Beginnings of Art Deco
1800-luvun lopulla Ranskassa monet merkittävät taiteilijat, arkkitehdit ja suunnittelijat, joilla oli ollut tärkeä rooli jugendtyylin kehityksessä, tajusivat sen olevan yhä passémaisempi. Vuosisadan lopulla, jolloin teollinen vallankumous alkoi, nykyinen elämä muuttui hyvin erilaiseksi kuin muutama vuosikymmen aiemmin. Oli aika tehdä jotain uutta, jotain, joka huutaisi ”20th Century” aistikkailta, modernistisilta katoilta.
Ranskan Koristetaiteilijoiden seura
tästä halusta siirtyä uudelle vuosisadalle innovaatioiden tahdissa nostalgian sijaan joukko ranskalaisia taiteellisia uudistajia perusti järjestön nimeltä Societé des Artistes Décorateurs (Koristetaiteilijoiden seura). Ryhmään kuului sekä tunnettuja henkilöitä, kuten jugendtyylinen suunnittelija ja taidegraafikko Eugene Grasset, Jugendarkkitehti Hector Guimard, sekä nousevia koristetaiteilijoita ja muotoilijoita, kuten Pierre Chareau ja Francis Jourdain. Ranskan valtio tuki ja edisti tätä taiteellisen toiminnan suuntaa.
yksi uuden ryhmän suurista tavoitteista oli haastaa kuvataiteen hierarkkinen rakenne, joka vähensi koristetaiteilijoiden asemaa klassisempaa maalaus-ja kuvanveistotaidetta heikompaan asemaan. Jourdainin kerrotaan maineikkaasti sanoneen: ”päätimme näin ollen palauttaa koristetaiteen, jota kohdeltiin piittaamattomasti kuin Tuhkimoa tai köyhää sukulaista, jonka sallittiin syödä palvelijoiden kanssa, siihen tärkeään, lähes tärkeään paikkaan, joka sillä oli menneisyydessä, kaikkien aikojen ja kaikissa maailman maissa.”Suunnitelma uudenlaista koristetaidetta esittelevästä suurnäyttelystä laadittiin alun perin vuodelle 1914, mutta se jouduttiin lykkäämään ensimmäisen maailmansodan päättymiseen asti ja sen jälkeen sitä lykättiin eri syistä vuoteen 1925.
liikkeen virallisesti käynnistänyt näyttely
Ranskan hallitus, joka järjesti näyttelyn kultakupuisen Les Invalidesin Esplanadin ja Petit palaisin ja Grand Palaisin sisäänkäyntien välissä Seine-joen molemmin puolin, pyrki esittelemään uutta tyyliä. Näyttelyssä oli esillä yli 15 000 taiteilijaa, arkkitehtia ja muotoilijaa. Näyttelyn seitsemän kuukauden aikana yli 16 miljoonaa ihmistä kiersi monissa yksittäisissä näyttelyissä. Näyttely oli alkusysäys liikkeen synnylle.
Art Nouveau and Art Deco
Art Deco oli esteettisesti ja filosofisesti suora vastaus jugendtyyliin ja modernismin laajempaan kulttuuri-ilmiöön. Art Nouveau alkoi pudota pois muodista aikana toisen maailmansodan monien kriitikoiden mielestä monimutkaisia yksityiskohtia, herkkä malleja, usein kalliita materiaaleja ja tuotantomenetelmiä tyyli oli huonosti sopii haastava, levoton, ja yhä enemmän koneellistunut moderni maailma. Siinä missä Art Nouveau-liike ammensi mutkikkaat, tyylitellyt muotonsa luonnosta ja ylisti käsityön hyveitä, Art Deco-estetiikka korosti koneajan virtaviivaisuutta ja sulavalinjaista geometriaa.
Art Deco ja modernismi
Exposition Internationale kokosi yhteen paitsi Art Deco-tyylisiä teoksia, myös muotoili esineitä lähelle esimerkkejä avantgardistisista maalauksista ja veistoksista sellaisissa tyyleissä kuin kubismi, konstruktivismi, Bauhaus, De Stijl ja futurismi. 1920-luvulle tultaessa Art Deco oli ylitsevuotava, mutta pitkälti valtavirtaa edustava vastakohta aivoisemmalle Bauhaus-ja De Stijl-estetiikalle. Kaikki kolme jakoivat puhtaiden, vahvojen linjojen korostamisen organisoivana suunnitteluperiaatteena. Art Deco-harjoittajat omaksuivat teknologiset innovaatiot, modernit materiaalit ja koneellistumisen ja pyrkivät korostamaan niitä itse tyylin yleisestetiikassa. Harjoittajat lainasivat ja oppivat myös muista modernistisista liikkeistä. Art decoa ihailivat ihailijat, jotka myötäilivät nykyisten avantgarde-liikkeiden tulevaisuuteen suuntautuneita näkökulmia. Ironista kyllä, modernistinen maalaus ja kuvanveisto olivat näyttelyssä sivuroolissa lukuun ottamatta muutamaa poikkeusta Neuvostoliiton paviljongista ja Le Corbusierin Esprit Nouveau-paviljongista.
