the 25 Best American Screenplays of the 21st Century, From 'Eternal Sunshine’ to 'Lady Bird’

You często usłyszysz, jak reżyserzy mówią, że każdy film to naprawdę trzy filmy: ten na stronie, Ten, który kręcisz, i ten, który kończysz w ostatecznym kroju. To daje Ci trzy szanse na poprawienie lub jeszcze większe zepsucie, ale nic nie przebije solidnego fundamentu i dobrze przygotowanego planu. Przynajmniej przy świetnym scenariuszu, wiesz, że o wiele trudniej będzie zepsuć pozostałe dwie fazy.

każde rozważanie najlepszych filmów ostatnich 18 lat nabiera nowego kontekstu, gdy rozpatrywane jest wyłącznie pod względem scenariuszy. Jest kilku oczywistych Mistrzów formy, takich jak Charlie Kaufman i Kenneth Lonergan, nie wspominając o mechanicznej precyzji Pixar story factory, dlatego wszyscy mają dwa filmy na tej liście. Wiele filmów tutaj zostało okradzionych z nominacji do Oscara, w tym od „zodiaku” Davida Finchera do „Memento” Christophera Nolana, ale to nie odbiega od ich zasług.

w tym duchu, Oto lista najlepszych amerykańskich scenariuszy ostatnich dwóch dekad. Podziel się swoimi w komentarzach.

„American Psycho” (2000)

powieść Breta Eastona Ellisa z 1991 roku „American Psycho” była spowita kontrowersjami wokół jej wydania, ponieważ przedstawiała brutalne życie yuppie z alpha NYC, który preferował zabijanie prostytutek i bezdomnych. Co więc zainspirowałoby dwie współpracujące ze sobą kobiety, reżyserkę Mary Harron i Guinevere Turner, do adaptacji tej historii na potrzeby filmu? Para znacznie bardziej interesuje się mechaniką, która sprawia, że Patrick Bateman klei, i buduje z tego satyrę, która podkreśla najlepsze momenty filmu. Od obsesyjnego zawieruchy na temat wizytówek i miejsc w restauracji, po wstrząsające popowe piosenki z lat 80.podkreślające najbardziej brutalne morderstwa Batemana, zabójca zręcznie przenosi się od gloryfikacji do studium przypadku. Mądrze wykorzystując powieść jako punkt wyjścia zamiast świętego tekstu, Harron i Turner nadają scenariuszowi mnóstwo tekstury i niuansów, które podnoszą ten film z kultowego przypisu do mistrzowskiej klasy scenariuszowej. – William Earl

„gdzie jest Nemo” (2003)

trudno myśleć o większym komediowym charakterze niż Dory, Niebieska ryba tang z krótkotrwałą utratą pamięci i złotym sercem. Jako głos niezrównanej Ellen Degeneres, Dory jest od razu szalona i nieodparta. Grając jąkającego się Alberta Brooksa jako Marlona straight-fish (ok, technicznie jest błaznem), ci dwaj mogliby się zmierzyć z każdym klasycznym komediowym duetem. Oczywiście, potrzeba filmu dla dzieci o rybach, aby napisać najlepszą nieromantyczną komedię faceta/koleżanki. Ale to, co podnosi „gdzie jest Nemo” do największego statusu filmu Pixar wszechczasów, to jego rdzeń emocjonalny. Film „gdzie jest Nemo” to nie tylko film, z którego dorośli mogą się śmiać, ale także poszukiwanie Nemo przez Marlona przecina kości każdemu rodzicowi lub dziecku. Bob Peterson i David Reynolds asystowali Współreżyserowi Andrew Stantonowi przy jego oryginalnej historii, tym samym umyśle, który wymyślił inne czołowe gry Pixara „Wall-E” i „Toy Story”.”Poruszające, zabawne i ozdobione tętniącymi życiem i płynnymi pejzażami morza, „Finding Nemo” oddaje największą lekcję, której każdy rodzic musi się nauczyć; sztukę odpuszczania. —Jude Dry

