Anfänge des Art Deco
Ende des 19.Jahrhunderts erkannten in Frankreich viele der namhaften Künstler, Architekten und Designer, die eine wichtige Rolle bei der Entwicklung des Jugendstils gespielt hatten, dass er zunehmend passé wurde. Am Ende eines Jahrhunderts, in dem die industrielle Revolution Einzug hielt, Das heutige Leben unterschied sich stark von einigen Jahrzehnten zuvor. Es war Zeit für etwas Neues, etwas, das „20th Century“ von geschmackvollen, modernistischen Dächern schreien würde.
Die Gesellschaft der dekorativen Künstler in Frankreich
Aus diesem Wunsch heraus, mit Innovation in das neue Jahrhundert zu gehen, anstatt von Nostalgie zurückgehalten zu werden, gründete eine Gruppe französischer künstlerischer Innovatoren eine Organisation namens Societé des Artistes Décorateurs (Die Gesellschaft der dekorativen Künstler). Die Gruppe bestand aus bekannten Persönlichkeiten wie dem Jugendstil-Designer und Grafiker Eugene Grasset und dem Jugendstil-Architekten Hector Guimard sowie aufstrebenden dekorativen Künstlern und Designern wie Pierre Chareau und Francis Jourdain. Der französische Staat unterstützte und förderte diese Richtung der künstlerischen Tätigkeit.Eines der Hauptziele der neuen Gruppe war es, die hierarchische Struktur der bildenden Kunst herauszufordern, die dekorative Künstler in einen geringeren Status als die klassischeren Medien Malerei und Bildhauerei verbannte. Jourdain wird berühmt mit den Worten zitiert: „Wir haben uns folglich entschlossen, die dekorative Kunst, die rücksichtslos als Aschenputtel oder armer Verwandter behandelt wurde, der es erlaubt war, mit den Dienern zu essen, an den wichtigen, fast überwiegenden Ort zurückzukehren, den sie in der Vergangenheit einnahm, aller Zeiten und in allen Ländern der Welt.“ Der Plan für eine große Ausstellung, die eine neue Art dekorativer Kunst präsentiert, war ursprünglich für 1914 gedacht, musste aber bis nach Ende des Ersten Weltkriegs auf Eis gelegt und dann aus verschiedenen Gründen bis 1925 zurückgeschoben werden.
Die Ausstellung, mit der die Bewegung offiziell ins Leben gerufen wurde
Die französische Regierung, die die Ausstellung zwischen der Esplanade der goldenen Kuppel Les Invalides und den Eingängen des Petit Palais und des Grand Palais auf beiden Seiten der Seine veranstaltete, bemühte sich, den neuen Stil zu präsentieren. Über 15.000 Künstler, Architekten und Designer zeigten ihre Arbeiten auf der Ausstellung. Während der sieben Monate der Ausstellung besichtigten über 16 Millionen Menschen die vielen einzelnen Exponate. Diese Ausstellung war der Katalysator für den Beginn der Bewegung.
Art Nouveau und Art Deco
Art Deco war eine direkte Antwort ästhetisch und philosophisch auf den Jugendstil und auf das breitere kulturelle Phänomen der Moderne. Der Jugendstil begann im Ersten Weltkrieg aus der Mode zu kommen, da viele Kritiker der Meinung waren, dass die aufwendigen Details, die filigranen Designs, die oft teuren Materialien und die Produktionsmethoden des Stils für eine herausfordernde, unruhige und zunehmend mechanisierte moderne Welt ungeeignet seien. Während die Jugendstil-Bewegung ihre komplizierten, stilisierten Formen aus der Natur ableitete und die Tugenden des Handgefertigten pries, betonte die Art-Deco-Ästhetik die Rationalisierung des Maschinenzeitalters und die schlanke Geometrie.
