cele mai bune 25 de scenarii americane ale secolului 21, de la „Eternal Sunshine” la „Lady Bird”

veți auzi adesea regizorii spunând că fiecare film este într-adevăr trei filme: cel de pe pagină, cel pe care îl filmați și cel cu care ajungeți în ultima tăietură. Acest lucru vă oferă trei șanse să-l corectați sau să-l încurcați și mai mult, dar nimic nu bate o bază solidă și un plan bine conceput. Cel puțin cu un scenariu grozav, știi că va fi mult mai greu să încurci celelalte două faze.

orice considerație a celor mai bune filme din ultimii 18 ani capătă un context nou atunci când este luată în considerare exclusiv în ceea ce privește scenariile lor. Există câțiva maeștri evidenți ai formei, cum ar fi Charlie Kaufman și Kenneth Lonergan, ca să nu mai vorbim de precizia de tip ceas a fabricii de povești Pixar, motiv pentru care toți au două filme pe această listă. Multe dintre filmele de aici au fost jefuite de nominalizări la Oscar, inclusiv de la „Zodiac” al lui David Fincher la „Memento” al lui Christopher Nolan, dar asta nu îndepărtează nimic de meritele lor.

În acest spirit, aici este lista IndieWire a celor mai bune scenarii Americane din ultimele două decenii. Împărtășiți-vă propriul în comentarii.

„American Psycho” (2000)

romanul „American Psycho” al lui Bret Easton Ellis din 1991 a fost învăluit în controverse legate de lansarea sa, deoarece a descris viața brutal violentă a unui Alpha NYC yuppie care a favorizat uciderea prostituatelor și a persoanelor fără adăpost. Deci, ce ar inspira două femei cowriters, regizorul Mary Harron și Guinevere Turner, să adapteze povestea pentru film? Perechea este mult mai interesată de mecanica care îl face pe Patrick Bateman să bifeze și să construiască din aceasta satira care subliniază cele mai bune momente ale filmului. De la obsesiv one-upsmanship despre cărți de vizită și scaune restaurant, la discordant anii ’80 melodii pop subliniind crimele cele mai brutale Bateman, criminalul este ABIL mutat de la glorificare la studiu de caz. Folosind cu înțelepciune romanul ca punct de plecare în locul unui text sacru, Harron și Turner oferă scenariului lor o mulțime de texturi și nuanțe care ridică acest film de la nota de subsol de cult la un masterclass de scenariu. – William Earl

„Finding Nemo” (2003)

este greu să te gândești la un caracter comic mai mare decât Dory, peștele albastru tang cu pierderi de memorie pe termen scurt și o inimă de aur. După cum a exprimat-o incomparabila Ellen Degeneres, Dory este în același timp înnebunitor și irezistibil. Jucând un Albert Brooks stammering ca un Marlon de pește drept (bine, din punct de vedere tehnic, el este un clownfish), acești doi ar putea să-și țină cont de orice duo clasic de comedie. Desigur, ar fi nevoie de un film pentru copii despre pește pentru a scrie cea mai mare comedie non-romantică tip/gal buddy. Dar ceea ce ridică „Finding Nemo” la cel mai mare film Pixar din toate timpurile este nucleul său emoțional. Nu numai că „Finding Nemo” este genul de film pe care adulții îl pot râde, dar căutarea lui Marlon pentru Nemo se reduce până la os pentru orice părinte sau copil. Bob Peterson și David Reynolds l-au asistat pe co-regizorul Andrew Stanton la povestea sa originală, aceeași minte care a visat alte articulații Pixar de top „Wall-E” și „Toy Story. Mișcător, hilar și împodobit cu peisaje marine vibrante și fluide, „Finding Nemo” surprinde cea mai mare lecție pe care orice părinte trebuie să o învețe; arta de a renunța. —Jude uscat