„Lovely & Amazing” (2001)

holofcener pisze doskonałe komedie: o głęboko wadliwych postaciach, które rozkoszują się nieuchronnym bałaganem życia. W tym niemal idealnym filmie występują Catherine Keener i Emily Mortimer jako siostry, z doskonałą Brendą Blethyn jako ich matką poszukującą liposukcji, a Raven Goodwin jako adoptowaną czarną siostrą. Każda postać jest niepodobna do żadnej innej kobiety, którą zobaczysz na ekranie, równe części samo-deprecjonujące i pochłonięte sobą. Holofcener równoważy wiele elementów, w tym majowo-grudniowy romans z młodym Jake ’ iem Gyllenhaalem i wykorzystanie młodego Goodwina jako bezczelnego komediowego pożywienia. To odważny wybór, który się opłaca. Holofcener, niesłusznie kojarzony przez niektórych z” mądrą laską”, jest rzadkim podwójnym whammy autora, którego prawdziwy kunszt jest maskowany przez samą wartość rozrywkową. – Jude Dry

„Creed” (2015)

Warner Bros. Scenariusz nie tylko udaje się opowiedzieć autentyczną historię młodego i zdeterminowanego Adonisa Creeda, ale także odnajduje autentyczny sposób na ożywienie Rocky’ ego Sylvestra Stallone ’ a i uczynienie go emocjonalnym linczem w walce o tytuł mistrza boksera Adonisa. Nic w „Creed” nie jest w stanie zadowolić fanów „Rocky ’ ego”. Scenariusz ciężko walczy, aby zainwestować Cię w podróż Adonisa i zdobyć oddzwonienie do klasyki Stallone. Nic dziwnego, że moment, w którym Creed przemierza ulice Filadelfii, wydaje się być tak ożywczym triumfem. Scenariusz jest definicją satysfakcji. – Zack Sharf

„the Kids Are All Right” (2010)

Lisa Cholodenko po zrobieniu kilku trudnych arcydzieł w końcu wyrzuciła je z parku z dowcipnym i artystycznym podejściem do współczesnego życia rodzinnego. Scenariusz Choldenko był tak dobry, że przyciągał takich aktorów jak Annette Bening i Julianne Moore, a Gwiazdy tworzyli Mia Wasikowska i Josh Hutcherson. Bening i Moore wcielają się w rolę kontrolującej władzy lesbijki i jej swobodnej żony, która ma romans z ich dawcą spermy, granej z kwintesencją wyluzowanego brio Marka Ruffalo. Wasikowska i Hutcherson jako tytułowe dzieci tworzą idealną mieszankę dziecięcej niewinności i świadomej przedwczesności. Film okazał się sukcesem Krytycznym i kasowym, choć niektórzy krytycy LGBT wściekli na trop „lesbian turns straight”. Naszym zdaniem Cholodenko dostaje przepustkę jako lesbijka w Hollywood, która robi świetne filmy — i w końcu okazuje się, że wszystko w porządku. – JD

„Punch Drunk Love” (2002)

The Criterion Collection

Paul Thomas anderon 's brilliant meditation on the angry, repressed men Adam Sandler’ s played a zillion times transforms that archetype into a wondrous vision. Przygnębiony samotnik Barry Egan stara się znaleźć słowa, aby poradzić sobie ze światem, który rzuca go bez końca, ale jego panaceum pojawia się jak objawienie w romantycznym towarzystwie (byłaby to Emily Watson). Można by przeanalizować politykę płci w tym filmie na śmierć, ale scenariusz PTA radzi sobie z genialnym ryzykiem pozostania w granicach głowy Barry ’ ego, więc bez względu na to, co naprawdę się wydarzy w tych ostatnich momentach, jest jasne, że znalazł spokój. „Mam miłość w moim życiu”, oświadcza, ” i to czyni mnie potężniejszym, niż możesz sobie wyobrazić.”Rzeczywiście, może to być Najbliższe Andersonowi zrobienie filmu o superbohaterze poprzez własną loopy, surrealistyczną logikę narracyjną. Jest to również fantazyjna medytacja na nieczystość wściekłości napędzanej testosteronem. „Tak jest, materacu” powinno być mantrą każdego. – Eric Kohn

