Précédent classiquedit
Il n’existe pas de définition formelle concise de la tragicomédie de l’âge classique. Il semble que le philosophe grec Aristote avait quelque chose comme le sens de la Renaissance du terme (c’est-à-dire une action sérieuse avec une fin heureuse) en tête lorsque, en poétique, il discute de la tragédie avec une fin double. À cet égard, un certain nombre de pièces grecques et romaines, par exemple Alcestis, peuvent être appelées tragicomédies, mais sans attributs précis en dehors de l’intrigue. Le mot lui-même provient du dramaturge comique romain Plaute, qui a inventé le terme de manière quelque peu facétieuse dans le prologue de sa pièce Amphitryon. Le personnage Mercure, sentant l’indécorum de l’inclusion des rois et des dieux aux côtés des serviteurs dans une comédie, déclare que la pièce vaut mieux être une « tragicomédie »:
Je vais en faire un mélange: que ce soit une tragicomédie. Je ne pense pas qu’il serait approprié d’en faire systématiquement une comédie, alors qu’il y a des rois et des dieux dedans. Qu’en penses-tu? Puisqu’un esclave a aussi un rôle dans la pièce, je vais en faire une tragicomédie…- Plaute, Amphitryon
Renaissance revivalsEdit
ItaliEdit
Le commentaire de Plaute a eu un impact sans doute excessif sur la théorie esthétique de la Renaissance, qui avait largement transformé les commentaires d’Aristote sur le drame en une théorie rigide. Pour les « tenanciers de règles » (le terme est celui de Giordano Bruno), les œuvres » mixtes » comme celles mentionnées ci-dessus, les « romances » plus récentes comme Orlando Furioso, et même L’Odyssée étaient au mieux des énigmes; au pire, des erreurs. Deux figures ont contribué à élever la tragicomédie au statut de genre régulier, ce qui signifie un avec son propre ensemble de règles rigides. Giovanni Battista Giraldi Cinthio, au milieu du XVIe siècle, a tous deux soutenu que la tragédie avec fin comique (tragedia de lieto fin) était la plus appropriée aux temps modernes et a produit ses propres exemples de telles pièces. Giovanni Battista Guarini était encore plus important. Il Pastor Fido de Guarini, publié en 1590, a provoqué un débat critique féroce dans lequel la défense énergique de Guarini de l’innovation générique a finalement eu raison de la journée. La tragicomédie de Guarini offrait une action modulée qui ne dérivait jamais trop vers la comédie ou la tragédie, des personnages maniérés et un cadre pastoral. Tous trois sont devenus des agrafes de la tragicomédie continentale pendant un siècle et plus.
EnglandEdit
En Angleterre, où la pratique l’emportait sur la théorie, la situation était tout autre. Au XVIe siècle, la « tragicomédie » désignait le genre de pièce romantique indigène qui violait les unités de temps, de lieu et d’action, qui mélangeait avec brio des personnages nés haut et bas et qui présentait des actions fantastiques. Tels étaient les traits que Philip Sidney déplorait dans sa plainte contre la « Tragi-comédie de mungrell » des années 1580, et dont le Polonius de Shakespeare offre un témoignage célèbre: « Les meilleurs acteurs du monde, que ce soit pour la tragédie, la comédie, l’histoire, la pastorale, la pastorale-comique, l’historique-pastorale, la tragi-historique, la tragi-comique-historique-pastorale, la scène individuable ou le poème illimité: Sénèque ne peut pas être trop lourd, ni Plaute trop léger. Pour la loi du bref et la liberté, ce sont les seuls hommes. »Certains aspects de cette impulsion romantique restent même dans le travail de dramaturges plus sophistiqués: les dernières pièces de Shakespeare, que l’on pourrait bien appeler tragicomédies, ont souvent été appelées romances.