Art Deco und Moderne
Die Exposition Internationale brachte nicht nur Werke im Art Deco-Stil zusammen, sondern stellte kunsthandwerkliche Gegenstände in die Nähe von Beispielen avantgardistischer Gemälde und Skulpturen in Stilen wie Kubismus, Konstruktivismus, Bauhaus, De Stijl und Futurismus. In den 1920er Jahren war Art Deco ein überschwänglicher, aber weitgehend Mainstream-Kontrapunkt zur zerebralen Bauhaus- und De Stijl-Ästhetik. Alle drei teilten die Betonung auf klare, starke Linien als organisierendes Gestaltungsprinzip. Art Deco Praktiker umarmten technologische Innovation, moderne Materialien und Mechanisierung und versuchten, sie in der Gesamtästhetik des Stils selbst zu betonen. Praktizierende haben auch von anderen modernistischen Bewegungen geliehen und gelernt. Art Deco wurde von Bewunderern angesehen, die mit den zukunftsweisenden Perspektiven zeitgenössischer Avantgarde-Bewegungen Schritt hielten. Ironischerweise spielten modernistische Malerei und Skulptur mit wenigen Ausnahmen des sowjetischen Pavillons und des Esprit Nouveau-Pavillons von Le Corbusier eine untergeordnete Rolle in der Ausstellung.
Art Deco nach der Weltwirtschaftskrise
Der Beginn der zweiten Phase des Art Deco fiel mit dem Beginn der Weltwirtschaftskrise zusammen. Austerität könnte in der Tat sowohl aus pragmatischen als auch aus konzeptionellen Gründen die Kernästhetik für diese zweite Entwicklung des Art Deco sein. Während die Art-Deco-Architektur beispielsweise vertikal ausgerichtet war und Wolkenkratzer in luftige Höhen kletterten, symbolisierten die späteren Art-Deco-Gebäude mit ihren meist schmucklosen Außenbereichen, anmutigen Kurven und horizontalen Akzenten Robustheit, ruhige Würde und Widerstandsfähigkeit. In den schlimmsten Jahren der wirtschaftlichen Katastrophe, von 1929 bis 1931, wechselte das amerikanische Art Deco von Trends zu Trends.
Streamline Moderne
Streamline Moderne wurde zur amerikanischen Fortsetzung der europäischen Art Deco-Bewegung. Jenseits der ernsten wirtschaftlichen und philosophischen Einflüsse waren die ästhetische Inspiration für die ersten Streamline Moderne-Strukturen Gebäude, die von Befürwortern der Neuen Sachlichkeitsbewegung in Deutschland entworfen wurden, die aus einer informellen Vereinigung deutscher Architekten, Designer und Künstler hervorgegangen waren, die sich Anfang des 20. Künstler und Architekten der Neuen Sachlichkeit ließen sich von demselben nüchternen Pragmatismus inspirieren, der die Befürworter der Streamline Moderne dazu zwang, Exzesse, einschließlich der Emotionalität expressionistischer Kunst, zu beseitigen. Die Architekten der Neuen Objektivität konzentrierten sich auf die Herstellung von Strukturen, die als praktisch angesehen werden konnten und die Anforderungen des realen Lebens widerspiegelten. Sie zogen es vor, ihre Entwürfe an die reale Welt anzupassen, anstatt andere dazu zu bringen, sich an eine Ästhetik anzupassen, die unpraktisch war. Zu diesem Zweck leisteten New Objectivity Architects sogar Pionierarbeit bei der Vorfertigungstechnologie (die dazu beitrug, die Armen in Deutschland schnell und effizient unterzubringen).
Ohne Ornament, Streamline Moderne Architektur kennzeichnete saubere Kurven, lange horizontale Linien (einschließlich Fensterbänder), Glasbausteine, Bullaugenfenster und zylindrische und manchmal nautische Formen. Mehr denn je lag der Schwerpunkt auf Aerodynamik und anderen Ausdrucksformen moderner Technologie. Die teureren und oft exotischen Materialien des Art Deco wurden in Streamline Moderne durch Beton-, Glas- und Chrombeschläge ersetzt. Farbe wurde sparsam verwendet, da cremefarbene, beige und Erdtöne die lebendigeren Farben des Art Deco ersetzten. Der Stil wurde zuerst in die Architektur eingeführt und dann auf andere Objekte ausgeweitet, ähnlich dem traditionellen Art-Deco-Stil.
Art Deco wird rückwirkend benannt
Ursprünglich wurde der Begriff „Art Deco“ von einem berühmten Kritiker, dem modernistischen Architekten Le Corbusier, in Artikeln abwertend verwendet, in denen er den Stil für seine Ornamentik kritisierte, ein Merkmal, das er in der modernen Architektur als unnötig ansah. Während Befürworter des Stils es als eine abgespeckte, modernistische Antwort auf die übermäßige Verzierung, besonders im Vergleich zu seinem unmittelbaren Vorgänger, Jugendstil (Jugendstil) feierten, weil jede Dekoration für Le Corbusier überflüssig war. Erst in den späten 1960er Jahren, als das Interesse an dem Stil wiederbelebt wurde, wurde der Begriff „Art Deco“ vom britischen Kunsthistoriker und Kritiker Bevis Hillier positiv verwendet.
