muitas vezes Você vai ouvir os diretores dizem que cada filme é realmente três filmes: um sobre a página, o que você atirar, e o que você terminar com o final cut. Isso dá-lhe três oportunidades para acertar ou estragar ainda mais, mas nada bate uma base sólida e uma planta bem trabalhada. Pelo menos com um grande argumento, sabes que será muito mais difícil estragar as outras duas fases.
qualquer consideração dos melhores filmes dos últimos 18 anos assume um novo contexto quando considerado exclusivamente em termos de seus roteiros. Há alguns mestres óbvios da forma, tais como Charlie Kaufman e Kenneth Lonergan, para não mencionar a precisão clockwork-like da fábrica da Pixar story, que é por isso que todos eles têm dois filmes nesta lista. Muitos dos filmes aqui foram roubados de indicações ao Oscar, incluindo de “Zodiac” de David Fincher para “Memento” de Christopher Nolan, mas isso não tira nada de seus méritos.
Popular no IndieWire
nesse espírito, aqui está a lista de IndieWire dos melhores roteiros Americanos das últimas duas décadas. Partilhe o seu próprio nos comentários.
“American Psycho” (2000)
Bret Easton Ellis’ romance de 1991 “American Psycho” foi envolto em controvérsia em torno de seu lançamento, como retratou a vida brutalmente violenta de um yuppie alpha NYC que favoreceu matar prostitutas e os sem-abrigo. Então, o que inspiraria duas mulheres cowriters, a diretora Mary Harron e Guinevere Turner, para adaptar a história para o filme? O par está muito mais interessado na mecânica que faz Patrick Bateman tick, e construindo a partir daí a sátira que sublinha os melhores momentos do filme. Desde a obsessão com cartões de visita e lugares em restaurantes, até as canções pop dos anos 80, sublinhando os assassinatos mais brutais de Bateman, o assassino é habilmente movido de glorificação para estudo de caso. Sabiamente usando o romance como um ponto de salto em vez de um texto sagrado, Harron e Turner dão ao seu roteiro uma abundância de textura e nuance que eleva este filme de nota de culto a uma masterclasse de roteiro. – William Earl
“Finding Nemo”(2003)
é difícil pensar em maior caráter cômico do que Dory, o peixe azul tang com perda de memória de curto prazo e um coração de ouro. Como dublado pela incomparável Ellen Degeneres, Dory é ao mesmo tempo enlouquecedor e irresistível. Jogando fora de um straight-fish Marlon (OK, tecnicamente ele é um clownfish), estes dois poderiam se segurar seus próprios contra qualquer duo de comédia clássica. Claro que seria preciso um filme para crianças sobre peixes para escrever a melhor comédia não romântica entre rapazes e raparigas. Mas o que eleva “Finding Nemo” ao maior filme da Pixar de todos os tempos é o seu núcleo emocional. Não só “encontrar Nemo” é o tipo de filme que os adultos podem rir, mas a busca de Marlon por Nemo corta até o osso para qualquer pai ou criança. Bob Peterson e David Reynolds ajudaram o co-diretor Andrew Stanton em sua história original, a mesma mente que sonhou com outras top Pixar juntas “Wall-E” e “Toy Story.”Comovente, hilariante e adornado com paisagens marítimas vibrantes e fluidas, “Finding Nemo” capta a maior lição que qualquer pai deve aprender; a arte de deixar ir. —Jude Seca
“Linda & Incríveis” (2001)
“Linda & Incrível”
Mais recentemente conhecido por “Disse o Suficiente,” Nicole Holofcener escreve o perfeito tipo de comédias: queridos sobre profundamente falho caracteres que revel na vida é inevitável messes. Este filme Quase Perfeito é estrelado por Catherine Keener e Emily Mortimer como irmãs, com a excelente Brenda Blethyn como sua mãe que procura lipoaspiração, e um ladrão de cenas Raven Goodwin como sua irmã Negra adotada. Cada personagem é diferente de qualquer outra mulher que você vai ver na tela, partes iguais auto-depreciativo e auto-absorvido. Holofcener equilibra muitos elementos, incluindo um caso de Maio-Dezembro com um jovem Jake Gyllenhaal, e usando o jovem Goodwin como alimento cómico atrevido. É uma escolha ousada que compensa. Erroneamente considerado um” smart chick-flick ” por alguns, Holofcener é aquele raro duplo whammy de um autor cuja arte genuína é mascarada por puro valor de entretenimento. —Jude Seca
