Die 25 besten amerikanischen Drehbücher des 21.Jahrhunderts, von „Eternal Sunshine“ bis „Lady Bird“

Sie werden oft Regisseure sagen hören, dass jeder Film es sind wirklich drei Filme: Der auf der Seite, der, den du drehst, und der, den du am Ende im Final Cut hast. Das gibt Ihnen drei Chancen, es richtig zu machen oder es noch mehr zu vermasseln, aber nichts geht über ein solides Fundament und eine gut ausgearbeitete Blaupause. Zumindest mit einem großartigen Drehbuch wissen Sie, dass es viel schwieriger sein wird, die anderen beiden Phasen durcheinander zu bringen.

Jede Betrachtung der besten Filme der letzten 18 Jahre erhält einen neuen Kontext, wenn sie ausschließlich in Bezug auf ihre Drehbücher betrachtet wird. Es gibt einige offensichtliche Meister der Form, wie Charlie Kaufman und Kenneth Lonergan, ganz zu schweigen von der uhrwerkartigen Präzision der Pixar Story Factory, weshalb sie alle zwei Filme auf dieser Liste haben. Viele der Filme hier wurden Oscar-Nominierungen beraubt, darunter von David Finchers „Zodiac“ bis Christopher Nolans „Memento“, aber das nimmt ihren Verdiensten nichts.

In diesem Sinne ist hier die Liste der besten amerikanischen Drehbücher der letzten zwei Jahrzehnte von IndieWire. Teilen Sie Ihre eigenen in den Kommentaren.

„American Psycho“ (2000)

Bret Easton Ellis ‚Roman „American Psycho“ von 1991 war von Kontroversen um seine Veröffentlichung umgeben, da er das brutal gewalttätige Leben eines Alpha-Yuppie aus NYC darstellte, der es bevorzugte, Prostituierte und Obdachlose zu töten. Was würde also zwei weibliche Drehbuchautoren, die Regisseurin Mary Harron und Guinevere Turner, dazu inspirieren, die Geschichte für den Film anzupassen? Das Paar interessiert sich viel mehr für die Mechanik, die Patrick Bateman zum Ticken bringt, und baut darauf die Satire auf, die die besten Momente des Films unterstreicht. Von der obsessiven One-Upsmanship über Visitenkarten und Restaurantsitze, zu den schrillen Popsongs der 80er Jahre, die Batemans brutalste Morde unterstreichen, Der Mörder wird geschickt von der Verherrlichung zur Fallstudie bewegt. Mit Bedacht verwenden Sie den Roman als Ausgangspunkt anstelle eines heiligen Textes, Harron und Turner geben ihrem Drehbuch viel Textur und Nuance, die diesen Film von einer Kultfußnote zu einer Meisterklasse des Drehbuchschreibens machen. -William Earl

„Findet Nemo“ (2003)

Es ist schwer, sich einen größeren komödiantischen Charakter als Dory vorzustellen, den blauen Tangfisch mit Kurzzeitgedächtnisverlust und einem Herzen aus Gold. Wie von der unvergleichlichen Ellen Degeneres geäußert, ist Dory gleichzeitig verrückt und unwiderstehlich. Einen stammelnden Albert Brooks als verwirrten Marlon (okay, technisch gesehen ist er ein Clownfisch) auszuspielen, könnten sich diese beiden gegen jedes klassische Comedy-Duo behaupten. Natürlich würde es einen Kinderfilm über Fische brauchen, um die größte nicht-romantische Kumpel-Komödie zu schreiben. Aber was „Findet Nemo“ zum größten Pixar-Film aller Zeiten erhebt, ist sein emotionaler Kern. „Findet Nemo“ ist nicht nur die Art von Film, über den Erwachsene lachen können, sondern Marlons Suche nach Nemo ist für jeden Elternteil oder jedes Kind bis auf die Knochen. Bob Peterson und David Reynolds assistierten Co-Regisseur Andrew Stanton bei seiner ursprünglichen Geschichte, Derselbe Geist, der sich andere Top-Pixar-Gelenke „Wall-E“ und „Toy Story“ ausgedacht hat.“ Findet Nemo“ ist bewegend, urkomisch und mit lebendigen und fließenden Meereslandschaften geschmückt und fängt die größte Lektion ein, die Eltern lernen müssen; die Kunst des Loslassens. -Jude Dry

„Lovely & Amazing“ (2001)