Art Deco und die Vereinigten Staaten
In den USA., die Rezeption der Art-Deco-Bewegung entwickelte sich in einer anderen Richtung. Herbert Hoover, der damalige US-Handelsminister, verfügte, dass amerikanische Designer und Architekten ihre Arbeiten nicht auf der Exposition Internationale ausstellen könnten, da er behauptete, das Land müsse sich noch einen deutlich amerikanischen Kunststil vorstellen, der zufriedenstellend „neu genug“ sei.“ Als Alternative schickte er eine Delegation nach Frankreich, um die Angebote der Ausstellung zu bewerten. und dann, um das, was sie sahen, auf einen zeitgenössischen amerikanischen Kunst- und Architekturstil anzuwenden. Zu dem von Hoover entsandten Kontingent ästhetischer Abgesandter gehörten wichtige Persönlichkeiten des American Institute of Architecture, des Metropolitan Museum of Art und der New York Times. Bis 1926 reiste eine kleinere Version der französischen Messe mit dem Titel „Eine ausgewählte Sammlung von Objekten aus der Internationalen Ausstellung für moderne, industrielle und dekorative Kunst“ durch viele US-Städte wie New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis und Philadelphia. Die amerikanischen Weltmessen in Chicago (1933) und New York City (1939) zeigten prominent Art-Deco-Designs, während Hollywood die Ästhetik umarmte und sie im ganzen Land glamourös machte. Sogar amerikanische Konzerne wie General Motors und Ford bauten Pavillons auf der New Yorker Weltausstellung.
Zu den bekanntesten Beispielen des amerikanischen Art Deco-Stils gehören Wolkenkratzer und andere große Gebäude. In der Tat wurde die amerikanische Iteration von Art Deco in Gebäudedesigns als Zigzag Modern für seine eckigen und geometrischen Muster als aufwendige architektonische Fassaden bezeichnet. Insgesamt ist das amerikanische Art Deco jedoch oft weniger dekorativ als sein europäischer Vorgänger. Jenseits der klaren Linien und starken Kurven, kühnen geometrischen Formen, satten Farben und manchmal verschwenderischen Ornamenten ist die amerikanische Version abgespeckter. Als sich wichtige Einflüsse wie die Neue Sachlichkeit und der Internationale Architekturstil sowie die schweren wirtschaftlichen Rückschläge der späten 1920er und frühen 1930er Jahre auf die Art-Deco-Ästhetik ausübten, wurde der Stil weit weniger verschwenderisch. Zum Beispiel könnte diese Transformation durch den Ersatz von Gold durch Chrom, von Perlmutt durch Bakelit, von Granit durch Beton usw. symbolisiert werden.Der amerikanische Art-Deco-Stil entwickelte sich als Feier des technologischen Fortschritts, einschließlich der Massenproduktion, und eines wiederhergestellten Glaubens an den sozialen Fortschritt. Im Wesentlichen könnten diese Errungenschaften als Spiegelbild des Nationalstolzes angesehen werden. In den 1930er Jahren unter Roosevelts Works Progress Administration (WPA) waren viele der Werke, die geschaffen wurden, Art Deco, von kommunalen Strukturen wie Bibliotheken und Schulen bis hin zu massiven öffentlichen Wandgemälden. Das WPA sollte die US-Wirtschaft der Nachkriegszeit ankurbeln, indem Arbeitsplätze in öffentlichen Arbeiten geschaffen wurden, und der Gemeinschaft dienen, indem Arbeitsplätze geschaffen und amerikanische Werte in das Design eingebracht wurden. Die Verwendung des amerikanischen Art Deco brachte somit einen Ausdruck von Demokratie durch Design hervor. Einige Materialien, die oft in der Art-Deco-Kreation verwendet wurden, waren teuer und daher für den Durchschnittsmenschen unerreichbar. Die Verwendung kostengünstiger oder neuer Materialien ermöglichte jedoch die Herstellung einer breiten Palette erschwinglicher Produkte und brachte so Schönheit auf neue Weise in die Öffentlichkeit. Art Deco inspirierte das Design und die Produktion einer Reihe von Objekten – von Zeitschriftencovern und farbenfrohen Anzeigen bis hin zu funktionalen Gegenständen wie Besteck, Möbeln, Uhren, Autos und sogar Ozeandampfern.
