Les 25 Meilleurs Scénarios Américains du 21ème Siècle, De ‘Eternal Sunshine’ à ‘Lady Bird’

Vous vous entendrez souvent les réalisateurs dire que chaque film est en réalité trois films: celui sur la page, celui que vous filmez et celui avec lequel vous vous retrouvez dans la coupe finale. Cela vous donne trois chances de bien faire les choses ou de les gâcher encore plus, mais rien ne vaut une base solide et un plan bien conçu. Au moins avec un excellent scénario, vous savez qu’il sera beaucoup plus difficile de gâcher les deux autres phases.

Toute considération des meilleurs films des 18 dernières années prend un nouveau contexte lorsqu’elle est considérée exclusivement en termes de scénarios. Il y a des maîtres évidents de la forme, tels que Charlie Kaufman et Kenneth Lonergan, sans parler de la précision mécanique de la fabrique d’histoires Pixar, c’est pourquoi ils ont tous deux films sur cette liste. Beaucoup de films ici ont été privés de nominations aux Oscars, y compris de « Zodiac” de David Fincher à « Memento” de Christopher Nolan, mais cela n’enlève rien à leurs mérites.

Dans cet esprit, voici la liste IndieWire des meilleurs scénarios américains des deux dernières décennies. Partagez le vôtre dans les commentaires.

« American Psycho » (2000)

Le roman de Bret Easton Ellis, ”American Psycho », publié en 1991, était entouré de controverses autour de sa sortie, car il dépeignait la vie brutalement violente d’un yuppie alpha de New York qui préférait tuer des prostituées et des sans-abri. Alors, qu’est-ce qui inspirerait deux co-écrivaines, la réalisatrice Mary Harron et Guenièvre Turner, à adapter l’histoire au cinéma? Les deux hommes s’intéressent beaucoup plus à la mécanique qui fait vibrer Patrick Bateman, et construisent à partir de là la satire qui souligne les meilleurs moments du film. De l’intransigeance obsessionnelle sur les cartes de visite et les sièges de restaurant, aux chansons pop des années 80 qui soulignent les meurtres les plus brutaux de Bateman, le tueur est habilement passé de la glorification à l’étude de cas. Utilisant judicieusement le roman comme un point de départ au lieu d’un texte sacré, Harron et Turner donnent à leur scénario beaucoup de texture et de nuances qui font passer ce film de note de bas de page culte à une classe de maître de l’écriture de scénario. -William Earl

« Finding Nemo” (2003)

Il est difficile de penser à un personnage comique plus grand que Dory, le poisson bleu tang avec une perte de mémoire à court terme et un cœur d’or. Doublée par l’incomparable Ellen Degeneres, Dory est à la fois exaspérante et irrésistible. Jouant un Albert Brooks balbutiant en Marlon de poisson droit déconcerté (d’accord, techniquement, c’est un poisson-clown), ces deux-là pourraient résister à n’importe quel duo comique classique. Bien sûr, il faudrait un film pour enfants sur les poissons pour écrire la plus grande comédie de copains non romantique. Mais ce qui élève « Finding Nemo” au rang de plus grand film Pixar de tous les temps, c’est son noyau émotionnel. Non seulement « Finding Nemo” est le genre de film dont les adultes peuvent rire, mais la quête de Marlon pour Nemo coupe jusqu’aux os pour n’importe quel parent ou enfant. Bob Peterson et David Reynolds ont assisté le co-réalisateur Andrew Stanton sur son histoire originale, le même esprit qui a imaginé d’autres joints haut de gamme de Pixar « Wall-E » et « Toy Story. » Émouvant, hilarant et orné de paysages marins vibrants et fluides, « Finding Nemo” capture la plus grande leçon que tout parent doit apprendre; l’art de lâcher prise. —Jude Dry

« Lovely&Amazing”(2001)