In jüngerer Zeit bekannt für „Genug gesagt“, schreibt Nicole Holofcener die perfekte Art von Komödien: diejenigen über zutiefst fehlerhafte Charaktere, die in den unvermeidlichen Unordnung des Lebens schwelgen. Dieser fast perfekte Film spielt Catherine Keener und Emily Mortimer als Schwestern, mit der ausgezeichneten Brenda Blethyn als ihre fettabsaugungssuchende Mutter, und ein Szenenstahl Raven Goodwin als ihre adoptierte schwarze Schwester. Jeder Charakter ist anders als jede andere Frau, die Sie auf dem Bildschirm sehen, zu gleichen Teilen selbstironisch und egozentrisch. Holofcener gleicht viele Elemente aus, einschließlich einer Mai-Dezember-Affäre mit einem jungen Jake Gyllenhaal, und den jungen Goodwin als freches komödiantisches Futter verwenden. Es ist eine mutige Entscheidung, die sich auszahlt. Holofcener wird von einigen fälschlicherweise als „Smart Chick-Flick“ bezeichnet und ist der seltene Doppelschlag eines Autors, dessen echte Kunstfertigkeit durch reinen Unterhaltungswert maskiert wird. -Jude Dry

„Creed“ (2015)

Warner Bros. / REX/

Ryan Cooglers und Aaron Covingtons „Creed“ -Drehbuch ist die Art von publikumswirksamem Knockout, der einmal in einem blauen Mond zu kommen scheint. Das Drehbuch schafft es nicht nur, eine authentische Entstehungsgeschichte des jungen und entschlossenen Adonis Creed zu erzählen, sondern findet auch einen authentischen Weg, Sylvester Stallones Rocky wiederzubeleben und ihn zum emotionalen Dreh- und Angelpunkt von Adonis ‚Aufstieg zum Boxchampion zu machen. Nichts in „Creed“ fühlt sich beschlagen an, um „Rocky“ -Fans zufrieden zu stellen. Das Skript kämpft hart, um Sie in Adonis ‚Reise zu investieren und seine Rückrufe zu Stallones Klassiker zu verdienen. Kein Wunder, dass sich der Moment, in dem Creed durch die Straßen von Philadelphia rennt, wie ein so belebter Triumph anfühlt. Das Skript ist die Definition von Zufriedenheit. —Zack Sharf

„Den Kindern geht es gut“ (2010)

Nachdem Lisa Cholodenko einige herausfordernde Meisterwerke geschaffen hatte, schlug sie es schließlich mit einer witzigen und kunstvollen Interpretation des zeitgenössischen Familienlebens aus dem Park. Bissig klug und ohne Angst, unerwartete Wendungen zu nehmen, Choldenkos Drehbuch war so gut, dass es Annette Bening und Julianne Moore anzog, und machte Stars aus der jungen Mia Wasikowska und Josh Hutcherson. Bening und Moore werden als kontrollierende Machtlesbe und ihre freigeistige Frau dargestellt, die eine Affäre mit ihrem Samenspender hat, gespielt mit dem Inbegriff des entspannten Brio von Mark Ruffalo. Wasikowska und Hutcherson bringen als Titelkinder eine perfekte Mischung aus kindlicher Unschuld und vorsätzlicher Frühreife mit. Der Film war ein kritischer und Kassenerfolg, obwohl einige LGBT-Kritiker sich über den Trope „lesbian Turns straight“ sträubten. Unserer Meinung nach bekommt Cholodenko einen Pass als Außenseiter in Hollywood, der großartige Filme macht — und am Ende ist alles in Ordnung. —JD

„Punch Drunk Love“ (2002)

Die Criterion Collection

Paul Thomas Anderons brillante Meditation über die wütenden, unterdrückten Männer, die Adam Sandler zig Mal gespielt hat, verwandelt diesen Archetyp in eine wundersame Vision. Der depressive Einzelgänger Barry Egan kämpft darum, die Worte zu finden, um mit einer Welt umzugehen, die ihn ohne Ende herumwirft, aber sein Allheilmittel kommt wie eine Offenbarung in romantischer Kameradschaft an (das wäre Emily Watson). Man könnte die Geschlechterpolitik dieses Films zu Tode sezieren, aber PTAs Drehbuch schafft das brillante Glücksspiel, in Barrys Kopf zu bleiben, egal was in diesen Schlussmomenten wirklich untergeht, es ist klar, dass er etwas Frieden gefunden hat. „Ich habe Liebe in meinem Leben“, erklärt er, „und das macht mich mächtiger, als Sie sich vorstellen können.“ In der Tat könnte dies Anderson am nächsten kommen, um einen Superheldenfilm durch seine eigene verrückte, surreale Erzähllogik zu machen. Es ist auch eine phantasievolle Meditation über den Wahnsinn der Testosteron-getriebenen Wut. „Das ist, dass, Matratze Mann“ sollte jedermanns Mantra sein. -Eric Kohn

„Carol“ (2015)