“Credo” (2015)
“Credo”
a Warner Bros./REX/
Ryan Coogler e Arão Covington do “Credo” roteiro é o tipo de multidão-agradável nocaute que parece vir de uma vez em uma lua azul. Não só o roteiro consegue contar uma autêntica história de origem do jovem e determinado Credo Adonis, mas também encontra uma maneira autêntica de reviver Rocky De Sylvester Stallone e torná-lo o eixo emocional da Ascensão de Adonis ao campeão boxer. Nada em” Creed “se sente deslocado para satisfazer os fãs de” Rocky”. O script luta duro para investi-lo na jornada de Adonis e ganhar seus callbacks para o clássico de Stallone. Não admira que o momento em que Creed corre pelas ruas de Filadélfia pareça um triunfo tão revigorado. O script é a própria definição de satisfação. —Zack Sharf
“Os Miúdos Estão bem” (2010)
“Os Miúdos Estão bem”
Depois de fazer alguns desafios de obras-primas, de Lisa Cholodenko, finalmente, bateu para fora do parque com um espirituoso e artístico, tomar contemporânea, a vida em família. O roteiro de Choldenko foi tão bom que atraiu os gostos de Annette Bening e Julianne Moore, e fez estrelas com Mia Wasikowska e Josh Hutcherson. Bening e Moore são cinéticos como uma lésbica controladora e sua esposa de espírito livre que tem um caso com seu doador de esperma, jogado com brio por Mark Ruffalo. Wasikowska e Hutcherson trazem uma mistura perfeita de inocência infantil e precocidade voluntariosa como as crianças titulares. O filme foi um sucesso de crítica e bilheteria, embora alguns críticos LGBT se queixaram do trope” lesbian turns straight”. Na nossa opinião, Cholodenko passa por Lésbica de fora em Hollywood que faz grandes filmes — e acaba tudo bem no final. —JD
“Punch Drunk Love” (2002)
“Embriagado de Amor”
A Criterion Collection
Paul Thomas Anderon brilhante meditação sobre a raiva, reprimida homens Adam Sandler tem desempenhado um zilhão de vezes transformações que o arquétipo em uma maravilhosa visão. O solitário deprimido Barry Egan luta para encontrar as palavras para lidar com um mundo que o joga sem fim, mas sua panaceia chega como uma revelação em companheirismo romântico (que seria Emily Watson). Podes dissecar a Política de género deste filme até à morte, mas o guião da Associação de pais gere a brilhante aposta de permanecer nos limites da cabeça do Barry, por isso, não importa o que aconteça nesses momentos finais, é claro que ele encontrou alguma paz. “Tenho amor na minha vida”, declara ele, e isso torna-me mais poderoso do que possas imaginar.”De fato, este pode ser o mais próximo que Anderson chega a fazer um filme de super-herói através de sua própria lógica narrativa surreal e louca. É também uma meditação fantasiosa sobre a inanidade da raiva alimentada a testosterona. “É isso, homem dos colchões” deve ser o mantra de toda a gente. —Eric Kohn
“Carol” (2015)
Um dos aspectos mais bonitos da “Carol” é o quanto de peso e a emoção é realizada em um único olhar entre Carol e Teresa, especialmente em um momento em que as palavras só poderiam ser ponderadas cuidadosamente velada emoção. A atração entre Carol e Therese é inegável e Eleva tudo o que Therese pensava que sabia sobre si mesma, enviando-a em sua própria jornada de auto-descoberta, tanto entrelaçada quanto separada de Carol. Hoje, na sombra de filmes como “Moonlight” e “Call Me By Your Name”, “Carol” quase se sente como uma relíquia, um filme que não pode celebrar totalmente o amor gay sem lançar em consequências condenatórias. No entanto, o roteiro indicado a Phyllis Nagy continua a ser um lembrete