början av Art Deco
i slutet av 19-talet i Frankrike, många av de anmärkningsvärda konstnärer, arkitekter och designers som hade spelat viktiga roller i utvecklingen av jugendstilen erkänt att det blev allt passera Xiaomi. Vid slutet av ett sekel som såg den industriella revolutionen ta tag, samtida liv blev mycket annorlunda än några decennier tidigare. Det var dags för något nytt, något som skulle skrika ”20th Century” från smakfulla, modernistiska hustak.
Society of Decorative Artists in France
från denna önskan att flytta in i det nya århundradet i takt med innovation snarare än att hållas tillbaka av nostalgi, bildade en grupp franska konstnärliga innovatörer en organisation som heter societ Portuguese des Artistes d Uruguaycorateurs (Society of Decorative Artists). Gruppen bestod av både välkända figurer som Art Nouveau-stil designer och grafiker Eugene Grasset, och Art Nouveau-arkitekten Hector Guimard, tillsammans med nya dekorativa konstnärer och designers som Pierre Chareau och Francis Jourdain. Den franska staten stödde och främjade denna riktning av konstnärlig verksamhet.
ett av de viktigaste målen för den nya gruppen var att utmana den hierarkiska strukturen i bildkonsten som förvandlade dekorativa konstnärer till en mindre status än de mer klassiska målnings-och skulpteringsmedierna. Jourdain Citeras berömt som att säga, ” Vi beslutade följaktligen att återvända dekorativ konst, hänsynslöst behandlad som en Cinderella eller dålig relation som fick äta med tjänarna, till den viktiga, nästan övervägande platsen som den ockuperade tidigare, i alla tider och i alla länder i världen.”Planen för en stor utställning som presenterar en ny typ av dekorativ konst var ursprungligen tänkt för 1914, men måste läggas i väntan tills efter första världskriget slutade och sedan skjutas tillbaka av olika skäl fram till 1925.
utställningen som officiellt lanserade rörelsen
den franska regeringen, som var värd för utställningen mellan Esplanaden av den gyllene kupolen Les Invalides och ingångarna till Petit Palais och Grand Palais på båda sidor av floden Seine, försökte visa upp den nya stilen. Över 15 000 konstnärer, arkitekter och designers visade sitt arbete på utställningen. Under utställningens sju månader turnerade över 16 miljoner människor de många enskilda utställningarna. Denna utställning var katalysatorn för rörelsens början.
Art Nouveau och Art Deco
Art Deco var ett direkt svar estetiskt och filosofiskt på jugendstilen och på modernismens bredare kulturella fenomen. Art Nouveau började falla ur mode under första världskriget eftersom många kritiker kände att den detaljerade detaljerna, känsliga mönster, ofta dyra material och produktionsmetoder i stilen var dåligt anpassade till en utmanande, orolig och alltmer mekaniserad modern värld. Medan Art Nouveau-rörelsen härledde sina invecklade, stiliserade former från naturen och hyllade de handgjorda dygderna, Art Deco-estetiken betonade maskinålderns effektivisering och snygg geometri.
Art Deco och Modernism
Exposition Internationale samlade inte bara verk i Art Deco-stil, utan satte tillverkade föremål nära exempel på avantgardistiska målningar och skulpturer i stilar som kubism, konstruktivism, Bauhaus, De Stijl och Futurism. Vid 1920-talet var Art Deco en sprudlande, men till stor del mainstream, kontrapunkt till den mer cerebrala Bauhaus-och De Stijl-estetiken. Alla tre delade en betoning på rena, starka linjer som en organiserande designprincip. Art Deco-utövare omfamnade teknisk innovation, moderna material och mekanisering och försökte betona dem i den övergripande estetiken i själva stilen. Utövare lånade och lärde sig också av andra modernistiska rörelser. Art Deco kom att betraktas av beundrare som var i takt med framåtblickande perspektiv samtida avantgardistiska rörelser. Ironiskt nog spelade modernistisk målning och skulptur en sekundär roll i utställningen med få undantag från Sovjetpaviljongen och Le Corbusiers Esprit Nouveau-paviljong.
Art Deco efter den stora depressionen
början av den andra fasen av Art Deco sammanföll med början av den stora depressionen. Åtstramning kan faktiskt vara kärnestetiken av både pragmatiska och konceptuella skäl för denna Andra utveckling av Art Deco. Medan Art Deco arkitektur, till exempel, hade vertikalt orienterad med skyskrapor klättring till höga höjder, de senare Art deco byggnader med sina mestadels unornamented exteriörer, graciösa kurvor, och horisontella betoning symboliserade robusthet, tyst värdighet, och motståndskraft. Under de värsta åren av ekonomisk katastrof, från 1929 till 1931, övergick amerikansk Art Deco från att följa trender till att sätta dem.