„Carol” (2015)

jednym z najpiękniejszych aspektów „Carol” jest to, jak wiele wagi i emocji jest utrzymywanych w jednym spojrzeniu między Carol I Therese, zwłaszcza w czasie, gdy słowa można było ważyć tylko starannie zasłoniętymi emocjami. Fascynacja Carol I Therese jest niezaprzeczalna i podnosi wszystko, co Therese myślała, że wie o sobie, wysyłając ją na własną podróż samopoznania, zarówno splecioną, jak i poza Carol. Dziś, w cieniu takich filmów jak „Moonlight” i „Call ME By Your Name”, „Carol” czuje się prawie jak relikt, film, który nie może w pełni celebrować gejowskiej miłości bez obciążających konsekwencji. Niemniej jednak, nominowany do Oscara scenariusz Phyllis Nagy pozostaje żywotnym przypomnieniem zarówno piękna queerowości, jak i długości, w jakich doszliśmy (i nadal musimy iść) pod względem akceptacji.

Kiedy dwie kobiety w końcu oddają się swojej pasji, rezultatem jest piękny pokaz erotyzmu zabarwiony bólem serca — Carol wie, że w końcu poddanie się oznacza również koniec. Ich pasja implodowała zarówno małżeństwo Carol, jak i ich własny związek, a kiedy w końcu się widzą po jakimś czasie, ich role zostają na stałe odwrócone. Teresa jest inna, bardziej bezpieczna i pewna tego, kim jest, częściowo dzięki Carol. I to Carol wydaje się teraz niepewna siebie, utraciła wygody swojego dawnego życia, małżeństwa i dziecka, i jedyną prawdziwą miłość, którą znalazła w Teresie. —Jamie Righetti

„Inglourious Basterds” (2009)

François Duhamel / The Weinstein Company / Universal Pictures

nigdy nie ucieknie przed spaleniem własnego mitu, Quentin Tarantino publicznie oświadczył, że scena otwierająca „Inglourious Basterds” jest jego ulubioną rzeczą, jaką kiedykolwiek napisał. I chociaż artyści nie zawsze są najlepszymi arbitrami własnej pracy, Tarantino jest rzadkim filmowcem, który jest równie znany ze swojego gustu w filmach, jak z ich tworzenia. Pewnie, że tak.

wydobywanie niesamowitego napięcia z mega-dawki ekspozycji, rozmowa Hansa Landy z podejrzanie napiętym francuskim hodowcą bydła mlecznego nie tylko stanowi jedną z największych prezentacji złoczyńców wszech czasów, ale także zabiera znajomy trop Kina Holokaustu — przecinającego się między spokojnym nazistą a ukrywającymi się przed nim skamieniałymi Żydami — i eksploduje w kolorowy świat, który jest mniej poinformowany przez II Wojnę Światową niż filmy, które zostały o tym zrobione. Przerażający punkt kulminacyjny sekwencji, łącząc ” poszukiwaczy „w” Teksańską masakrę piłą mechaniczną”, aby dojść do czegoś zupełnie nowego, ustawia scenę dla największego filmu Tarantino, który najlepiej sprawia, że” pastisz ” jest tylko brudnym słowem, jeśli nie wiesz, jak go poprawnie wymówić. Olśniewające dzieło rewizjonistycznej historii, które nakłada jeden niezapomniany set na drugi, „Inglourious Basterds” w jakiś sposób zamienia niewielką garść samodzielnych scen w szalenie satysfakcjonującą epikę pełną wspaniałych postaci, cytowanych momentów i głębokiej miłości do samych filmów. – David Ehrlich

„you Can Count on Me” (2000)

pod koniec uznanego debiutu Kennetha Lonergana, krnąbrny młodszy brat (Mark Ruffalo) ma wsiąść do autobusu w kierunku niejasnej przyszłości. Powtarza siostrze (Laura Linney): „pamiętaj, co mówimy.”Bohaterowie nigdy nie mówią, co to jest, ale publiczność instynktownie wie, że to tytuł filmu: możesz na mnie liczyć. To czysta chwila Kennetha Lonergana, z widzem wypełniającym luki jego zniszczonych postaci w taki sposób, że nasze rozumienie ich jest zarówno głębsze, jak i bardziej emocjonalne. W pierwszym filmie uznanego dramatopisarza więź brata i siostry została wyraźnie ukształtowana przez tragiczne wydarzenia z dzieciństwa, ale to przeszłość, której nigdy nie widzieliśmy. Zamiast tego pisarz przedstawia to wszystko poprzez implikacje i ufa swoim wykonawcom — a także publiczności-aby skoczyli. -Chris O ’ falt