Einer der schönsten Aspekte von „Carol“ ist, wie viel Gewicht und Emotion in einem einzigen Blick zwischen Carol und Therese gehalten wird, insbesondere in einer Zeit, in der Wörter nur mit sorgfältig verschleierten Emotionen gewichtet werden konnten. Die Anziehungskraft zwischen Carol und Therese ist unbestreitbar und es stellt alles auf den Kopf, was Therese über sich selbst zu wissen glaubte, sie auf ihre eigene Reise der Selbstfindung schicken, sowohl miteinander verflochten als auch getrennt von Carol. Heute, im Schatten von Filmen wie „Moonlight“ und „Call Me By Your Name“, „Carol“ fühlt sich fast wie ein Relikt an, Ein Film, der die schwule Liebe nicht vollständig feiern kann, ohne vernichtende Konsequenzen zu ziehen. Dennoch bleibt Phyllis Nagys Oscar-nominiertes Drehbuch eine wichtige Erinnerung sowohl an die Schönheit der Queerness als auch an die Längen, die wir in Bezug auf Akzeptanz gekommen sind (und noch gehen müssen).

Wenn die beiden Frauen endlich ihrer Leidenschaft nachgeben, ist das Ergebnis eine schöne Darstellung von Erotik, die von Herzschmerz geprägt ist — Carol weiß, dass das endgültige Nachgeben auch das Ende bedeutet. Ihre Leidenschaft implodierte sowohl Carols Ehe als auch ihre eigene Beziehung, und als sie sich nach einiger Zeit endlich sehen, Ihre Rollen wurden dauerhaft vertauscht. Therese ist anders, sicherer und sicher, wer sie ist, auch dank Carol. Und es ist Carol, die jetzt unsicher erscheint, nachdem sie den Komfort ihres früheren Lebens verloren hat, ihre Ehe und ihr Kind, und die eine wahre Liebe, die sie in Therese gefunden hatte. —Jamie Righetti

„Inglourious Basterds“ (2009)

François Duhamel / Die Weinstein Company / Universal Pictures

Niemand, der davor zurückschreckt, seinen eigenen Mythos zu polieren, Quentin Tarantino hat öffentlich erklärt, dass die Eröffnungsszene von „Inglourious Basterds“ seine Lieblingssache ist, die er jemals geschrieben hat. Und während Künstler nicht immer die besten Schiedsrichter ihrer eigenen Arbeit sind, Tarantino ist der seltene Filmemacher, der für seinen Filmgeschmack ebenso berühmt ist wie für seine Herstellung. Sicher genug, er hat diesen genau richtig.Hans Landas Gespräch mit einem verdächtig angespannten französischen Milchbauer, der unglaubliche Spannung aus einer Megadosis Exposition zieht, sorgt nicht nur für eine der größten Bösewicht—Einführungen aller Zeiten, es nimmt auch eine vertraute Trope des Holocaust—Kinos – Schneiden zwischen einem ruhigen Nazi und den versteinerten Juden, die sich nur wenige Meter entfernt vor ihm verstecken – und explodiert es in eine farbenfrohe Welt, die weniger vom Zweiten Weltkrieg informiert ist als die Filme, die darüber gedreht wurden. Der erschreckende Höhepunkt der Sequenz, „The Searchers“ in „Texas Chainsaw Massacre“ zu verwandeln, um zu etwas völlig Neuem zu gelangen, bereitet die Bühne für Tarantinos größten Film, der am besten dafür spricht, dass „Pastiche“ nur ein Schimpfwort ist, wenn Sie nicht wissen, wie man es richtig ausspricht. Ein schillerndes Werk revisionistischer Geschichte, das ein unvergessliches Versatzstück übereinander schichtet, „Inglourious Basterds“ verwandelt irgendwie eine kleine Handvoll in sich geschlossener Szenen in ein wahnsinnig befriedigendes Epos voller großartiger Charaktere, zitierfähige Momente, und eine tiefe Liebe zu den Filmen selbst. -David Ehrlich

„You Can Count on Me“ (2000)

Am Ende von Kenneth Lonergans gefeiertem Debüt steht der eigensinnige jüngere Bruder (Mark Ruffalo) kurz davor, in einen Bus in eine unklare Zukunft zu steigen. Er wiederholt zu seiner Schwester (Laura Linney): „Erinnere dich, was wir zu sagen haben.“ Die Charaktere sagen nie, was das ist, aber das Publikum weiß instinktiv, dass es der Titel des Films ist: Du kannst auf mich zählen. Es ist ein reiner Kenneth Lonergan-Moment, in dem das Publikum die Lücken seiner beschädigten Charaktere so ausfüllt, dass unser Verständnis von ihnen sowohl tiefer als auch emotionaler ist. Im ersten Spielfilm des gefeierten Dramatikers war die Bindung des Bruders und der Schwester eindeutig von den tragischen Ereignissen ihrer Kindheit geprägt, aber es ist eine Vergangenheit, von der wir ein vollständiges Bild erhalten, ohne sie jemals gesehen zu haben. Stattdessen legt der Autor alles durch Implikationen dar und vertraut seinen Darstellern — wie auch dem Publikum —, den Sprung zu wagen. -Chris O’Falt

