Was macht einen Independent-Film „Independent“?

„Es ist eine Zeit der Rebellion…“

Hier an der Filmschule sprechen und lehren wir viel über „Independent Film“.Aber als ich meine Gedanken und Recherchen in Vorbereitung auf einen Beitrag über unabhängige Filmfinanzierung sammelte, wurde mir klar, dass „independent“ ein wahnsinnig schwer fassbarer Begriff ist – er wird von verschiedenen Leuten verwendet, um verschiedene Dinge zu bezeichnen; Eine Google-Suche liefert Dutzende von respektablen Ergebnissen, die eine Vielzahl von Definitionen bieten.

Es ist an der Zeit, dachte ich, diese Definitionen für unsere Studenten und Leser zu synthetisieren, wenn auch nur, damit wir die Bedeutung von „Independent Film“ an einem statt an einhundertein Orten diskutieren können.

Your rebellious low Budget Short ist eine unabhängige oder „Indie“ -Produktion. Mit einem Budget von rund 20 Millionen US-Dollar gewann Steve McQueens 12 Years a Slave die Independent Spirit Awards und gewann 2014 den Oscar für den besten Film. Wie können beide Anspruch auf die Indie-Krone erheben?

Was ist eigentlich ein Independent-Film?

Am Anfang gab es ein Vertrauen

Gehen wir zurück zum die Industrie in Amerika.Im Jahr 1908 gründete die Motion Picture Patents Company (MPPC) einen Trust, der die großen amerikanischen Filmunternehmen, den führenden Filmvertrieb und Eastman Kodak, den damaligen Hauptlieferanten von Rohfilmmaterial, umfasste. Auf diese Weise zentralisierte und standardisierte das MPPC Filmproduktion, -vertrieb und -ausstellung und verbot den Wettbewerb. Nichtmitglieder wurden als „Unabhängige“ gebrandmarkt und aus dem Reich verbannt.Ein großes Kontingent dieser Ausgestoßenen packte ihre Koffer und ging nach Westen, um sich von der Gerichtsbarkeit der MPPC zu befreien. Schließlich fanden sie ihren Weg in das Dorf Hollywood, Kalifornien.

Die Frontier passte gut zu diesen Unabhängigen: Das Ninth Circuit Court of Appeals in San Francisco war der Durchsetzung von Patentansprüchen abgeneigt und ermöglichte es ihnen, ihre eigene Ausrüstung zu bauen und ihre eigenen Filme zu produzieren.

Bis 1913 waren die Independents mit Dutzenden von Spielfilmen ihren Namen voraus, während die MPPC an einem antiquierten kürzeren Format festhielt. Die Patentgebühren des Trusts endeten im September 1913, der Ausbruch des Ersten Weltkriegs erstickte sein europäisches Geschäft, und am 1. Oktober 1915 entschied das Bundesgericht, dass das MPCC „weit über das hinausgegangen war, was notwendig war, um die Verwendung von Patenten zu schützen“, und erklärte es zu einer illegalen Handelsbeschränkung.

Drei Jahre später wurde das MPPC offiziell beendet.

Der Aufstieg des Studiosystems & Hollywoods Goldenes Zeitalter

Während die MPPC ins Wanken geriet, waren die Unabhängigen in Hollywood damit beschäftigt, ein neues System der Filmproduktion, des Vertriebs und der Ausstellung zu etablieren. Produktionsfirmen wuchsen zu vertikal integrierten Konglomeraten heran, die Studios besaßen, Vertriebsabteilungen, Theater, und Personalverträge, Das „Studiosystem“ ins Leben rufen.

20th Century Fox, Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, RKO Pictures und Warner Bros. führten die Branche an. Unter diesen „Big Five“ Majors waren „The Little Three“ Majors: Columbia Pictures, United Artists und Universal Pictures. Alle anderen waren Teil von „Poverty Row“, kleineren Studios, die ums Überleben kämpften und oft ihre Ressourcen in B-Movie-Inhalte pumpten.

Und so kam es, dass das Studiosystem dem Vertrauen ähnelte, das es verdrängt hatte. Kreativteams galten als Studioangestellte, keine freiberuflichen Künstler, und für viele Starstruck-Hoffnungsträger, Die Messlatte für den Eintritt war unerschwinglich hoch.Obwohl das System streng reglementiert war, erleichterte es die Produktion von Inhalten mit einer solchen Regelmäßigkeit, dass Studios auf Features mit mittlerem Budget und unbekannte Schauspieler setzen konnten, was zu Klassikern wie Citizen Kane (1941) führte.Dieses goldene Zeitalter Hollywoods, das sich von den späten 1920er bis in die frühen 1960er Jahre erstreckte, brachte uns The Wizard of Oz (1939), Vom Winde verweht (1939), Stagecoach (1939), Casablanca (1942), North by Northwest (1959) und viele andere. Ungeachtet der Geschäftspraktiken war das Studiosystem eine gut geölte Maschine, die die Arbeit erledigte.