Plus récemment connu pour « Enough Said,” Nicole Holofcener écrit le genre parfait de comédies: celles sur des personnages profondément imparfaits qui se délectent des dégâts inévitables de la vie. Ce film presque parfait met en vedette Catherine Keener et Emily Mortimer dans le rôle de sœurs, avec l’excellente Brenda Blethyn dans le rôle de leur mère en quête de liposuccion, et une Raven Goodwin qui vole la scène dans le rôle de leur sœur noire adoptive. Chaque personnage ne ressemble à aucune autre femme que vous verrez à l’écran, à parts égales autodérision et égocentrique. Holofcener équilibre de nombreux éléments, y compris une liaison de mai à décembre avec un jeune Jake Gyllenhaal, et en utilisant le jeune Goodwin comme fourrage comique effronté. C’est un choix audacieux qui porte ses fruits. Considéré à tort comme un « film de poussin intelligent » par certains, Holofcener est ce rare double coup d’un auteur dont le véritable talent artistique est masqué par une valeur de divertissement pure. —Jude Dry

« Creed » (2015)

Warner Bros. /REX/

Le scénario de ”Creed » de Ryan Coogler et Aaron Covington est le genre de ko agréable à la foule qui semble venir une fois dans une lune bleue. Non seulement le scénario parvient à raconter une histoire d’origine authentique du jeune et déterminé Adonis Creed, mais il trouve également un moyen authentique de faire revivre Rocky de Sylvester Stallone et de faire de lui la cheville ouvrière émotionnelle de l’ascension d’Adonis au titre de champion boxeur. Rien dans ”Creed » n’a l’air de satisfaire les fans de ”Rocky ». Le script se bat dur pour vous investir dans le voyage d’Adonis et gagner ses rappels au classique de Stallone. Pas étonnant que le moment où Creed traverse les rues de Philadelphie ressemble à un triomphe revigoré. Le script est la définition même de la satisfaction. -Zack Sharf

« Les enfants vont bien” (2010)

Après avoir réalisé quelques chefs-d’œuvre stimulants, Lisa Cholodenko l’a finalement sorti du parc avec une vision spirituelle et artistique de la vie familiale contemporaine. Astucieusement intelligent et n’ayant pas peur de prendre des tournures inattendues, le scénario de Choldenko était si bon qu’il a attiré des gens comme Annette Bening et Julianne Moore, et a fait des stars des jeunes Mia Wasikowska et Josh Hutcherson. Bening et Moore sont cinétiques en tant que lesbienne au pouvoir contrôlant et sa femme à l’esprit libre qui a une liaison avec leur donneur de sperme, jouée avec un brio décontracté par excellence par Mark Ruffalo. Wasikowska et Hutcherson apportent un mélange parfait d’innocence enfantine et de précocité volontaire en tant qu’enfants titulaires. Le film a été un succès critique et au box-office, bien que certains critiques LGBT se soient hérissés du trope « lesbian turns straight”. À notre avis, Cholodenko obtient un laissez—passer en tant que lesbienne à Hollywood qui fait de grands films – et cela se passe bien à la fin. —JD

« Punch Drunk Love » (2002)

La brillante méditation de Paul Thomas Anderon sur les hommes en colère et réprimés qu’Adam Sandler a joués un million de fois transforme cet archétype en une vision merveilleuse. Le solitaire déprimé Barry Egan peine à trouver les mots pour faire face à un monde qui le jette sans fin, mais sa panacée arrive comme une révélation en compagnie romantique (ce serait Emily Watson). Vous pourriez disséquer la politique de genre de ce film à mort, mais le scénario de PTA réussit le pari brillant de rester dans les limites de la tête de Barry, donc peu importe ce qui se passe vraiment dans ces derniers moments, il est clair qu’il a trouvé la paix. ”J’ai de l’amour dans ma vie, déclare-t-il, et cela me rend plus puissant que vous ne pouvez l’imaginer. »En effet, c’est peut-être le plus proche qu’Anderson arrive à faire un film de super-héros grâce à sa propre logique narrative bouclée et surréaliste. C’est aussi une méditation fantaisiste sur l’inanité de la rage alimentée par la testostérone. ”C’est ça, l’homme du matelas » devrait être le mantra de tout le monde. – Eric Kohn

« Carol” (2015)

