“Barok”—het woord, de stijl, de periode
In de context van de Europese geschiedenis wordt de periode van ca. 1585 tot ca. 1700/1730 vaak de baroktijd genoemd. Het woord “barok”is afgeleid van de Portugese en Spaanse woorden voor een grote, onregelmatig gevormde parel (respectievelijk” barroco “en” barrueco”). Achttiende-eeuwse critici waren de eerste om de term toe te passen op de kunst van de 17e eeuw. Het was geen lofbetuiging. Voor de ogen van deze critici, die de terughoudendheid en orde van het Neoklassicisme voorstaan, leken de werken van Bernini, Borromini en Pietro da Cortona bizar, absurd, zelfs ziek—met andere woorden, misvormd, als een onvolmaakte parel.tegen het midden van de 19e eeuw had het woord zijn negatieve implicaties verloren en werd het gebruikt om de sierlijke en complexe kwaliteiten te beschrijven die aanwezig zijn in vele voorbeelden van 17e-eeuwse kunst, muziek en literatuur. Uiteindelijk werd de term gebruikt om de historische periode als geheel aan te duiden. In de context van de schilderkunst zijn bijvoorbeeld het grimmige realisme van Zurbarans altaarstukken, de rustige intimiteit van Vermeer ‘ s huiselijke interieurs en het ingetogen classicisme van Poussins landschappen allemaal “Barok” (nu met een hoofdletter “B” om de historische periode aan te duiden), ongeacht de afwezigheid van de stilistische trekken die oorspronkelijk met de term geassocieerd waren.
Gian Lorenzo Bernini, Cathedra Petri (of stoel van Sint-Pieter), verguld brons, goud, hout, gebrandschilderd glas, 1647-53 (absis van de Sint-Pietersbasiliek, Vaticaanstad, Rome)
Rome: Van de” hoer van Babylon ” tot de schitterende bruid van Christus toen Maarten Luther in 1517 zijn 95 stellingen aan de deuren van de Kathedraal van Wittenburg zette om te protesteren tegen de corruptie van de Katholieke Kerk, begon hij een beweging die het religieuze, politieke en artistieke landschap van Europa zou veranderen. Voor de volgende eeuw zou Europa in beroering zijn als er nieuwe politieke en religieuze grenzen werden vastgesteld, vaak door bloedige militaire conflicten. Pas in 1648, met de ondertekening van het Verdrag van Westfalen, verdwenen de conflicten tussen protestanten en katholieken in continentaal Europa.Martin Luther richtte zijn kritiek op wat hij zag als de hebzucht van de kerk en machtsmisbruik. Hij noemde Rome, de zetel van de pauselijke macht, “de hoer van Babylon” versierd met dure kunst, grootse architectuur en weelderige banketten. De kerk reageerde op de crisis op twee manieren: door interne kwesties van corruptie aan te pakken en door de doctrines te verdedigen die door de protestanten werden verworpen. Dus, terwijl de eerste twee decennia van de 16e eeuw een periode van overvloedige uitgaven voor het pausdom waren, de Midden decennia waren een periode van soberheid. Zoals een bezoeker aan Rome in de jaren 1560 opmerkte, was de hele stad een klooster geworden. Vroomheid en ascese heersten over de dag.tegen het einde van de 16e eeuw was de Katholieke Kerk weer optimistisch, zelfs triomfantelijk. Het was uit de crisis gekomen met hernieuwde kracht en helderheid van doel. Het begeleiden van de gelovigen—het instrueren van Katholieke doctrines en het inspireren van deugdzaam gedrag—stond centraal. Het pausdom wilde graag de reputatie van Rome als heilige stad herbouwen en begon uitgebreide bouw-en decoratiecampagnes om zijn oude oorsprong, zijn overtuigingen en zijn goddelijk gesanctioneerde autoriteit te benadrukken. In de ogen van trouwe katholieken is Rome geen ontrouwe hoer, maar een zuivere bruid, prachtig versierd voor haar verbintenis met haar goddelijke echtgenoot. De kunst van deze beweging wordt barokke kunst genoemd.