„Moonlight” (2016)

ponieważ „Moonlight” jest tak wciągający, niekonwencjonalne i nieamerykańskie cechy opowiadania w tym nagrodzonym Oscarem scenariuszu często są ignorowane. W filmie, który obejmuje dziesięciolecia życia bohatera, scenarzyści Barry Jenkins i Tarell Alvin McCraney zagłębiają się w trzy krótkie chwile i proszą widzów o nawiązanie kontaktów, które ujawnią wielkie prawdy o człowieku, którym staje się Chiron. Od zniknięcia Juana (Mahershala Ali) w drugim rozdziale-pozostawiając nas zdezorientowanych i zmuszających do złożenia historii tego, co się stało, podobnie jak porzucone dziecko – po wzruszające ostatnie 20 minut filmu, śmiałe i ryzykowne wybory scenariusza „Moonlight” opłacają się w taki sposób, że to arcydzieło poprawia się tylko z czasem i powtórkami. – CO

„Lost in Translation” (2003)

Jeśli „the Virgin Suicides” namaścił Coppolę jako główny nowy talent, „Lost in Translation” udowodnił, że dopiero zaczęła. Fascynująca, teksturowana sytuacja starzejącej się gwiazdy filmowej Boba Harrisa i młodej kobiety, którą zaprzyjaźnia się w pałacowym hotelu w Tokio, dokonała wielu rzeczy naraz: samodzielnie przerobiła karierę Billa Murraya i wprowadziła Scarlett Johansson na mapę; odwróciła na ucho zachodnią wizję Tokio luksusowego; atakowało branżę reklamową, sprawiało, że karaoke wydawało się fajne. Obaj aktorzy byli przygotowani do zabawnej, tajemniczej komedii romantycznej Coppoli, kafkowskiej opowieści o dwóch osobach z różnych środowisk, które znajdują wspólną płaszczyznę w smutnym, samotnym świecie, który ich otacza. Twarz Murraya opowiada połowę historii, z każdym zagięciem i kutasem brwi mówi o jego zinternalizowanych frustracjach. Jednak postać Johanssona, młodej kobiety, zmęczonej udawaniem żony dla pochłoniętego sobą męża, od dawna była interpretowana jako awatar własnych doświadczeń Coppoli w małżeństwie ze Spike ’ em Jonze.

Coppola nie odmawia tym postaciom możliwości znalezienia drogi do szczęśliwego zakończenia, ale w mistrzowskim stylu, który stał się ikoną, odmawia publiczności możliwości usłyszenia pożegnalnych słów niedoszłej pary. To jest błyskotliwość Coppoli w pigułce — ograniczenia języka nigdy nie mogą przekazać nieograniczonych możliwości emocjonalnego zaangażowania. Będziemy zastanawiać się nad ostateczną wymianą Boba i Charlotte przez wieki, ale jej poruszające implikacje są niezaprzeczalne. – Ek

Trylogia”Władca Pierścieni” (2001-2003)

oszałamiający wyczyn adaptacji, Philippa Boyens, Peter Jackson i Fran Walsh scenariusze do „Władcy Pierścieni” jakoś wydestylowały 450,000 słów w płynną Trylogię filmową, która topi wszystkie J. R. R. Tolkiena absurdalnie gęsta mitologia w epickiej przygodzie bogatej w serce i człowieczeństwo. Wiedząc, co pominąć (do zobaczenia, Tom Bombadil) i co dodać (ewolucja Arwen w mistrzowską jeźdźcę jest pięknym akcentem, który pomaga ożywić jej miłosny spisek), zespół Jacksona przeszedł do istoty tych postaci, jednocześnie pozostawiając widzom miejsce na chłonienie blasku otaczającego ich Śródziemia. To, że rozszerzone wydanie „dwóch wież” jest jeszcze bogatsze (i wydaje się krótsze) niż kinowy krój, jest hołdem dla wizji Tolkiena — że film działa tak pięknie nawet bez fragmentów Faramira, jest niepodważalnym świadectwem podstawowej integralności tych scenariuszy, które nigdy nie oszukują ani nie wybierają niezachwianych emocjonalnych skrótów. Możemy nigdy nie wiedzieć, dlaczego orły po prostu nie poleciały jednym pierścieniem na Mount Doom, ale pisząc to dobrze, trudno narzekać. -DE