Das Ende einer Ära

Nur vereinte Künstler standen gegen den Strom.

Das von vier Pionieren des Stummfilms gegründete Studio wollte zu Hollywoods unabhängigen Wurzeln zurückkehren. Es fungierte in erster Linie als Finanzier und Vertreiber von Projekten, die außerhalb des integrierten Systems der anderen Majors produziert wurden.

UA kämpfte, aber 1941 unterstützten viele seiner Gründungsmitglieder – zusammen mit Walt Disney, Orson Welles und anderen – die Gründung der Society of Independent Motion Picture Producers, einer Gruppe, die sich der Bekämpfung von Hollywoods oligopolistischen Praktiken verschrieben hatte.Im Jahr 1942 reichte die SIMPP eine Kartellklage ein, und im Jahr 1948 Wahrzeichen United States vs. Paramount Pictures Fall, Der Oberste Gerichtshof befahl den Majors, sich von ihren Theaterketten zu trennen, Das Geschäftsmodell der Studios effektiv erschüttern. Das SIMPP wurde 1958 geschlossen, nachdem die meisten seiner Ziele verwirklicht worden waren. Hollywoods goldenes Zeitalter ist vorbei.

Man glaubte, dass die Streichung der Studios ihrer Theaterketten Filme erschwinglicher produzieren und ihre Verfügbarkeit erhöhen würde. Stattdessen war 1955 „die Zahl der produzierten Filme um 25 Prozent gesunken. Mehr als 4.200 Theater (oder 23 Prozent der Gesamtzahl) hatten ihre Türen geschlossen. Mehr als die Hälfte der Verbleibenden konnten keinen Gewinn erzielen“. Das Aufkommen des Fernsehens verletzte die Leinwand in Amerika weiter und konkurrierte um die Aufmerksamkeit des Publikums.

Der Aufstieg der Unabhängigen

Aber eine Zeit des Übergangs ist eine Zeit des Potentials und der Gefahr. SIMPPS bahnbrechende Bemühungen, kombiniert mit dem Aufkommen preiswerter tragbarer Kameras während des Zweiten Weltkriegs, legten die Macht in die Hände der Menschen. Der Würgegriff der Studios war nicht mehr; Die Werkzeuge des Handels waren für alle zugänglich, die es wagten, sie zu führen.Außerhalb des Studiosystems ging eine neue Generation von Filmemachern kreative Risiken mit Low-Budget-Features ein und kanalisierte den Geist des französischen Kunstkinos der neuen Welle. 1953 wurde Ray Abrashkins Little Fugitive für einen Oscar für das beste Originaldrehbuch nominiert, der erste „unabhängige Film“, der eine solche Sanktion von der Industrie erhielt.

Einige Unabhängige kümmerten sich jedoch überhaupt nicht um „die Industrie“.

„Dem offiziellen Kino geht die Puste aus“, verkündeten die Gründungsmitglieder des Filmmakers’Collective, einer gemeinnützigen Organisation, die sich für die Erhaltung und Verbreitung experimenteller Filme einsetzt. Sie glaubten, dass die Industrie „moralisch korrupt, ästhetisch veraltet, thematisch oberflächlich, temperamentvoll langweilig“ geworden sei.“ Es überrascht nicht, dass das Kollektiv zu einer wichtigen Ressource für Andy Warhol und die Avantgarde wurde.

„Moralische Korruption“ stand nicht ganz oben auf der Liste der Bedenken anderer Unabhängiger. Sie nutzten ihre Freiheit, um den Jugendmarkt mit Versprechungen von Sex, Drogen und Gewalt zu gewinnen und die Horror- und Science-Fiction-Genres zu erweitern.

Im Jahr 1968 schockierte George Romero das Publikum mit seiner expliziten Night of the Living Dead und löste Kontroversen aus, die sich später im Jahr mit der Einführung des MPAA-Filmbewertungssystems auflösten.

„Die Kinder im Publikum waren fassungslos“, berichtete Roger Ebert in seiner Rezension für die Chicago Sun-Times. „Da war ein kleines Mädchen gegenüber von mir, vielleicht neun Jahre alt, das sehr still auf ihrem Sitz saß und weinte. Variety ging sogar so weit, den Film als „unerfüllte Orgie des Sadismus“ zu bezeichnen.