vital tanto da beleza de queerness, e os comprimentos que temos vindo (e ainda precisa ir) em termos de aceitação.quando as duas mulheres finalmente se entregam à sua paixão, o resultado é uma bela demonstração de erotismo tingida de dor de cabeça — Carol sabe que finalmente ceder também significa o fim. Sua paixão implodiu tanto o casamento de Carol e seu próprio relacionamento, e quando eles finalmente se vêem depois de algum tempo, seus papéis foram permanentemente invertidos. Therese é diferente, mais segura e segura de quem ela é, graças em parte A Carol. E é Carol que agora parece insegura, tendo perdido o conforto de sua vida anterior, seu casamento e filho, e o único verdadeiro amor que ela tinha encontrado em Therese. —Jamie Righetti
“Inglourious Basterds” (2009)
“Inglório Basterds”
Francisco Lopes / The Weinstein Company / Universal Pictures
Nunca fugir do polimento, a seu próprio mito, Quentin Tarantino declarou publicamente que a cena de abertura de “Inglourious Basterds” é o seu favorito coisa que ele já escrito. E enquanto os artistas nem sempre são os melhores árbitros de seu próprio trabalho, Tarantino é o raro cineasta que é tão famoso por seu gosto em filmes como ele é para fazê-los. Com certeza, ele tem este mesmo certo.
Mineração incrível suspense de um mega-dose de exposição, Hans Landa conversa com um suspeito tenso francês produtor de leite não só contribui para um grande vilão introduções de todos os tempos, ele também leva um familiar tropo do Holocausto cinema — o corte entre uma calma Nazista e petrificada Judeus se escondendo apenas alguns metros de distância e explode em um mundo colorido que menos informados pela II Guerra Mundial que os filmes que foram feitos sobre ele. A sequência assustadora clímax, esmagou “Floyd” para “Texas Chainsaw Massacre”, a fim de chegar a algo completamente novo, define o palco para o maior filme de Tarantino, o que mais faz com que o caso “pastiche” é apenas uma palavra suja, se você não sabe como pronunciar corretamente. Um trabalho deslumbrante de história revisionista que coloca uma peça inesquecível em cima de outra, “Bastardos Inglórios” de alguma forma agita um pequeno punhado de cenas auto-contidas em um épico delirantemente satisfatório cheio de grandes personagens, momentos citáveis, e um profundo amor pelos próprios filmes. —David Ehrlich
“Pode Contar Comigo” (de 2000)
“Pode Contar Comigo”
No final de Kenneth Lonergan do aclamado álbum de estréia, ” rebelde irmão mais novo (Mark Ruffalo) está prestes a bordo de um ônibus em direção a um futuro incerto. Ele repete para sua irmã (Laura Linney), “lembre-se do que usamos para dizer.”Os personagens nunca dizem o que isso é, mas o público instintivamente sabe que é o título do filme: você pode contar comigo. É um momento puro Kenneth Lonergan, com o público a preencher os espaços em branco dos seus personagens danificados de tal forma que a nossa compreensão deles é mais profunda e mais emocional. Na aclamada primeira peça do dramaturgo, o vínculo de irmão e irmã foi claramente moldado pelos trágicos acontecimentos de sua infância, mas é um passado que nos é dado uma imagem completa de sem nunca ter visto. Em vez disso, o escritor coloca tudo para fora através de implicações e confia em seus artistas — bem como o público — para dar o salto. – Chris O’Salt
“Moonlight” (2016)
“Moonlight”
porque “Moonlight” é tão envolvente, as qualidades não convencionais e não americanas da narrativa neste roteiro vencedor do Oscar muitas vezes vão ignoradas. Em um filme que abrange décadas da vida de seu protagonista, os roteiristas Barry Jenkins e Tarell Alvin McCraney cavar profundamente em três breves momentos e pedir ao público para fazer conexões que revelam grandes verdades sobre o homem que Chiron se torna. Desde o desaparecimento de Juan (Mahershala Ali) no segundo capítulo – nos deixando desorientado e ter a peça a história do que aconteceu, não ao contrário de uma criança abandonada para o filme comovente final de 20 minutos, a ousada e arriscada opções de “Luar” roteiro pagar em formas que fazem esta obra, só melhorar com o tempo e a repetição de visualizações. – CO