„Moonlight“ (2016)

Weil „Moonlight“ so einnehmend ist, werden die unkonventionellen und nicht-amerikanischen Qualitäten des Erzählens in diesem Oscar-prämierten Drehbuch oft ignoriert. In einem Film, der Jahrzehnte des Lebens seines Protagonisten umfasst, Die Drehbuchautoren Barry Jenkins und Tarell Alvin McCraney tauchen tief in drei kurze Momente ein und bitten das Publikum, Verbindungen herzustellen, die große Wahrheiten über den Mann enthüllen, zu dem Chiron wird. Vom Verschwinden von Juan (Mahershala Ali) im zweiten Kapitel – das uns desorientiert zurücklässt und die Geschichte zusammensetzen muss, was passiert ist, nicht anders als ein verlassenes Kind – bis zu den herzzerreißenden letzten 20 Minuten des Films zahlen sich die mutigen und riskanten Entscheidungen des „Moonlight“ -Drehbuchs auf eine Weise aus, die dieses Meisterwerk nur mit der Zeit und wiederholten Betrachtungen verbessert. —CO

„Lost in Translation“ (2003)

Wenn „The Virgin Suicides“ Coppola als großes neues Talent salbte, bewies „Lost in Translation“, dass sie gerade erst anfing. Das Faszinierende, Die Notlage des alternden Filmstars Bob Harris und der jungen Frau, mit der er sich in einem palastartigen Hotel in Tokio anfreundet, hat viele Dinge auf einmal erreicht: Es hat Bill Murrays Karriere im Alleingang neu gemacht und Scarlett Johansson auf die Karte gesetzt; Es stellte die verwestlichte Vision von Luxus in Tokio auf den Kopf; es griff die Werbebranche an; es ließ Karaoke cool erscheinen. Beide Schauspieler waren bereit für Coppolas verspielte, mysteriöse romantische Komödie, eine kafkaeske Geschichte von zwei Menschen aus verschiedenen Lebensbereichen, die in der traurigen, einsamen Welt um sie herum Gemeinsamkeiten finden. Murrays Gesicht erzählt die halbe Geschichte, wobei jede Falte und jede Augenbraue Bände über seine verinnerlichten Frustrationen spricht. Aber Johanssons Charakter, eine junge Frau, die es satt hat, ihrem egozentrischen Ehemann die Trophäenfrau zu spielen, wurde lange Zeit als Avatar für Coppolas eigene Erfahrungen in ihrer Ehe mit Spike Jonze interpretiert.

Coppola verweigert diesen Charakteren nicht die Möglichkeit, ihren Weg zu einem Happy End zu finden; Aber in einem Meisterstück, das zu einer Ikone geworden ist, verweigert sie dem Publikum die Fähigkeit, die Abschiedsworte des Möchtegern-Paares zu hören. Das ist Coppolas Brillanz auf den Punkt gebracht – die Grenzen der Sprache können niemals die grenzenlosen Möglichkeiten emotionalen Engagements vermitteln. Wir werden ewig über Bob und Charlottes letzten Austausch rätseln, aber seine bewegenden Auswirkungen sind unbestreitbar. —EK

„Der Herr der Ringe“ -Trilogie (2001-2003)

Philippa Boyens, Peter Jackson und Fran Walshs Drehbücher für „Der Herr der Ringe“ haben 450.000 Wörter zu einer fließenden Filmtrilogie destilliert, die alle von J.R.R. Tolkien inspirierten Romane in eine lächerlich dichte Mythologie in ein episches Abenteuer reich an Herz und Menschlichkeit. Da Jacksons Team genau weiß, was es weglassen soll (siehe ya, Tom Bombadil) und was es hinzufügen soll (Arwens Entwicklung zu einem Champion-Fahrer ist eine schöne Note, die dazu beiträgt, ihre Liebesgeschichte in Schwung zu bringen), hat es die Essenz dieser Charaktere auf den Punkt gebracht, während es den Zuschauern immer noch Raum lässt, die Pracht von Mittelerde um sie herum zu genießen. Dass die Extended Edition von „The Two Towers“ noch reicher ist (und sich kürzer anfühlt) als der Kinoschnitt, ist eine Hommage an Tolkiens Vision — dass der Film auch ohne die Faramir-Bits so schön funktioniert, ist ein unbestreitbarer Beweis für die grundlegende Integrität dieser Drehbücher, die niemals betrügen oder unverdiente emotionale Abkürzungen nehmen. Wir werden vielleicht nie wissen, warum die Eagles nicht einfach den Einen Ring zum Mount Doom geflogen sind, aber wenn man so gut schreibt, ist es schwer, sich zu beschweren. -DE