L’un des plus beaux aspects de « Carol” est le poids et l’émotion qui se tiennent en un seul coup d’œil entre Carol et Thérèse, surtout à une époque où les mots ne pouvaient être pondérés que par une émotion soigneusement voilée. L’attirance entre Carol et Thérèse est indéniable et cela bouleverse tout ce que Thérèse pensait savoir d’elle-même, l’envoyant dans son propre voyage de découverte de soi à la fois entrelacée et séparée de Carol. Aujourd’hui, à l’ombre de films comme « Moonlight” et « Call Me By Your Name”, « Carol” ressemble presque à une relique, un film qui ne peut pas célébrer pleinement l’amour gay sans avoir des conséquences accablantes. Néanmoins, le scénario de Phyllis Nagy, nominé aux Oscars, reste un rappel essentiel de la beauté de la queer, et des longueurs que nous avons (et devons encore parcourir) en termes d’acceptation.

Lorsque les deux femmes cèdent enfin à leur passion, le résultat est une belle démonstration d’érotisme teintée de chagrin d’amour — Carol sait que finalement céder signifie aussi la fin. Leur passion a implosé à la fois le mariage de Carol et leur propre relation, et quand ils se voient enfin après un certain temps, leurs rôles ont été définitivement inversés. Thérèse est différente, plus sûre et sûre de qui elle est, en partie grâce à Carol. Et c’est Carol qui semble maintenant précaire, ayant perdu le confort de son ancienne vie, son mariage et son enfant, et le seul véritable amour qu’elle avait trouvé en Thérèse. — Jamie Righetti

« Inglourious Basterds” (2009)

François Duhamel / The Weinstein Company / Universal Pictures

Ne jamais hésiter à broyer son propre mythe, Quentin Tarantino a déclaré publiquement que la scène d’ouverture de « Inglourious Basterds” est sa chose préférée qu’il a jamais écrite. Et si les artistes ne sont pas toujours les meilleurs arbitres de leur propre travail, Tarantino est le rare cinéaste aussi célèbre pour son goût pour les films que pour les réaliser. Bien sûr, il a celui-ci juste.

Extrayant un suspense incroyable d’une méga dose d’exposition, la conversation de Hans Landa avec un producteur laitier français étrangement tendu en fait non seulement l’une des grandes introductions de méchants de tous les temps, elle prend également un trope familier du cinéma de l’Holocauste – coupant entre un Nazi calme et les Juifs pétrifiés qui se cachent de lui à quelques mètres — et l’explose dans un monde coloré moins informé par la Seconde Guerre mondiale que par les films qui en ont été faits. Le point culminant terrifiant de la séquence, écrasant « Les Chercheurs” dans « Massacre à la tronçonneuse du Texas” afin d’arriver à quelque chose de complètement nouveau, prépare le terrain pour le plus grand film de Tarantino, celui qui fait le mieux valoir que « pastiche” n’est qu’un mot sale si vous ne savez pas comment le prononcer correctement. Une œuvre éblouissante d’histoire révisionniste qui superpose une pièce de théâtre inoubliable à une autre, « Inglourious Basterds » transforme en quelque sorte une petite poignée de scènes autonomes en une épopée délirante et satisfaisante, pleine de grands personnages, de moments dignes de mention et d’un amour profond pour les films eux-mêmes. – David Ehrlich

« Tu peux compter sur Moi” (2000)

À la fin des débuts acclamés de Kenneth Lonergan, le jeune frère capricieux (Mark Ruffalo) est sur le point de monter dans un bus vers un avenir incertain. Il répète à sa sœur (Laura Linney) :  » Rappelez-vous ce que nous disons. »Les personnages ne disent jamais ce que c’est, mais le public sait instinctivement que c’est le titre du film: Vous pouvez compter sur moi. C’est un pur moment de Kenneth Lonergan, le public remplissant les blancs de ses personnages endommagés de telle sorte que notre compréhension d’eux soit à la fois plus profonde et plus émotionnelle. Dans le premier long métrage du célèbre dramaturge, le lien entre le frère et la sœur a clairement été façonné par les événements tragiques de leur enfance, mais c’est un passé dont on nous donne une image complète sans jamais l’avoir vu. Au lieu de cela, l’écrivain expose tout cela à travers des implications et fait confiance à ses interprètes — ainsi qu’au public — pour faire le saut. – Chris O’Falt

