Débuts de l’Art Déco
À la fin du XIXe siècle en France, de nombreux artistes, architectes et designers notables qui avaient joué un rôle important dans le développement du style Art Nouveau ont reconnu qu’il devenait de plus en plus dépassé. À la fin d’un siècle qui a vu la Révolution industrielle s’installer, la vie contemporaine est devenue très différente de quelques décennies plus tôt. Il était temps pour quelque chose de nouveau, quelque chose qui crierait « 20ème siècle » sur les toits modernistes de bon goût.
La Société des Artistes Décoratifs de France
De cette volonté d’entrer dans le nouveau siècle au rythme de l’innovation plutôt que d’être freinée par la nostalgie, un groupe d’innovateurs artistiques français a formé une organisation appelée la Société des Artistes Décorateurs. Le groupe était composé à la fois de personnalités connues telles que le designer et graveur de style Art Nouveau Eugène Grasset et l’architecte Art Nouveau Hector Guimard, ainsi que d’artistes et de designers décoratifs émergents tels que Pierre Chareau et Francis Jourdain. L’État français a soutenu et favorisé cette orientation de l’activité artistique.
L’un des objectifs majeurs du nouveau groupe était de remettre en cause la structure hiérarchique des arts visuels qui reléguait les artistes décoratifs à un statut moindre que les médias plus classiques de la peinture et de la sculpture. Jourdain est célèbre en disant: « Nous avons donc décidé de ramener l’art décoratif, négligemment traité comme une Cendrillon ou une pauvre relation autorisée à manger avec les serviteurs, à la place importante, presque prépondérante qu’il occupait dans le passé, de tous les temps et dans tous les pays du globe. »Le projet d’une grande exposition présentant un nouveau type d’art décoratif a été initialement conçu pour 1914, mais a dû être suspendu jusqu’à la fin de la Première Guerre mondiale, puis repoussé pour diverses raisons jusqu’en 1925.
L’exposition qui a officiellement lancé le mouvement
Le gouvernement français, qui a accueilli l’exposition entre l’esplanade du dôme doré des Invalides et les entrées du Petit Palais et du Grand Palais de part et d’autre de la Seine, s’est efforcé de mettre en valeur le nouveau style. Plus de 15 000 artistes, architectes et designers ont exposé leurs travaux à l’exposition. Pendant les sept mois de l’exposition, plus de 16 millions de personnes ont visité les nombreuses expositions individuelles. Cette exposition a été le catalyseur du début du mouvement.
Art Nouveau et Art Déco
L’Art Déco était une réponse esthétique et philosophique directe au style Art Nouveau et au phénomène culturel plus large du modernisme. L’Art Nouveau a commencé à tomber de la mode pendant la Première Guerre mondiale, car de nombreux critiques ont estimé que les détails élaborés, les conceptions délicates, les matériaux souvent coûteux et les méthodes de production du style ne convenaient pas à un monde moderne difficile, instable et de plus en plus mécanisé. Alors que le mouvement Art Nouveau tirait ses formes complexes et stylisées de la nature et vantait les vertus de l’artisanat, l’esthétique Art Déco mettait l’accent sur la rationalisation de l’ère de la machine et la géométrie élégante.
Art Déco et Modernisme
L’Exposition Internationale a non seulement réuni des œuvres de style Art Déco, mais a également placé des objets artisanaux à proximité d’exemples de peintures et de sculptures d’avant-garde dans des styles tels que le Cubisme, le Constructivisme, le Bauhaus, De Stijl et le Futurisme. Dans les années 1920, l’Art déco était un contrepoint exubérant, mais largement dominant, à l’esthétique plus cérébrale du Bauhaus et de Stijl. Tous les trois ont mis l’accent sur des lignes propres et solides en tant que principe de conception organisatrice. Les praticiens de l’Art déco ont adopté l’innovation technologique, les matériaux modernes et la mécanisation et ont tenté de les mettre en valeur dans l’esthétique globale du style lui-même. Les praticiens ont également emprunté et appris d’autres mouvements modernistes. L’Art déco a été considéré par les admirateurs qui étaient en phase avec les perspectives d’avenir des mouvements d’avant-garde contemporains. Ironiquement, la peinture et la sculpture modernistes ont joué un rôle secondaire dans l’exposition à quelques exceptions près du pavillon soviétique et du pavillon Esprit Nouveau de Le Corbusier.
