Qu’est-ce qui rend un Film Indépendant « Indépendant »?

”C’est une période de rébellion… »

Ici, à l’École de cinéma Lights, on parle et on enseigne beaucoup sur le ” cinéma indépendant « .

Mais en rassemblant mes réflexions et mes recherches en vue d’un article sur le financement du cinéma indépendant, j’ai réalisé que « indépendant” est un terme incroyablement insaisissable – il est utilisé par différentes personnes pour désigner différentes choses; une recherche Google renvoie des dizaines de résultats respectables offrant une myriade de définitions.

Il est temps, me suis-je dit, de synthétiser ces définitions pour nos étudiants et nos lecteurs, ne serait-ce que pour que nous puissions discuter de la signification du « film indépendant” en un lieu au lieu de cent et un.

Votre court-métrage rebelle à petit budget est une production indépendante, ou « indie ». Avec un budget de quelque 20 millions de dollars, 12 Years a Slave de Steve McQueen a remporté les Independent Spirit Awards et a remporté le Prix du Meilleur Film aux Oscars en 2014. Comment les deux peuvent-ils revendiquer la couronne indépendante?

Qu’est-ce qu’un film indépendant, de toute façon ?

Au début, Il y avait une confiance

Revenons en arrière au début de l’industrie en Amérique.

En 1908, la Motion Picture Patents Company (MPPC) forme une fiducie comprenant les principales sociétés cinématographiques américaines, le principal distributeur de films, et Eastman Kodak, le principal fournisseur de stock de films bruts à l’époque. Ce faisant, le MPPC a centralisé et normalisé la production, la distribution et l’exposition de films, interdisant la concurrence. Les non-membres ont été qualifiés d’”indépendants » et bannis du royaume.

Un grand contingent de ces exclus a fait ses valises et est allé vers l’ouest, cherchant à se libérer de la juridiction du MPPC. Finalement, ils ont trouvé leur chemin vers le village de Hollywood, en Californie.

La frontière convenait parfaitement à ces indépendants : la Cour d’appel du Neuvième Circuit de San Francisco était opposée à l’application des revendications de brevets, leur permettant ainsi de construire leur propre équipement et de produire leurs propres films.

En 1913, les indépendants étaient en avance sur le jeu avec des dizaines de longs métrages à leur nom, tandis que le MPPC s’accrochait à un format plus court désuet. Les redevances de brevets de la fiducie ont pris fin en septembre 1913, le déclenchement de la Première Guerre mondiale a étouffé ses activités européennes et, le 1er octobre 1915, la cour fédérale a statué que la CPPM était allée « bien au-delà de ce qui était nécessaire pour protéger l’utilisation des brevets”, la proclamant une restriction illégale du commerce.

Trois ans plus tard, le MPPC a officiellement pris fin.

L’essor du système des studios&L’âge d’or d’Hollywood

Pendant que le MPPC s’effondrait, les indépendants d’Hollywood étaient occupés à établir un nouveau système de production, de distribution et d’exposition de films. Les sociétés de production sont devenues des conglomérats intégrés verticalement qui possédaient des studios, des divisions de distribution, des théâtres et des contrats de personnel, ce qui a donné naissance au « Système des studios”.

20th Century Fox, Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, RKO Pictures et Warner Bros. ont mené l’industrie. Sous ces ”Cinq Grands » majors se trouvaient les ”Trois petits » majors: Columbia Pictures, United Artists et Universal Pictures. Tout le monde faisait partie de « Poverty Row”, des petits studios qui luttaient pour leur survie, pompant souvent leurs ressources dans le contenu des films B.

Et c’est ainsi que Le Système de Studio est venu à ressembler à la confiance même qu’il avait évincée. Les équipes créatives étaient considérées comme des employés de studio, pas comme des artistes indépendants, et pour de nombreux espoirs de starstruck, la barre d’entrée était prohibitive.

Bien que férocement encadré, le système facilitait la production de contenu avec une telle régularité que les studios pouvaient miser sur des longs métrages à budget moyen et des acteurs inconnus, ce qui donnait lieu à des classiques comme Citizen Kane (1941).