„Sideways” (2004)

smutni ludzie mogą być pierwszym tematem nagrodzonego Oscarem scenariusza Alexandra Payne ’ a i Jima Taylora (adaptacja powieści Rexa Picketta o tym samym tytule), ale skryby mądrze otwierają się, gdy nadszedł czas, aby wprowadzić sterling postaci kobiece, takie jak Maya i Stephanie — choć nie oznacza to, że Miles i Jack nie są dobrze-napisano; oboje są Pisani tak ostro, że prawie boli patrzeć, jak ujawniają się w bardziej przerażający sposób — ale scenariusz ma szczodrość i mądrość, aby tylko dalej rozszerzać się na zewnątrz, gdy więcej ludzi jest wprowadzanych. I to ludzie sprawiają, że” bokiem ” idzie się tak łatwo, zwłaszcza gdy rzeczy stają się trudne do przełknięcia. Studium postaci, głównie Miles, „Sideways”jest tak samo zauroczony przez innych ludzi, którzy filtrują i usuwają z jego życia, przyciągając jego dobre i bardzo, bardzo złe rzeczy do ostrej ulgi, jak każda strona przewraca. Jest to skrypt przerywany klasycznymi wersami (głównie o winie, zdecydowanie o „pieprzonym Merlocie”) i namiętnymi przemówieniami (takimi, które wydają się zarówno dobrze wykonane, jak i powiązane), dzikimi utworami i poczuciem, że Taylor i Payne zawsze wiedzą, kiedy przestać (nawet jeśli chcesz, aby poszli dalej). Czyta się ją jak własną powieść, zarówno tragedię, jak i komedię, ze wszystkim, co rozlało się na kartce i rozlało. – Kate Erbland

„Spotlight” (2015)

nawet gdy są prawdziwe wiadomości na linii, filmy o dziennikarstwie nie zawsze działają: nikt nie wie tego lepiej niż skryba” Spotlight „Josh Singer, który napisał rozczarowujący dramat Wikileaks „The Fifth Estate”, zanim związał się z reżyserem Tomem McCarthy ’ m, aby napisać, co dalej, aby stać się zwycięzcą najlepszego obrazu. Przygotowanie scenariusza do prawdziwej historii za wstrząsającym-i zmieniającym świat — śledztwem Boston Globe w sprawie przestępstw seksualnych popełnionych przez katolickich księży było aktem dziennikarstwa, przerywanym godzinami wywiadów, mnóstwem podróży i edycją między parą, aby dotrzeć do serca oszałamiającej historii. Być może dlatego tak dobrze się sprawdza, nie skracając sobie głowy, jeśli chodzi o nitty grit of real-world reporting, a także znajdując czas na rozwinięcie swoich postaci i opowiedzenie niesamowitej historii. Uderza we właściwe rytmy, ale robi to na zarobione sposoby, zakorzenione w realizmie i walczące o prawdę na każdym kroku. —KE

„The Grand Budapest Hotel” (2014)

Moviestore/REX/

w pięknym różowym kurorcie w wymyślonym kraju chłopiec imieniem numer bada gościnność podejrzanego o morderstwo i możliwego żigolo. Tak myślał wes Anderson, pisząc genialny scenariusz do ósmego filmu, który przyniósł mu połowę z sześciu nominacji do Oscara (w tym Najlepszy scenariusz oryginalny, dzielony z Hugo Guinnessem), plus jego najlepsze numery kasowe do tej pory. Pod wpływem opowieści austriackiego skryby Stefana Zweiga bajka „Grand Budapest Hotel” opowiedziana jest nie przez pracownika, ale autora, który zetknął się z kurortem dopiero kilkadziesiąt lat po tym, jak stracił swój blask. Film Andersona z 2014 roku, osadzony w większości w latach 30., ale czasami odbijający się w latach 60. i Później, Po raz kolejny skorzystał z pryzmatycznego projektu produkcyjnego i guileful casting (w tym nieznany główny bohater, Tony Revolori i Tilda Swinton jako geriatryczna Jednorazowa właścicielka hotelu). Ponure zakończenie sprawia, że 100 minut spędzonych w Żubrówce jest wyjątkowo ekstrawaganckie. – Jenna Marotta