„Sideways“ (2004)

Traurige Männer mögen der erste Schwerpunkt von Alexander Payne und Jim Taylors Oscar-prämiertem Drehbuch sein (adaptiert von Rex Picketts gleichnamigem Roman), aber die Schreiber öffnen sich mit Bedacht, wenn es Zeit ist, neue weibliche Charaktere wie Maya und Stephanie vorzustellen – obwohl das nicht heißen soll, dass Miles und Jack geschrieben; sie sind beide so scharf geschrieben, dass es fast weh tut, sie auf schrecklichere Weise zu sehen — aber das Drehbuch hat die Großzügigkeit und Weisheit, sich nur weiter nach außen auszudehnen, wenn mehr Menschen vorgestellt werden. Und es sind die Leute, die „Seitwärts“ so einfach machen, besonders wenn es schwer wird zu schlucken. Eine Charakterstudie hauptsächlich von Miles, „Sideways“ wird genauso von den anderen Menschen gezwungen, die in und aus seinem Leben filtern, Zeichnen seiner guten Sachen und sehr, sehr schlechte Sachen in scharfe Erleichterung, wenn jede Seite vorbeiblättert. Es ist ein Drehbuch, das von klassischen Zeilen (hauptsächlich über Wein, definitiv über „verdammten Merlot“) und leidenschaftlichen Reden (die sich sowohl gut als auch zuordenbar anfühlen), wilden Versatzstücken und dem Gefühl unterbrochen wird, dass Taylor und Payne immer wissen, wann sie aufhören sollen (auch wenn Sie wollen, dass sie weiter gehen). Es liest sich wie ein eigener Roman, sowohl eine Tragödie als auch eine Komödie, mit allem, was auf der Seite steht und verschüttet wird. -Kate Erbland

„Spotlight“ (2015)

Selbst wenn es sich um echte Nachrichten handelt, funktionieren Filme über Journalismus nicht immer: niemand weiß das besser als „Spotlight“ -Schreiber Josh Singer, der das enttäuschende Wikileaks-Drama „The Fifth Estate“ schrieb, bevor er sich mit Regisseur Tom McCarthy zusammenschloss, um zu schreiben, was später ein Gewinner des besten Bildes werden würde. Das Drehbuch für die wahre Geschichte hinter der herzzerreißenden — und weltverändernden – Untersuchung des Boston Globe über Sexualverbrechen katholischer Priester zusammenzustellen, war selbst ein Akt des Journalismus, unterbrochen von stundenlangen Interviews, Tonnen von Reisen, und ein Hin und Her zwischen den Beiden, um eine atemberaubende Geschichte auf den Punkt zu bringen. Vielleicht tickt es deshalb so gut, schneidet keine Ecken ab, wenn es um das Wesentliche der realen Berichterstattung geht, und findet gleichzeitig Zeit, seine Charaktere zu entwickeln und eine Geschichte zu erzählen. Es trifft die richtigen Beats, aber es tut dies auf unterschiedliche Weise, verwurzelt im Realismus, und auf Schritt und Tritt für die Wahrheit kämpfen. —KE

„Das Grand Budapest Hotel“ (2014)

Moviestore/ REX/

In einem palastartigen rosa Resort in einem erfundenen Land studiert ein Junge, benannt nach einer Reihe von Freunden eines Mordverdächtigen und möglichen Gigolos. So dachte Wes Anderson, als er das geniale Drehbuch für seinen achten Spielfilm schrieb, der ihm die Hälfte seiner sechs Oscar-Nominierungen einbrachte (einschließlich eines Nickens für das beste Originaldrehbuch, das er mit Hugo Guinness teilte) sowie seine bisher besten Kassenzahlen. Beeinflusst von den Geschichten des österreichischen Schriftstellers Stefan Zweig wird die Fabel „The Grand Budapest Hotel“ nicht von einem Angestellten erzählt, sondern von einem Autor, der dem Resort erst Jahrzehnte nach dem Verlust seiner Pracht begegnete. Zum größten Teil in den 30er Jahren, aber manchmal in den 60er Jahren und darüber hinaus, profitierte Andersons Film von 2014 erneut von prismatischem Produktionsdesign und guileful Casting (einschließlich einer unbekannten Hauptrolle, Tony Revolori, und Tilda Swinton als geriatrischer einmaliger Besitzer des Hotels). Das düstere Ende macht die 100 Minuten in der Zubrowka Sierra nur noch extravaganter. —Jenna Marotta