“Lost in Translation” (2003)
Se “the Virgin Suicides” ungido Coppola como um novo talento, “Lost in Translation” provou que ela estava apenas começando. A fascinante e texturizada situação do envelhecido estrela de cinema Bob Harris e a jovem que ele faz amizade em um palaciano Tokyo hotel realizou muitas coisas ao mesmo tempo: ele sozinho refez a carreira de Bill Murray e colocar Scarlett Johansson no mapa; ele virou a visão ocidentalizada de Tóquio luxo em seu ouvido; atacou a indústria da publicidade, fez o karaoke parecer fixe. Ambos os atores foram readymade para a comédia romântica e misteriosa de Coppola, um conto kafkiano de duas pessoas de diferentes estilos de vida que encontram terreno comum no triste e solitário mundo que os rodeia. O rosto de Murray conta metade da história, com cada dobra e Pila uma sobrancelha falando volumes sobre suas frustrações internalizadas. Mas a personagem de Johansson, uma jovem mulher cansada de ser esposa troféu de seu marido egocêntrico, tem sido interpretada como um avatar para as próprias experiências de Coppola em seu casamento com Spike Jonze.Coppola não nega a esses personagens a possibilidade de encontrar seu caminho para um final feliz, mas em um masterstroke que se tornou icônico, ela nega ao público a capacidade de ouvir as palavras de despedida do casal. Este é o brilhantismo de Coppola em poucas palavras – as limitações da linguagem nunca podem transmitir as possibilidades ilimitadas de engajamento emocional. Vamos ficar intrigados com a troca final do Bob e da Charlotte durante séculos, mas as suas implicações comoventes são inegáveis. —EK
“O Senhor dos Anéis” Trilogia (2001-2003)
Uma incrível façanha de adaptação, Philippa Boyens, Peter Jackson, e Fran Walsh, scripts para “O Senhor dos Anéis”, de alguma forma, destilada de 450.000 palavras em um fluido cinematográfica da trilogia que se derrete todo de J. R. R. Tolkien ridiculamente densa mitologia em uma aventura épica rico com o coração e a humanidade. Sabendo apenas o que omitir (veja você, Tom Bombadil), e apenas o que adicionar (a evolução de Arwen em um piloto campeão é um toque bonito que ajuda a galvanizar seu enredo de amor), a equipe de Jackson cortou direito à essência desses personagens, enquanto ainda deixando espaço para os espectadores para absorver o esplendor da Terra Média ao seu redor. Que a edição estendida de” The Two Towers ” é ainda mais rica (e se sente mais curta) do que o corte teatral é um tributo à visão de Tolkien — que o filme funciona tão lindamente, mesmo sem os Faramir bits é um testamento irrepreensível para a integridade básica destes roteiros, que nunca enganar ou tomar atalhos emocionais não aprendidos. Podemos nunca saber porque é que as águias não voaram apenas um anel para o Monte Doom, mas com esta escrita tão boa, é difícil reclamar. —DE
“Sideways” (2004)
Triste homens podem ser o foco inicial de Alexander Payne e Jim Taylor, vencedora de um Oscar de roteiro (adaptado de Rex Pickett do romance de mesmo nome), mas os escribas sabiamente abrir quando é tempo de introduzir sterling personagens femininas como Maya e Stephanie — apesar de isso não quer dizer que Miles e Jack não são bem-escrito; ambos estão tão fortemente penalizados que quase dói vê — los exporem-se de formas mais horríveis-mas o roteiro tem a generosidade e a sabedoria de apenas expandir mais para fora à medida que mais pessoas são introduzidas. E são as pessoas que fazem “de lado” cair tão facilmente, especialmente quando as coisas ficam difíceis de engolir. Um estudo de personagem principalmente