Introduktion til Kunstkoncepter

“barok”—ordet, stilen, perioden

i sammenhæng med europæisk historie kaldes perioden fra c. 1585 til c. 1700/1730 ofte baroktiden. Ordet “barok”stammer fra de portugisiske og spanske ord for en stor, uregelmæssigt formet perle (henholdsvis” barroco “og” barrueco”). Kritikere fra det attende århundrede var de første til at anvende udtrykket på kunsten fra det 17.århundrede. Det var ikke et udtryk for ros. For disse kritikers øjne, der favoriserede tilbageholdenhed og orden af neoklassicisme, virkede værkerne fra Bernini, Borromini og Pietro da Cortona bisarre, absurde, endda syge—med andre ord misformede, som en ufuldkommen perle.i midten af det 19.århundrede havde ordet mistet sine nedsættende implikationer og blev brugt til at beskrive de udsmykkede og komplekse kvaliteter, der findes i mange eksempler på kunst, Musik og litteratur fra det 17. århundrede. Til sidst kom udtrykket til at betegne den historiske periode som helhed. I forbindelse med maleri er for eksempel den skarpe realisme af altertavler, den stille intimitet i Vermeers hjemlige interiør og tilbageholdende klassicisme i Poussins Landskaber alle “barok” (nu med en hovedstad “B” for at indikere den historiske periode), uanset fraværet af de stilistiske træk, der oprindeligt var forbundet med udtrykket.

Rom: Fra” hore of Babylon ” til den strålende Kristi Brud

da Martin Luther tacklede sine 95 teser til dørene til Domkirken i 1517 og protesterede mod den katolske kirkes korruption, indledte han en bevægelse, der ville transformere Europas religiøse, politiske og kunstneriske landskab. I det næste århundrede ville Europa være i uro, da nye politiske og religiøse grænser blev bestemt, ofte gennem blodige militære konflikter. Først i 1648, med undertegnelsen af Vestphalia-traktaten, aftog konflikterne mellem protestanter og katolikker på det kontinentale Europa.Martin Luther fokuserede sin kritik på det, han så som Kirkens grådighed og magtmisbrug. Han kaldte Rom, sæde for pavelig magt, “Babylons hore” pyntet i fineri af dyre kunst, storslået arkitektur, og overdådige banketter. Kirken reagerede på krisen på to måder: ved internt at behandle spørgsmål om korruption og ved at forsvare de doktriner, der blev afvist af protestanterne. Mens de første to årtier i det 16.århundrede var en periode med overdådige udgifter til pavedømmet, var de midterste årtier en periode med nedskæringer. Som en besøgende i Rom bemærkede i 1560 ‘ erne, var hele byen blevet et kloster. Fromhed og askese regerede dagen.

Ved slutningen af det 16.århundrede følte den katolske kirke sig igen optimistisk, endda triumferende. Det var kommet ud af krisen med fornyet kraft og klarhed i formålet. Hyrde de troende-instruere dem om katolske doktriner og inspirerende dydig adfærd—tog centrum. Pavedømmet var ivrig efter at genopbygge Roms ry som en hellig by og indledte omfattende Bygge-og dekorationskampagner med det formål at fremhæve dets gamle oprindelse, dets tro og dets guddommeligt sanktionerede autoritet. I trofaste Katolikkers øjne var Rom ikke en utro hore, men en ren brud, smukt prydet for hendes forening med sin guddommelige ægtefælle. Kunsten i denne bevægelse kaldes barok kunst.

visning af Cerasi-kapellet i Santa Maria del Popolo i Rom med Annibale Carracci ‘ s altertavle, antagelsen om jomfruen, 1600-01, olie på lærred, 96 i liter 61 tommer og til højre, Caravaggios konvertering af Saint Paul (konvertering af Saul), 1601, 91 i liter 69 tommer

Overtalelseskunsten: at instruere, glæde, flytte

mens protestanterne hårdt kritiserede billedkulten, omfavnede den katolske kirke ardently kunstens religiøse magt. Billedkunst, hævdede kirken, spillede en nøglerolle i at lede de troende. De var bestemt lige så vigtige som det skrevne og talte ord, og måske endnu vigtigere, da de var tilgængelige for både de lærde og de ulærde. For at være effektiv i sin pastorale rolle måtte religiøs kunst være klar, overbevisende og magtfuld. Det var ikke kun nødvendigt at instruere, det måtte inspirere. Det måtte bevæge de troende til at føle virkeligheden af Kristi offer, martyrernes lidelser, de helliges visioner.

kirkens vægt på kunstens pastorale rolle fik kunstnere til at eksperimentere med nye og mere direkte midler til at engagere seeren. Kunstnere som Caravaggio vendte sig til en stærk og dramatisk realisme, forstærket af dristige kontraster mellem lys og mørke, og tæt beskårne kompositioner, der forbedrer den fysiske og følelsesmæssige umiddelbarhed af den afbildede fortælling. Andre kunstnere, som Annibale Carracci (som også eksperimenterede med realisme), bosatte sig i sidste ende på et mere klassisk visuelt sprog, inspireret af den livlige palet, idealiserede former og afbalancerede kompositioner fra højrenæssancen. Atter andre, som Giovanni Battista Gaulli, henvendte sig til dristige illusionisme, der ikke kun slørede grænserne mellem maleri, skulptur og arkitektur, men også dem mellem de virkelige og afbildede verdener. På den måde blev det guddommelige gjort fysisk til stede og håndgribeligt. Uanset om det er gennem chokerende realisme, dynamisk bevægelse, eller sprudlende ornamentik, kunst fra det syttende århundrede er beregnet til at imponere. Det sigter mod at overbevise seeren om sandheden i sit budskab ved at påvirke sanserne, vække følelserne og aktivere, endda dele seerens rum.