Weergave van de Cerasi-Kapel in de Santa Maria del Popolo in Rome met Annibale Carracci’ s altaarstuk, De Hemelvaart van de Maagd, 1600-01, olie op doek, 96 x 61 cm en rechts, Caravaggio ‘ s Bekering van de Heilige Paulus (Conversie van Saul), 1601, 91 × 69 cm
De Kunst van het Overtuigen: om te instrueren, te genieten, te bewegen terwijl de protestanten de beeldcultus scherp bekritiseerden, omarmde de Katholieke Kerk vurig de religieuze kracht van de kunst. De beeldende kunst, zo stelde de kerk, speelde een sleutelrol in het leiden van de gelovigen. Ze waren zeker even belangrijk als het geschreven en gesproken woord, en misschien nog belangrijker, omdat ze toegankelijk waren voor zowel de geleerden als de ongeleerden. Om effectief te zijn in haar pastorale rol, moest Religieuze Kunst helder, overtuigend en krachtig zijn. Het moest niet alleen instrueren, het moest inspireren. Het moest de gelovigen bewegen om de realiteit van het offer van Christus te voelen, het lijden van de martelaren, de visioenen van de heiligen.
Caravaggio, De Kroning met Doornen, 1602-04, olie op doek, 165.5 x 127 cm (Kunsthistorisches Museum, Wenen)
Weergave van de Cerasi-Kapel in de Santa Maria del Popolo in Rome met Annibale Carracci’ s altaarstuk, De Hemelvaart van de Maagd, 1600-01, olie op doek, 96 x 61 cm en rechts, Caravaggio ‘ s Bekering van de Heilige Paulus (Conversie van Saul), 1601, 91 × 69 cm
Caravaggio, De Kroning met Doornen, 1602-04, olie op doek, 165.5 x 127 cm (Kunsthistorisches Museum, Wenen)
De Kerk de nadruk op kunst pastorale rol gevraagd kunstenaars om te experimenteren met nieuwe en meer directe betekent het betrekken van de kijker. Kunstenaars als Caravaggio wendden zich tot een krachtig en dramatisch realisme, geaccentueerd door gedurfde contrasten van licht en donker, en strak uitgesneden composities die de fysieke en emotionele directheid van het afgebeelde verhaal versterken. Andere kunstenaars, zoals Annibale Carracci (die ook experimenteerde met realisme), vestigden zich uiteindelijk op een meer klassieke beeldtaal, geïnspireerd door het levendige palet, geïdealiseerde vormen en evenwichtige composities van de Hoge Renaissance. Weer anderen, zoals Giovanni Battista Gaulli, wendden zich tot gedurfde hoogstandjes van illusionisme die niet alleen de grenzen tussen schilderkunst, beeldhouwkunst en architectuur vervaagden, maar ook die tussen de echte en de afgebeelde werelden. Door dit te doen werd het goddelijke fysiek aanwezig en tastbaar gemaakt. Of het nu gaat om schokkend realisme, dynamische beweging of uitbundige ornamenten, de zeventiende-eeuwse kunst moet indruk maken. Het doel is om de kijker te overtuigen van de waarheid van zijn boodschap door het beïnvloeden van de zintuigen, het ontwaken van de emoties, en activeren, zelfs delen van de kijker ruimte.
Giovanni Battista Gaulli, ook wel bekend als il Baciccio, de Triomf van De Naam van Jezus, Il Gesù plafond fresco, 1672-1685
Het Katholieke Koningspaar en Hun territorium
De koningen van Spanje, Portugal en Frankrijk ook de meer sierlijke elementen van de zeventiende-eeuwse kunst om te vieren dat het Katholicisme. In Spanje en zijn koloniën investeerden heersers enorme middelen in uitgebreide kerkgevels, prachtige, met goud bedekte kapellen en tabernakels, en opvallend-realistische polychrome sculptuur. In de Spaanse Nederlanden, waar de heilige kunst vreselijk had geleden als gevolg van de Protestantse Beeldenstorm (de vernietiging van de kunst), gaven burgerlijke en religieuze leiders prioriteit aan de versiering van kerken terwijl de regio haar katholieke identiteit terugkreeg. De herinrichting van de altaren van de Antwerpse kerken hield het atelier van Peter Paul Rubens jarenlang bezig. De Europese vorsten hebben dit artistieke vocabulaire ook gebruikt om hun eigen macht en status te verkondigen. Zo gaf Lodewijk XIV opdracht aan de prachtige gebouwen en tuinen van Versailles als visuele uitdrukking van zijn goddelijk recht om te regeren.
View of painting by Peter Paul Rubens in the Alte Pinakothek, Munich
het protestantse noorden
In The Protestantse countries, and especially in the new-independent Dutch Republic (modern-day Netherlands)), veranderde het artistieke klimaat radicaal in de nasleep van de Reformatie.