In der Zwischenzeit, zurück auf der Ranch …

Während die Independents mit knappen Budgets innovierten und den Boden des B-Movie-Fasses kratzten, bemühte sich das Studiosystem, sich vom Paramount-Fall zu erholen und das Publikum von ihren Fernsehern wegzulocken.

Anstatt den inhaltlichen Rahmen zu erweitern, haben die Majors ihre Ressourcen in Filme mit Spektakel gesteckt. Widescreen-Präsentationen, 3D-Präsentationen, Stereo-Sound, sogar „Smell-o-Vision“ – bei dem Gerüche freigesetzt wurden, um zu den Ereignissen auf dem Bildschirm zu passen – verkauften Tickets in den meisten der 1950er Jahre.

Filme wie Die zehn Gebote (1956) und Lawrence von Arabien (1962) blendeten, während andere – darunter die episch teure Cleopatra (1963) – floppten.Eine Reihe solcher Misserfolge inspirierte die zunehmend verzweifelten Studios, sich neuen Talenten zuzuwenden. 1967 engagierte Warner Brothers den neunundzwanzigjährigen Warren Beatty, um Bonnie und Clyde zu produzieren, was die Gewalt über das traditionelle Studioniveau hinaus erhöhte und mehr als 70 Millionen US-Dollar einbrachte.

Infolgedessen öffneten die Studios die Tür für „Die Filmschulgeneration“, junge Schriftsteller, Regisseure und Schauspieler – „Auteure“ – denen sie die Zügel anvertrauten.

Die Geburt eines „neuen Hollywoods“ & Tochterstudios

Von der Presse als „Neues Hollywood“ bezeichnet, drängte diese Ära Hollywood auf neues Territorium und borgte sich von Amerikas Unabhängigen und Europas aufkeimendem Kunstkino. Auf Geheiß ihrer Schöpfer forderten Filme wie The Graduate (1967, finanziert und veröffentlicht von einem kleinen Studio); Easy Rider (1969, finanziert von einem kleinen Studio); und Midnight Cowboy (1969, der erste X-Rated-Film, der von einem großen Studio finanziert und veröffentlicht wurde) Erzählkonventionen und soziale Sitten heraus.Diese amerikanische neue Welle fegte in die 1970er Jahre und brachte uns große Studio-unterstützte Sensationen wie The Godfather (1972), American Graffiti (1973) und Taxi Driver (1976).

In dieser Zeit wurde es besonders schwierig, „unabhängigen Film“ zu definieren.

Große Studios finanzierten und veröffentlichten hüllkurvenschiebende Bilder, früher das Reich der Unabhängigen. In den 1990er und frühen 2000er Jahren – inspiriert vom Erfolg von New Hollywood und seinen spirituellen Nachfolgern, darunter Autoren wie Steven Soderbergh und Quentin Tarantino – gründete das Konglomerat Hollywood Tochterstudios, um eigensinnige, „unabhängige Inhalte“ zu produzieren. So kamen Fox Searchlight Pictures, Paramount Vantage, Sony Pictures Classics und andere auf die Welt.

Mit Majors, die „Independent Content“ unterstützen, kann man nicht anders, als zu fragen: Ist „independent“ unabhängig, wenn es Konglomerat-Bucks dahinter hat? Wird ein Independent-Film durch seinen Unterstützer und sein Budget definiert, oder wird er durch etwas Abstrakteres definiert, sagen wir, durch einen bestimmten „Geist“?

Die Ouroboros des Independent-Films

Um dieser Frage auf den Grund zu gehen, fassen wir die bisherige Geschichte zusammen:

Indie turns mainstream turns indie again, mit einer Aneignung des Indie zurück in den Mainstream. Und so dreht sich das Rad… Um die Geschichte des „Independent-Films“ zu verfolgen, ist ein Ouroboros zu verfolgen; ein Zyklus von Imperium und Rebellion, dessen Stadien schwer zu unterscheiden sind. Wo beginnt das eine und wo endet das andere?

Vielleicht versuchen historische und finanzielle Analysen, das Unteilbare zu teilen. Vielleicht ist „independent“ immateriell, die ewige Wiederkehr des Filmemachens, eine Strömung von Qualität und Charakter, die ein Film entweder hat oder nicht.

