începuturile Art Deco
până la sfârșitul secolului al 19-lea în Franța, mulți dintre artiștii notabili, arhitecți și designeri care au jucat roluri importante în dezvoltarea stilului Art Nouveau recunoscut că a fost din ce în ce trece din ce în ce în ce mai mult. La sfârșitul unui secol care a văzut revoluția industrială, viața contemporană a devenit foarte diferită de câteva decenii mai devreme. Era timpul pentru ceva nou, ceva care să strige „secolul 20” de pe acoperișurile moderniste de bun gust.
societatea Artiștilor decorativi din Franța
Din această dorință de a trece în noul secol în pas cu inovația, mai degrabă decât de a fi reținuți de nostalgie, un grup de inovatori artistici francezi au format o organizație numită Societaqu des Artistes Dquqcorateurs (societatea Artiștilor decorativi). Grupul a fost format din figuri cunoscute, cum ar fi designerul și tipograful în stil Art Nouveau Eugene Grasset, și arhitectul Art Nouveau Hector Guimard, împreună cu artiști și designeri decorativi emergenți precum Pierre Chareau și Francis Jourdain. Statul francez a susținut și a încurajat această direcție de activitate artistică.
unul dintre obiectivele majore ale noului grup a fost de a contesta structura ierarhică a artelor vizuale care a retrogradat artiștii decorativi la un statut mai mic decât media clasică de pictură și sculptură. Jourdain este citat faimos spunând: „În consecință, am decis să readucem arta decorativă, tratată nechibzuit ca o Cenușăreasă sau o relație săracă permisă să mănânce cu servitorii, în locul important, aproape preponderent pe care l-a ocupat în trecut, din toate timpurile și în toate țările globului.”Planul pentru o expoziție majoră care prezintă un nou tip de artă decorativă a fost conceput inițial pentru 1914, dar a trebuit să fie pus în așteptare până după încheierea Primului Război Mondial și apoi împins înapoi din diverse motive până în 1925.
expoziția care a lansat oficial mișcarea
guvernul francez, care a găzduit Expoziția dintre Esplanada Les Invalides cu cupolă aurie și intrările Petit Palais și Grand Palais de pe ambele maluri ale râului Sena, s-a străduit să prezinte noul stil. Peste 15.000 de artiști, arhitecți și designeri și-au expus lucrările la expoziție. În cele șapte luni ale expoziției, peste 16 milioane de oameni au vizitat numeroasele exponate individuale. Această expoziție a fost catalizatorul pentru începutul mișcării.
Art Nouveau și Art Deco
Art Deco a fost un răspuns direct estetic și filosofic la stilul Art Nouveau și la fenomenul cultural mai larg al modernismului. Art Nouveau a început să se demodeze în timpul Primului Război Mondial, deoarece mulți critici au considerat că detaliile elaborate, desenele delicate, materialele adesea scumpe și metodele de producție ale stilului nu erau potrivite pentru o lume modernă provocatoare, neliniștită și din ce în ce mai mecanizată. În timp ce mișcarea Art Nouveau și-a derivat formele complicate, stilizate din natură și a înălțat virtuțile lucrate manual, estetica Art Deco a subliniat raționalizarea vârstei mașinii și geometria elegantă.
Art Deco și Modernism
Expoziția Internațională a reunit nu numai lucrări în stil Art Deco, ci a pus obiecte artizanale lângă Exemple de picturi și sculpturi avangardiste în stiluri precum cubismul, constructivismul, Bauhaus, De Stijl și Futurism. Până în anii 1920, Art Deco era un contrapunct exuberant, dar în mare parte mainstream, pentru estetica Bauhaus și de Stijl mai cerebrală. Toți trei au pus accentul pe linii curate și puternice ca principiu de proiectare organizatorică. Practicanții Art Deco au îmbrățișat inovația tehnologică, materialele moderne și mecanizarea și au încercat să le sublinieze în estetica generală a stilului în sine. Practicanții au împrumutat și au învățat de la alte mișcări moderniste. Art Deco a ajuns să fie privit de admiratori care erau în pas cu perspectivele de perspectivă ale mișcărilor avangardiste contemporane. În mod ironic, pictura și sculptura modernistă au jucat un rol secundar în expoziție, cu puținele excepții ale pavilionului sovietic și ale pavilionului Esprit Nouveau al lui Le Corbusier.
Art Deco după Marea Depresiune
debutul celei de-a doua faze a Art Deco a coincis cu începutul Marii Depresiuni. Austeritatea, de fapt, ar putea fi estetica de bază atât din motive pragmatice, cât și conceptuale pentru această a doua dezvoltare a Art Deco. În timp ce arhitectura Art Deco, de exemplu, fusese orientată vertical cu zgârie-nori urcând la înălțimi înalte, clădirile Art Deco ulterioare cu exteriorul lor în mare parte neornamentat, curbele grațioase și accentele orizontale simbolizau robustețea, demnitatea liniștită și rezistența. În cei mai răi ani de dezastru economic, din 1929 până în 1931, Art Deco American a trecut de la urmărirea tendințelor la stabilirea lor.