de Miles,” Sideways ” é tão compelido pelas outras pessoas que filtram dentro e fora de sua vida, desenhando suas coisas boas e muito, muito ruins em relevo afiado como cada página passa. É um script pontuado por linhas clássicas (principalmente sobre vinho, definitivamente sobre “Merlot de merda”) e discursos apaixonados (do tipo que se sentem bem trabalhados e relacionáveis), peças de set Selvagem e o sentido de que Taylor e Payne sempre sabem quando parar (mesmo se você quiser que eles vão mais longe). Parece o seu próprio romance, uma tragédia e uma comédia, com tudo exposto na página e a espalhar-se. —Kate Erbland
“Spotlight” (2015)
Mesmo quando é real notícias sobre a linha, os filmes sobre jornalismo nem sempre funcionam: ninguém sabe isso melhor do que o escriba da Spotlight, Josh Singer, que escreveu o decepcionante drama Wikileaks” The Fifth Estate “antes de se juntar ao diretor Tom McCarthy para escrever o que viria a se tornar um melhor vencedor do Filme. Montar o roteiro para a história verdadeira por trás da investigação de crimes sexuais cometidos por padres católicos foi um ato do próprio jornalismo, pontuado por horas de entrevistas, toneladas de viagens, e uma edição para trás e para a frente entre o par para chegar ao coração de uma história impressionante. Talvez seja por isso que ele se desenrola tão bem, não cortando nenhum canto quando se trata da bitty de reportagem do mundo real, enquanto também encontrar tempo para desenvolver seus personagens e contar um banger de uma história. Atinge as batidas certas, mas fá-lo de forma merecida, enraizada no realismo, e lutando pela verdade em todas as voltas. —KE
“The Grand Budapest Hotel”(2014)
“The Grand Budapest Hotel”
Moviestore/REX/
Em um palaciano cor-de-rosa resort em um país, um menino chamado depois de uma série de estudos de hospitalidade de um suspeito de assassinato e possível gigolô. Assim pensou Wes Anderson ao escrever o roteiro engenhoso para seu oitavo filme, o que lhe rendeu metade de suas seis indicações ao Oscar (incluindo um Melhor Roteiro Original nod, compartilhado com Hugo Guinness), além de seus melhores números de bilheteria até o momento. Influenciado pelas histórias do escriba austríaco Stefan Zweig, a fábula “The Grand Budapest Hotel” não é contada por um empregado, mas por um autor que só encontrou o resort décadas depois de ter perdido o seu esplendor. Definido para a maior parte nos anos 30, mas às vezes saltando para os anos 60 e mais além, o filme de Anderson 2014, mais uma vez, se beneficiou do prismático design de produção e elenco de guileful (incluindo uma liderança desconhecida, Tony Revolori, e Tilda Swinton como geriátrica proprietário único do hotel). O final desolador só faz com que os 100 minutos passados na Zubrowka sierra se sintam extravagantes. —Jenna Marotta
“Toy Story 3” (2010)
“Toy Story 3”
Depois de ganhar um Oscar por seu primeiro roteiro produzido, “Little Miss Sunshine”, Michael Arndt se juntou à equipe da Pixar e foi encarregado de escrever o roteiro para a amada franquia “Toy Story 3. Ele começou com o esqueleto forte de um tratamento de 20 páginas de Andrew Stanton, os resultados de um retiro de dois dias com a Pixar brain trust liderada pelos criadores originais de “Toy Story”-John Lasseter, Lee Unkrich, e Pete Docter. Arndt teve que inventar algumas 25 sequências fortes para os animadores para trazer à vida como ele continuou aperfeiçoando o complicado enredo, que leva 10 anos mais tarde como Andy vai para a faculdade. Seus brinquedos ansiosos estão enfrentando o que pode ser o fim de sua vida natural. O Andy preocupa-se com eles, menos com o Woody? Então eles doam-se para a creche Sunny Side, que parece benevolente à superfície, mas acaba por ser uma prisão. Isso é quando o filme entra em Modo de fuga da prisão, com homages para “The Great Escape” e “Cool Hand Luke.”