Der Autor John August sagt es am besten:

Ich würde argumentieren, dass der Begriff „Independent Film“ reserviert sein sollte, um über den Film selbst zu sprechen, anstatt darüber, wie er finanziert wurde. Es gibt einen Grund, warum das Wort ‚Unabhängigkeit‘ so oft in der Nähe von ‚Revolution‘ auftaucht – ein gemeinsamer Geist der Frustration, Anarchie und Apple-Cart-Upsetting. Aus ihrer Sicht werden Independent-Filme nicht nur außerhalb des Studiosystems gedreht. Sie werden im Gegensatz zum Studiosystem hergestellt, mit seinem unerbittlichen Bedürfnis, die Ecken abzurunden und die Schläge zu mildern. Und indem sie sich gegen den Status Quo stellen, helfen Independent-Filme, ihn zu ändern.

Die Kulturanthropologin Sherry Ortner wirft in ihrem aufschlussreichen Essay „Against Hollywood: American Independent Film as a Critical Cultural Movement“ mehr Licht auf den „Independent Film“. Sie argumentiert, dass sie „als Verkörperung dessen gelesen werden können, was George Marcus und Michael Fischer (1986) „Kulturkritik“ genannt haben:

„Versprechen der Anthropologie war es, als eine Form der Kulturkritik für uns selbst zu dienen. Indem die Anthropologie Porträts anderer kultureller Muster verwendet, um selbstkritisch über unsere eigenen Wege nachzudenken, stört sie den gesunden Menschenverstand und veranlasst uns, unsere für selbstverständlich gehaltenen Annahmen zu überprüfen … Es ist nicht weit hergeholt, diese Idee auf die Welt des unabhängigen Films zu übertragen, die oft viele der gleichen Strategien der Anthropologie und Ethnographie verwendet, um den gesunden Menschenverstand zu stören und uns dazu zu bringen, unsere für selbstverständlich gehaltenen Annahmen zu überprüfen. Insbesondere umfassen viele Independent-Filme eine Art harten Realismus und machen Filme, die die dunklen Realitäten des zeitgenössischen Lebens zeigen und die vom Betrachter verlangen, diese Realitäten viszeral zu erleben und in den Griff zu bekommen.

Unabhängig ist in einem Film, oder es ist nicht. Es ist eher eine definierende Lebenskraft, ein „Geist“, als ein materieller Satz von Ursprungsbedingungen.

Die Unabhängigkeit auf diese Weise zu gestalten, räumt viel Verwirrung auf. Der Geist Ihres rebellischen Low-Budget-Short drückt den Umschlag; so auch der Geist von 12 Years a Slave mit seiner unerschütterlichen 20-Millionen-Dollar-Darstellung der „dunklen Realitäten“ einer bösen Institution.Trotzdem gibt es natürlich eine Korrelation zwischen dem Geist der Unabhängigkeit und ihren Entstehungsbedingungen – da unabhängige Inhalte von Natur aus riskant sind, werden sie oft für weniger Geld gemacht. In der Tat „ist der beste Weg, Unabhängigkeit zu haben, Ihr Budget zu senken“, rät der Direktor von The Lives of Others (2006).

Unabhängigkeit in Hollywood: Budgets & Box Office

Das Hollywood von heute läuft Gefahr, die Branche zu stark zu vereinfachen, und produziert drei Ebenen von Filmen:

1. Blockbuster, die von den aktuellen Majors produziert werden – 20th Century Fox, Columbia Pictures, Paramount Pictures, Universal Pictures, Walt Disney Pictures und Warner Bros. Pictures – mit Budgets in Hunderten von Millionen. Der Kassenerfolg von Jaws (1975) und Star Wars (1977, produziert vom Studio von Regisseur George Lucas) brachte eine neue Blockbuster-Mentalität hervor und erfand die spektakelgetriebenen Bilder der 1950er Jahre neu; hohe Konzeptprämissen, Tie-In-Merchandising und Fortsetzungen treiben diesen Modus Operandi voran. „Etwas, das wie ein Blockbuster aussieht, wird viel eher finanziert und unterstützt“, erklärt Professor Joseph Lampel von der Cass Business School in London. „Jeder kauft in diese Formel ein, und wenn es scheitert, wird niemand beschuldigt.“
2. Unabhängige Inhalte, die von Tochterstudios produziert wurden, selten für mehr als 20 Millionen US-Dollar, insbesondere die Zulassungsfrist für die Independent Spirit Awards 2014.
3. Unabhängige Inhalte, die von kleinen Studios und freiberuflichen Produzenten produziert werden, selten für mehr als 10 Millionen US-Dollar, die auf Festivals und anderswo gekauft werden.

