym klasykiem. Od lat 60.XX wieku istnieje stałe, stałe zainteresowanie tym stylem. ECHA Art Deco można dostrzec w nowoczesnym designie z połowy wieku, który przenosi opływową estetykę Deco i powraca do czystej prostoty Bauhausu. Deco zainspirowało również grupę Memphis, ruch projektowo-architektoniczny skupiony w Mediolanie w latach 80. XX wieku. Memphis czerpało również z Pop-artu i kiczu jako źródeł kolorowych, świadomie postmodernistycznych projektów.