« Moonlight » (2016)

Parce que ”Moonlight » est si viscéralement engageant, les qualités non conventionnelles et non américaines de la narration de ce scénario oscarisé sont souvent ignorées. Dans un film qui couvre des décennies de la vie de son protagoniste, les scénaristes Barry Jenkins et Tarell Alvin McCraney creusent profondément trois brefs moments et demandent au public de faire des liens qui révèlent de grandes vérités sur l’homme que Chiron devient. De la disparition de Juan (Mahershala Ali) dans le deuxième chapitre – nous laissant désorientés et devant reconstituer l’histoire de ce qui s’est passé, un peu comme un enfant abandonné – aux 20 dernières minutes déchirantes du film, les choix audacieux et risqués du scénario de ”Moonlight” sont payants d’une manière qui ne fait que s’améliorer avec le temps et les visionnements répétés. —CO

« Lost in Translation” (2003)

Si « The Virgin Suicides” a consacré Coppola comme un nouveau talent majeur, « Lost in Translation” a prouvé qu’elle ne faisait que commencer. Le sort fascinant et texturé de la star de cinéma vieillissante Bob Harris et de la jeune femme qu’il se lie d’amitié dans un hôtel somptueux de Tokyo a accompli beaucoup de choses à la fois: Il a refait à lui seul la carrière de Bill Murray et a mis Scarlett Johansson sur la carte; il a transformé la vision occidentalisée du luxe de Tokyo sur son oreille; il a attaqué l’industrie de la publicité; il a fait paraître le karaoké cool. Les deux acteurs étaient prêts pour la comédie romantique ludique et mystérieuse de Coppola, une histoire kafkaïenne de deux personnes d’horizons différents qui trouvent un terrain d’entente dans le monde triste et solitaire qui les entoure. Le visage de Murray raconte la moitié de l’histoire, chaque pli et chaque sourcil en disent long sur ses frustrations intériorisées. Mais le personnage de Johansson, une jeune femme fatiguée de jouer la femme trophée à son mari égocentrique, a longtemps été interprété comme un avatar pour les propres expériences de Coppola dans son mariage avec Spike Jonze.

Coppola ne nie pas à ces personnages la possibilité de trouver leur chemin vers une fin heureuse; mais dans un coup de maître devenu emblématique, elle prive le public de la possibilité d’entendre les mots de séparation du futur couple. C’est l’éclat de Coppola en un mot — les limites du langage ne peuvent jamais transmettre les possibilités illimitées de l’engagement émotionnel. Nous serons intrigués par le dernier échange de Bob et Charlotte depuis des lustres, mais ses implications émouvantes sont indéniables. —EK

Trilogie « Le Seigneur des Anneaux” (2001-2003)

Les scripts de Philippa Boyens, Peter Jackson et Fran Walsh pour « Le Seigneur des Anneaux” ont en quelque sorte distillé 450 000 mots dans une trilogie cinématographique fluide qui fait fondre tout J.R.R. La mythologie ridiculement dense de Tolkien dans une aventure épique riche de cœur et d’humanité. Sachant exactement ce qu’il faut omettre (à bientôt, Tom Bombadil) et ce qu’il faut ajouter (l’évolution d’Arwen en cavalier champion est une belle touche qui aide à galvaniser son intrigue amoureuse), l’équipe de Jackson a coupé droit à l’essence de ces personnages, tout en laissant la place aux spectateurs pour s’imprégner de la splendeur de la Terre du Milieu qui les entoure. Que l’édition étendue de « The Two Towers” soit encore plus riche (et semble plus courte) que la coupe théâtrale est un hommage à la vision de Tolkien — que le film fonctionne si magnifiquement même sans les morceaux de Faramir est un témoignage incontestable de l’intégrité fondamentale de ces scénarios, qui ne trichent jamais ni ne prennent de raccourcis émotionnels non mérités. Nous ne saurons peut-être jamais pourquoi les eagles n’ont pas simplement volé l’Anneau Unique pour monter Doom, mais avec une écriture aussi bonne, il est difficile de se plaindre. —DE