Cet Âge d’or d’Hollywood, qui s’étend de la fin des années 1920 au début des années 1960, nous a amené Le Magicien d’Oz (1939), Autant en emporte le Vent (1939), Diligence (1939), Casablanca (1942), North by Northwest (1959), et bien d’autres. Malgré les pratiques commerciales, le système de studio était une machine bien huilée qui a fait le travail.

La fin d’une époque

Seuls les Artistes Unis se sont dressés à contre-courant.

Formé par quatre pionniers du cinéma muet, le studio a cherché à revenir aux racines indépendantes d’Hollywood. Il fonctionnait principalement en tant que financier et distributeur de projets produits en dehors du système intégré des autres majors.

UA ont lutté, mais en 1941, beaucoup de ses membres fondateurs – avec Walt Disney, Orson Welles et d’autres – ont soutenu la création de la Society of Independent Motion Picture Producers, un groupe engagé dans la lutte contre les pratiques oligopolistiques d’Hollywood.

En 1942, la SIMPP a intenté une action antitrust et, en 1948, l’historique United States vs. Affaire Paramount Pictures, la Cour suprême a ordonné aux majors de se séparer de leurs chaînes de théâtres, brisant de fait le modèle économique des studios. Le SIMPP a fermé ses portes en 1958, après avoir réalisé la majorité de ses objectifs. L’âge d’or d’Hollywood était terminé.

On pensait que le fait de priver les studios de leurs chaînes de théâtres produirait des films à un prix plus abordable et augmenterait leur disponibilité. Au lieu de cela, en 1955, « le nombre de films produits avait chuté de 25%. Plus de 4 200 théâtres (soit 23 % du total) avaient fermé leurs portes. Plus de la moitié de ceux qui restaient n’ont pas pu réaliser de profit ”. L’avènement de la télévision a encore nui à l’écran d’argent en Amérique, en compétition pour l’attention du public.

La Montée des Indépendants

Mais un temps de transition est un temps de potentiel autant que de péril. Les efforts de rupture de confiance de SIMPP, combinés à l’avènement de caméras portables bon marché pendant la Seconde Guerre mondiale, ont mis le pouvoir entre les mains du peuple. La mainmise des studios n’était plus ; les outils du métier étaient accessibles à tous ceux qui osaient les manier.

Travaillant en dehors du système des studios, une nouvelle génération de cinéastes a pris des risques créatifs avec des longs métrages à petit budget, canalisant l’esprit du cinéma d’art de la Nouvelle Vague française. En 1953, le Petit Fugitif de Ray Abrashkin a été nominé à l’Oscar du Meilleur scénario original, le premier « film indépendant” à recevoir une telle sanction de la part de l’industrie.

Cependant, certains indépendants ne se souciaient pas du tout de « l’industrie”.

 » Le cinéma officiel est à bout de souffle ”, proclamaient les membres fondateurs du Collectif des Cinéastes, une organisation à but non lucratif engagée dans la préservation et la distribution de films expérimentaux. Ils croyaient que l’industrie était devenue « moralement corrompue, esthétiquement obsolète, thématiquement superficielle, tempéramentalement ennuyeuse. »Sans surprise, le Collectif est devenu une ressource importante pour Andy Warhol et l’avant-garde.

La  » corruption morale  » ne figurait pas en tête des préoccupations des autres indépendants. Ils ont utilisé leur liberté pour gagner le marché des jeunes avec des promesses de sexe, de drogue et de violence, développant les genres de l’horreur et de la science-fiction.

En 1968, George Romero a choqué le public avec sa Nuit explicite des Morts-vivants, suscitant une controverse qui s’est résolue avec l’introduction de la classification des films MPAA Système plus tard cette année-là.

« Les enfants du public étaient stupéfaits”, a rapporté Roger Ebert dans sa critique pour le Chicago Sun-Times. « Il y avait une petite fille de l’autre côté de l’allée, peut-être âgée de neuf ans, qui était assise très immobile sur son siège et qui pleurait. Variety est allé jusqu’à considérer le film comme une « orgie de sadisme sans partage”.