„Toy Story 3“ (2010)

Nachdem Michael Arndt einen Oscar für sein erstes produziertes Drehbuch „Little Miss Sunshine“ gewonnen hatte, trat er dem Pixar-Team bei und wurde beauftragt, das Drehbuch für das Franchise „Toy Story 3″ zu schreiben.“ Er begann mit dem starken Skelett einer 20-seitigen Andrew Stanton-Behandlung, den Ergebnissen eines zweitägigen Retreats mit dem Pixar Brain Trust unter der Leitung der ursprünglichen „Toy Story“ —Schöpfer John Lasseter, Lee Unkrich und Pete Docter. Arndt musste sich einige einfallen lassen 25 starke Sequenzen, die die Animatoren zum Leben erwecken sollten, als er die komplizierte Handlung weiter verfeinerte, das nimmt auf 10 Jahre später, als Andy aufs College geht. Seine ängstlichen Spielzeuge stehen vor dem Ende ihres natürlichen Lebens. Kümmert sich Andy um sie alle außer Woody? Also spenden sie sich an die Sunny Side Kindertagesstätte, die an der Oberfläche wohlwollend erscheint, sich aber als Gefängnis entpuppt. Dann wechselt der Film in den Gefängnisfluchtmodus, mit Hommagen an „The Great Escape“ und „Cool Hand“.“

Das Drehbuch führt Andy zu einem Ort, an dem er die Spielsachen an ein verdientes kleines Mädchen verschenken kann. Aber es dauerte drei Jahre und mehrere Versionen des Films, um die Ziellinie zu erreichen, und es war die Mühe wert. -Anne Thompson

„A Serious Man“ (2009)

Sie wissen, dass Joel und Ethan Coen gleich persönlich werden, wenn sie ein Drehbuch mit einem jiddischen Prolog über einen Mord in einem Schtetl in Osteuropa des 19. Der Prolog zu „A Serious Man“ präsentiert einen pessimistischen Ausblick auf ein verfluchtes Leben, und diese düstere Perspektive blutet in die Geschichte der Coen-Brüder von Larry Gopnick, einem jüdischen Physikprofessor, dessen Leben eine lange Reihe unglücklicher Ereignisse ist. Das Drehbuch von Coen ist eine Meisterklasse in dunkler Komödie, wobei Larrys Notlage zu einer deprimierenden, aber oft humorvollen Ode an die Welt wird, die nicht zu unseren Gunsten funktioniert. —ZS

„Lady Bird“ (2017)

A24

„Frances Ha“ war das erste, was Greta Gerwig (mit Partner Noah Baumbach) mitgeschrieben hatte, was sich wie ein Schritt in Richtung Filmemachen und Schreiben anfühlte, das sie machen wollte. Bis 2013 hatte Gerwig alle ihre „Lady Bird“ -Ideen in einen 350-seitigen ersten Entwurf geworfen. Dann verbrachte sie Jahre damit, es langsam und bewusst zu schnitzen, laut vorzulesen und die Rhythmen zu verfeinern. Als das Drehbuch fertig war, musste sich Gerwig entscheiden, ob sie den Film verschenken oder selbst Regie führen wollte. Ihr fiktiver, aber semi-autobiografischer Film stand kurz vor dem endgültigen Drehbuch. Die irische Oscar-Nominierte Saoirse Ronan lief mit der Rolle von Christine „Lady Bird“ Macpherson (eine Version des katholischen Highschoolers Gerwig) als schäbiger und gefräßiger Kulturgeier, der bestrebt war, ihren Sacramento-Grenzen für ein östliches College zu entkommen. Laurie Metcalf nagelt sie wütend, frustriert, Penny-Kneifen, und liebevolle Mutter, die nicht anders kann, als zu alten Argumenten zurückzukehren. Tracy Letts ist Lady Birds verehrender Vater, und Lucas Hedges und Timothee Chalamet sind ihre herausfordernden romantischen Verstrickungen. „Lady Bird“ markiert einen ausgewachsenen Triumph nicht nur als hervorragendes, genau ausgearbeitetes Drehbuch, sondern auch als vollständig realisiertes Stück Kino. Offensichtlich hatte sich Gerwig darauf vorbereitet, ihr ganzes Leben lang die Regie zu übernehmen. —BEI

„Memento“ (2000)