„Toy Story 3” (2010)

Po zdobyciu Oscara za pierwszy wyprodukowany scenariusz, „Little Miss Sunshine”, Michael Arndt dołączył do zespołu Pixar i otrzymał zadanie napisania scenariusza do ukochanej serii „Toy Story 3.”Zaczął od mocnego szkieletu 20-stronicowego leczenia Andrew Stantona, wyniku dwudniowego odosobnienia z Pixar brain trust, prowadzonego przez twórców oryginalnego „Toy Story” – Johna Lassetera, Lee Unkricha i Pete ’ a Doctera. Arndt musiał wymyślić jakieś 25 mocnych sekwencji dla animatorów, aby ożywić, ponieważ doskonalił skomplikowaną fabułę, która trwa 10 lat później, gdy Andy udaje się na studia. Jego niespokojne zabawki stoją w obliczu tego, co może być końcem ich naturalnego życia. Andy ’emu na nich zależy oprócz Woody’ ego? Oddają się więc do przedszkola Sunny Side, które z pozoru wydaje się życzliwe, ale okazuje się więzieniem. Wtedy to film wkracza w tryb ucieczki z więzienia, z hołdem dla ” Wielkiej ucieczki „i” Cool Hand Luke.”

scenariusz prowadzi Andy ’ ego do miejsca, w którym może oddać zabawki zasłużonej dziewczynce. Ale zajęło to trzy lata i kilka wersji filmu, aby dotrzeć do mety, i to było warte wysiłku. -Anne Thompson

„a Serious Man” (2009)

wiesz, że Joel i Ethan Coen wkrótce staną się osobistymi bohaterami scenariusza z Jidyszowym prologiem o morderstwie w sztetlu w XIX-wiecznej Europie Wschodniej. Prolog do „poważnego człowieka” przedstawia pesymistyczne spojrzenie na przeklęte życie, a ta ponura perspektywa krwawi w historii braci Coen o Larry’ m Gopnicku, nieudanym żydowskim profesorze fizyki, którego życie jest długą serią niefortunnych zdarzeń. Scenariusz Coena to mistrzowska klasyka w mrocznej komedii. Los Larry ’ ego staje się przygnębiającą, ale często humorystyczną odą do świata, który nie działa na naszą korzyść. – ZS

„Lady Bird” (2017)

A24

„Frances Ha” była pierwszą rzeczą, jaką Greta Gerwig miała cowritten (z partnerem Noah Baumbach), która wydawała się krokiem w kierunku filmu i pisania. Do 2013 roku Gerwig wrzuciła wszystkie swoje pomysły „Lady Bird” do 350-stronicowego pierwszego szkicu. Potem spędziła lata, powoli i celowo, czytając go na głos, udoskonalając rytmy. Po zakończeniu scenariusza Gerwig musiała zdecydować, czy oddać film, czy wyreżyserować go samodzielnie. Jej fikcyjny, ale częściowo autobiograficzny film był bliski ostatecznego scenariusza. Irlandzka nominowana do Oscara Saoirse Ronan wcieliła się w rolę Christine „Lady Bird” Macpherson (wersja katolickiej licealistki Gerwig) jako zgrabna i żarłoczna kultura-sęp pragnąca uciec z Sacramento do wschodniego college ’ u. Laurie Metcalf przykuwa swoją wściekłą, sfrustrowaną, szczypającą grosze i kochającą matkę, która nie może pomóc w powrocie do starych kłótni. Tracy Letts jest adorującym ojcem Lady Bird, a Lucas Hedges i Timothee Chalamet to jej pełne wyzwań Romantyczne uwikłania. „Lady Bird” to pełnowymiarowy triumf nie tylko jako znakomity, Precyzyjnie wykonany scenariusz, ale w pełni zrealizowany kawałek kina. Gerwig przez całe życie przygotowywała się do objęcia przewodnictwa. —Na