Pendant ce temps, de retour au Ranch

Pendant que les indépendants innovaient avec des budgets serrés et grattaient le fond du baril de films B, Le système de studio se démenait pour se remettre de l’affaire Paramount et attirer le public loin de leurs téléviseurs.

Au lieu de pousser l’enveloppe du contenu, les majors ont versé leurs ressources dans des films à spectacle. Des présentations grand écran, des présentations 3D, un son stéréo, même des « Smell-o-Vision » – dans lesquels les odeurs étaient émises pour correspondre aux événements à l’écran – ont vendu des billets pendant la majeure partie des années 1950.

Des films comme Les Dix Commandements (1956) et Lawrence d’Arabie (1962) ont ébloui, tandis que d’autres – dont le très coûteux Cléopâtre (1963) – ont fait faillite.

Une série de ces échecs a incité les studios, de plus en plus désespérés, à se tourner vers de nouveaux talents. En 1967, Warner Brothers a engagé Warren Beatty, âgé de vingt-neuf ans, pour produire Bonnie and Clyde, qui a fait monter la violence au-delà des niveaux de studio traditionnels et a rapporté plus de 70 millions de dollars.

En conséquence, les studios ont ouvert la porte à  » la Génération de l’École de cinéma ”, de jeunes écrivains, réalisateurs et acteurs – des  » auteurs ” – auxquels ils ont fait confiance.

Naissance d’un ”Nouvel Hollywood »&Studios filiales

Surnommé ”New Hollywood » par la presse, cette époque a poussé Hollywood vers de nouveaux territoires, empruntant aux indépendants américains et au cinéma d’art en plein essor en Europe. À la demande de leurs créateurs, des films comme The Graduate (1967, financé et sorti par un petit studio), Easy Rider (1969, financé par un petit studio) et Midnight Cowboy (1969, le premier film classé X financé et sorti par un grand studio) ont remis en question les conventions narratives et les mœurs sociales.

Cette nouvelle vague américaine a déferlé dans les années 1970, nous apportant des sensations de studio majeures comme The Godfather (1972), American Graffiti (1973) et Taxi Driver (1976).

C’est à cette époque que le « film indépendant” est devenu particulièrement difficile à définir.

Les grands studios finançaient et diffusaient des images qui poussaient des enveloppes, autrefois le royaume des indépendants. Tout au long des années 1990 et jusqu’au début des années 2000 – inspiré par le succès du Nouvel Hollywood et de ses successeurs spirituels, y compris des auteurs comme Steven Soderbergh et Quentin Tarantino –, le conglomérat Hollywood a créé des studios subsidiaires pour produire du « contenu indépendant” à l’esprit franc-tireur. Ainsi, Fox Searchlight Pictures, Paramount Vantage, Sony Pictures Classics et d’autres sont venus au monde.

Avec les majors soutenant le « contenu indépendant », on ne peut s’empêcher de se demander: est-ce que ”independent » est indépendant s’il a des dollars de conglomérat derrière lui? Un film indépendant est-il défini par son soutien et son budget, ou est-il défini par quelque chose de plus abstrait, disons, par un certain « esprit”?

Les Ouroboros du Cinéma indépendant

Pour aborder cette question, récapitulons l’histoire jusqu’à présent:

L’Indie tourne le grand public redevient l’indie, avec une appropriation de l’indie dans le grand public. Et donc la roue tourne… Retracer l’histoire du  » cinéma indépendant « , c’est retracer un Ouroboros; un cycle d’empire et de rébellion dont les étapes sont difficiles à distinguer. Où commence l’un et où se termine l’autre ?

Peut-être que les analyses historiques et financières tentent de diviser l’indivisible. Peut-être que ”indépendant » est intangible, l’éternel retour du cinéma, un courant de qualité et de caractère qu’un film a ou non.