« Sideways” (2004)

Les hommes tristes pourraient être au centre du scénario oscarisé d’Alexander Payne et Jim Taylor (adapté du roman du même nom de Rex Pickett), mais les scribes s’ouvrent sagement quand il est temps d’introduire des personnages féminins sterling comme Maya et Stephanie – cela ne veut pas dire que Miles et Jack ne vont pas bien — écrit; ils sont tous les deux écrits si brusquement qu’il est presque douloureux de les voir s’exposer de manière plus horrible — mais le scénario a la générosité et la sagesse de ne faire que s’étendre davantage à mesure que de plus en plus de gens sont introduits. Et ce sont les gens qui font descendre « latéralement” si facilement, surtout quand les choses deviennent difficiles à avaler. Une étude de caractère principalement de Miles, « Sideways » est tout aussi contraint par les autres personnes qui filtrent dans et hors de sa vie, attirant ses bonnes choses et ses très, très mauvaises choses en relief à mesure que chaque page se retourne. C’est un scénario ponctué de lignes classiques (principalement sur le vin, certainement sur le « putain de Merlot”) et de discours passionnés (du genre à la fois bien ficelé et relatable), de pièces de théâtre sauvages et du sentiment que Taylor et Payne savent toujours quand s’arrêter (même si vous voulez qu’ils aillent plus loin). Il se lit comme son propre roman, à la fois une tragédie et une comédie, avec tout disposé sur la page et débordant. – Kate Erbland

« Spotlight” (2015)

Même quand ce sont de vraies nouvelles en ligne, les films sur le journalisme ne fonctionnent pas toujours: personne ne le sait mieux que le scribe de « Spotlight” Josh Singer, qui a écrit le drame décevant de Wikileaks « The Fifth Estate” avant de rencontrer le réalisateur Tom McCarthy pour écrire ce qui allait devenir le gagnant du meilleur film. Assembler le scénario de l’histoire vraie derrière l’enquête déchirante — et qui change le monde – du Boston Globe sur les crimes sexuels commis par des prêtres catholiques était un acte de journalisme en soi, ponctué d’heures d’interviews, de tonnes de voyages et d’un montage aller—retour entre les deux pour aller au cœur d’une histoire étonnante. C’est peut-être pour cette raison qu’il fonctionne si bien, ne coupant pas les coins ronds lorsqu’il s’agit de la réalité du reportage, tout en trouvant le temps de développer ses personnages et de raconter une histoire. Il frappe au bon rythme, mais il le fait de manière méritée, enracinée dans le réalisme et luttant pour la vérité à chaque tournant. —KE

« The Grand Budapest Hotel » (2014)

Moviestore/REX/

Dans une station balnéaire rose dans un pays maquillé, un garçon nommé d’après un certain nombre étudie l’hospitalité d’un suspect de meurtre et d’un possible gigolo. C’est ce qu’a pensé Wes Anderson lors de l’écriture du scénario ingénieux de son huitième long métrage, qui lui a valu la moitié de ses six nominations aux Oscars (dont un clin d’œil au meilleur scénario original, partagé avec Hugo Guinness), ainsi que ses meilleurs chiffres au box-office à ce jour. Influencée par les histoires du scribe autrichien Stefan Zweig, la fable « The Grand Budapest Hotel” n’est pas racontée par un employé, mais par un auteur qui n’a rencontré la station que des décennies après avoir perdu sa splendeur. Se déroulant pour la plupart dans les années 30, mais rebondissant parfois dans les années 60 et au-delà, le film d’Anderson sorti en 2014 a de nouveau bénéficié d’une conception de production prismatique et d’un casting séduisant (y compris un rôle principal inconnu, Tony Revolori, et Tilda Swinton en tant que propriétaire unique gériatrique de l’hôtel). La fin sombre ne fait que rendre les 100 minutes passées dans la sierra de Zubrowka extrêmement extravagantes. – Jenna Marotta

