Introduzione ai concetti dell’arte

“Barocco”—la parola, lo Stile, il Periodo

Nel contesto della storia europea, il periodo dal c. 1585 al c. 1700/1730 è spesso chiamato l’era barocca. La parola” barocco”deriva dalle parole portoghesi e spagnole per una grande perla dalla forma irregolare (”barroco “e” barrueco”, rispettivamente). I critici del XVIII secolo furono i primi ad applicare il termine all’arte del 17 ° secolo. Non era un termine di lode. Agli occhi di questi critici, che favorivano la moderazione e l’ordine del neoclassicismo, le opere di Bernini, Borromini e Pietro da Cortona apparivano bizzarre, assurde, persino malate—in altre parole, deforme, come una perla imperfetta.

Verso la metà del xix secolo, la parola aveva perso le sue implicazioni peggiorative ed era usata per descrivere le qualità ornate e complesse presenti in molti esempi di arte, musica e letteratura del xvii secolo. Alla fine, il termine è venuto a designare il periodo storico nel suo complesso. Nel contesto della pittura, ad esempio, il duro realismo delle pale d’altare di Zurbaran, la tranquilla intimità degli interni domestici di Vermeer e il sobrio classicismo dei paesaggi di Poussin sono tutti “barocchi” (ora con una “B” maiuscola per indicare il periodo storico), indipendentemente dall’assenza dei tratti stilistici originariamente associati al termine.

Roma: Dalla” Puttana di Babilonia ” alla Splendente Sposa di Cristo

Quando Martin Lutero attaccò le sue 95 tesi alle porte della Cattedrale di Wittenburg nel 1517 per protestare contro la corruzione della Chiesa cattolica, diede inizio a un movimento che avrebbe trasformato il paesaggio religioso, politico e artistico dell’Europa. Per il prossimo secolo, l’Europa sarebbe in subbuglio come nuovi confini politici e religiosi sono stati determinati, spesso attraverso sanguinosi conflitti militari. Solo nel 1648, con la firma del Trattato di Vestfalia, i conflitti tra protestanti e cattolici si placarono nell’Europa continentale.

Martin Lutero concentrò la sua critica su ciò che vedeva come l’avidità e l’abuso di potere della Chiesa. Chiamò Roma, la sede del potere papale, “la prostituta di Babilonia” adornata di arte costosa, grandiosa architettura e sontuosi banchetti. La Chiesa ha risposto alla crisi in due modi: affrontando internamente le questioni della corruzione e difendendo le dottrine respinte dai protestanti. Così, mentre i primi due decenni del 16 ° secolo furono un periodo di spesa sontuosa per il Papato, i decenni centrali furono un periodo di austerità. Come un visitatore di Roma ha notato nel 1560, l’intera città era diventata un convento. La pietà e l’ascesi dominavano il giorno.

Alla fine del xvi secolo, la Chiesa cattolica si sentiva ancora una volta ottimista, persino trionfante. Era uscita dalla crisi con rinnovato vigore e chiarezza di intenti. La pastorizia dei fedeli—istruendoli sulle dottrine cattoliche e ispirando comportamenti virtuosi-era al centro della scena. Desideroso di ricostruire la reputazione di Roma come città santa, il Papato intraprese vaste campagne di costruzione e decorazione volte a mettere in evidenza le sue antiche origini, le sue credenze e la sua autorità divinamente sancita. Agli occhi dei fedeli cattolici, Roma non era una puttana infedele, ma una sposa pura, splendidamente adornata per la sua unione con il suo sposo divino. L’arte di questo movimento è chiamata arte barocca.

L’Arte della Persuasione: istruire, deliziare, muovere

Mentre i protestanti criticavano aspramente il culto delle immagini, la Chiesa cattolica abbracciava ardentemente il potere religioso dell’arte. Le arti visive, sosteneva la Chiesa, hanno svolto un ruolo chiave nella guida dei fedeli. Erano certamente importanti quanto la parola scritta e parlata, e forse anche più importanti, poiché erano accessibili sia ai dotti che agli ignoranti. Per essere efficace nel suo ruolo pastorale, l’arte religiosa doveva essere chiara, persuasiva e potente. Non solo doveva istruire, doveva ispirare. Doveva spingere i fedeli a sentire la realtà del sacrificio di Cristo, la sofferenza dei martiri, le visioni dei santi.

La Chiesa enfasi sull’arte pastorale ruolo richiesto agli artisti di sperimentare nuove e più diretta l’opportunità di coinvolgere lo spettatore. Artisti come Caravaggio si sono rivolti a un realismo potente e drammatico, accentuato da audaci contrasti di luce e buio, e composizioni strettamente ritagliate che esaltano l’immediatezza fisica ed emotiva della narrazione raffigurata. Altri artisti, come Annibale Carracci (che sperimentò anche il realismo), alla fine si stabilirono su un linguaggio visivo più classico, ispirato alla tavolozza vibrante, alle forme idealizzate e alle composizioni equilibrate dell’Alto Rinascimento. Altri ancora, come Giovanni Battista Gaulli, si rivolsero a audaci imprese illusionistiche che offuscarono non solo i confini tra pittura, scultura e architettura, ma anche quelli tra il mondo reale e quello raffigurato. Così facendo, il divino è stato reso fisicamente presente e palpabile. Sia attraverso il realismo scioccante, movimento dinamico, o ornamenti esuberante, arte del XVII secolo è destinato a impressionare. Mira a convincere lo spettatore della verità del suo messaggio influenzando i sensi, risvegliando le emozioni e attivando, persino condividendo lo spazio dello spettatore.