Globales Wachstum von Art Deco
Der Art Deco-Stil hat sich in so unterschiedlichen Hauptstädten wie Havanna, Kuba, Mumbai und Jakarta durchgesetzt. Havanna verfügt über ein ganzes Viertel im Art-Deco-Stil. Das Londoner U-Bahn-System integriert den Stil stark. Der Hafen von Shanghai enthält mehr als fünfzig Art-Deco-Strukturen, von denen die meisten vom Ungarn Laszlo Hudec entworfen wurden. Von Kriegsdenkmälern bis hin zu Krankenhäusern haben auch Städte wie Sydney und Melbourne in Australien den phänomenalen Stil aufgenommen.
Kunst Deco: Konzepte, Stile und Trends
Die wichtigsten visuellen Merkmale von Art Deco ergeben sich aus der wiederholten Verwendung linearer und geometrischer Formen, einschließlich dreieckiger, zickzackförmiger, trapezförmiger und Chevron-gemusterter Formen. Ähnlich wie sein Vorgänger, Art Nouveau, wenn Objekte wie Blumen, Tiere oder menschliche Figuren dargestellt werden, sind sie stark stilisiert und vereinfacht, um mit der Gesamtästhetik des Art Deco Schritt zu halten. Die Art und das Ausmaß der Stilisierung und Vereinfachung oder Strippen variiert in Abhängigkeit von der regionalen Iteration des Stils. Zum Beispiel ist eine Figur wie der Firebird (1922) des französischen Designers René Lalique elegant schlank und abgeschwächt, während Lee Lawries Atlas (1937) außerhalb des Rockefeller Centers solide und robust mit betont linearer Muskulatur ist, obwohl beide als feine Darstellungen des Deco-Stils gelten.Im Einklang mit der Betonung der Bewegung auf moderne Technologie nutzten Art-Deco-Künstler und Designer moderne Materialien wie Kunststoffe, Bakelit und Edelstahl. Aber wenn ein Spritzer Reichtum und Raffinesse benötigt wurde, Designer verwendeten exotischere Materialien wie Elfenbein, Horn, und Zebrahaut. Wie im Jugendstil und in der Kunsthandwerksbewegung wurde der Art-Deco-Stil weit weniger auf die traditionell ranghöchsten Ausdrucksformen der visuellen Kunst angewendet: Malerei und Skulptur.
Design
Der Art Deco-Stil übte seinen Einfluss auf die Grafik auf eine Weise aus, die den Einfluss des italienischen Futurismus mit seiner Liebe zur Geschwindigkeit und Anbetung der Maschine offenbart. Futuristische Künstler verwendeten Linien, um Bewegung anzuzeigen, bekannt als „Speed Whiskers“, die von den Rädern schnell fahrender Autos und Züge abstreifen würden. Darüber hinaus verwendeten Praktiker des Art Deco parallele Linien und sich verjüngende Formen, die Symmetrie und Stromlinienförmigkeit suggerieren. Die Typografie wurde vom internationalen Einfluss des Art Deco beeinflusst und die Schriften Bifur, Broadway und Peignot erinnern sofort an den Stil.
Bildlich erinnern einfache Formen und großflächige Volltonfarben an japanische Holzschnitte, die nach dem Ende der isolationistischen Edo-Zeit 1868 vor allem in Frankreich zu einer wichtigen Einflussquelle für westliche Künstler geworden waren. Der anschließende Zustrom von Kunst aus Japan nach Europa hatte enorme Auswirkungen. Insbesondere Künstler fanden in der formalen Einfachheit der Holzschnitte ein Modell für die Schaffung ihrer eigenen deutlich modernen Stile, beginnend mit dem Impressionismus.
Möbel
Bis in die späten 1920er Jahre war das avantgardistische Möbeldesign in Frankreich hauptsächlich Variationen des Jugendstils, aber vereinfacht und weniger krummlinig. Im Laufe des Jahrzehnts entwickelte sich Émile-Jacques Ruhlmann zum führenden Möbeldesigner (Ruhlmann hatte auf der Weltausstellung 1925 einen eigenen Pavillon). Während seine Entwürfe hauptsächlich von Stücken aus dem 18.Jahrhundert inspiriert waren, die im neoklassizistischen Stil hergestellt wurden, beseitigte er einen Großteil der Ornamentik, während er immer noch exotische Materialien verwendete, die von Jugendstildesignern wie Mahagoni, Ebenholz, Palisander, Elfenbein und Schildpatt bevorzugt wurden. Natürlich waren seine Stücke oft zu teuer, um sie für irgendjemanden außer den wohlhabendsten zu erwerben.