Art Deco suuren laman jälkeen
Art Decon toinen vaihe alkoi samaan aikaan suuren laman alun kanssa. Säästötoimet saattavatkin olla keskeinen estetiikka sekä pragmaattisista että käsitteellisistä syistä tässä Art Decon toisessa kehityksessä. Siinä missä esimerkiksi Art Deco-arkkitehtuuri oli ollut pystysuunnassa suuntautunutta pilvenpiirtäjien noustessa korkeuksiin, myöhemmät Art Deco-rakennukset, joissa oli enimmäkseen kornimoimattomat ulkotilat, sirot kaaret ja vaakasuorat korostukset, symboloivat jykevyyttä, hiljaista arvokkuutta ja sinnikkyyttä. Taloudellisen katastrofin pahimpina vuosina 1929-1931 amerikkalainen Art Deco siirtyi trendien seuraamisesta niiden asettamiseen.
Streamline Modernesta
Streamline Modernesta tuli eurooppalaisen Art Deco-liikkeen amerikkalainen jatkaja. Vakavien taloudellisten ja filosofisten vaikutteiden lisäksi ensimmäinen Streamline Moderne-rakennelma sai esteettisen inspiraation rakennuksista, jotka suunnittelivat Saksan uuden objektiivisuuden liikkeen kannattajat, jotka syntyivät saksalaisten arkkitehtien, suunnittelijoiden ja taiteilijoiden epävirallisesta yhdistyksestä, joka oli muodostunut 1900-luvun alussa. Uusia objektiivisuuden taiteilijoita ja arkkitehteja innosti samanlainen hillitty pragmatismi, joka pakotti Streamline modernen kannattajat poistamaan ylettömyyden, mukaan lukien ekspressionistisen taiteen tunteellisuuden. Uudet Objektiivisuusarkkitehdit keskittyivät tuottamaan rakenteita, joita voitiin pitää käytännöllisinä, todellisen elämän vaatimuksia heijastavina. He pitivät suunnitelmiaan parempana mukautua todelliseen maailmaan sen sijaan, että saisivat muut sopeutumaan epäkäytännöllisyyteen. Tätä varten uudet objektiivisuus arkkitehdit jopa uranuurtajia elementtitekniikan (auttaa nopeasti ja tehokkaasti talon Saksan köyhiä).
vailla ornamenttia, Streamline Moderne-arkkitehtuurissa oli puhtaita käyriä, pitkiä vaakasuoria viivoja (mm.ikkunoiden nauhoja), lasitiiliä, porthole-tyylisiä ikkunoita sekä lieriömäisiä ja joskus merenalaisia muotoja. Entistä enemmän painotettiin aerodynamiikkaa ja muita modernin teknologian ilmentymiä. Art Decon kalliimmat ja usein eksoottisemmat materiaalit korvattiin Streamline Modernessa betoni -, lasi-ja kromilaitteistolla. Värejä käytettiin säästeliäästi, sillä luonnonvalkoiset, Beiget ja maan sävyt korvasivat Art Decon elävämmät värit. Tyyli siirtyi ensin arkkitehtuuriin ja laajeni sitten muihin esineisiin perinteisen Art Deco-tyylin tapaan.
Art Deco on nimetty takautuvasti
alun perin termiä ”Art Deco” käytti pejoratiivisesti kuuluisa arvostelija, modernistinen arkkitehti Le Corbusier artikkeleissaan, joissa hän kritisoi tyyliä sen ornamentiikasta, jota hän piti tarpeettomana modernissa arkkitehtuurissa. Vaikka tyylin kannattajat tervehtivät sitä riisutuksi, modernistiseksi reaktioksi liialliseen ornamentiikkaan, varsinkin verrattuna sen välittömään edeltäjään Jugendiin, sillä kaikki koristelu oli le Corbusierille tarpeetonta. Vasta 1960-luvun lopulla, jolloin kiinnostus tyyliä kohtaan heräsi uudelleen, termiä ”Art Deco” käytti myönteisesti Brittiläinen taidehistorioitsija ja kriitikko Bevis Hillier.