« Toy Story 3” (2010)

Après avoir remporté un Oscar pour son premier scénario produit, « Little Miss Sunshine”, Michael Arndt a rejoint l’équipe de Pixar et a été chargé d’écrire le scénario de la franchise bien-aimée « Toy Story 3. »Il a commencé avec le squelette solide d’un traitement Andrew Stanton de 20 pages, les résultats d’une retraite de deux jours avec le Pixar brain trust dirigée par les créateurs originaux de « Toy Story” – John Lasseter, Lee Unkrich et Pete Docter. Arndt a dû proposer des séquences fortes de 25 pour que les animateurs prennent vie alors qu’il continuait à peaufiner le scénario compliqué, qui prend 10 ans plus tard alors qu’Andy se dirige vers l’université. Ses jouets anxieux font face à ce qui pourrait être la fin de leur vie naturelle. Andy se soucie-t-il d’eux, sauf de Woody? Ils se donnent donc à la garderie Sunny Side, qui semble bienveillante en surface mais s’avère être une prison. C’est alors que le film vire en mode évasion de prison, avec des hommages à « The Great Escape” et « Cool Hand Luke. »

Le scénario conduit Andy à un endroit où il peut donner les jouets à une petite fille méritante. Mais il a fallu trois ans et plusieurs versions du film pour atteindre la ligne d’arrivée, et cela en valait la peine. – Anne Thompson

« A Serious Man” (2009)

Vous savez que Joel et Ethan Coen sont sur le point de devenir personnels lorsqu’ils commencent un script avec un prologue yiddish sur un meurtre dans un shtetl en Europe de l’Est du 19ème siècle. Le prologue de ”Un homme sérieux » présente une vision pessimiste d’une vie maudite, et cette perspective sombre se fond dans l’histoire des frères Coen de Larry Gopnick, un professeur de physique juif à bout de chance dont la vie est une longue série d’événements malheureux. Le scénario des Coen est une classe de maître dans la comédie noire, le sort de Larry devenant une ode déprimante mais souvent humoristique au monde qui ne joue pas en notre faveur. —ZS

”Lady Bird » (2017)

A24

”Frances Ha » était la première chose que Greta Gerwig avait coécrite (avec son partenaire Noah Baumbach) qui ressemblait à un pas vers la réalisation et l’écriture qu’elle voulait faire. En 2013, Gerwig avait jeté toutes ses idées de « Lady Bird” dans une première ébauche de 350 pages. Elle a ensuite passé des années à le réduire, lentement et délibérément, à le lire à haute voix, à affiner les rythmes. Une fois le scénario terminé, Gerwig a dû décider de donner le film ou de le réaliser elle-même. Son film fictif mais semi-autobiographique était proche du scénario final. La candidate irlandaise aux Oscars Saoirse Ronan a joué le rôle de Christine « Lady Bird » Macpherson (une version du lycéen catholique Gerwig) en tant que vautour de la culture racoleur et vorace désireux d’échapper à ses confins de Sacramento pour un collège de l’Est. Laurie Metcalf cloue sa mère en colère, frustrée, pincée et aimante qui ne peut s’empêcher de revenir à de vieilles disputes. Tracy Letts est le père adorateur de Lady Bird, et Lucas Hedges et Timothée Chalamet sont ses enchevêtrements romantiques difficiles. « Lady Bird » marque un triomphe à part entière non seulement en tant que scénario superbe et travaillé avec précision, mais aussi en tant que pièce de cinéma entièrement réalisée. De toute évidence, Gerwig s’était préparée à prendre les rênes de la direction toute sa vie. —À

”Memento » (2000)