O roteiro leva Andy a um lugar onde ele pode dar os brinquedos para uma menina merecedora. Mas levou três anos e várias versões do filme para chegar à linha de chegada, e valeu a pena o esforço. – Anne Thompson
“a Serious Man” (2009)
you know Joel and Ethan Coen are about to get personal when they begin a script with a Yiddish prologue about a murder in a shtetl in 19th century Eastern European. O prólogo de” a Serious Man ” apresenta uma visão pessimista sobre uma vida amaldiçoada, e essa perspectiva sombria sangra na história dos irmãos Coen de Larry Gopnick, um professor de física Judeu de pouca sorte cuja vida é uma longa série de eventos infelizes. O roteiro de Coen é uma masterclass em comédia de humor negro, com a situação de Larry se tornando uma ode deprimente, mas muitas vezes humorística para o mundo não trabalhando a nosso favor. —ZS
“Lady Bird” (2017)
“Lady Bird”
A24
“Frances Ha” foi a primeira coisa que Greta Gerwig tinha foi co-autora (com o parceiro de Noah Baumbach) que me senti como um passo em direção ao cinema e escrever o que ela queria fazer. Em 2013, Gerwig lançou todas as suas ideias de “Lady Bird” em um primeiro rascunho de 350 páginas. Ela então passou anos a retirá-la, lenta e deliberadamente, lendo-a em voz alta, refinando os ritmos. Quando o roteiro foi terminado, Gerwig teve que decidir se entregar o filme ou dirigi-lo ela mesma. Seu filme ficcional, mas semi-autobiográfico, estava perto do roteiro final. Saoirse Ronan, nomeada para o Óscar Irlandês, correu com o papel de Christine “Lady Bird” Macpherson (uma versão do colegial Católico Gerwig) como um abutre voraz e rabugento ansioso para escapar de seu Sacramento confins para uma faculdade Oriental. Laurie Metcalf prega sua mãe irritada, frustrada, beliscadora e amorosa, que não pode deixar de voltar aos velhos argumentos. Tracy Letts é o pai adorado de Lady Bird, e Lucas Hedges e Timothee Chalamet são seus desafiantes envolvimentos românticos. “Lady Bird” marca um triunfo completo, não só como um soberbo e meticuloso roteiro forjado, mas como uma peça de cinema totalmente realizada. Claramente, Gerwig estava se preparando para tomar as rédeas de direção toda a sua vida. —NA
“Memento” (2000)
“Memento”
É um grande testemunho para o talento de Christopher e Jonathan Nolan, que “Memento” era capaz de conseguir um impacto, uma mera ano, depois de David Fincher do “Clube da Luta.”Mas enquanto ambos os filmes puxam o tapete para fora dos telespectadores graças a narradores não confiáveis, as linhas de tempo de corte do roteiro indicado ao Oscar têm mantido o público voltando para tentar montar o quebra-cabeça tentador do filme. Baseado em um conto de Jonathan Nolan, “Memento” segue Leonard, um homem tão sobrecarregado pela culpa que ele quebra sua mente, e o envia em uma busca por vingança contra o assaltante desconhecido que invadiu sua casa e matou sua esposa. Leonard sofre de amnésia anterógrada como resultado do ataque, e sua incapacidade de criar novas memórias transformou seu corpo em uma tela de paranóia, com tatuagens pertencentes à sua tarefa envolto em cada centímetro de pele disponível. Mas “Memento” não é realmente sobre se Leonard é John G, e se ele matou sua esposa em uma explosão de violência ou uma overdose de insulina. Em vez disso, é sobre o que podemos fazer para evitar o luto, e quão perigosamente vulneráveis nos tornamos como resultado. É esta parábola mais profunda, mergulhada no maior mistério estrutural, que ajuda a tornar a “lembrança” tão arrepiante e inesquecível. – JR