L’écrivain John August le dit mieux:

Je dirais que le terme « film indépendant » devrait être réservé pour parler du film lui-même, plutôt que de la façon dont il a été financé. Il y a une raison pour laquelle le mot « indépendance » apparaît si souvent à proximité de « révolution » – un esprit partagé de frustration, d’anarchie et de bouleversement de l’apple cart. Dès leur conception, les films indépendants ne sont pas seulement réalisés en dehors du système de studio. Ils sont réalisés en opposition avec le système du studio, avec son besoin incessant d’arrondir les angles et d’adoucir les coups. Et en s’opposant au statu quo, les films indépendants aident à le changer.

L’anthropologue culturelle Sherry Ortner apporte plus de lumière sur le « film indépendant” dans son essai perspicace, « Against Hollywood: American Independent Film as a Critical Cultural Movement”. Elle soutient qu’ils peuvent être lus « comme incarnant ce que George Marcus et Michael Fischer (1986) ont appelé la ”critique culturelle »:

‘la promesse de l’anthropologie a été de servir de forme de critique culturelle pour nous-mêmes. En utilisant des portraits d’autres modèles culturels pour réfléchir de manière autocritique sur nos propres voies, l’anthropologie perturbe le bon sens et nous oblige à réexaminer nos hypothèses prises pour acquis  » It Il n’est pas exagéré de transposer cette idée dans le monde du cinéma indépendant, qui utilise souvent les mêmes stratégies de dés-familiarisation de l’anthropologie et de l’ethnographie pour « perturber le bon sens et nous faire réexaminer nos hypothèses prises pour acquis. »Plus précisément, de nombreux films indépendants adoptent une sorte de réalisme sévère, faisant des films qui montrent les sombres réalités de la vie contemporaine, et qui demandent au spectateur de vivre viscéralement ces réalités et de les appréhender.

Independent est dans un film, ou ce n’est pas le cas. C’est plus une force vitale déterminante, un « esprit”, qu’un ensemble matériel de conditions d’origine.

Encadrer l’indépendance de cette manière dissipe beaucoup de confusion. L’esprit de votre short rebelle à petit budget repousse les limites; tout comme l’esprit de 12 Years a Slave, avec sa représentation sans faille de 20 millions de dollars des « sombres réalités” d’une institution maléfique.

Cela dit, il y a naturellement une corrélation entre l’esprit d’indépendance et ses conditions d’origine – parce que le contenu indépendant est intrinsèquement risqué, il est souvent fait pour moins d’argent. En effet,  » La meilleure façon d’avoir de l’indépendance est de réduire son budget ”, conseille le réalisateur de La Vie des autres (2006).

L’indépendance à Hollywood: Budgets&Box–Office

Au risque de trop simplifier l’industrie, le Hollywood d’aujourd’hui réalise trois niveaux de films:

1. Des blockbusters produits par les majors actuelles – 20th Century Fox, Columbia Pictures, Paramount Pictures, Universal Pictures, Walt Disney Pictures et Warner Bros. Pictures – avec des budgets de plusieurs centaines de millions. Le succès au box-office de Jaws (1975) et de Star Wars (1977, produit par le studio du réalisateur George Lucas) a donné naissance à une nouvelle mentalité de blockbuster, réinventant les images axées sur le spectacle des années 1950; des locaux à concept élevé, un merchandising à nouer et des suites animent ce modus operandi. « Quelque chose qui ressemble à un blockbuster a beaucoup plus de chances d’être financé et soutenu”, explique le professeur Joseph Lampel de la Cass Business School à Londres. « Tout le monde adhère à cette formule, et si elle échoue, personne n’est blâmé. »
2. Contenu indépendant produit par des studios filiales, rarement pour plus de 20 millions de dollars, notamment le seuil d’éligibilité pour les Independent Spirit Awards 2014.
3. Contenu indépendant produit par de petits studios et des producteurs indépendants, rarement pour plus de 10 millions de dollars, acheté dans des festivals et ailleurs.