C’est un grand témoignage des talents de Christopher et Jonathan Nolan que ”Memento » a pu avoir un tel impact un an seulement après le « Fight Club » de David Fincher. »Mais alors que les deux films retirent le tapis des spectateurs grâce à des narrateurs peu fiables, les délais vertigineux du scénario nominé aux Oscars ont permis au public de revenir pour essayer de reconstituer le puzzle alléchant du film. Basé sur une nouvelle de Jonathan Nolan, « Memento” suit Leonard, un homme tellement accablé de culpabilité qu’il lui brise l’esprit, et l’envoie dans une quête de vengeance contre l’agresseur inconnu qui s’est introduit chez lui et a assassiné sa femme. Leonard souffre d’amnésie antérograde à la suite de l’attaque, et son incapacité à créer de nouveaux souvenirs ont transformé son corps en une toile de paranoïa, avec des tatouages liés à sa tâche encrés sur chaque pouce de peau disponible. Mais ”Memento » n’est pas vraiment une question de savoir si Leonard est John G, et s’il a tué sa femme dans une explosion de violence ou une overdose d’insuline. Au lieu de cela, il s’agit des longueurs que nous pouvons parcourir pour éviter le deuil et de la dangerosité de la vulnérabilité que nous devenons en conséquence. C’est cette parabole plus profonde, plongée dans le plus grand mystère structurel, qui contribue à rendre le « Memento” si effrayant et inoubliable. -JR

”Zodiac » (2007)

Paramount

David Fincher n’était pas étranger au genre policier, ayant déjà ”Se7en » et ”Fight Club » à son actif lorsqu’il a réalisé ”Zodiac » en 2007. Adapté du livre de Robert Graysmith sur le tueur en série qui a terrorisé San Francisco à la fin des années 60 et 70, il y a de bonnes raisons pour lesquelles « Zodiac” est souvent salué comme le chef-d’œuvre de Fincher et l’un des meilleurs films du genre. L’attention obsessionnelle de Fincher aux détails et l’adhésion du scénario au matériau source insufflent au film un réalisme presque alarmant et capturent l’atmosphère tendue d’une ville en périphérie. Chaque meurtre prend vie sur la base du témoignage des survivants de la vie réelle, et les résultats sont effrayants. Le gore et la violence ne se sentent jamais sensationnalisés ou glorifiés, mais traduisent à quel point chaque attaque était vraiment horrible. Mais au-delà des crimes eux-mêmes, l’amour de Fincher pour sa ville natale est évident tout au long du film et montre comment la ville a évolué autour d’une période aussi sombre de son histoire. Même aujourd’hui, « Zodiac” reste une merveille de CGI, et emballé avec des performances exceptionnelles de Mark Ruffalo, Robert Downey Jr. et Jake Gyllenhaal, il reste étonnant que le film ait été snobé par les Oscars. Malgré cela, « Zodiac” a survécu, gagnant les éloges de cinéphiles comme Guillermo del Toro, et même en tête de la liste des Meilleurs films policiers du 21e siècle d’IndieWire. -JR

« Manchester by the Sea » (2016)

Ce qui est souvent négligé lorsqu’on parle de ”Manchester by the Sea », l’un des meilleurs films de 2016 (et certainement le plus déchirant), c’est à quel point c’est sacrément drôle. Le scénario de Kenneth Lonergan équilibre presque toutes les scènes déchirantes avec un moment de légèreté, la plupart d’entre elles avec la permission de Lucas Hedges (deux mots: « affaire du sous-sol”); cela s’avère crucial, car le film aurait pu autrement être trop triste pour que la plupart des gens puissent passer à travers. Chaque larme est gagnée ici, que ce soit de rire ou (plus souvent) de chagrin, Lonergan montrant à maintes reprises que « Tu peux compter sur moi” et « Margaret” étaient loin d’être des douves. Il est grandement aidé par son casting, en particulier Casey Affleck et Michelle Williams, qui dans une scène dévastatrice donnent vie à ses mots d’une manière à la fois difficile à supporter et impossible à détourner. Cette description s’applique à  » Manchester  » dans son ensemble. -Michael Nordine

« Le Réseau social” (2010)

