Úvod do Umění Pojmy

„Barokní“—Slovo, Styl, Období

V kontextu Evropských dějin, období od c. 1585 c. 1700/1730 je často nazýván Barokní éry. Slovo „baroko“ pochází z portugalských a španělských slov pro velkou, nepravidelně tvarovanou perlu („barroco „a“ barrueco“). Kritici osmnáctého století byli první, kdo tento termín použil na umění 17. století. Nebyl to termín chvály. V očích těchto kritiků, kteří favorizoval zdrženlivost a aby Neoklasicismus, díla Bernini, Borromini, a Pietro da Cortona objevil bizarní, absurdní, a to i nemocné—jinými slovy, znetvořený, jako nedokonalý pearl.

v polovině 19. století, slovo ztratilo svůj pejorativní důsledky a byl používán k popisu zdobené a složité vlastnosti přítomny v mnoha příklady ze 17. století, umění, hudby a literatury. Nakonec, termín přišel označit Historické období jako celek. V rámci malování, například, stark realismus Zurbaran je oltářních obrazů, klidné intimity Vermeer domácí interiéry, a zdrženlivý klasicismu Poussin krajiny jsou všechny „Barokní“ (nyní s velkým „B“ pro označení historického období), bez ohledu na absenci stylistické rysy původně spojován s termínem.

Řím: Z „Děvku Babylonskou“ Oslnivá Nevěsta Kristova

Když Martin Luther připíchnutý svých 95 tezí na dveře Wittenburg Katedrály v roce 1517 protestuje Katolická Církev je korupce, inicioval hnutí, které by transformovat náboženské, politické a umělecké krajiny Evropy. Pro příští století, Evropa by byla v chaosu, protože byly stanoveny nové politické a náboženské hranice, často prostřednictvím krvavých vojenských konfliktů. Pouze v roce 1648, s podpisem Smlouvy z Vestfálska, konflikty mezi Protestanty a Katolíky ustupovat v kontinentální Evropě.

Martin Luther zaměřil svou kritiku na to, co viděl jako chamtivost církve a zneužívání moci. Nazval Řím, sídlo papežské moci, „Babylonská děvka“ vyzdobená v nádherě drahého umění, velkolepá architektura, a přepychové bankety. Církev reagovala na krizi dvěma způsoby: interním řešením otázek korupce a obranou doktrín odmítnutých protestanty. Tím pádem, zatímco první dvě desetiletí 16. století byla obdobím bohatých výdajů na papežství, střední desetiletí byla obdobím úsporných opatření. Jak poznamenal jeden návštěvník Říma v roce 1560, celé město se stalo klášterem. Den vládla zbožnost a askeze.

koncem 16. století se katolická církev opět cítila optimisticky, dokonce triumfálně. Z krize se vynořila s obnovenou silou a jasností účelu. Pastýř věřících—výuka na Katolické nauky a inspirující ctnostné chování—se do centra pozornosti. Chce obnovit pověst Říma jako svatého města, papežství se pustilo do rozsáhlých stavebních a dekoračních kampaní zaměřených na zdůraznění jeho starověkého původu, jeho víry, a jeho božsky schválená autorita. V očích věrných katolíků nebyl Řím nevěrnou děvkou, ale čistou nevěstou, krásně zdobenou pro její spojení se svým božským manželem. Umění tohoto hnutí se nazývá Barokní umění.

Umění Přesvědčování: pokyn, potěšení, pohyb

zatímco protestanti tvrdě kritizovali kult obrazů, Katolická církev horlivě přijala náboženskou sílu umění. Výtvarné umění, argumentovala církev, hrálo klíčovou roli při vedení věřících. Byly jistě stejně důležité jako psané a mluvené slovo, a možná ještě důležitější, protože byly přístupné učeným i nepoučeným. Aby bylo náboženské umění účinné ve své pastorační roli, muselo být jasné, přesvědčivý, a silný. Nejen, že to muselo poučit, muselo to inspirovat. Muselo pohnout věřícími, aby cítili realitu Kristovy oběti, utrpení mučedníků, vize svatých.

Kostel je důraz na umění je pastorační role výzva umělcům experimentovat s novými a více přímý způsob zapojení diváka. Umělci jako Caravaggio se obrátil na silný a dramatický realismus, zdůrazněný výraznými kontrasty světla a tmy, a pevně oříznuté kompozic, které zvyšují fyzické a emocionální bezprostřednosti líčen příběh. Dalšími umělci, jako Annibale Carracci (který také experimentoval s realismem), nakonec se usadil na klasické vizuální jazyk, inspirovaný živé palety, idealizované formy, a vyvážené kompozice vrcholné Renesance. Ještě jiní, jako Giovanni Battista Gaulli, obrátil se k odvážné činy iluzionismu, že rozmazané nejen hranice mezi malířství, sochařství a architektury, ale také ty mezi reálné a zobrazené světy. Přitom, božské bylo fyzicky přítomné a hmatatelné. Ať už šokujícím realismem, dynamickým pohybem nebo bujnou výzdobou, umění sedmnáctého století má zapůsobit. Jeho cílem je přesvědčit diváka o pravdivosti jeho poselství tím, že působí na smysly, probouzí emoce a aktivuje, dokonce sdílí divákovo místo.

