Tragikomödie

Klassischer Präzedenzfallbearbeiten

Tragische komische Masken des antiken griechischen Theaters, dargestellt im Mosaik der Hadriansvilla.

Es gibt keine prägnante formale Definition der Tragikomödie aus dem klassischen Zeitalter. Es scheint, dass der griechische Philosoph Aristoteles so etwas wie die Renaissance-Bedeutung des Begriffs (dh eine ernsthafte Handlung mit einem Happy End) im Sinn hatte, wenn er in der Poetik die Tragödie mit einem doppelten Ende diskutiert. In dieser Hinsicht kann eine Reihe von griechischen und römischen Stücken, zum Beispiel Alkestis, Tragikomödien genannt werden, wenn auch ohne bestimmte Attribute außerhalb der Handlung. Das Wort selbst stammt vom römischen Comic-Dramatiker Plautus, der den Begriff im Prolog zu seinem Stück etwas scherzhaft geprägt hat Amphitryon. Der Charakter Merkur, der die Unanständigkeit der Einbeziehung von Königen und Göttern neben Dienern in eine Komödie spürt, erklärt, dass das Stück besser eine „Tragikomödie“ sein sollte:

Ich werde es zu einer Mischung machen: Lass es eine Tragikomödie sein. Ich denke nicht, dass es angemessen wäre, es konsequent zu einer Komödie zu machen, wenn Könige und Götter darin sind. Was meinst du? Da in dem Stück auch ein Sklave mitspielt, mache ich daraus eine Tragikomödie…-Plautus, Amphitryon

Renaissance revivalsEdit

ItalyEdit

Plautus ‚Kommentar hatte einen wohl übermäßigen Einfluss auf die ästhetische Theorie der Renaissance, die Aristoteles ‚Kommentare zum Drama weitgehend in eine starre Theorie verwandelt hatte. Für „Regelmacher“ (der Begriff ist Giordano Brunos) waren „gemischte“ Werke wie die oben genannten, neuere „Romanzen“ wie Orlando Furioso und sogar die Odyssee bestenfalls Rätsel; schlimmstenfalls Fehler. Zwei Figuren trugen dazu bei, die Tragikomödie zum Status eines regulären Genres zu erheben, womit eines mit eigenen starren Regeln gemeint ist. Giovanni Battista Giraldi Cinthio, in der Mitte des sechzehnten Jahrhunderts, beide argumentierten, dass die Tragödie-mit-Comic-Ende (tragedia de lieto fin) war am besten geeignet für die Neuzeit und produzierte seine eigenen Beispiele für solche Stücke. Noch wichtiger war Giovanni Battista Guarini. Guarinis Il Pastor Fido, veröffentlicht 1590, provozierte eine heftige kritische Debatte, in der Guarinis temperamentvolle Verteidigung der generischen Innovation schließlich den Tag trug. Guarinis Tragikomödie bot modulierte Action, die nie zu weit zur Komödie oder Tragödie trieb, erzogene Charaktere, und eine pastorale Umgebung. Alle drei wurden für ein Jahrhundert und mehr zu Grundnahrungsmitteln der kontinentalen Tragikomödie.

EnglandEdit

In England, wo die Praxis der Theorie vorausging, war die Situation ganz anders. Im sechzehnten Jahrhundert, „Tragikomödie“ bedeutete die einheimische Art von romantischem Spiel, das die Einheit von Zeit verletzte, Platz, und Handlung, das mischte leicht hoch- und niedriggeborene Charaktere, und das präsentierte fantastische Aktionen. Dies waren die Merkmale, die Philip Sidney in seiner Beschwerde gegen die „Mungrell Tragy-Comedie“ der 1580er Jahre bedauerte und von denen Shakespeares Polonius ein berühmtes Zeugnis ablegt: „Die besten Schauspieler der Welt, entweder für Tragödie, Komödie, Geschichte, Pastoral, Pastoral-komisch, historisch-pastoral, tragisch-historisch, tragisch-komisch-historisch-pastoral, Szene untrennbar oder Gedicht unbegrenzt: Seneca kann nicht zu schwer sein, noch Plautus zu leicht. Für das Gesetz der Schrift und die Freiheit sind dies die einzigen Menschen.“ Einige Aspekte dieses romantischen Impulses bleiben auch in den Werken anspruchsvollerer Dramatiker erhalten: Shakespeares letzte Stücke, die man Tragikomödien nennen kann, wurden oft Romanzen genannt.