Art Déco Après la Grande Dépression
Le début de la deuxième phase de l’Art Déco a coïncidé avec le début de la Grande Dépression. L’austérité, en fait, pourrait être l’esthétique de base pour des raisons à la fois pragmatiques et conceptuelles de ce deuxième développement de l’Art déco. Alors que l’architecture Art déco, par exemple, avait été orientée verticalement avec des gratte-ciel grimpant à des hauteurs élevées, les bâtiments Art déco ultérieurs avec leurs extérieurs pour la plupart non ornés, leurs courbes gracieuses et leurs emphases horizontales symbolisaient la robustesse, la dignité tranquille et la résilience. Au cours des pires années de catastrophe économique, de 1929 à 1931, l’Art déco américain est passé de suivre les tendances à les définir.
Streamline Moderne
Streamline Moderne est devenu la continuation américaine du mouvement Art Déco européen. Au-delà des graves influences économiques et philosophiques, l’inspiration esthétique des premières structures modernes rationalisées était des bâtiments conçus par des partisans du mouvement de la Nouvelle objectivité en Allemagne, issu d’une association informelle d’architectes, de designers et d’artistes allemands qui s’était formée au début du 20ème siècle. Les artistes et les architectes de la Nouvelle Objectivité ont été inspirés par le même genre de pragmatisme sobre qui a obligé les partisans de la rationalisation moderne à éliminer l’excès, y compris l’émotivité de l’art expressionniste. Les architectes de la nouvelle objectivité se sont concentrés sur la production de structures pouvant être considérées comme pratiques, comme reflétant les exigences de la vie réelle. Ils préféraient que leurs conceptions s’adaptent au monde réel plutôt que de faire en sorte que les autres s’adaptent à une esthétique peu pratique. À cette fin, les architectes de New Objectivity ont même été les pionniers de la technologie de préfabrication (aidant à loger rapidement et efficacement les pauvres allemands).
Dépourvue d’ornement, l’architecture moderne rationalisée comportait des courbes épurées, de longues lignes horizontales (y compris des bandes de fenêtres), des briques de verre, des fenêtres de style hublot et des formes cylindriques et parfois nautiques. Plus que jamais, l’accent a été mis sur l’aérodynamique et d’autres expressions de la technologie moderne. Les matériaux les plus chers et souvent exotiques de l’Art Déco ont été remplacés par du béton, du verre et du chrome dans Streamline Moderne. La couleur a été utilisée avec parcimonie car les tons blanc cassé, beige et terre ont remplacé les couleurs plus vives de l’Art déco. Le style a d’abord été introduit dans l’architecture, puis étendu à d’autres objets, de la même manière que le style Art Déco traditionnel.
L’Art Déco est nommé Rétroactivement
À l’origine, le terme « Art Déco » a été utilisé péjorativement par un célèbre détracteur, l’architecte moderniste Le Corbusier, dans des articles dans lesquels il critiquait le style pour son ornementation, une caractéristique qu’il considérait comme inutile dans l’architecture moderne. Alors que les partisans du style l’ont salué comme une réponse moderniste dépouillée à l’ornementation excessive, en particulier par rapport à son prédécesseur immédiat, l’Art Nouveau, car toute décoration était superflue pour Le Corbusier. Ce n’est qu’à la fin des années 1960, lorsque l’intérêt pour le style a été revigoré, que le terme « Art Déco » a été utilisé de manière positive par l’historien et critique d’art britannique Bevis Hillier.
Art Déco et États-Unis
Aux États-Unis., la réception du mouvement Art Déco s’est développée dans une trajectoire différente. Herbert Hoover, le Secrétaire américain au Commerce de l’époque, a décrété que les designers et architectes américains ne pouvaient pas exposer leurs travaux à l’Exposition internationale car il soutenait que le pays n’avait pas encore conçu un style d’art distinctement américain qui était satisfaisant « assez nouveau. »Comme alternative, il a envoyé une délégation en France pour évaluer les offres de l’Exposition; puis pour appliquer ce qu’ils ont vu à un style artistique et architectural américain contemporain. Parmi les émissaires esthétiques envoyés par Hoover figuraient des personnalités importantes de l’American Institute of Architecture, du Metropolitan Museum of Art et du New York Times. La mission inspira un essor presque immédiat de l’innovation artistique aux États-Unis.
En 1926, une version plus petite de la foire française appelée « Une Collection sélectionnée d’Objets de l’Exposition Internationale des Arts Modernes, Industriels et Décoratifs » parcourut de nombreuses villes américaines telles que New York, Cleveland, Chicago, Detroit, Saint-Louis, Boston, Minneapolis et Philadelphie. Les expositions universelles américaines de Chicago (1933) et de New York (1939) ont mis en évidence des designs Art déco, tandis qu’Hollywood a adopté l’esthétique et l’a rendue glamour à travers le pays. Même des sociétés américaines telles que General Motors et Ford ont construit des pavillons à l’Exposition universelle de New York.