„Memento” (2000)

to wspaniałe świadectwo talentów Christophera i Jonathana Nolanów, że „Memento” było w stanie wywrzeć taki wpływ zaledwie rok po „Fight Club Davida Finchera.”Ale podczas gdy oba filmy wyciągają dywan spod widzów dzięki zawodnym narratorom, oscarowe oscylacje czasowe scenariusza sprawiły, że widzowie wracali, aby spróbować złożyć w całość kuszącą układankę filmu. Na podstawie opowiadania Jonathana Nolana, „Memento” podąża za Leonardem, człowiekiem tak obciążonym poczuciem winy, że roztrzaskuje jego umysł i wysyła go na poszukiwanie zemsty na nieznanym napastniku, który włamał się do jego domu i zamordował jego żonę. Leonard cierpi na amnezję następczą w wyniku ataku, a jego niezdolność do tworzenia nowych wspomnień zamieniła jego ciało w płótno paranoi, z tatuażami odnoszącymi się do jego zadania na każdym dostępnym calu skóry. Ale „Memento” nie jest tak naprawdę o tym, czy Leonard jest Johnem G, i czy zabił swoją żonę w eksplozji przemocy lub przedawkowania insuliny. Zamiast tego, chodzi o to, do czego możemy się posunąć, aby uniknąć żałoby i jak niebezpiecznie stajemy się w rezultacie bezbronni. To właśnie ta głębsza przypowieść, spleciona głęboko w większą tajemnicę strukturalną, sprawia, że” Memento ” jest tak chłodne i niezapomniane. – JR

„ZODIAC” (2007)

Paramount

David Fincher nie był obcy gatunkowi kryminałów, mając zarówno „Se7en”, jak i „Fight Club” już pod swoim pasem, gdy tworzył „Zodiac” w 2007 roku. Adaptacja książki Roberta Graysmitha o seryjnym mordercy, który terroryzował San Francisco na przełomie lat 60. i 70., nie bez powodu „Zodiak” jest często nazywany arcydziełem Finchera i jednym z najlepszych filmów tego gatunku. Obsesyjna dbałość o szczegóły Finchera i przywiązanie scenariusza do materiału źródłowego nadają filmowi niemal niepokojącego poczucia realizmu i oddają napiętą atmosferę miasta na krawędzi. Każde morderstwo jest powoływane do życia na podstawie zeznań prawdziwych ocalałych, a wyniki są mrożące krew w żyłach. Gore i przemoc nigdy nie czuje sensacji lub gloryfikowane, ale zamiast tego przekazuje, jak naprawdę przerażające każdy atak był. Ale poza samymi zbrodniami, miłość Finchera do swojego rodzinnego miasta jest widoczna w filmie i pokazuje, jak miasto ewoluowało wokół tak Mrocznego okresu w swojej historii. Nawet dziś „Zodiak” pozostaje cudem CGI, a pełen wyjątkowych występów Marka Ruffalo, Roberta Downeya Jr.i Jake ’ a Gyllenhaala, pozostaje cudem, że film został oskubany przez Oscary. Pomimo tego,” Zodiak ” żył dalej, zdobywając uznanie od kinomanów, takich jak Guillermo del Toro, a nawet na szczycie listy najlepszych filmów kryminalnych 21 wieku IndieWire. – JR

„Manchester by the Sea” (2016)

to, co jest często pomijane podczas dyskusji o „Manchesterze by the Sea”, jednym z najlepszych filmów 2016 roku (i na pewno najbardziej drażniącym), jest cholernie zabawne. Scenariusz Kennetha Lonergana równoważy niemal każdą bolesną scenę z chwilą lekkomyślności, w większości dzięki uprzejmości Lucasa Hedgesa( dwa słowa: „Piwniczna sprawa”); okazuje się to kluczowe, ponieważ film mógłby być po prostu zbyt smutny, aby większość ludzi mogła przez niego przejść. Każda łza jest tutaj zarobiona, czy to ze śmiechu, czy (częściej) żalu, z Lonergan pokazując raz po raz, że „możesz na mnie liczyć” i „Margaret” były dalekie od fuksów. Bardzo pomaga mu Obsada, zwłaszcza Casey Affleck i Michelle Williams, którzy w jednej niszczycielskiej scenie ożywiają jego słowa w sposób trudny do zniesienia i niemożliwy do odwrócenia. Ten opis odnosi się do” Manchesteru ” jako całości. – Michael Nordine

„The Social Network” (2010)