I Re Cattolici e dei Loro Territori

Il re di Spagna, Portogallo e Francia abbracciato anche la più ricca di elementi del xvii secolo l’arte per celebrare il Cattolicesimo. In Spagna e nelle sue colonie, i governanti investirono vaste risorse su elaborate facciate di chiese, splendide cappelle e tabernacoli ricoperti d’oro e sculture policrome straordinariamente realistiche. Nei Paesi Bassi spagnoli, dove l’arte sacra aveva sofferto terribilmente a causa dell’iconoclastia protestante (la distruzione dell’arte), i leader civili e religiosi hanno dato la priorità all’ornamento delle chiese mentre la regione riprendeva la sua identità cattolica. La ristrutturazione degli altari delle chiese di Anversa ha tenuto occupato per molti anni il laboratorio di Peter Paul Rubens. Anche i monarchi europei hanno adottato questo vocabolario artistico per proclamare il proprio potere e status. Luigi XIV, ad esempio, commissionò gli splendidi edifici e giardini di Versailles come espressione visiva del suo divino diritto di governare.

I Protestanti del Nord

Nei paesi Protestanti, e in particolare nella nuova indipendente olandese Repubblica (la moderna paesi Bassi), il clima artistico cambiato radicalmente a seguito della Riforma.

Due delle più ricche fonti di mecenatismo—la monarchia e la Chiesa—erano ormai scomparsi. Al loro posto sorse una classe media sempre più prospera desiderosa di esprimere il suo status, e il suo nuovo senso di orgoglio nazionale, attraverso l’acquisto di arte.

Verso la metà del 17 ° secolo era emerso un nuovo mercato per soddisfare i gusti artistici di questa classe. La domanda era ora per dipinti su scala più piccola adatti per l’esposizione in case private. Questi dipinti includevano soggetti religiosi per la contemplazione privata, come si vede nei dipinti toccanti di Rembrandt e nelle stampe di narrazioni bibliche, così come nei ritratti che documentano le somiglianze individuali.

Ma, il più grande cambiamento nel mercato è stato il drammatico aumento della popolarità di paesaggi, nature morte e scene di vita quotidiana (noto come pittura di genere). In effetti, la proliferazione di questi soggetti come generi artistici indipendenti è stato uno dei contributi più significativi del 17 ° secolo alla storia dell’arte occidentale. In tutti questi generi, gli artisti hanno rivelato un vivo interesse nel replicare la realtà osservata – che si tratti della luce sul paesaggio olandese, dell’espressione momentanea su un volto o delle varie trame e materiali degli oggetti che gli olandesi hanno raccolto mentre raccoglievano i benefici del loro impero mercantile in espansione. Queste opere dimostrarono tanto virtuosismo artistico e immediatezza fisica quanto le grandi decorazioni dei palazzi e delle chiese dell’Europa cattolica.

Gli Inizi del Rococò

Nei primi anni del 1700, alla fine del regno di Luigi XIV (che muore nel 1715), c’è stato un cambiamento di distanza dal classicismo e “Maniera grande” (basato sull’arte di Poussin) che avevano governato l’arte dei precedenti 50 anni, verso un nuovo stile, che noi chiamiamo Rococò.Versailles fu abbandonata dall’aristocrazia, che ancora una volta prese residenza a Parigi. Un allontanamento dalla monarchia, verso l’aristocrazia caratterizza questo periodo.

Che tipo di stile di vita ha condotto l’aristocrazia durante questo periodo? Ricorda che l’aristocrazia aveva un enorme potere politico e un’enorme ricchezza. Molti hanno scelto il tempo libero come ricerca e si sono coinvolti in intrighi romantici. In effetti, hanno creato una cultura del lusso e dell’eccesso che ha formato un netto contrasto con la vita della maggior parte delle persone in Francia. L’aristocrazia, solo una piccola percentuale della popolazione della Francia, possedeva oltre il 90% della sua ricchezza. Una piccola, ma crescente classe media non sta ferma a lungo con questo (ricorda la Rivoluzione francese del 1789).

Fragonard Il Swing

Come con la maggior parte Rococò dipinti, il soggetto di Fragonard Lo Swing non è molto complicato! Due amanti hanno cospirato per convincere questo vecchio a spingere la giovane donna nell’altalena mentre il suo amante si nasconde tra i cespugli. La loro idea è che mentre sale sull’altalena, lei può dividere le gambe, e lui può ottenere una vista perfetta sulla gonna.

Sono circondati da un giardino lussureggiante e invaso. Una figura scolpita a sinistra mette le dita alla bocca, come se dicesse “silenzio”, mentre un’altra scultura sullo sfondo ha due figure di cupido coccolate insieme. I colori sono pastello-rosa pallido e verdi, e anche se abbiamo un senso di movimento e una linea diagonale prominente — il dipinto manca tutta la serietà di un dipinto barocco.

Se guardi molto da vicino puoi vedere le pennellate sciolte nel vestito di seta rosa, e mentre apre le gambe, diamo un’occhiata alla sua reggicalze. Fu proprio questo tipo di pittura che i filosofi dell’Illuminismo avrebbero presto condannato. Hanno chiesto un nuovo stile di arte, uno che ha mostrato un esempio di comportamento morale, di esseri umani al loro più nobile.