“Zodiac” (2007)
“Zodiac”
Paramount
David Fincher não era estranho para o gênero de crime, tendo tanto “Se7en” e “Fight Club” já sob seu cinto quando ele fez “Zodiac” em 2007. Adaptado do livro de Robert Graysmith sobre o serial killer que aterrorizou São Francisco no final dos anos 60 e 70, há uma boa razão pela qual “Zodiac” é muitas vezes aclamado como a obra-prima de Fincher e um dos melhores filmes do gênero. A atenção obsessiva de Fincher aos detalhes e a adesão do roteiro ao material fonte infunde o filme com um senso quase alarmante de realismo e captura a atmosfera tensa de uma cidade no limite. Cada assassinato é trazido à vida com base no testemunho dos sobreviventes da vida real, e os resultados são arrepiantes. O sangue e a violência nunca se sentem sensacionalizados ou glorificados, mas em vez disso transmite o quão verdadeiramente horrível cada ataque foi. Mas além dos crimes em si, o amor de Fincher por sua cidade natal é evidente ao longo do filme, e mostra como a cidade evoluiu em torno de um período tão escuro em sua história. Ainda hoje, “Zodiac” continua a ser uma maravilha CGI, e embalado com performances excepcionais de Mark Ruffalo, Robert Downey, Jr.e Jake Gyllenhaal, continua a ser uma maravilha que o filme foi desprezado pelos Oscars. Apesar disso, “Zodiac” tem vivido, ganhando elogios de cinéfilos como Guillermo del Toro, e até mesmo no topo dos próprios melhores filmes de crime do IndieWire da lista do século 21. – JR
“Manchester by the Sea” (2016)
“Manchester by the Sea”
o que é muitas vezes ignorado ao discutir “Manchester by the Sea”, um dos melhores filmes de 2016 (e certamente o mais difícil), é o quão engraçado é. O roteiro de Kenneth Lonergan equilibra quase todas as cenas de Partir o coração com um momento de leviandade, a maioria deles cortesia de Lucas Hedges (duas palavras: “basement business”); isso prova crucial, como o filme poderia ter sido simplesmente muito triste para a maioria das pessoas para passar. Cada lágrima é merecida aqui, seja de riso ou (mais frequentemente) tristeza, com Lonergan mostrando várias vezes que “você pode contar comigo” e “Margaret” estavam longe de engodos. Ele é ajudado muito pelo seu elenco, especialmente Casey Affleck e Michelle Williams, que em uma cena devastadora trazer suas palavras para a vida de uma forma que é difícil de suportar e impossível de virar. Esta descrição aplica-se a” Manchester ” como um todo. – Michael Nordine
“The Social Network” (2010)
Facebook isn’t cool. Sabes o que é fixe? Um filme sobre o Facebook. Agora considerado como um dos melhores filmes da época, “the Social Network” foi descartado Vista invisível por muitos devido ao seu assunto. E porque não? O site de mídia social só tinha realmente aumentado para destaque alguns anos antes, e foi difícil imaginar o seguimento de David Fincher para “o caso curioso de Benjamin Button” recebendo uma aclamação tão esmagadora. Mas tudo se encaixou quase perfeitamente no filme, graças em grande parte ao roteiro vencedor do Oscar de Aaron Sorkin. Encontra o escriba loquaz no seu melhor, com todas as takedowns verbais (“se vocês fossem os inventores do Facebook, vocês teriam inventado o Facebook”) e rápidos disparos de costas e fortificações que nós viemos a esperar (e, mais frequentemente do que nota, amor) dele. O retrato de Sorkin de Mark Zuckerberg não foi muito lisonjeiro, mas manchetes recentes sugerem que pode ter sido muito simpático. —MN