Parmi les exemples les plus connus du style Art Déco américain figurent les gratte-ciel et autres bâtiments à grande échelle. En fait, l’itération américaine de l’Art Déco dans les conceptions de bâtiments a été qualifiée de Moderne en Zigzag pour ses motifs angulaires et géométriques en tant que façades architecturales élaborées. Cependant, dans l’ensemble, l’Art déco américain est souvent moins ornemental que son prédécesseur européen. Au-delà des lignes épurées et des courbes fortes, des formes géométriques audacieuses, des couleurs riches et des ornements parfois somptueux, la version américaine est plus dépouillée. Comme des influences importantes telles que la Nouvelle Objectivité et le Style international de l’architecture ainsi que les graves revers économiques de la fin des années 1920 et du début des années 1930 ont commencé à s’exercer sur l’esthétique Art Déco, le style est devenu beaucoup moins somptueux. Par exemple, cette transformation pourrait être symbolisée par le remplacement de l’or par du chrome, de la nacre par de la bakélite, du granit par du béton, etc.
Le style Art Déco américain s’est développé pour célébrer le progrès technologique, y compris la production de masse, et une foi retrouvée dans le progrès social. En substance, ces réalisations pourraient être considérées comme le reflet de la fierté nationale. Dans les années 1930, sous la Works Progress Administration (WPA) de Roosevelt, de nombreuses œuvres créées étaient Art Déco, des structures municipales comme les bibliothèques et les écoles aux peintures murales publiques massives. Le WPA était destiné à relancer l’économie américaine d’après-guerre en créant des emplois dans les travaux publics, et cherchait à servir la communauté en créant des emplois et en inculquant les valeurs américaines dans le design. L’utilisation de l’Art Déco américain a ainsi donné naissance à une expression de la démocratie à travers le design. Certains matériaux souvent utilisés dans la création Art Déco étaient chers et donc hors de portée de l’homme moyen. Cependant, l’utilisation de matériaux peu coûteux ou nouveaux a permis de produire une large gamme de produits abordables, et a ainsi apporté la beauté dans la sphère publique d’une manière nouvelle. L’Art Déco a inspiré la conception et la production d’une gamme d’objets – des couvertures de magazines et des publicités colorées aux articles fonctionnels tels que des couverts, des meubles, des horloges, des voitures et même des paquebots.
Croissance mondiale de l’Art Déco
Le style Art Déco s’est imposé dans des capitales mondiales aussi diverses que La Havane, Cuba, Mumbai et Jakarta. La Havane possède tout un quartier construit dans le style Art Déco. Le système de chemin de fer du métro de Londres incorpore fortement le style. Le port de Shanghai contient plus de cinquante structures Art Déco, dont la plupart ont été conçues par le Hongrois Laszlo Hudec. Des monuments de guerre aux hôpitaux, des villes aussi lointaines que Sydney et Melbourne en Australie ont également absorbé le style phénoménal.
Art Déco: Concepts, Styles et tendances
Les principales caractéristiques visuelles de l’Art Déco découlent de l’utilisation répétitive de formes linéaires et géométriques, y compris des formes triangulaires, zigzaguées, trapézoïdales et à motifs de chevrons. Semblable à son prédécesseur, l’Art Nouveau, lorsque des objets tels que des fleurs, des animaux ou des figures humaines sont représentés, ils sont très stylisés et simplifiés pour conserver l’esthétique globale de l’Art déco. La nature et l’étendue de la stylisation et de la simplification ou du dépouillement varient en fonction de l’itération régionale du style. Par exemple, une figure comme L’oiseau de feu (1922) du designer français René Lalique est élégamment élancée et atténuée, tandis que l’Atlas de Lee Lawrie (1937) à l’extérieur du Rockefeller Center est solide et robuste avec une musculature résolument linéaire bien que les deux soient considérés comme de belles représentations du style Déco.
Conformément à l’accent mis par le mouvement sur la technologie moderne, les artistes et designers de l’Art déco ont exploité des matériaux modernes tels que le plastique, la bakélite et l’acier inoxydable. Mais quand une touche de richesse et de raffinement était nécessaire, les concepteurs ont incorporé des matériaux plus exotiques tels que l’ivoire, la corne et la peau de zèbre. Comme pour l’Art Nouveau et les mouvements Arts and Crafts, le style Art Déco s’appliquait beaucoup moins aux formes d’expression d’art visuel traditionnellement les plus élevées: la peinture et la sculpture.
Design
Le style Art Déco a exercé son influence sur les arts graphiques d’une manière qui révèle l’influence du futurisme italien avec son amour de la vitesse et son adoration de la machine. Les artistes futuristes utilisaient des lignes pour indiquer le mouvement, connues sous le nom de « moustaches de vitesse » qui se détachaient des roues des voitures et des trains en mouvement rapide. En outre, les praticiens de l’Art déco ont utilisé des lignes parallèles et des formes effilées qui suggèrent la symétrie et la rationalisation. La typographie a été affectée par l’influence internationale de l’Art Déco et les polices de caractères Bifur, Broadway et Peignot rappellent immédiatement le style.