Pour nous donner une idée de ce que les budgets de 20 millions de dollars et moins peuvent accomplir, examinons les dix plus récents lauréats du Festival du film de Sundance et des Independent Spirit Awards, deux principales compétitions de films indépendants américains:

Selon la consultante financière du cinéma Louise Levison, en 2013, « Le box-office indépendant national is est 37.4 pour cent du box-office total estimé à 10,9 milliards de dollars ”. Dit autrement, environ 60% du brut de l’année dernière a été généré par (1), les principaux studios d’Hollywood, tandis que les 40% restants – c’est-à-dire., plus de 4 milliards de dollars – a été généré par (2) et (3), studios et achats filiales d’Hollywood.

D’un plus grand intérêt est le fait que plus de 80% du box-office indie national de 2013 – c’est-à-dire., plus de 3 milliards de dollars – a été généré par des films avec des budgets inférieurs à 9 millions de dollars. C’est une bonne nouvelle pour les petits studios hollywoodiens et les producteurs indépendants; ils peuvent être assurés qu’il y a, en fait, une demande au box-office pour leurs films.

Independence from Hollywood: Truth&Control

Bien sûr, tous les cinéastes indépendants ne se tournent pas vers Hollywood. Il y a ceux qui s’opposent avec véhémence à tous les vestiges du système des studios hollywoodiens; qui le perçoivent comme le commerce qui tue la vérité de l’art.

Hollywood, disent certains, colporte l’évasion de formules. ”Je ne supporte pas les intrigues », partage la cinéaste indépendante Harmony Korine, « Parce que je ne sens pas que la vie a des intrigues. Il n’y a pas de début, de milieu ou de fin, et cela me dérange quand les choses sont si parfaitement liées. »

Le franc-tireur Charlie Kaufman pousse les réflexions de Korine plus loin :  » Je déteste les films qui me mentent. Devrais-je m’asseoir là en pensant que ma vie est nulle parce que ce n’est pas comme celles à l’écran, et je ne reçois pas ces leçons de vie? Ma vie, celle de n’importe qui, ressemble plus à une confusion, et ces films ne sont que des ordures dangereuses. »

Pour beaucoup, la priorisation du commerce conduit également à un manque de contrôle créatif. La légende indie Kevin Smith se souvient de son expérience de réalisation de Jersey Girl (2004) dans le système du Studio:

J’ai dû écouter les notes du studio So Donc il y a eu des changements apportés au film I Je ne veux plus jamais revivre cette merde It Cela m’a amené à un point où je me suis dit: « Je ne veux pas travailler avec beaucoup d’argent, parce que cela signifie que le studio va vous faire faire tout ce que vous pouvez pour le rendre plus agréable au goût. masses.’

Aujourd’hui, si vous ne vous souciez pas d’atteindre « les masses” sur le grand écran d’Hollywood, vous avez de la chance. Il existe une pléthore d’approches alternatives pour voir et vendre son film, dont nous discutons dans notre article, Une Introduction à la Distribution de films indépendants à l’ère numérique.

En effet,  » Chaque film est différent ”, comme le souligne Marc Schiller, fondateur et PDG du distributeur BOND360, dans son interview à Lights. « Il n’y a vraiment pas de stratégie « taille unique « . »À mesure que l’ère numérique évolue, Hollywood devra composer avec l’accessibilité des contenus de niche sur les plateformes de VOD et ailleurs.

L’argent ne pousse pas sur les arbres

Nous avons conclu qu’un  » film indépendant ” se définit par son esprit. Parce qu’ils sont intrinsèquement risqués, la plupart des films indépendants – qu’ils soient réalisés à l’intérieur ou à l’extérieur du système de studios hollywoodiens – ont des budgets inférieurs à 20 millions de dollars.

Pour les lecteurs de Lights, 20 millions de dollars peuvent sembler loin. Comment peut-on amasser vingt mille dollars, et encore moins 1000 fois cela? Consultez notre introduction sur le financement de films indépendants, où nous discutons des bases de la collecte de fonds pour votre production!

Michael Koehler, avec

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