1672-1685

de katolske monarker og deres territorier

monarkerne i Spanien, Portugal og Frankrig omfavnede også de mere udsmykkede elementer i det syttende århundredes kunst for at fejre katolicismen. I Spanien og dets kolonier investerede herskere enorme ressourcer på detaljerede kirkefacader, fantastiske, guldbelagte kapeller og tabernakler og slående realistisk polykrom skulptur. I det spanske Holland, hvor Hellig Kunst havde lidt forfærdeligt som et resultat af den protestantiske ikonoklasme (ødelæggelsen af kunst), prioriterede borgerlige og religiøse ledere udsmykningen af kirker, da regionen genvandt sin katolske identitet. Peter Paul Rubens’ værksted havde travlt i mange år med at genfinde Altrene i Antverps kirker. Europas monarker vedtog også dette kunstneriske ordforråd for at forkynde deres egen magt og status. Louis hivfor eksempel bestilte Versailles pragtfulde bygninger og haver som et visuelt udtryk for hans guddommelige ret til at herske.

det protestantiske Nord

i de protestantiske lande og især i den nyligt uafhængige hollandske Republik (nutidens Holland) ændrede det kunstneriske klima sig radikalt i kølvandet på reformationen.

to af de rigeste kilder til protektion-monarkiet og kirken—var nu væk. I deres sted opstod en stadig mere velstående middelklasse, der var ivrig efter at udtrykke sin status og sin nye følelse af national stolthed gennem køb af kunst.

i midten af det 17.århundrede var der opstået et nyt marked for at imødekomme denne klasses kunstneriske smag. Efterspørgslen var nu for mindre skala malerier egnet til visning i private hjem. Disse malerier omfattede religiøse emner til privat kontemplation, som det ses i Rembrandts gribende malerier og udskrifter af bibelske fortællinger samt portrætter, der dokumenterer individuelle ligheder.

Banket stykke med Hakketærte, 1635, olie på lærred, 42 gange 43-3/4 tommer men den største ændring på markedet var den dramatiske stigning i populariteten af landskaber, stilleben og scener i hverdagen (kendt som genremaleri). Faktisk var spredningen af disse emner som uafhængige kunstneriske genrer et af det 17.århundredes mest betydningsfulde bidrag til den vestlige kunsts historie. I alle disse genrer, kunstnere afslørede en stor interesse i at replikere den observerede virkelighed—hvad enten det er lyset på det hollandske landskab, det øjeblikkelige udtryk på et ansigt, eller de forskellige strukturer og materialer fra de genstande, hollænderne indsamlede, da de høstede fordelene ved deres ekspanderende merkantile Imperium. Disse værker viste lige så meget kunstnerisk virtuositet og fysisk umiddelbarhed som de store dekorationer af paladser og kirker i det katolske Europa.

begyndelsen af rokoko

i de tidlige år af 1700-tallet, i slutningen af Louis Kivs regeringstid (der dør i 1715), var der et skift væk fra klassicismen og “Grand måde” (baseret på Poussin-kunsten), der havde styret kunsten i de foregående 50 år, mod en ny stil, som vi kalder rokoko.Versailles blev forladt af aristokratiet, der igen tog Ophold i Paris. Et skift væk fra monarkiet mod aristokratiet karakteriserer denne periode.

hvilken slags livsstil førte aristokratiet i denne periode? Husk, at aristokratiet havde enorm politisk magt såvel som enorm rigdom. Mange valgte fritid som en forfølgelse og blev involveret i romantiske intriger. Faktisk skabte de en kultur af luksus og overskud, der dannede en skarp kontrast til livet for de fleste mennesker i Frankrig. Aristokratiet, kun en lille procentdel af befolkningen i Frankrig, ejede over 90% af sin rigdom. En lille, men voksende middelklasse sidder ikke stille med dette længe (husk den franske Revolution i 1789).

Fragonards sving

som med de fleste rokoko malerier, emnet fragonards the gynge er ikke meget kompliceret! To elskere har konspireret for at få denne ældre fyr til at skubbe den unge dame i gyngen, mens hendes elsker gemmer sig i buskene. Deres ide er, at når hun går op i gyngen, kan hun dele benene, og han kan få en perfekt udsigt op på hendes nederdel.

de er omgivet af en frodig, overgroet have. En skulpturelle figur til venstre sætter fingrene til munden, som om at sige “tys,” mens en anden skulptur i baggrunden har to amor figurer nusset sammen. Farverne er pastelfarvede lyserøde og grønne, og selvom vi har en følelse af bevægelse og en fremtrædende diagonal linje — mangler maleriet al alvorligheden af et barokmaleri.

Hvis du ser rigtig tæt på, kan du se de løse penselstrøg i den lyserøde silkekjole, og når hun åbner benene, får vi et glimt af hendes strømpebånd. Det var netop denne slags maleri, som oplysningens filosoffer snart skulle fordømme. De krævede en ny kunststil, en der viste et eksempel på moralsk opførsel, af mennesker på deres mest ædle.