Au début de la période Stuart, certains dramaturges anglais avaient absorbé les leçons de la controverse Guarini. La Bergère fidèle de John Fletcher, une adaptation de la pièce de Guarini, a été produite en 1608. Dans l’édition imprimée, Fletcher a offert une définition intéressante du terme, qui mérite d’être citée longuement: « Une tragi-comédie ne s’appelle pas ainsi en ce qui concerne la joie et le meurtre, mais en ce qui concerne elle veut des morts, ce qui suffit à ne pas en faire une tragédie, mais en apporte un peu, ce qui suffit à ne pas en faire une comédie. »La définition de Fletcher se concentre principalement sur les événements: le genre d’une pièce est déterminé par le fait que les gens y meurent ou non, et de manière secondaire sur la proximité de l’action avec une mort. Mais, comme l’a montré Eugene Waith, la tragicomédie développée par Fletcher au cours de la décennie suivante avait également des caractéristiques stylistiques unificatrices: des révélations soudaines et inattendues, des intrigues outrées, des lieux lointains et un accent persistant sur une rhétorique élaborée et artificielle.
Certains des contemporains de Fletcher, notamment Philip Massinger et James Shirley, ont écrit des tragicomédies populaires. Richard Brome a également essayé la forme, mais avec moins de succès. Et beaucoup de leurs écrivains contemporains, allant de John Ford à Lodowick Carlell en passant par Sir Aston Cockayne, ont tenté le genre.
La tragicomédie est restée assez populaire jusqu’à la fermeture des théâtres en 1642, et les œuvres de Fletcher ont également été populaires lors de la Restauration. Les styles anciens ont été mis de côté à mesure que les goûts changeaient au XVIIIe siècle; la « tragédie à la fin heureuse » s’est finalement transformée en mélodrame, sous quelle forme elle s’épanouit encore.
Landgartha (1640) de Henry Burnell, la première pièce d’un dramaturge irlandais à être jouée dans un théâtre irlandais, a été explicitement décrite par son auteur comme une tragicomédie. La réaction critique à la pièce était universellement hostile, en partie parce que la fin n’était ni heureuse ni malheureuse. Burnell dans son introduction à l’édition imprimée de la pièce a attaqué ses critiques pour leur ignorance, soulignant que, comme ils devraient le savoir parfaitement, de nombreuses pièces ne sont ni une tragédie ni une comédie, mais « quelque chose entre ».
Développements ultérieursmodifier
La critique qui s’est développée après la Renaissance a mis l’accent sur les aspects thématiques et formels de la tragicomédie, plutôt que sur l’intrigue. Gotthold Ephraim Lessing l’a défini comme un mélange d’émotions dans lesquelles « le sérieux stimule le rire et le plaisir de la douleur. »L’affinité de la tragicomédie avec la satire et la comédie « sombre » a suggéré une impulsion tragicomique dans le théâtre moderne avec Luigi Pirandello qui a influencé de nombreux dramaturges dont Samuel Beckett et Tom Stoppard. On peut également le voir dans un drame absurde. Friedrich Dürrenmatt, le dramaturge suisse, a suggéré que la tragicomédie était le genre inévitable du XXe siècle; il décrit sa pièce The Visit (1956) comme une tragicomédie. La tragicomédie est un genre courant dans le théâtre britannique de l’après-Seconde Guerre mondiale, avec des auteurs aussi variés que Samuel Beckett, Tom Stoppard, John Arden, Alan Ayckbourn et Harold Pinter écrivant dans ce genre. La fiction postmoderne Pale Fire de Vladimir Nabokov est une tragicomédie préoccupée par le drame élisabéthain
tragicomédie postmoderne aux États-UnisModifier
Les écrivains américains des mouvements métamodernistes et postmodernistes ont utilisé la tragicomédie et / ou l’humour de potence. Un exemple notable de tragicomédie métamoderniste est l’opus magnum de David Foster Wallace, Infinite Jest (1996). Wallace écrit des éléments comiques de la vie dans une maison de transition (c’est-à-dire que « certaines personnes ressemblent vraiment à des rongeurs), un endroit imprégné de tragédies et de souffrances humaines.