Es ist ein großartiger Beweis für die Talente von Christopher und Jonathan Nolan, dass „Memento“ nur ein Jahr nach David Finchers „Fight Club“ einen solchen Einfluss erzielen konnte.“ Aber während beide Filme den Zuschauern dank unzuverlässiger Erzähler den Teppich ausziehen, haben die wippenden Zeitlinien des Oscar-nominierten Drehbuchs das Publikum immer wieder dazu gebracht, das verlockende Puzzle des Films zusammenzusetzen. Basierend auf einer Kurzgeschichte von Jonathan Nolan, „Memento“ folgt Leonard, Ein Mann, der so von Schuldgefühlen belastet ist, dass es seinen Verstand zerbricht, und schickt ihn auf die Suche nach Rache an dem unbekannten Angreifer, der in sein Haus eingebrochen ist und seine Frau ermordet hat. Leonard leidet an anterograder Amnesie als Folge des Angriffs, und seine Unfähigkeit, neue Erinnerungen zu schaffen, hat seinen Körper in eine Leinwand der Paranoia verwandelt, mit Tätowierungen, die sich auf seine Aufgabe beziehen und auf jeden verfügbaren Zentimeter Haut eingefärbt sind. Aber in „Memento“ geht es nicht wirklich darum, ob Leonard John G ist und ob er seine Frau bei einer Explosion der Gewalt oder einer Insulinüberdosis getötet hat. Stattdessen geht es darum, wie weit wir gehen können, um Trauer zu vermeiden, und wie gefährlich verletzlich wir dadurch werden. Es ist dieses tiefere Gleichnis, tief in das größere strukturelle Geheimnis geschnürt, das hilft, „Memento“ so kühl und unvergesslich zu machen. -JR

„Zodiac“ (2007)

Paramount

David Fincher war kein Unbekannter im Krimigenre und hatte sowohl „Se7en“ als auch „Fight Club“ bereits unter seinem Gürtel, als er 2007 „Zodiac“ drehte. Adaptiert aus Robert Graysmiths Buch über den Serienmörder, der San Francisco in den späten 60er und 70er Jahren terrorisierte, gibt es einen guten Grund, warum „Zodiac“ oft als Finchers Meisterwerk und einer der besten Filme des Genres gefeiert wird. Finchers obsessive Liebe zum Detail und das Festhalten des Drehbuchs am Ausgangsmaterial verleihen dem Film einen fast alarmierenden Sinn für Realismus und fangen die angespannte Atmosphäre einer Stadt am Rande ein. Jeder Mord wird auf der Grundlage der Aussagen der realen Überlebenden zum Leben erweckt, und die Ergebnisse sind erschreckend. Das Blut und die Gewalt fühlen sich nie sensationell oder verherrlicht an, sondern vermitteln, wie wirklich schrecklich jeder Angriff war. Aber jenseits der Verbrechen selbst, Finchers seine Liebe zu seiner Heimatstadt ist im gesamten Film offensichtlich, und zeigt, wie sich die Stadt um eine so dunkle Zeit in ihrer Geschichte entwickelt hat. Auch heute noch ist „Zodiac“ ein CGI-Wunder, und vollgepackt mit außergewöhnlichen Auftritten von Mark Ruffalo, Robert Downey Jr. und Jake Gyllenhaal bleibt es ein Wunder, dass der Film von den Oscars brüskiert wurde. Trotzdem hat „Zodiac“ weitergelebt, Lob von Cinephilen wie Guillermo del Toro erhalten und sogar Indiewires Liste der besten Kriminalfilme des 21. -JR

„Manchester by the Sea“ (2016)

Was bei der Diskussion von „Manchester by the Sea“, einem der besten Filme des Jahres 2016 (und sicherlich der schmerzhafteste), oft übersehen wird, ist, wie verdammt lustig es ist. Kenneth Lonergans Drehbuch balanciert fast jede herzzerreißende Szene mit einem Moment der Leichtigkeit, die meisten von ihnen mit freundlicher Genehmigung von Lucas Hedges (zwei Worte: „Basement Business“); Dies erweist sich als entscheidend, da der Film sonst für die meisten Menschen einfach zu traurig gewesen wäre. Jede Träne wird hier verdient, sei es durch Lachen oder (häufiger) Trauer, wobei Lonergan immer wieder zeigt, dass „You Can Count on Me“ und „Margaret“ alles andere als Zufall waren. Er wird stark von seiner Besetzung unterstützt, vor allem Casey Affleck und Michelle Williams, die in einer verheerenden Szene seine Worte auf eine Weise zum Leben erwecken, die sowohl schwer zu ertragen als auch unmöglich abzuwenden ist. Diese Beschreibung gilt für „Manchester“ als Ganzes. -Michael Nordine

„Das soziale Netzwerk“ (2010)