En termes d’imagerie, les formes simples et les grandes zones de couleur unie rappellent les gravures sur bois japonaises, qui étaient devenues une source d’influence majeure pour les artistes occidentaux, en particulier en France, après la fin de la période isolationniste d’Edo en 1868. L’afflux ultérieur d’art du Japon en Europe a eu un impact énorme. En particulier, les artistes ont trouvé dans la simplicité formelle des gravures sur bois un modèle pour créer leurs propres styles distinctement modernes en commençant par l’impressionniste.
Meubles
Jusqu’à la fin des années 1920, le design de mobilier d’avant-garde en France était principalement des variations du style Art Nouveau mais simplifié et moins curviligne. Au fil de la décennie, Émile-Jacques Ruhlmann s’impose comme le premier designer de meubles (Ruhlmann avait son propre pavillon à l’Exposition de 1925). Alors que ses créations étaient principalement inspirées de pièces du 18ème siècle produites dans le style néoclassique, il a éliminé une grande partie de l’ornementation tout en utilisant des matériaux exotiques favorisés par les designers Art Nouveau tels que l’acajou, l’ébène, le bois de rose, l’ivoire et la carapace de tortue. Bien sûr, ses pièces étaient souvent trop chères à acquérir pour quiconque en dehors des plus aisés.
Contrairement aux designs somptueux de Ruhlmann, qui semblaient à cheval sur les styles Art Nouveau et Art Déco, le designer de meubles Art Déco le plus définitivement en France était Jules Leleu. Il avait été un designer traditionnel jusqu’à ce que le nouveau style supplante l’Art Nouveau et est connu pour la conception de la grande salle à manger du Palais de l’Elysée à Paris, et les cabines luxueuses sur le pont de première classe de l’élégant vapeur, le Normandie.
Contrairement à Leleu et Ruhlmann, Le Corbusier était partisan d’une version très épurée et sans ornement du style Art Déco, créant souvent des meubles adaptés aux intérieurs austères de ses propres structures architecturales. Son intention était de concevoir des prototypes, en particulier des chaises, qui pourraient être produits en série et donc abordables pour un marché plus large. Il convient également de noter que le design intérieur du célèbre monument de la ville de New York, le Radio City Music Hall, de Donald Deskey, est un excellent exemple du design de mobilier Art Déco américain qui est encore intact dans sa forme originale aujourd’hui.
Architecture
L’architecture Art Déco se caractérise par des motifs à bords durs, souvent richement ornés, accentués par des accents métalliques brillants. Beaucoup de ces bâtiments ont un accent vertical, construit de manière à attirer l’œil vers le haut. Les formes rectangulaires, souvent en blocs, sont disposées géométriquement, avec l’ajout de flèches sur le toit et / ou d’éléments ornementaux incurvés pour fournir un effet profilé. Les gratte-ciel de New York et les bâtiments aux couleurs pastel de Miami comptent parmi les exemples américains les plus célèbres, bien que le style ait été déployé dans une variété de structures à travers le monde.
Aux États-Unis, la Works Progress Administration a aidé l’architecture Art déco à se généraliser. Fait intéressant, la fusion du classicisme Art Déco et Beaux-Arts observée dans de nombreux travaux publics de l’époque de la Dépression est devenue connue sous le nom de PWA Moderne ou Dépression Moderne.
Développements ultérieurs – Après l’Art Déco
L’Art Déco est tombé de la mode pendant les années de la Seconde Guerre mondiale en Europe et en Amérique du Nord, avec l’austérité du temps de guerre faisant paraître le style toujours criard et décadent. Les métaux ont été récupérés pour être utilisés dans la construction d’armements, par opposition à la décoration de bâtiments ou d’espaces intérieurs. Les meubles n’étaient plus considérés comme des objets de statut. D’autres avancées technologiques ont permis de produire moins cher des articles de consommation de base, éliminant le besoin et la popularité des designers Art Déco.
Un mouvement qui, à bien des égards, cherchait à rompre avec le passé, est maintenant devenu un classique nostalgique, dont on se souvient avec émotion. Depuis les années 1960, il y a eu un intérêt constant et continu pour le style. Des échos de l’Art déco peuvent être vus dans le design moderne du milieu du siècle, qui perpétue l’esthétique épurée de la Déco et revisite la simplicité épurée du Bauhaus. Deco a également contribué à inspirer le Groupe Memphis, un mouvement de design et d’architecture centré à Milan dans les années 1980. Memphis a également puisé dans le Pop art et le Kitsch comme sources pour ses designs colorés et consciemment postmodernes.