Art Deco ja Yhdysvalloissa
Yhdysvalloissa., Art Deco-liikkeen vastaanotto kehittyi eri suuntaan. Herbert Hoover, Yhdysvaltain silloinen kauppaministeri, määräsi, että amerikkalaiset suunnittelijat ja arkkitehdit eivät voineet esitellä töitään Exposition Internationalessa, koska hän väitti, että maassa ei ollut vielä keksitty selvästi amerikkalaista taidetyyliä, joka olisi tyydyttävästi ”tarpeeksi Uusi.”Vaihtoehtoisesti hän lähetti valtuuskunnan Ranskaan arvioimaan näyttelyn tarjontaa, ja sitten soveltamaan näkemäänsä nykyaikaiseen amerikkalaiseen taiteelliseen ja arkkitehtoniseen tyyliin. Hooverin lähettämien esteettisten lähettiläiden joukossa oli merkittäviä henkilöitä American Institute of Architecture-instituutista, Metropolitan Museum of Artista ja New York Timesista. Tehtävä innoitti lähes välittömästi taiteellisen innovaation nousuun Yhdysvalloissa.
vuonna 1926 Ranskan messujen pienempi versio nimeltään ”A Selected Collection of Objects from the International Exposition Modern, Industrial and Decorative Arts” kulki monien yhdysvaltalaisten kaupunkien läpi, kuten New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis ja Philadelphia. Amerikan maailmannäyttelyt Chicagossa (1933) ja New Yorkissa (1939) esittelivät näkyvästi Art Deco-kuvioita, kun taas Hollywood omaksui esteettisyyden ja teki siitä hohdokkaan koko maassa. Jopa yhdysvaltalaiset yhtiöt kuten General Motors ja Ford rakensivat paviljonkeja New Yorkin maailmannäyttelyyn.
tunnetuimpia esimerkkejä amerikkalaisesta Art Deco-tyylistä ovat pilvenpiirtäjät ja muut suurikokoiset rakennukset. Amerikkalaisen art decon iterointia rakennussuunnittelussa onkin kutsuttu siksak-moderniksi sen kulmikkaiden ja geometristen kuvioiden taidokkaiden arkkitehtonisten Julkisivujen vuoksi. Yleinen amerikkalainen Art Deco on kuitenkin usein vähemmän koristeellista kuin eurooppalainen edeltäjänsä. Puhtaiden linjojen ja voimakkaiden käyrien, rohkeiden geometristen muotojen, runsaan värin ja joskus ylenpalttisen ornamentiikan lisäksi amerikkalainen versio on riisutumpi. Kun tärkeät vaikutteet, kuten uusi objektiivisuus ja kansainvälinen arkkitehtuurityyli sekä 1920-luvun lopun ja 1930-luvun alun vakavat taloudelliset takaiskut, alkoivat vaikuttaa Art Deco-estetiikkaan, tyyli muuttui paljon vähemmän ylenpalttiseksi. Tätä muutosta voitaisiin kuvata esimerkiksi korvaamalla kulta kromilla, helmiäinen Bakeliitilla, graniitti betonilla jne.
amerikkalainen Art Deco-tyyli kehittyi teknologisen edistyksen, muun muassa massatuotannon, ja palautetun uskon yhteiskunnalliseen edistykseen juhlana. Pohjimmiltaan näiden saavutusten voitaisiin katsoa kuvastavan kansallista ylpeyttä. 1930-luvulla Rooseveltin ”Progress Administration” (WPA) – teoksen aikana monet teokset olivat Art decoa, aina kunnallisista rakennelmista kuten kirjastoista ja kouluista massiivisiin julkisiin seinämaalauksiin. WPA: n tarkoituksena oli vauhdittaa sodanjälkeistä Yhdysvaltain taloutta luomalla työpaikkoja julkisiin töihin, ja se pyrki palvelemaan yhteisöä luomalla työpaikkoja ja juurruttamalla amerikkalaisia arvoja muotoiluun. Amerikkalaisen Art Decon käyttö toi siis esiin demokratian ilmaisun muotoilun kautta. Jotkut Art Deco-luomuksessa usein käytetyt materiaalit olivat kalliita ja siksi tavallisen ihmisen ulottumattomissa. Edullisten tai uusien materiaalien käyttö mahdollisti kuitenkin laajan valikoiman kohtuuhintaisia tuotteita ja toi siten kauneutta julkisuuden piiriin uudella tavalla. Art Deco innoitti suunnittelemaan ja valmistamaan erilaisia esineitä-lehtien kansista ja värikkäistä mainoksista toiminnallisiin esineisiin, kuten taulutarvikkeisiin, huonekaluihin, kelloihin, autoihin ja jopa valtamerilaivoihin.