Facebook ist nicht cool. Weißt du, was cool ist? Ein Film über Facebook. „The Social Network“ gilt heute als einer der besten Filme der Aughts und wurde aufgrund seines Themas von vielen nicht gesehen. Und warum nicht? Die Social-Media-Site war erst einige Jahre zuvor wirklich bekannt geworden, und es war schwer vorstellbar, dass David Finchers Nachfolger von „The Curious Case of Benjamin Button“ so überwältigende Anerkennung fand. Aber im Film kam alles fast perfekt zusammen, was zum großen Teil Aaron Sorkins Oscar-prämiertem Drehbuch zu verdanken ist. Facebook findet den redseligen Schreiber von seiner besten Seite, mit all den verbalen Abschaltungen („Wenn ihr die Erfinder von Facebook wärt, hättet ihr Facebook erfunden“) und Schnellfeuer-Back-and-Forths, die wir von ihm erwarten (und, öfter als Note, Liebe). Sorkins Darstellung von Mark Zuckerberg war kaum schmeichelhaft, aber die jüngsten Schlagzeilen deuten darauf hin, dass es zu sympathisch gewesen sein könnte. —MN

„Get Out“ (2017)

Während der Preisverleihung für „Get Out“ sprach Jordan Peele viel darüber, wie die Wahrheit die wesentliche Zutat war, die es seinem Film ermöglichte, seine komplexe Perspektive auf die Rasse einem Massenpublikum zu vermitteln. Und während Peele unbestreitbare Realitäten und eine Sensibilität auf den Bildschirm brachte, die der Mainstream-Unterhaltung schmerzlich fehlte, Er ging eine narrative Gratwanderung, die so viel Handwerk wie Einsicht erforderte. Mit einer Fehlerquote von Null konstruierte der Autor und Regisseur ein Drehbuch, in dem das Verständnis des Publikums für das, was Chris (Daniel Kaluuya) denkt und fühlt, immer klar ist. Hitchcock-wie in seiner Ausführung und dem Ausspielen von Genre- und Publikumserwartungen (insbesondere darüber, wie Rassendynamiken traditionell auf der Leinwand dargestellt werden), sind die Drehungen und Wendungen von „Get Out“ nicht nur keuchend; Jeder enthüllt eine neue Schicht seiner Erforschung systematischer rassistischer Glaubenssysteme. Genre Filmemachen dies unterhaltsam und ja, wahrheitsgemäß, kann nur dann voll gewürdigt werden, wenn Sie die Bausteine aufschlüsseln, wie Peele es zusammengesetzt hat. – CO

„Adaptation“ (2002)

Es ist immer wunderbar, einen Spaziergang durch Charlie Kaufmans Gedanken zu machen, und seine schwindelerregende Untersuchung der Schreibblockade in „Adaptation“ ist eines seiner besten Werke. Nehmen Sie eine fiktive Version von sich selbst für eine Spritztour, „Adaptation“ folgt einem „Charlie Kaufman“, als er darum kämpft, eine Verfilmung von Susan Oranans „The Orchid Thief“ zu schreiben.“ Währenddessen beginnt sein schlaffer Zwilling Donald, seine eigenen Träume vom Drehbuchstar zu fördern, und die Filme zersplittern in eine metafiktionale Darstellung von Kunst, Lust und kreativem Kampf. Während eine mutige Besetzung – angeführt von Nicolas Cage, Meryl Streep und Chris Cooper — und Spike Jonzes erfinderische Regie einen zeitlosen Film machten, war das kreative Rückgrat alles Kaufman. — WIR

„Eternal Sunshine of the Spotless Mind“ (2004)

Fokus—Funktionen

Sans fantastische Prämisse und Anblick Gags – Zap Erinnerungen aus dem Gehirn, sobald sie unangenehm werden! Tauchen Sie Jim Carrey und Kate Winslet in eine übergroße Küchenspüle! – Charlie Kaufmans Drehbuch würde ein Meisterwerk bleiben, das seinen Oscar verdient hätte. Eine „Annie Hall“ für das Post-Privacy-Zeitalter mit freundlicher Genehmigung von Genre-Chamäleon Michel Gondry, „Eternal Sunshine of the Spotless Mind“ refashions weltliche Momente als romantische Ouvertüren. Der selbstbewusste Joel und Clementine umwerben sich zweimal über gefummelte Zuggrüße, geklaut Hähnchenkeulen, und Sterngucker Hokum. Wenn sie sich trennen, wird jede Erinnerung an den anderen gelöscht, ein ernst klingendes Verfahren, das von herumtreibenden Technikern (Kirsten Dunst, Mark Ruffalo und Elijah Wood) durchgeführt wird. In der Mitte, Joel will abbrechen, kann es aber nicht, Clementine spielt also eine Reiseleiterin durch die noch unberührten Korridore seines Geistes, Lernen Sie alle seine Geheimnisse, als sie ihn durch ein imaginäres „Auf Wiedersehen“ berät.“ Carrey war noch nie so geerdet oder aufrichtig, und Winslets Elan ist genug, um unzählige Wanderungen nach Montauk zu inspirieren. —JM