Um uns ein Gefühl dafür zu geben, was Budgets von 20 Millionen US-Dollar und weniger erreichen können, lassen Sie uns die zehn jüngsten Gewinner der besten Spielfilme des Sundance Film Festival und der Independent Spirit Awards, zwei führenden amerikanischen Independent-Filmwettbewerbe, untersuchen:

Laut der Filmfinanzberaterin Louise Levison im Jahr 2013 „ist die inländische Indie-Kinokasse … 37.4 Prozent der geschätzten $ 10,9 Milliarden Gesamtkasse“. Anders gesagt, ungefähr 60% des Bruttoeinkommens des letzten Jahres wurden von (1), Hollywoods großen Studios, generiert, während die restlichen 40% – dh., mehr als $ 4 Milliarden – wurde von (2) und (3), Hollywoods Tochterstudios und Käufen generiert.

Von größerem Interesse ist die Tatsache, dass mehr als 80% der inländischen Indie–Abendkasse 2013 – dh., mehr als $ 3 Milliarden – wurde von Filmen mit Budgets von weniger als $ 9 Millionen generiert. Dies sind gute Nachrichten für Hollywood-orientierte kleine Studios und freiberufliche Produzenten; sie können sicher sein, dass es tatsächlich eine Nachfrage an den Kinokassen nach ihren Filmen gibt.

Unabhängigkeit von Hollywood: Wahrheit & Kontrolle

Natürlich hat nicht jeder Indie-Filmemacher Hollywood im Visier. Es gibt diejenigen, die sich vehement gegen jedes Überbleibsel von Hollywoods Studiosystem stellen; die es als den Handel wahrnehmen, der die Wahrheit der Kunst tötet.

Hollywood, sagen manche, hausiert mit formelhaftem Eskapismus. „Ich kann Plots nicht ausstehen“, teilt die Indie-Filmemacherin Harmony Korine mit, „Weil ich nicht das Gefühl habe, dass das Leben Plots hat. Es gibt keinen Anfang, Mitte, oder Ende, und es stört mich, wenn die Dinge so perfekt gebunden sind.“

Maverick Charlie Kaufman treibt Korines Überlegungen weiter voran: „Ich hasse Filme, die mich anlügen. Sollte ich da sitzen und denken, dass mein Leben scheiße ist, weil es nicht wie die auf dem Bildschirm ist und ich diese Lektionen fürs Leben nicht bekomme? Mein Leben, das Leben eines jeden, ist eher ein Durcheinander, und diese Filme sind nur gefährlicher Müll.“

Für viele führt die Priorisierung des Handels auch zu einem Mangel an kreativer Kontrolle. Die Indie-Legende Kevin Smith erinnert sich an seine Erfahrungen mit Jersey Girl (2004) im Studiosystem:

Ich musste mir Studionotizen anhören … Also wurden Änderungen am Film vorgenommen … ich möchte diesen Scheiß nie wieder durchgehen … Es brachte mich zu einem Punkt, an dem ich dachte: „Ich will nicht mit viel Geld arbeiten, denn das bedeutet, dass das Studio dich dazu bringen wird, alles zu tun, was du kannst, um es den Massen schmackhafter zu machen.

Wenn es Ihnen heute egal ist, „die Massen“ auf Hollywoods Leinwand zu erreichen, haben Sie Glück. Es gibt eine Fülle alternativer Ansätze, um seinen Film zu sehen und zu verkaufen, was wir in unserem Artikel diskutieren, Eine Einführung in den Indie-Filmvertrieb im digitalen Zeitalter.“Jeder Film ist anders“, betont Marc Schiller, Gründer und CEO des Verleihs BOND360, im Interview mit seinen Kollegen. „Es gibt wirklich keine“One Size fits all“ -Strategie .“ Mit der Entwicklung des digitalen Zeitalters wird Hollywood mit der Zugänglichkeit von Nischeninhalten auf VOD-Plattformen und anderswo zu kämpfen haben.

Geld wächst nicht auf Bäumen

Wir sind zu dem Schluss gekommen, dass ein „Independent-Film“ durch seinen Geist definiert wird. Weil sie von Natur aus riskant sind, haben die meisten unabhängigen Filme – unabhängig davon, ob sie innerhalb oder außerhalb von Hollywoods Studiosystem gedreht werden – Budgets von weniger als 20 Millionen US-Dollar.

Für die Leser von Lights scheinen 20 Millionen US-Dollar weit weg zu sein. Wie sammelt man zwanzigtausend Dollar, geschweige denn das 1000-fache? Schauen Sie sich unseren Independent Film Financing Primer an, in dem wir die Grundlagen der Mittelbeschaffung für Ihre Produktion besprechen!

Michael Koehler, mit

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