Streamline Moderne
Streamline Moderne blev den amerikanska fortsättningen av den europeiska Art Deco-rörelsen. Utöver de allvarliga ekonomiska och filosofiska influenser, den estetiska inspiration för de första Streamline Moderne strukturer var byggnader som utformats av förespråkare för den nya Objektivitetsrörelsen i Tyskland, som uppstod från en informell sammanslutning av tyska arkitekter, designers, och konstnärer som hade bildats i början av 20-talet. Nya Objektivitetskonstnärer och arkitekter inspirerades av samma typ av nykter pragmatism som tvingade förespråkarna för Streamline Moderne att eliminera överskott, inklusive emotionaliteten i expressionistisk konst. Nya Objektivitetsarkitekter koncentrerade sig på att producera strukturer som kunde betraktas som praktiska, som återspeglar kraven i det verkliga livet. De föredrog sina mönster att anpassa sig till den verkliga världen snarare än att få andra att anpassa sig till en estetik som var opraktisk. För detta ändamål var nya Objektivitetsarkitekter till och med banbrytande prefabriceringsteknik (hjälper snabbt och effektivt att hysa Tysklands fattiga).
saknar prydnad, Streamline Moderne-arkitekturen innehöll rena kurvor, långa horisontella linjer (inklusive fönsterband), glasstenar, fönster i porthole-stil och cylindriska och ibland nautiska former. Mer än någonsin betonades aerodynamik och andra uttryck för modern teknik. De dyrare och ofta exotiska materialen i Art Deco ersattes med betong, glas och kromhårdvara i Streamline Moderne. Färg användes sparsamt som off-white, beige och jordtoner ersatte de mer levande färgerna i Art deco. Stilen introducerades först för arkitektur och utvidgades sedan till andra föremål, på samma sätt som den traditionella Art Deco-stilen.
Art Deco heter retroaktivt
ursprungligen användes termen ”Art Deco” pejorativt av en berömd motståndare, den modernistiska arkitekten Le Corbusier, i artiklar där han kritiserade stilen för dess prydnad, en egenskap som han betraktade som onödig i modern arkitektur. Medan förespråkare för stilen hyllade Den som ett avskalat, modernistiskt svar på den överdrivna prydnaden, särskilt i jämförelse med dess omedelbara föregångare, Art Nouveau, eftersom någon dekoration var överflödig för Le Corbusier. Det var inte förrän i slutet av 1960-talet, när intresset för stilen återupplivades, att termen ”Art Deco” användes på ett positivt sätt av brittisk konsthistoriker och kritiker Bevis Hillier.
Art Deco och USA
i USA., mottagandet av Art Deco-rörelsen utvecklades i en annan bana. Herbert Hoover, USA: s handelsminister vid den tiden, förordnade att amerikanska designers och arkitekter inte kunde ställa ut sitt arbete på Exposition Internationale eftersom han hävdade att landet ännu inte hade tänkt sig en tydligt amerikansk konststil som var tillfredsställande ”tillräckligt ny.”Som ett alternativ skickade han en delegation till Frankrike för att bedöma erbjudandena vid utställningen; och sedan tillämpa vad de såg på en samtida amerikansk konstnärlig och arkitektonisk stil. Inkluderat i kontingenten av estetiska sändebud som skickades av Hoover var viktiga figurer från American Institute of Architecture, Metropolitan Museum of Art och New York Times. Uppdraget inspirerade en nästan omedelbar boom i konstnärlig innovation i USA 1926 en mindre version av den franska mässan kallad ”en utvald samling objekt från den internationella utställningen Modern, industriell och dekorativ konst” reste genom många amerikanska städer som New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St.Louis, Boston, Minneapolis och Philadelphia. De amerikanska Världsmässorna i Chicago (1933) och New York City (1939) presenterade framträdande Art Deco-mönster medan Hollywood omfamnade estetiken och gjorde den glamorös över hela landet. Även amerikanska företag som General Motors och Ford byggde paviljonger på New York World Fair.