Art Decon maailmanlaajuinen kasvu
Art Deco-tyyli sai jalansijaa niinkin erilaisissa maailman pääkaupungeissa kuin Havannassa, Kuubassa, Mumbaissa ja Jakartassa. Havannassa on kokonainen art Deco-tyyliin rakennettu kaupunginosa. Lontoon Metrojunajärjestelmässä tyyli on vahvasti mukana. Shanghain satamassa on yli viisikymmentä Art Deco-rakennelmaa, joista suurimman osan on suunnitellut unkarilainen Laszlo Hudec. Aina sotamuistomerkeistä sairaaloihin asti Australian Sydneyyn ja Melbourneen asti ulottuvatkin kaupungit ovat omaksuneet ilmiömäisen tyylin.
Art Deco: Käsitteet, tyylit ja suuntaukset
Art Decon tärkeimmät visuaaliset ominaisuudet johtuvat lineaaristen ja geometristen muotojen toistuvasta käytöstä, kuten kolmion, siksak -, puolisuunnikkaan ja chevron-kuvioiduista muodoista. Edeltäjänsä Jugendin tapaan esineet, kuten kukat, eläimet tai ihmishahmot, ovat hyvin tyyliteltyjä ja yksinkertaistettuja Art Decon yleisen estetiikan mukaisesti. Tyylittelyn ja yksinkertaistamisen tai strippauksen luonne ja laajuus vaihtelee tyylin alueellisen iteraation mukaan. Esimerkiksi ranskalaisen René Laliquen Firebirdin (1922) kaltainen hahmo on elegantisti hoikka ja vaimennettu, kun taas Lee Lawrien Atlas (1937) Rockefeller Centerin ulkopuolella on jykevä ja jykevä korostetun lineaarisin lihaksin, vaikka molempia pidetään hienoina deco-tyylin edustuksina.
liikkeen korostaessa modernia teknologiaa Art Deco-taiteilijat ja suunnittelijat käyttivät hyväkseen moderneja materiaaleja, kuten muovia, bakeliittia ja ruostumatonta terästä. Mutta kun tarvittiin tilkka rikkautta ja hienostuneisuutta, suunnittelijat käyttivät eksoottisempia materiaaleja, kuten norsunluuta, sarvea ja seepran nahkaa. Kuten Art Nouveau-ja Arts and Crafts-liikkeissä, Art Deco-tyyliä sovellettiin paljon vähemmän perinteisesti korkeatasoisimpiin kuvataiteen ilmaisumuotoihin: maalaukseen ja kuvanveistoon.
Design
Art Deco-tyyli käytti vaikutusvaltaansa graafiseen taiteeseen tavalla, joka paljastaa italialaisen futurismin vaikutuksen nopeuteen ja koneen ihailuun. Futuristiset taiteilijat käyttivät viivoja ilmaisemaan liikettä, niin sanottuja nopeusviiksiä, jotka virtasivat ulos nopeasti liikkuvien autojen ja junien pyöristä. Lisäksi art decon harjoittajat käyttivät samansuuntaisia linjoja ja kapenevia muotoja, jotka viittaavat symmetriaan ja virtaviivaisuuteen. Typografiaan vaikutti Art Decon kansainvälinen vaikutus, ja kirjasintyypit Bifur, Broadway ja Peignot tuovat tyylin heti mieleen.
kuvakielen kannalta yksinkertaiset muodot ja suuret yksiväriset alueet muistuttavat japanilaisia puukuviokuvioita, joista oli tullut merkittävä vaikutteiden lähde länsimaisille taiteilijoille erityisesti Ranskassa eristäytyneen Edo-kauden päätyttyä vuonna 1868. Sitä seurannut taiteen virta Japanista Eurooppaan teki valtavan vaikutuksen. Erityisesti taiteilijat löytyy muodollinen yksinkertaisuus woodblock tulostaa mallin luoda omia selvästi moderni tyylejä alkaen impressionisti.