“Sair” (2017)
Enquanto os prêmios de trilha de “Get Out”, Jordânia Peele falou muito sobre como a verdade foi o ingrediente essencial que permitiu que seu filme para entregar a sua perspectiva complexa na corrida para uma audiência de massa. E enquanto Peele colocava na tela realidades inegáveis e uma sensibilidade extremamente ausente do entretenimento mainstream, ele caminhava uma corda bamba narrativa que requeria tanto ofício quanto insight. Com uma margem zero de erro, o roteirista-diretor construiu um roteiro onde a compreensão do público do que Chris (Daniel Kaluuya) está pensando e sentindo é sempre clara. Hitchcock, como em sua execução, e jogando fora de gênero e a expectativa de público (especialmente sobre como racial dynamics são tradicionalmente retratado na tela), as reviravoltas de “Sair”, não são apenas gasp-indução; cada um revela uma nova camada para a sua exploração sistemática de racista sistemas de crença. Realizar este divertido e sim, verdadeiro, só pode ser totalmente apreciado quando você quebrar os blocos de construção de como Peele uniu tudo. – CO
“Adaptation”(2002)
“Adaptation “
é sempre maravilhoso fazer uma caminhada através da mente de Charlie Kaufman, e seu exame vertiginoso do bloqueio de escritor em” Adaptation ” é uma de suas melhores obras. Tomando uma versão fictícia de si mesmo para uma rotação, “adaptação” segue um “Charlie Kaufman” enquanto ele luta para escrever uma adaptação cinematográfica de Susan Orlean “The Orchid Thief”. Enquanto isso, seu gêmeo preguiçoso Donald começa a promover seus próprios sonhos de escrever o estrelato, e os filmes se dividem em um relato metaficcional de arte, luxúria e luta criativa. Enquanto um bravo elenco — liderado por Nicolas Cage, Meryl Streep e Chris Cooper — e direção inventiva de Spike Jonze fizeram um filme intemporal, a espinha dorsal criativa foi toda Kaufman. — NÓS
“brilho Eterno de uma Mente sem lembranças” (2004)
“brilho Eterno de uma Mente sem lembranças”
Recursos de Foco
Sans fantástico premissa e a visão gags — Zap memórias de seu cérebro, uma vez que vire desagradável! Mergulhe Jim Carrey e Kate Winslet num lava-loiças enorme! O guião de Charlie Kaufman continuaria a ser uma obra-prima merecida do seu Óscar. An ” Annie Hall,” for the post-privacy age courtesy of genre-chameleon Michel Gondry,” Eternal Sunshine of the Spotless Mind ” refashions mundane moments as romantic overtures. Joel e Clementine se cortejam duas vezes por causa de saudações do trem, batidas de frango e stargazing hokum. Quando eles se separam, cada um tem cada lembrete do outro apagado, um procedimento de som sério realizado por técnicos de cavorting (Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, e Elijah Wood). No seu ponto médio, Joel quer abortar, mas não pode, então Clementine joga guia turístico através dos ainda intocados corredores de sua mente, aprendendo todos os seus segredos enquanto ela o aconselha através de um imaginado “adeus”.”Carrey nunca foi mais castigado ou sincero, e a verve de Winslet é o suficiente para inspirar inúmeras caminhadas para Montauk. – JM