Facebook nie jest fajny. Wiesz co jest fajne? Film o Facebooku. Obecnie uważany za jeden z najlepszych filmów aughtów, „The Social Network”został odrzucony przez wielu ze względu na jego tematykę. A dlaczego nie? Witryna społecznościowa naprawdę zyskała na znaczeniu kilka lat wcześniej i trudno było sobie wyobrazić kontynuację Davida Finchera do „ciekawego przypadku Benjamina Buttona”, która spotkała się z tak ogromnym uznaniem. Ale wszystko poszło prawie idealnie w filmie, w dużej mierze dzięki nagrodzonemu Oscarem scenariuszowi Aarona Sorkina. Facebooka, wymyśliłbyś Facebooka”) i błyskawicznych powrotów i fortów, których się spodziewaliśmy (i częściej niż uwaga, miłość) od niego. Obraz Marka Zuckerberga Sorkina nie był pochlebny, ale ostatnie nagłówki sugerują, że mógł być zbyt sympatyczny. – Mn

„Get Out” (2017)

I podczas gdy Peele umieścił na ekranie niezaprzeczalne realia i wrażliwość, której brakuje w mainstreamowej rozrywce, szedł po linie narracyjną, która wymagała tyle rzemiosła, Co wglądu. Z zerowym marginesem błędu scenarzysta-reżyser skonstruował scenariusz, w którym zrozumienie przez widzów tego, co Chris (Daniel Kaluuya) myśli i czuje, jest zawsze jasne. Hitchcock-podobnie jak w jego wykonaniu, i odgradzając się od gatunku i oczekiwań publiczności (zwłaszcza o tym, jak dynamika rasowa jest tradycyjnie przedstawiana na ekranie), zwrotów akcji „Get Out” nie tylko wywołują oddech; każdy z nich odsłania nową warstwę w jego eksploracji systematycznych systemów wierzeń rasistowskich. Filmowanie gatunku to zabawne i tak, prawdziwe, można w pełni docenić tylko wtedy, gdy rozwalisz elementy konstrukcyjne tego, jak Peele to poskładał. – CO

„adaptacja” (2002)

zawsze wspaniale jest przejść się przez umysł Charliego Kaufmana, a jego zawrotne badanie blokady pisarza w „adaptacji” jest jednym z jego najlepszych dzieł. „Adaptacja” podąża za „Charliem Kaufmanem”, który walczy o napisanie filmowej adaptacji „złodzieja orchidei” Susan Orlean.”Tymczasem jego leniwy bliźniak Donald zaczyna realizować własne marzenia o gwiazdorstwie scenariuszowym, a Filmy rozbijają się w metafizyczny opis sztuki, pożądania i twórczej walki. Podczas gdy odważna Obsada-prowadzona przez Nicolasa Cage 'a, Meryl Streep i Chrisa Coopera — i pomysłowa reżyseria Spike 'a Jonze’ a stworzyły ponadczasowy film, podstawą kreatywności był Kaufman. — We

„Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (2004)

Focus Features

bez fantastycznej przesłanki i gagów wzroku — Zap wspomnienia z mózgu, gdy się odwrócą nieprzyjemne! Zanurz Jima Carreya i Kate Winslet w oversize Kitchen sink! Scenariusz Charliego Kaufmana pozostałby arcydziełem zasłużonym dla Oscara. „Annie Hall”, dla epoki post-prywatności dzięki uprzejmości kameleona Michela Gondry ’ ego,” Eternal Sunshine of the Spotless Mind ” refashions przyziemne chwile jako Romantyczne uwertury. Świadomy siebie Joel i Clementine dwa razy uwodzą się nad potrząsanymi pozdrowieniami z pociągu, potrząsanymi pałeczkami z kurczaka i obserwującymi Gwiazdy hokum. Kiedy się rozstają, każde z nich ma wymazane wszelkie przypomnienia o drugim, poważnie brzmiący zabieg przeprowadzony przez techników cavortingu (Kirsten Dunst, Mark Ruffalo i Elijah Wood). W jego połowie Joel chce przerwać, ale nie może, więc Clementine gra przewodnika po wciąż nietkniętych korytarzach jego umysłu, poznając wszystkie jego sekrety, gdy radzi mu przez wymyślone „pożegnanie”.”Carrey nigdy nie był bardziej uziemiony ani szczery, a werwa Winslet wystarczy, aby zainspirować niezliczone wędrówki do Montauk. – JM