Streamline Moderne
Streamline Moderne a devenit continuarea Americană a mișcării Europene Art Deco. Dincolo de influențele economice și filosofice grave, inspirația estetică pentru primele structuri moderne Streamline au fost clădirile proiectate de susținătorii mișcării New Obiectivity din Germania, care a apărut dintr-o asociație informală de arhitecți, designeri și artiști germani care s-au format la începutul secolului 20. New Obiectivity artiștii și arhitecții au fost inspirați de același tip de pragmatism sobru care i-a obligat pe susținătorii Streamline Moderne să elimine excesul, inclusiv emoționalitatea artei expresioniste. Arhitecții noii Obiectivități s-au concentrat pe producerea de structuri care ar putea fi considerate practice, ca reflectând cerințele vieții reale. Ei au preferat ca desenele lor să se adapteze la lumea reală, mai degrabă decât să-i facă pe alții să se adapteze la o estetică impracticabilă. În acest scop, New Obiectivity architects chiar a fost pionierul tehnologiei de prefabricare (ajutând rapid și eficient la adăpostirea săracilor din Germania).
lipsit de ornament, Streamline Moderne arhitectura a prezentat curbe curate, linii orizontale lungi (inclusiv benzi de ferestre), cărămizi de sticlă, ferestre în stil hublou și forme cilindrice și uneori nautice. Mai mult ca niciodată, s-a pus accent pe aerodinamică și alte expresii ale tehnologiei moderne. Materialele mai scumpe și adesea exotice ale Art Deco au fost înlocuite cu beton, sticlă și hardware cromat în Streamline Moderne. Culoarea a fost folosită cu ușurință, deoarece tonurile de alb, bej și pământ au înlocuit culorile mai vii ale Art Deco. Stilul a fost introdus pentru prima dată în arhitectură și apoi extins la alte obiecte, similar stilului tradițional Art Deco.
Art Deco este numit retroactiv
inițial, termenul „Art Deco” a fost folosit peiorativ de un detractor celebru, arhitectul modernist Le Corbusier, în articole în care a criticat stilul pentru ornamentarea sa, caracteristică pe care a considerat-o inutilă în arhitectura modernă. În timp ce susținătorii stilului l-au salutat ca pe un răspuns modernist dezbrăcat la ornamentarea excesivă, mai ales în comparație cu predecesorul său imediat, Art Nouveau, deoarece orice decor era de prisos pentru Le Corbusier. Abia la sfârșitul anilor 1960, când interesul pentru stil a fost revigorat, termenul „Art Deco” a fost folosit într-o manieră pozitivă de istoricul și criticul de artă Britanic Bevis Hillier.
Art Deco și Statele Unite
în SUA., recepția mișcării Art Deco s-a dezvoltat într-o traiectorie diferită. Herbert Hoover, Secretarul de Comerț al SUA la acea vreme, a decretat că designerii și arhitecții americani nu își pot expune lucrările la Exposition Internationale, deoarece a susținut că țara nu a conceput încă un stil de artă distinct American care să fie satisfăcător „suficient de nou.”Ca alternativă, a trimis o delegație în Franța pentru a evalua ofertele de la expoziție; și apoi să aplice ceea ce au văzut într-un stil artistic și arhitectural american contemporan. În contingentul emisarilor estetici trimiși de Hoover au fost incluse figuri importante de la Institutul American de arhitectură, Muzeul Metropolitan de artă și New York Times. Misiunea a inspirat un boom aproape imediat în inovația artistică în SUA
până în 1926, o versiune mai mică a Târgului francez numită „o colecție selectată de obiecte din Expoziția Internațională arte moderne, industriale și Decorative” a călătorit prin multe orașe din SUA, cum ar fi New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St.Louis, Boston, Minneapolis și Philadelphia. Târgurile Mondiale Americane din Chicago (1933) și New York City (1939) au prezentat în mod vizibil modele Art Deco, în timp ce Hollywood-ul a îmbrățișat estetica și a făcut-o plină de farmec în toată țara. Chiar și corporații americane precum General Motors și Ford au construit pavilioane în Târgul Mondial din New York.