bland de mest kända exemplen på den amerikanska Art Deco-stilen är skyskrapor och andra storskaliga byggnader. Faktum är att den amerikanska iterationen av Art Deco i byggnadsdesign har kallats Zigzag Modern för sina vinklade och geometriska mönster som utarbetade arkitektoniska fasader. Men totalt sett är amerikansk Art Deco ofta mindre dekorativ än sin europeiska föregångare. Utöver de rena linjerna och starka kurvorna, djärva geometriska former, rik färg och ibland överdådig prydnad, är den amerikanska versionen mer avskalad. Eftersom viktiga influenser som den nya objektiviteten och den internationella arkitekturstilen samt de allvarliga ekonomiska motgångarna i slutet av 1920-talet och början av 1930-talet började utöva sig på Art Deco-estetiken blev stilen mycket mindre påkostad. Till exempel kan denna omvandling symboliseras genom ersättning av guld med krom, av pärlemor med bakelit, av granit med betong etc.den amerikanska Art Deco-stilen utvecklades som ett firande av teknisk utveckling, inklusive massproduktion, och en återställd tro på sociala framsteg. I huvudsak kan dessa prestationer betraktas som en återspegling av nationell stolthet. På 1930-talet under Roosevelts Works Progress Administration (WPA), många av de verk som skapades var Art Deco, från kommunala strukturer som bibliotek och skolor till massiva offentliga väggmålningar. WPA var avsett att starta efterkrigstidens amerikanska ekonomi genom att skapa jobb i offentliga arbeten och försökte tjäna samhället genom att skapa jobb och införa amerikanska värderingar inom design. Användningen av amerikansk Art Deco gav således ett uttryck för demokrati genom design. Vissa material som ofta används i Art Deco-skapelsen var dyra och därför utom räckhåll för den genomsnittliga mannen. Användningen av billiga eller nya material gjorde det möjligt att producera ett brett utbud av prisvärda produkter och därmed förde skönhet in i den offentliga sfären på ett nytt sätt. Art Deco inspirerade designen och produktionen av en rad föremål – från tidningsomslag och färgglada annonser till funktionella föremål som bestick, möbler, klockor, bilar och till och med havsfartyg.
global tillväxt av Art Deco
Art Deco-stilen tog tag i världens huvudstäder så olika som Havanna, Kuba, Mumbai och Jakarta. Havanna har en hel stadsdel byggd i Art Deco-stil. Londons tunnelbana järnvägssystem innehåller kraftigt stilen. Hamnen i Shanghai innehåller mer än femtio Art Deco-strukturer, varav de flesta designades av den ungerska Laszlo Hudec. Från krigsmonument till sjukhus, städer så långtgående som Sydney och Melbourne i Australien har också absorberat den fenomenala stilen.
Art Deco: Koncept, stilar och trender
Art Deco: s huvudsakliga visuella egenskaper härrör från upprepad användning av linjära och geometriska former inklusive triangulära, zigzagged, trapezoidala och chevronmönstrade former. I likhet med sin föregångare, Art Nouveau, när föremål som blommor, djur eller mänskliga figurer är representerade, är de mycket stiliserade och förenklade för att hålla sig till Art Deco: s övergripande estetik. Arten och omfattningen av stiliseringen och förenklingen eller strippningen varierar beroende på den regionala iterationen av stilen. Till exempel är en figur som Firebird (1922) av den franska designern ren Bisexuell Lalique elegant slank och dämpad, medan Lee Lawries Atlas (1937) utanför Rockefeller Center är solid och robust med eftertrycklig linjär muskulatur även om båda anses vara fina representationer av Deco-stil.i linje med rörelsens betoning på modern teknik utnyttjade Art Deco-konstnärer och designers moderna material som plast, bakelit och rostfritt stål. Men när ett stänk av rikedom och förfining behövdes införlivade designers mer exotiska material som elfenben, horn och zebrahud. Som med Art Nouveau och konst-och Hantverksrörelserna tillämpades Art Deco-stilen mycket mindre på de traditionellt högst rankade visuella konstformerna: målning och skulptur.
Design
Art Deco-stilen utövade sitt inflytande över grafikkonsten på ett sätt som avslöjar påverkan av italiensk Futurism med sin kärlek till hastighet och tillbedjan av maskinen. Futuristiska artister använde linjer för att indikera rörelse, känd som ”speed whiskers” som skulle strimma ut från hjulen på snabbrörliga bilar och tåg. Dessutom använde utövare av Art Deco parallella linjer och avsmalnande former som föreslår symmetri och effektivisering. Typografi påverkades av Art Deco: s internationella inflytande och typsnitten Bifur, Broadway och Peignot kallar omedelbart stilen i åtanke.