In der frühen Stuart-Zeit hatten einige englische Dramatiker die Lehren aus der Guarini-Kontroverse aufgenommen. John Fletchers The Faithful Shepherdess, eine Adaption von Guarinis Stück, wurde 1608 produziert. In der gedruckten Ausgabe, Fletcher bot eine interessante Definition des Begriffs an, Es lohnt sich, ausführlich zu zitieren: „Eine Tragikomödie heißt nicht so in Bezug auf Heiterkeit und Töten, sondern in Bezug auf den Tod, was ausreicht, um keine Tragödie daraus zu machen, aber dennoch etwas Neere bringt, was ausreicht, um keine Komödie daraus zu machen.“ Fletchers Definition konzentriert sich in erster Linie auf Ereignisse: Das Genre eines Stücks wird davon bestimmt, ob Menschen darin sterben oder nicht, und sekundär davon, wie nahe die Handlung dem Tod kommt. Aber, wie Eugene Waith zeigte, hatte die Tragikomödie, die Fletcher im nächsten Jahrzehnt entwickelte, auch vereinheitlichende stilistische Merkmale: plötzliche und unerwartete Enthüllungen, Outré-Plots, entfernte Schauplätze und ein beharrlicher Fokus auf ausgefeilte, künstliche Rhetorik.Einige Zeitgenossen von Fletcher, namentlich Philip Massinger (Philip Massinger) und James Shirley (James Shirley), schrieben populäre Tragikomödien. Richard Brome analysierte auch die Form, aber mit weniger Erfolg. Und viele ihrer zeitgenössischen Schriftsteller, von John Ford über Lodowick Carlell bis Sir Aston Cockayne, unternahmen Versuche in diesem Genre.

Die Tragikomödie blieb bis zur Schließung der Theater im Jahr 1642 ziemlich beliebt, und Fletchers Werke waren auch bei der Restaurierung beliebt. Die alten Stile wurden beiseite geworfen, als sich der Geschmack im achtzehnten Jahrhundert änderte; Die „Tragödie mit Happy End“ entwickelte sich schließlich zum Melodram, in welcher Form es immer noch blüht.Landgartha (1640) von Henry Burnell, das erste Stück eines irischen Dramatikers, das in einem irischen Theater aufgeführt wurde, wurde von seinem Autor ausdrücklich als Tragikomödie beschrieben. Die kritische Reaktion auf das Stück war allgemein feindselig, teilweise scheint es, weil das Ende weder glücklich noch unglücklich war. Burnell griff in seiner Einführung in die gedruckte Ausgabe des Stücks seine Kritiker wegen ihrer Ignoranz an und wies darauf hin, dass viele Stücke, wie sie genau wissen sollten, weder Tragödie noch Komödie sind, sondern „etwas dazwischen“.

Spätere EntwicklungenBearbeiten

Kritik, die sich nach der Renaissance entwickelte, betonte eher die thematischen und formalen Aspekte der Tragikomödie als die Handlung. Gotthold Ephraim Lessing definierte es als eine Mischung von Emotionen, in der „Ernsthaftigkeit das Lachen und Schmerzvergnügen anregt. Die Affinität der Tragikomödie zur Satire und zur „dunklen“ Komödie haben einen tragikomischen Impuls im modernen Theater mit Luigi Pirandello nahe gelegt, der viele Dramatiker wie Samuel Beckett und Tom Stoppard beeinflusste. Es kann auch in absurden Dramen gesehen werden. Friedrich Dürrenmatt, der Schweizer Dramatiker, schlug vor, dass Tragikomödie das unvermeidliche Genre für das zwanzigste Jahrhundert sei; er beschreibt sein Stück Der Besuch (1956) als Tragikomödie. Tragikomödie ist ein verbreitetes Genre im britischen Theater nach dem Zweiten Weltkrieg, mit so unterschiedlichen Autoren wie Samuel Beckett, Tom Stoppard, John Arden, Alan Ayckbourn und Harold Pinter, die in diesem Genre schreiben. Vladimir Nabokovs postmoderne Fiktion Pale Fire ist eine Tragikomödie, die sich mit elisabethanischem Drama beschäftigt

Postmoderne Tragikomödie in den Vereinigten StaatenBearbeiten

Amerikanische Schriftsteller der metamodernistischen und postmodernen Bewegungen haben Tragikomödie und / oder Galgenhumor verwendet. Ein bemerkenswertes Beispiel für eine metamodernistische Tragikomödie ist David Foster Wallace’s 1996 Magnum Opus, Unendlicher Scherz. Wallace schreibt über komödiantische Elemente des Lebens in einem halben Haus (d. H. „Manche Menschen sehen wirklich aus wie Nagetiere), einem Ort voller menschlicher Tragödien und Leiden.