Katolických Monarchů a Jejich Území

monarchové Španělska, Portugalska, Francie a také přijali další ozdobné prvky sedmnáctého století umění na oslavu Katolicismu. Ve Španělsku a jeho koloniích, vládci investovali obrovské prostředky do komplikovaných fasád kostela, ohromující, zlaté kaple a svatostánky, a nápadně realistické polychromované sochy. Ve španělském Nizozemí, kde se posvátné umění měl velmi trpěla v důsledku Protestantské obrazoborectví (ničení umění), občanské a náboženské představitele, prioritní ozdobou kostelů v regionu regenerované své Katolické identity. Renovace oltářů antverpských kostelů udržovala dílnu Petera Paula Rubense zaneprázdněnou po mnoho let. Evropští monarchové také přijali tento umělecký slovník, aby hlásili svou vlastní moc a postavení. Louis XIV, například, pověřil nádherné budovy a zahrady Versailles jako vizuální vyjádření jeho božského práva vládnout.

Protestantské Severní

V Protestantských zemích, a zejména v nově nezávislé holandské Republiky (moderní-denní Nizozemsko), umělecké klima radikálně změnila v důsledku Reformace.

Dva z nejbohatších zdrojů sponzorství—monarchie a Církve—byly hned pryč. Na jejich místě vznikla stále prosperující střední třída dychtivá vyjádřit svůj status, a jeho nový pocit národní hrdosti, prostřednictvím nákupu umění.

v polovině 17. století se objevil nový trh, který splňoval umělecký vkus této třídy. Poptávka byla nyní po malbách v menším měřítku vhodných pro vystavení v soukromých domech. Tyto obrazy součástí náboženských předmětů pro soukromé rozjímání, jak je vidět na rembrandtových dojemné obrazy a tisky z biblických příběhů, stejně jako portréty dokumentující jednotlivé podobizny.

Ale největší změnu na trhu byl dramatický nárůst popularity krajiny, zátiší a výjevy z každodenního života (známý jako žánrové malby). Šíření těchto předmětů jako nezávislých uměleckých žánrů bylo jedním z nejvýznamnějších příspěvků 17. století do dějin západního umění. Ve všech těchto žánrů, umělců, ukázal zájem v replikaci pozorované skutečnosti—ať už je to světlo na holandské krajiny, momentální výraz v tváři, nebo různé textury a materiály objekty nizozemské shromážděné jako oni sklízeli výhody jejich rozšiřování obchodní impérium. Tato díla prokázala stejně uměleckou virtuozitu a fyzickou bezprostřednost jako velké dekorace paláců a kostelů katolické Evropy.

Počátky Rokoka

V prvních letech 1700, na konci vlády Ludvíka XIV (kdo zemře v roce 1715), tam byl posun od klasicismu a „Grand Manner“ (založený na umění Poussin), které vládly umění předcházejících 50 let, k novému stylu, který nazýváme Rokoko.Versailles byl opuštěn aristokracií, která se opět usadila v Paříži. Toto období charakterizuje posun od monarchie směrem k aristokracii.

jaký životní styl vedla aristokracie během tohoto období? Pamatujte, že aristokracie měla obrovskou politickou moc i obrovské bohatství. Mnozí si vybrali volný čas jako pronásledování a zapojili se do romantických intrik. Vskutku, vytvořili kulturu luxusu a přebytku, která tvořila ostrý kontrast k životům většiny lidí ve Francii. Aristokracie, jen malé procento obyvatel Francie, vlastnila více než 90% svého bohatství. Malá, ale rostoucí střední třída s tím dlouho nesedí (pamatujte na francouzskou revoluci v roce 1789).

Fragonard je Houpačka

stejně Jako u většiny Rokokové malby, předmětem Fragonard je Houpačka není příliš složité! Dva milenci se spikli, aby si tento starší kolegové, aby se zasadila mladá dáma v proudu, zatímco její milenec se schová v křoví. Jejich myšlenka je, že když jde nahoru na houpačce, může si rozdělit nohy, a on může získat dokonalý výhled do její sukně.

jsou obklopeny svěží, zarostlou zahradou. Vytvarovaný obrázek vlevo dává prsty do úst, jako by řekl: „hush“, zatímco další socha v pozadí má dvě amor údaje spolu mazlili. Barvy jsou pastelově bledě růžové a zelené, a přestože máme smysl pro pohyb a výraznou diagonální linii-obraz postrádá veškerou vážnost barokního obrazu.

Pokud se podíváte opravdu pozorně, můžete vidět volné tahy štětcem v růžových hedvábných šatech, a když otevírá nohy, zahlédneme její podvazkový pás. Právě tento druh malby filozofové osvícenství brzy odsoudili. Požadovali nový styl umění, který ukázal příklad morálního chování, lidských bytostí v jejich nejvznešenějších.