Bevezetés a művészeti Koncepciókba

“barokk” —a szó, a stílus, az időszak

Az Európai Történelem összefüggésében az 1585-1700/1730 közötti időszakot gyakran barokk korszaknak nevezik. A “barokk”szó a portugál és a spanyol szavakból származik egy nagy, szabálytalan alakú gyöngyre (“barroco “és” barrueco”). A tizennyolcadik századi kritikusok elsőként alkalmazták ezt a kifejezést a 17.század művészetére. Ez nem dicséret volt. E kritikusok szemében, akik a neoklasszicizmus visszafogottságát és rendjét támogatták, Bernini, Borromini és Pietro da Cortona művei furcsának, abszurdnak, sőt betegesnek tűntek—más szóval torz, mint egy tökéletlen gyöngy.

a 19.század közepére a szó elvesztette pejoratív következményeit, és a 17. századi művészet, zene és irodalom számos példájában megtalálható díszes és Összetett tulajdonságok leírására használták. Végül a kifejezés a történelmi időszak egészét jelölte meg. A festészet összefüggésében például Zurbaran oltárképeinek éles realizmusa, Vermeer hazai belső tereinek csendes meghittsége és Poussin tájainak visszafogott klasszicizmusa mind “barokk” (ma a történelmi korszak jelzésére “B” nagybetűvel), függetlenül a kifejezéshez eredetileg társított stilisztikai tulajdonságok hiányától.

Róma: A “babiloni Szajhától” Krisztus ragyogó Menyasszonyáig

amikor Luther Márton 95 tézisét 1517-ben a Wittenburgi székesegyház ajtajához csatolta, tiltakozva a katolikus egyház korrupciója ellen, olyan mozgalmat kezdeményezett, amely átalakítja Európa vallási, politikai és művészeti táját. A következő évszázadban Európa zűrzavarban lesz, amikor új politikai és vallási határokat határoznak meg, gyakran véres katonai konfliktusok révén. Csak 1648-ban, a vesztfáliai szerződés aláírásával szűntek meg a protestánsok és katolikusok közötti konfliktusok a kontinentális Európában.Luther Márton kritikáját az egyház kapzsiságára és hatalommal való visszaélésére összpontosította. Rómát, a pápai hatalom székhelyét “Babilon szajhájának” nevezte, amelyet drága művészet, nagyszerű építészet és pazar bankettek díszítettek. Az egyház kétféleképpen reagált a válságra: a korrupció belső kérdéseivel és a protestánsok által elutasított tanok védelmével. Így, míg a 16.század első két évtizede a pápaság pazar kiadásainak időszaka volt, a középső évtizedek a megszorítások időszakát jelentették. Ahogy egy római látogató megjegyezte az 1560-as években, az egész város kolostorrá vált. A jámborság és az aszkézis uralta a napot.

a 16.század végére a katolikus egyház ismét optimistának, sőt diadalmasnak érezte magát. A válságból újult erővel és egyértelmű célokkal került ki. A hívek pásztorkodása—a katolikus tantételekre való nevelés és az erényes viselkedés ösztönzése—került a középpontba. Róma, mint szent város hírnevének újjáépítése érdekében a pápaság kiterjedt építési és dekorációs kampányokba kezdett, amelyek célja az ősi eredetének, hitének és Isten által szentesített tekintélyének kiemelése. A hűséges katolikusok szemében Róma nem hűtlen kurva volt, hanem tiszta menyasszony, gyönyörűen díszítve az isteni házastársával való egyesülése miatt. Ennek a mozgalomnak a művészetét barokk művészetnek nevezik.

A meggyőzés művészete: utasítani, gyönyörködni, mozogni

míg a protestánsok keményen bírálták a képek kultuszát, a katolikus egyház hevesen magáévá tette a művészet vallási erejét. A képzőművészet-érvelt az egyház-kulcsszerepet játszott a hívek irányításában. Minden bizonnyal ugyanolyan fontosak voltak, mint az írott és kimondott szó, és talán még fontosabbak is, mivel mind a tanultak, mind a tanulatlanok számára hozzáférhetőek voltak. Ahhoz, hogy lelkipásztori szerepe hatékony legyen, a vallásos művészetnek világosnak, meggyőzőnek és hatalmasnak kellett lennie. Nem csak tanítani kellett, hanem inspirálni is. Arra kellett indítania a híveket, hogy érezzék Krisztus áldozatának valóságát, a mártírok szenvedését, a szentek látomásait.

az egyház hangsúlya a művészet lelkipásztori szerepére arra késztette a művészeket, hogy kísérletezzenek a néző vonzásának új és közvetlenebb eszközeivel. Az olyan művészek, mint Caravaggio, erőteljes és drámai realizmushoz fordultak, amelyet a világos és sötét merész ellentétei és a szorosan vágott kompozíciók hangsúlyoztak, amelyek fokozzák az ábrázolt narratíva fizikai és érzelmi közvetlenségét. Más művészek, mint Annibale Carracci (aki szintén kísérletezett a realizmussal), végül egy klasszikusabb vizuális nyelvre telepedtek le, amelyet a magas reneszánsz élénk palettája, idealizált formái és kiegyensúlyozott kompozíciói inspiráltak. Megint mások, mint Giovanni Battista Gaulli, az illuzionizmus merész bravúrjai felé fordultak, amelyek nemcsak a festészet, a szobrászat és az építészet, hanem a valós és ábrázolt világok közötti határokat is elmosták. Ennek során az isteni testileg jelenvalóvá és tapinthatóvá vált. Akár sokkoló realizmuson keresztül, dinamikus mozgás, vagy dús díszítés, a tizenhetedik századi művészet célja lenyűgözni. Célja, hogy meggyőzze a nézőt üzenetének igazságáról azáltal, hogy befolyásolja az érzékeket, felébreszti az érzelmeket, aktiválja, sőt megosztja a néző terét.