Im Gegensatz zu Ruhlmanns aufwendigen Entwürfen, die den Jugendstil und den Art Deco-Stil zu überspannen schienen, war Jules Leleu der definitivere Art Deco-Möbeldesigner in Frankreich. Er war ein traditioneller Designer gewesen, bis der neue Stil den Jugendstil verdrängte, und ist bekannt für die Gestaltung des großen Speisesaals des Elysee-Palastes in Paris, und die luxuriösen Kabinen auf dem erstklassigen Deck des eleganten Dampfers, die Normandie.Im Gegensatz zu Leleu und Ruhlmann war Le Corbusier ein Befürworter einer sehr reduzierten, ornamentfreien Version des Art-Deco-Stils und schuf oft Möbel, die für die strengen Innenräume seiner eigenen architektonischen Strukturen geeignet waren. Seine Absicht war es, Prototypen, insbesondere von Stühlen, zu entwerfen, die in Massenproduktion hergestellt werden konnten und daher für einen breiteren Markt erschwinglich waren. Bemerkenswert ist auch Donald Deskeys Innenarchitektur des berühmten Wahrzeichens von New York City, der Radio City Music Hall, ist ein hervorragendes Beispiel für amerikanisches Art-Deco-Möbeldesign, das in seiner ursprünglichen Form noch heute intakt ist.
Architektur
Die Art Deco-Architektur zeichnet sich durch kantige, oft reich verzierte Designs aus, die durch glänzende Metallakzente akzentuiert werden. Viele dieser Gebäude haben eine vertikale Betonung, die den Blick nach oben lenken soll. Rechteckige, oft blockartige Formen sind geometrisch angeordnet, wobei Dachspitzen und / oder gekrümmte Zierelemente hinzugefügt werden, um einen stromlinienförmigen Effekt zu erzielen. New Yorker Wolkenkratzer und Miamis pastellfarbene Gebäude gehören zu den berühmtesten amerikanischen Beispielen, obwohl der Stil in einer Vielzahl von Strukturen auf der ganzen Welt eingesetzt wurde.In den Vereinigten Staaten half die Works Progress Administration der Art-Deco-Architektur, Mainstream zu werden. Interessanterweise ist die Verschmelzung von Art Deco und Beaux-Arts-Klassizismus, die in vielen öffentlichen Arbeiten aus der Zeit der Depression zu sehen ist, als PWA Moderne oder Depression Moderne bekannt geworden.
Spätere Entwicklungen – Nach Art Deco
Art Deco fiel in den Jahren des Zweiten Weltkriegs in Europa und Nordamerika aus der Mode, wobei die Strenge der Kriegszeit den Stil immer knalliger und dekadenter erscheinen ließ. Metalle wurden geborgen, um sie für den Bau von Rüstungsgütern zu verwenden, im Gegensatz zur Dekoration von Gebäuden oder Innenräumen. Einrichtungsgegenstände galten nicht mehr als Statusobjekte. Weitere technologische Fortschritte ermöglichten eine billigere Produktion grundlegender Konsumgüter, was die Notwendigkeit und Popularität von Art-Deco-Designern verdrängte.
Eine Bewegung, die in vielerlei Hinsicht versuchte, sich von der Vergangenheit zu lösen, ist jetzt zu einem nostalgischen, in guter Erinnerung gebliebenen Klassiker geworden. Seit den 1960er Jahren gab es ein stetiges, anhaltendes Interesse an dem Stil. Echos des Art Deco sind im Mid-Century Modern Design zu sehen, das die stromlinienförmige Ästhetik des Deco fortführt und die klare Einfachheit des Bauhauses wieder aufgreift. Deco trug auch dazu bei, die Memphis Group zu inspirieren, eine Design- und Architekturbewegung, die sich in den 1980er Jahren in Mailand konzentrierte. Memphis schöpfte auch aus Pop Art und Kitsch als Quellen für seine farbenfrohen, bewusst postmodernen Designs.