printre cele mai cunoscute exemple ale stilului Art Deco American se numără zgârie-nori și alte clădiri la scară largă. De fapt, iterația Americană a Art Deco în proiectele de clădiri a fost denumită zigzag Modern pentru modelele sale unghiulare și geometrice ca fațade arhitecturale elaborate. Cu toate acestea, în general Art Deco American este adesea mai puțin ornamental decât predecesorul său European. Dincolo de liniile curate și curbele puternice, formele geometrice îndrăznețe, culoarea bogată și, uneori, ornamentarea generoasă, versiunea americană este mai dezbrăcată. Pe măsură ce influențe importante precum Noua obiectivitate și stilul internațional de arhitectură, precum și eșecurile economice grave de la sfârșitul anilor 1920 și începutul anilor 1930 au început să se exercite asupra esteticii Art Deco, stilul a devenit mult mai puțin generos. De exemplu, această transformare ar putea fi simbolizată prin înlocuirea aurului cu crom, a sidefului cu bachelită, a granitului cu beton etc.stilul american Art Deco s-a dezvoltat ca o celebrare a progresului tehnologic, inclusiv a producției în masă, și o credință restabilită în progresul social. În esență, aceste realizări ar putea fi considerate o reflectare a mândriei naționale. În anii 1930, sub administrația progresului lucrărilor lui Roosevelt (WPA), multe dintre lucrările create au fost Art Deco, de la structuri municipale precum biblioteci și școli până la picturi murale publice masive. WPA a fost destinat să relanseze economia SUA postbelică prin crearea de locuri de muncă în lucrări publice și a căutat să servească comunitatea prin crearea de locuri de muncă și insuflarea valorilor americane în design. Utilizarea artei Deco Americane a adus astfel o expresie a democrației prin design. Unele materiale folosite adesea în creația Art Deco erau scumpe și, prin urmare, dincolo de îndemâna omului obișnuit. Cu toate acestea, utilizarea de materiale ieftine sau noi a făcut posibilă producerea unei game largi de produse accesibile și, astfel, a adus frumusețea în sfera publică într-un mod nou. Art Deco a inspirat proiectarea și producția unei serii de obiecte – de la copertele revistelor și reclame colorate la articole funcționale, cum ar fi tacâmuri, mobilier, ceasuri, mașini și chiar căptușeli oceanice.
creșterea globală a Art Deco
stilul Art Deco a avut loc în capitalele lumii la fel de diverse precum Havana, Cuba, Mumbai și Jakarta. Havana se mândrește cu un întreg cartier construit în stil Art Deco. Sistemul feroviar de metrou din Londra încorporează puternic stilul. Portul Shanghai conține mai mult de cincizeci de structuri Art Deco, dintre care majoritatea au fost proiectate de maghiarul Laszlo Hudec. De la monumente de război la spitale, orașe până la Sydney și Melbourne din Australia au absorbit și stilul fenomenal.
Art Deco: Concepte, stiluri și tendințe
principalele caracteristici vizuale ale Art Deco derivă din utilizarea repetitivă a formelor liniare și geometrice, inclusiv forme triunghiulare, zigzagate, trapezoidale și cu model chevron. Similar cu predecesorul său, Art Nouveau, atunci când sunt reprezentate obiecte precum flori, animale sau figuri umane, acestea sunt foarte stilizate și simplificate pentru a se menține cu estetica generală a Art Deco. Natura și amploarea stilizării și simplificării sau dezbrăcării variază în funcție de iterația regională a stilului. De exemplu, o figură precum Pasărea de foc (1922) a designerului francez Ren Lalique, este elegant subțire și atenuată, în timp ce Atlasul lui Lee Lawrie (1937) în afara Rockefeller Center este solid și robust, cu musculatură emfatic liniară, deși ambele sunt considerate reprezentări fine ale stilului Deco.
în conformitate cu accentul mișcării pe tehnologia modernă, artiștii și designerii Art Deco au exploatat materiale moderne precum materiale plastice, bachelită și oțel inoxidabil. Dar când a fost nevoie de un strop de bogăție și rafinament, designerii au încorporat materiale mai exotice, cum ar fi Fildeș, corn și piele de zebră. Ca și în cazul mișcărilor Art Nouveau și Arts and Crafts, stilul Art Deco a fost aplicat mult mai puțin formelor de Expresie ale artei vizuale tradiționale de cel mai înalt rang: pictura și sculptura.
Design
stilul Art Deco și-a exercitat influența asupra artelor grafice într-o manieră care dezvăluie influența futurismului Italian cu dragostea Sa pentru viteză și adorația mașinii. Artiștii futuristi au folosit linii pentru a indica mișcarea, cunoscute sub numele de „mustăți de viteză”, care ar ieși din roțile mașinilor și trenurilor în mișcare rapidă. În plus, practicienii Art Deco au folosit linii paralele și forme conice care sugerează simetrie și raționalizare. Tipografia a fost afectată de influența internațională a Art Deco, iar tipografiile Bifur, Broadway și Peignot își amintesc imediat stilul.