A katolikus uralkodók és területeik

Spanyolország, Portugália és Franciaország uralkodói a tizenhetedik századi művészet díszesebb elemeit is magukévá tették a katolicizmus megünneplésére. Spanyolországban és kolóniáiban az uralkodók hatalmas erőforrásokat fektettek bonyolult templomhomlokzatokba, lenyűgöző, arannyal borított kápolnákba és tabernákulumokba, és feltűnően valósághű polikróm szobrokba. A spanyol Hollandiában, ahol a szent művészet rettenetesen szenvedett a protestáns képrombolás (a művészet megsemmisítése) következtében, a polgári és vallási vezetők az egyházak díszítését helyezték előtérbe, mivel a régió visszanyerte katolikus identitását. Az antwerpeni templomok oltárainak felújítása sok éven át elfoglalta Peter Paul Rubens műhelyét. Európa uralkodói is elfogadták ezt a művészi szókincset, hogy kinyilvánítsák saját hatalmukat és státuszukat. XIV. Lajos például a Versailles-i pompás épületeket és kerteket rendelte meg az uralkodáshoz való isteni jogának vizuális kifejezéseként.

A protestáns Észak

a protestáns országokban, különösen az újonnan független holland Köztársaságban (modern-nap Hollandia), a művészi klíma radikálisan megváltozott a reformáció.

a pártfogás két leggazdagabb forrása—a monarchia és az egyház—eltűnt. Helyette egy egyre virágzóbb középosztály jött létre, amely a művészet megvásárlásával akarta kifejezni státuszát és új nemzeti büszkeségét.

a 17.század közepére új piac alakult ki, amely megfelel ennek az osztálynak a művészi ízlésének. A kereslet most a kisebb méretű festmények, amelyek alkalmasak a magánlakásokban való megjelenítésre. Ezek a festmények vallási témákat tartalmaztak a magán szemlélődéshez, amint azt Rembrandt megrendítő festményei és Bibliai elbeszélések nyomatai, valamint az egyéni hasonlóságokat dokumentáló portrék is mutatják.

de a piacon a legnagyobb változás a tájak, csendéletek és a mindennapi élet jeleneteinek (Műfajfestés néven ismert) népszerűségének drámai növekedése volt. Valójában ezeknek a témáknak a független művészi műfajként való elterjedése a 17.század egyik legjelentősebb hozzájárulása volt a nyugati művészet történetéhez. Mindezen műfajokban a művészek élénk érdeklődést mutattak a megfigyelt valóság megismétlése iránt—legyen az a holland táj fénye, az arc pillanatnyi kifejezése, vagy a tárgyak változatos textúrái és anyagai, amelyeket a hollandok gyűjtöttek, miközben kihasználták bővülő kereskedelmi birodalmuk előnyeit. Ezek a művek ugyanolyan művészi virtuozitást és fizikai közvetlenséget mutattak, mint a katolikus Európa palotáinak és templomainak nagy díszítései.

A rokokó kezdetei

Az 1700-as évek elején, XIV.Lajos (aki 1715-ben halt meg) uralkodásának végén elmozdulás történt a klasszicizmustól és a “nagyszerű módtól” (Poussin művészete alapján), amely az előző 50 év művészetét irányította, egy új stílus felé, amelyet rokokónak hívunk.Versailles-t elhagyta az arisztokrácia, aki ismét Párizsban tartózkodott. A monarchiától való elmozdulás az arisztokrácia felé jellemzi ezt az időszakot.

milyen életmódot vezetett az arisztokrácia ebben az időszakban? Ne feledje, hogy az arisztokrácia hatalmas politikai hatalommal, valamint hatalmas gazdagsággal rendelkezett. Sokan a szabadidőt választották üldözésnek, és romantikus intrikákba keveredtek. Valójában a luxus és a túlzás kultúráját hozták létre, amely éles ellentétben állt a legtöbb ember életével Franciaországban. Az arisztokrácia, Franciaország lakosságának csak kis százaléka birtokolta vagyonának több mint 90% – át. Egy kicsi, de növekvő középosztály nem sokáig ül ezzel (emlékezzen az 1789-es francia forradalomra).

Fragonard a hinta

mint a legtöbb rokokó festménynél, a Fragonard the swing témája sem túl bonyolult! Két szerelmes összeesküdött, hogy ez az idősebb fickó, hogy álljon a fiatal hölgy a swing, míg szeretője elrejti a bokrok. Az elképzelésük az, hogy ahogy felmegy a hintába, szét tudja választani a lábát, és tökéletes kilátás nyílik a szoknyájára.

buja, benőtt kert veszi körül őket. A bal oldali faragott alak ujjait a szájához teszi, mintha azt mondaná: “csitt,”, míg a háttérben egy másik szobornak két ámorfigurája van összebújva. A színek pasztell-halvány rózsaszínűek és zöldek, és bár van mozgásérzetünk és kiemelkedő átlós vonalunk — a festményből hiányzik a barokk festmény minden komolysága.

ha alaposan megnézed, láthatod a laza ecsetvonásokat a rózsaszín selyemruhában, és ahogy kinyitja a lábát, bepillantást nyerünk a harisnyakötőjébe. Pontosan ez a fajta festmény, amelyet a felvilágosodás filozófusai hamarosan elítéltek. Új művészeti stílust követeltek, amely példát mutatott az erkölcsi viselkedésre, a legnemesebb emberi lényekre.