Huonekalut
1920-luvun lopulle asti Ranskan avantgardistinen Kalustesuunnittelu oli lähinnä jugendtyylin muunnelmia, mutta pelkistettyä ja vähemmän kurvikasta. Vuosikymmenen edetessä Émile-Jacques Ruhlmann nousi merkittävimmäksi huonekalusuunnittelijaksi (Ruhlmannilla oli oma paviljonki vuoden 1925 näyttelyssä). Vaikka hänen mallit olivat pääasiassa innoittamana kappaletta 1700-luvulla tuotettu uusklassinen tyyli, hän poistaa paljon ornamentiikka samalla käyttäen eksoottisia materiaaleja suosima Art Nouveau suunnittelijat, kuten mahonki, ebony, ruusupuu, norsunluu, ja kilpikonna kuori. Hänen teoksensa olivat tietysti usein liian kalliita hankittavaksi muille kuin kaikkein varakkaimmille.
vastakohtana Ruhlmannin ylenpalttisille kuvioille, jotka tuntuivat olevan jugend-ja Art Deco-tyylien välimaastossa, varmempi Art Deco-kalusteiden suunnittelija Ranskassa oli Jules Leleu. Hän oli ollut perinteinen suunnittelija, kunnes uusi tyyli syrjäytti jugendin, ja hänet tunnetaan Pariisin Elysee-palatsin suuren ruokasalin suunnittelusta sekä elegantin höyrylaivan Normandien ensimmäisen luokan ylellisistä hyteistä.
toisin kuin Leleu ja Ruhlmann, Le Corbusier kannatti Art Deco-tyylistä hyvin pelkistettyä, ornamentitonta versiota, luoden usein karuihin sisätiloihin sopivia huonekaluja omia arkkitehtonisia rakennelmiaan. Hänen tarkoituksenaan oli suunnitella erityisesti tuoleista prototyyppejä, jotka voisivat olla massatuotettuja ja siten edullisia laajemmille markkinoille. Huomioitavaa on myös Donald Deskeyn sisustus New Yorkin kuuluisassa maamerkissä, Radio City Music Hallissa, joka on erinomainen esimerkki amerikkalaisesta Art Deco-huonekalusuunnittelusta,joka on säilynyt nykypäivänä alkuperäisessä muodossaan.
arkkitehtuurille
Art Deco-arkkitehtuurille on ominaista kovalevyiset, usein runsaasti koristellut kuviot, joita korostavat hohtavat metallikoristeet. Monissa näistä rakennuksista on pystypainotus, joka on rakennettu siten, että katse on suunnattu ylöspäin. Suorakulmainen, usein lohkeava muodot on järjestetty geometrisesti, lisäämällä katolla tornit ja / tai kaareva koriste-elementtejä tarjota virtaviivainen vaikutus. New Yorkin pilvenpiirtäjät ja Miamin pastellinväriset rakennukset lukeutuvat tunnetuimpiin amerikkalaisiin esikuviin, vaikka tyyliä hyödynnettiin monenlaisissa rakennelmissa ympäri maailmaa.
Yhdysvalloissa Works Progress Administration auttoi Art Deco-arkkitehtuuria nousemaan valtavirtaan. On kiinnostavaa, että monissa lamakauden julkisissa teoksissa nähty Art Deco-ja Beaux-Arts-klassismin yhdistyminen on tullut tunnetuksi nimellä PWA Moderne tai Depression Moderne.
myöhempi kehitys – Art Decon jälkeen
Art Deco jäi pois muodista toisen maailmansodan vuosina Euroopassa ja Pohjois-Amerikassa, ja sota-ajan säästäväisyys sai tyylin näyttämään yhä pramealta ja dekadentilta. Metalleja pelastettiin käytettäväksi asevarusteluun eikä rakennusten tai sisätilojen koristeluun. Kalusteita ei enää pidetty statusesineinä. Tekniikan kehitys mahdollisti peruskulutustavaroiden halpenemisen, mikä ajoi Art Deco-suunnittelijoiden tarpeen ja suosion pois.
liike, joka monessa suhteessa pyrki irtautumaan menneisyydestä, on nyt muuttunut nostalgiseksi, lämmöllä muistelluksi klassikoksi. 1960-luvulta lähtien kiinnostus tyyliä kohtaan on ollut tasaista ja jatkuvaa. Art decon kaikuja voidaan nähdä vuosisadan puolivälissä modernissa muotoilussa, joka vie eteenpäin Decon virtaviivaista estetiikkaa ja palaa Bauhausin puhtaaseen yksinkertaisuuteen. Deco auttoi myös inspiroimaan Milanoon 1980-luvulla keskittynyttä Memphis-ryhmää, joka ammensi poptaiteesta ja Kitschistä värikkäiden, tietoisesti postmodernien muotoilujensa lähteinä.