Judith Leyster, zelfportret, CA. 1630, olieverf op doek, 651 x 746 cm (National Gallery of Art, Washington)
twee van de rijkste bronnen van patronage-de monarchie en de kerk—waren nu verdwenen. In plaats daarvan ontstond een steeds welvarender middenklasse die haar status en haar nieuwe gevoel van nationale trots wilde uitdrukken door de aankoop van kunst.tegen het midden van de 17e eeuw was er een nieuwe markt ontstaan om aan de artistieke smaak van deze klasse te voldoen. De vraag was nu naar kleinere schilderijen die geschikt zijn om in particuliere woningen te worden tentoongesteld. Deze schilderijen omvatten religieuze onderwerpen voor privé-contemplatie, zoals te zien in Rembrandts aangrijpende schilderijen en prenten van bijbelse verhalen, evenals portretten die individuele gelijkenissen documenteren.
Willem Claesz Heda, Banquet Piece with Mince Pie, 1635, oil on canvas, 42 x 43-3/4 inches (National Gallery of Art, Washington)
maar de grootste verandering op de markt was de dramatische toename van de populariteit van landschappen, stillevens en scènes uit het dagelijks leven (bekend als genreschilderijen). De verspreiding van deze onderwerpen als onafhankelijke artistieke genres was een van de belangrijkste bijdragen van de 17e eeuw aan de geschiedenis van de westerse kunst. In al deze genres toonden kunstenaars een grote interesse in het repliceren van de waargenomen werkelijkheid—of het nu het licht op het Nederlandse landschap, de kortstondige expressie op een gezicht, of de gevarieerde texturen en materialen van de objecten die de Nederlanders verzamelden toen ze de voordelen van hun groeiende handelsimperium oogstten. Deze werken toonden evenveel artistieke virtuositeit en fysieke directheid als de grote decoraties van de paleizen en kerken van het katholieke Europa.het begin van de Rococo in de vroege jaren 1700, aan het einde van het bewind van Lodewijk XIV (die in 1715 sterft), was er een verschuiving van het classicisme en de “grote wijze” (gebaseerd op de kunst van Poussin) die de kunst van de voorgaande 50 jaar hadden geregeerd, naar een nieuwe stijl die we Rococo noemen.Versailles werd verlaten door de aristocratie, die zich opnieuw in Parijs vestigde. Een verschuiving van de monarchie naar de aristocratie kenmerkt deze periode.
wat voor levensstijl leidde de aristocratie tijdens deze periode? Vergeet niet dat de aristocratie enorme politieke macht en enorme rijkdom had. Velen kozen vrije tijd als een achtervolging en raakte betrokken bij romantische intriges. Ze creëerden inderdaad een cultuur van luxe en overmaat die een schril contrast vormde met het leven van de meeste mensen in Frankrijk. De aristocratie, slechts een klein percentage van de bevolking van Frankrijk, bezat meer dan 90% van zijn rijkdom. Een kleine, maar groeiende middenklasse zit hier niet lang mee (denk aan de Franse Revolutie van 1789).
Fragonard ’s The Swing
As bij de meeste Rococo schilderijen is het onderwerp van Fragonard’ s the swing niet erg ingewikkeld! Twee geliefden hebben samengespannen om deze oudere man om de jonge dame te duwen in de schommel terwijl haar minnaar verbergt in de struiken. Hun idee is dat als ze omhoog gaat in de schommel, ze haar benen kan scheiden, en hij een perfect zicht onder haar rok kan krijgen.
ze zijn omgeven door een weelderige, begroeide tuin. Een gebeeldhouwde figuur aan de linkerkant legt zijn vingers aan zijn mond, alsof hij “stil” zegt, terwijl een ander beeld op de achtergrond twee Cupido-figuren aan elkaar geknuffeld heeft. De kleuren zijn pastel-bleke roze en groen, en hoewel we een gevoel van beweging en een prominente diagonale lijn-het schilderij mist alle ernst van een barok schilderij.
als je heel goed kijkt zie je de losse penseelstreken in de roze zijden jurk, en als ze haar benen opent, krijgen we een glimp van haar jarretelgordel. Het was precies dit soort schilderij dat de filosofen van de verlichting al snel zouden veroordelen. Ze eisten een nieuwe stijl van kunst, een die een voorbeeld toonde van moreel gedrag, van mensen op hun meest nobele.