När det gäller bildspråk påminner enkla former och stora områden med fast färg om Japanska träblocktryck, som hade blivit en viktig källa till inflytande för västerländska konstnärer, särskilt i Frankrike, efter slutet av den isolationistiska Edo-perioden 1868. Den efterföljande tillströmningen av konst från Japan till Europa gjorde en enorm inverkan. I synnerhet konstnärer som finns i den formella enkelheten i träblock skriver ut en modell för att skapa sina egna tydligt moderna stilar som börjar med impressionisten.
möbler
fram till slutet av 1920-talet var avantgardistisk möbeldesign i Frankrike mestadels variationer i jugendstil men förenklad och mindre krökt. När årtiondet gick fram, framstod Brasilienmile-Jacques Ruhlmann som den främsta möbeldesignern (Ruhlmann hade en egen paviljong vid utställningen 1925). Medan hans mönster främst inspirerades av bitar från 18th century produceras i neoklassisk stil, han elimineras en stor del av utsmyckningen samtidigt använda exotiska material gynnas av Art Nouveau designers som mahogny, ebenholts, rosenträ, elfenben, och sköldpadda skal. Självklart, hans bitar var ofta för dyra att förvärva för någon bortsett från de mest välbärgade.
i motsats till Ruhlmanns överdådiga mönster, som tycktes sträcka sig över Jugendstilarna och Art Deco-stilarna, var Jules Leleu den mer definitivt Art Deco-möbeldesignern i Frankrike. Han hade varit en traditionell designer tills den nya stilen ersatte Art Nouveau och är känd för designen av den stora matsalen i Elysee Palace i Paris och de lyxiga stugorna på förstklassig däck av den eleganta ångbåten, Normandie.
Till skillnad från Leleu och Ruhlmann Var Le Corbusier en förespråkare för en mycket avskalad, Prydnads fri version av Art Deco-stil, ofta skapa möbler som lämpar sig för de strama interiörer sina egna arkitektoniska strukturer. Hans avsikt var att designa prototyper, särskilt av stolar, som kunde massproduceras och därför överkomliga till en bredare marknad. Också notera, Donald Deskeys inredning av New York Citys berömda landmärke, Radio City Music Hall, är ett utmärkt exempel på Amerikansk Art Deco-möbeldesign som fortfarande är intakt i sin ursprungliga form idag.
arkitektur
Art Deco-arkitekturen kännetecknas av hårdkantade, ofta rikt utsmyckade mönster, accentuerade av glänsande metall accenter. Många av dessa byggnader har en vertikal betoning, konstruerad på ett sätt som är avsett att dra ögat uppåt. Rektangulära, ofta blockiga former är ordnade geometriskt, med tillägg av takspiror och/eller böjda prydnadselement för att ge en strömlinjeformad effekt. New York skyskrapor och Miamis pastellfärgade byggnader rankas bland de mest kända amerikanska exemplen, även om stilen användes i en mängd olika strukturer över hela världen.
i USA hjälpte Works Progress Administration Art Deco-arkitekturen att bli mainstream. Intressant, sammanslagningen av Art Deco och Beaux-Arts klassicism ses i många Depression – eran offentliga arbeten har kommit att kallas PWA Moderne eller Depression Moderne.
senare utvecklingar – efter Art Deco
Art Deco föll ur mode under andra världskrigets år i Europa och Nordamerika, med åtstramningen av krigstid som fick stilen att verka ständigt prålig och dekadent. Metaller bärgades för att användas för att bygga beväpning, i motsats till att dekorera byggnader eller inre utrymmen. Inredning betraktades inte längre som statusobjekt. Ytterligare tekniska framsteg möjliggjorde billigare produktion av grundläggande konsumentvaror, vilket drev ut behovet och populariteten hos Art Deco-designers.
en rörelse som i många avseenden försökte bryta sig bort från det förflutna, har nu blivit en nostalgisk, ömt ihågkommen klassiker. Sedan 1960-talet har det funnits ett stadigt, fortsatt intresse för stilen. Ekon av Art Deco kan ses i mitten av århundradet Modern design, som bär fram den strömlinjeformade estetiken av Deco och återbesöker Bauhaus rena enkelhet. Deco hjälpte också till att inspirera Memphis Group, en design-och arkitekturrörelse centrerad i Milano under 1980-talet. Memphis ritade också från popkonst och Kitsch som källor för sina färgglada, medvetet postmoderna mönster.