în ceea ce privește imaginile, formele simple și zonele mari de culoare solidă amintesc de imprimeurile japoneze din lemn, care deveniseră o sursă majoră de influență pentru artiștii occidentali, în special în Franța, după sfârșitul perioadei Edo izolaționiste din 1868. Afluxul ulterior de artă din Japonia în Europa a avut un impact enorm. În special, artiștii găsiți în simplitatea formală a woodblock imprimă un model pentru crearea propriilor stiluri distinct moderne începând cu impresionistul.
mobilier
până la sfârșitul anilor 1920, designul de mobilier avangardist în Franța a fost în mare parte variații ale stilului Art Nouveau, dar simplificat și mai puțin curbiliniu. Pe măsură ce deceniul a progresat, Inquxmile-Jacques Ruhlmann a apărut ca cel mai important designer de mobilă (Ruhlmann avea un pavilion propriu la expoziția din 1925). În timp ce desenele sale au fost inspirate în primul rând de piese din secolul al 18-lea produse în stil neoclasic, el a eliminat o mare parte din ornamentație în timp ce încă mai folosesc materiale exotice favorizate de designeri Art Nouveau, cum ar fi mahon, abanos, lemn de trandafir, fildeș, și carapace de broască țestoasă. Desigur, piesele sale erau adesea prea scumpe pentru a fi achiziționate pentru oricine, în afară de cei mai bogați.
spre deosebire de modelele generoase ale lui Ruhlmann, care păreau să se încadreze în stilurile Art Nouveau și Art Deco, designerul de mobilier Art Deco din Franța a fost Jules Leleu. El a fost un designer Tradițional până când noul stil a înlocuit Art Nouveau și este cunoscut pentru designul Marii săli de mese a Palatului Elysee din Paris și cabinele luxoase de pe puntea de primă clasă A elegantului vapor, Normandie.spre deosebire de Leleu și Ruhlmann, Le Corbusier a fost un susținător al unei versiuni foarte reduse, fără ornamente, a stilului Art Deco, creând adesea mobilier potrivit pentru interioarele austere ale propriilor sale structuri arhitecturale. Intenția sa a fost de a proiecta prototipuri, în special de scaune, care ar putea fi produse în masă și, prin urmare, accesibile pentru o piață mai largă. De asemenea, designul interior al lui Donald Deskey al faimosului reper din New York City, Radio City Music Hall, este un exemplu excelent de design American de mobilier Art Deco, care este încă intact în forma sa originală astăzi.
arhitectura
arhitectura Art Deco se caracterizează prin modele cu margini dure, adesea bogat înfrumusețate, accentuate de accente metalice strălucitoare. Multe dintre aceste clădiri au un accent vertical, construite într-un mod destinat să atragă ochiul în sus. Formele dreptunghiulare, adesea blocate, sunt aranjate Geometric, cu adăugarea de turle pe acoperiș și/sau elemente ornamentale curbate pentru a oferi un efect raționalizat. Zgârie-nori din New York și clădirile în culori pastelate din Miami se numără printre cele mai faimoase exemple americane, deși stilul a fost implementat într-o varietate de structuri din întreaga lume.
în Statele Unite, Administrația progresului lucrărilor a ajutat arhitectura Art Deco să devină mainstream. Interesant este că fuziunea dintre art Deco și clasicismul Beaux-Arts văzută în multe lucrări publice din epoca depresiei a ajuns să fie cunoscută sub numele de PWA Moderne sau depresie Moderne.
dezvoltări ulterioare – după Art Deco
Art Deco a căzut din modă în anii celui de-al doilea război mondial în Europa și America de Nord, austeritatea războiului determinând stilul să pară mereu prost și decadent. Metalele au fost salvate pentru a fi utilizate pentru construirea armamentelor, spre deosebire de decorarea clădirilor sau a spațiilor interioare. Mobilierul nu mai era considerat obiecte de stare. Progresele tehnologice ulterioare au permis o producție mai ieftină de articole de bază pentru consumatori, eliminând nevoia și popularitatea designerilor Art Deco.
o mișcare care, în multe privințe, a căutat să se desprindă de trecut, a devenit acum un clasic nostalgic, amintit cu drag. Din anii 1960, a existat un interes constant și continuu pentru stil. Ecouri ale Art Deco pot fi văzute în designul modern de la mijlocul secolului, care duce mai departe estetica simplificată a Deco și revizuiește simplitatea curată a Bauhaus. Deco a ajutat, de asemenea, să inspire grupul Memphis, o mișcare de design și arhitectură centrată în Milano în anii 1980. Memphis a atras, de asemenea, din arta Pop și Kitsch ca surse pentru desenele sale colorate, conștient postmoderne.