Facebook n’est pas cool. Tu sais ce qui est cool ? Un film sur Facebook. Maintenant considéré comme l’un des meilleurs films des augustins, « The Social Network” a été rejeté à vue par beaucoup en raison de son sujet. Et pourquoi pas ? Le site de médias sociaux n’avait vraiment pris de l’importance que quelques années plus tôt, et il était difficile d’imaginer que le suivi de David Fincher à « The Curious Case of Benjamin Button” reçoive un tel succès. Mais tout s’est réuni presque parfaitement sur le film, en grande partie grâce au scénario oscarisé d’Aaron Sorkin. Facebook trouve le scribe loquace à son meilleur, avec tous les coups verbaux (« Si vous étiez les inventeurs de Facebook, vous auriez inventé Facebook ») et les retours en arrière rapides que nous attendons (et, le plus souvent, l’amour) de lui. La représentation de Mark Zuckerberg par Sorkin n’était guère flatteuse, mais les titres récents suggèrent qu’elle était peut-être trop sympathique. -MN

”Get Out » (2017)

Sur la piste des prix pour ”Get Out », Jordan Peele a beaucoup parlé de la façon dont la vérité était l’ingrédient essentiel qui a permis à son film de livrer sa perspective complexe sur la race à un public de masse. Et tandis que Peele mettait à l’écran des réalités indéniables et une sensibilité qui manquait cruellement au divertissement grand public, il marchait sur une corde raide narrative qui nécessitait autant de métier que de perspicacité. Avec une marge d’erreur nulle, le scénariste-réalisateur a construit un scénario où la compréhension par le public de ce que Chris (Daniel Kaluuya) pense et ressent est toujours claire. Comme Hitchcock dans son exécution, et jouant sur les attentes du genre et du public (en particulier sur la façon dont la dynamique raciale est traditionnellement dépeinte à l’écran), les rebondissements de « Get Out” ne sont pas seulement haletants; chacun révèle une nouvelle couche à son exploration des systèmes de croyances racistes systématiques. Ce film de genre divertissant et oui, véridique, ne peut être pleinement apprécié que lorsque vous décomposez les éléments constitutifs de la façon dont Peele l’a reconstitué. -CO

« Adaptation » (2002)

Il est toujours merveilleux de se promener dans l’esprit de Charlie Kaufman, et son examen vertigineux du bloc de l’écrivain dans ”Adaptation » est l’une de ses plus belles œuvres. Prenant une version fictionnelle de lui-même pour un tour, « Adaptation” suit un « Charlie Kaufman” alors qu’il lutte pour écrire une adaptation cinématographique de « The Orchid Thief » de Susan Orlean. Pendant ce temps, son jumeau fainéant Donald commence à nourrir ses propres rêves de célébrité scénaristique, et les films se fragmentent en un récit métafictionnel de l’art, de la luxure et de la lutte créative. Alors qu’un casting courageux — dirigé par Nicolas Cage, Meryl Streep et Chris Cooper — et la direction inventive de Spike Jonze ont fait un film intemporel, l’épine dorsale créative était toute Kaufman. -NOUS

« Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (2004)

Focus Features

Sans prémisse fantastique et gags de vue – Zappez les souvenirs de votre cerveau une fois qu’ils deviennent désagréables! Plongez Jim Carrey et Kate Winslet dans un évier de cuisine surdimensionné! – Le scénario de Charlie Kaufman resterait un chef-d’œuvre mérité de son Oscar. Une « Annie Hall », pour l’ère post-vie privée gracieuseté du caméléon du genre Michel Gondry, ”Eternal Sunshine of the Spotless Mind » revisite les moments mondains en ouvertures romantiques. Joel et Clémentine, conscients d’eux-mêmes, se courtisent à deux reprises pour des salutations de train tâtonnées, des pilons de poulet glissés et un hokum observant les étoiles. Quand ils se séparent, chacun fait effacer tous les rappels de l’autre, une procédure sérieuse menée par des techniciens de cavale (Kirsten Dunst, Mark Ruffalo et Elijah Wood). À son point médian, Joel veut avorter mais ne peut pas, alors Clémentine joue guide touristique à travers les couloirs encore intacts de son esprit, apprenant tous ses secrets alors qu’elle le conseille à travers un « au revoir » imaginé. »Carrey n’a jamais été aussi ancré ou sincère, et la verve de Winslet suffit à inspirer d’innombrables randonnées à Montauk. — JM