„Lovely & Amazing” (2001)

mai recent cunoscut pentru „destul de spus,” Nicole Holofcener scrie genul perfect de comedii: cele despre personaje profund defecte care se delectează în mizeria inevitabilă a vieții. Acest film aproape perfect îl are în rolurile principale pe Catherine Keener și Emily Mortimer ca surori, cu excelenta Brenda Blethyn ca mamă care caută liposucție și un Raven Goodwin care fură scena ca sora lor neagră adoptată. Fiecare personaj este diferit de orice altă femeie pe care o veți vedea pe ecran, părți egale auto-depreciate și auto-absorbite. Holofcener echilibrează multe elemente, inclusiv o aventură mai-decembrie cu un tânăr Jake Gyllenhaal, și folosind tânărul Goodwin ca furaj comic obraznic. Este o alegere îndrăzneață care plătește. Greșit raportat un” smart chick-flick ” de unii, Holofcener este acel dublu-whammy rar al unui autor a cărui artă autentică este mascată de o valoare de divertisment pură. – Jude Dry

„Creed” (2015)

Warner Bros./REX/

Ryan Coogler și scenariul „Creed” al lui Aaron Covington este genul de knockout plăcut de mulțime care pare să apară odată într-o lună albastră. Nu numai că scenariul reușește să spună o poveste de origine autentică a tânărului și hotărâtului Adonis Creed, dar găsește și o modalitate autentică de a reînvia Rocky-ul lui Sylvester Stallone și de a-l face elementul emoțional al ascensiunii lui Adonis la boxer campion. Nimic din” Creed „nu se simte încălțat pentru a satisface fanii” Rocky”. Scenariul se luptă din greu să te investească în călătoria lui Adonis și să-și câștige apelurile la clasicul lui Stallone. Nu e de mirare că momentul în care Creed aleargă pe străzile din Philadelphia se simte ca un triumf atât de revigorat. Scenariul este însăși definiția satisfacției. – Zack Sharf

„the Kids Are All Right” (2010)

după ce a realizat câteva capodopere provocatoare, Lisa Cholodenko a scos-o în cele din urmă din parc cu o abordare ingenioasă și artistică a vieții de familie contemporane. Bitingly inteligent și fără teamă să ia transformă neașteptate, scenariul lui Choldenko a fost atât de bun încât a atras place de Annette Bening și Julianne Moore, și a făcut stele din tineri Mia Wasikowska și Josh Hutcherson. Bening și Moore sunt cinetici ca o lesbiană cu putere de control și soția ei cu spirit liber, care are o aventură cu donatorul lor de spermă, jucat cu brio relaxat de Mark Ruffalo. Wasikowska și Hutcherson aduc un amestec perfect de inocență asemănătoare copilului și precoce voită ca copii titulari. Filmul a fost un succes critic și la box-office, deși unii critici LGBT s-au îndreptat spre tropul „lesbian turns straight”. În opinia noastră, Cholodenko primește o trecere ca lesbiană la Hollywood, care face filme grozave — și se dovedește bine până la urmă. – JD

„Punch Drunk Love” (2002)

colecția Criterion

meditația genială a lui Paul Thomas Anderon asupra bărbaților furioși, reprimați Adam Sandler a jucat de un milion de ori transformă acel arhetip într-o viziune minunată. Singuraticul deprimat Barry Egan se luptă să găsească cuvintele pentru a face față unei lumi care îl aruncă fără sfârșit, dar panaceul său ajunge ca o revelație în compania romantică (care ar fi Emily Watson). Ai putea diseca Politica de gen a acestui film până la moarte, dar scenariul lui PTA gestionează jocul strălucit de a rămâne în limitele capului lui Barry, astfel încât, indiferent de ceea ce se întâmplă cu adevărat în acele momente de închidere, este clar că a găsit o pace. „Am dragoste în viața mea”, declară el, ” și asta mă face mai puternic decât vă puteți imagina.”Într-adevăr, acest lucru poate fi cel mai apropiat Anderson vine la a face un film cu super-eroi prin propria sa logică narativă slabă, suprarealistă. Este, de asemenea, o meditație fantezistă asupra inanității furiei alimentate cu testosteron. „Asta e, omul saltelei” ar trebui să fie mantra tuturor. – Eric Kohn

„Carol” (2015)

unul dintre cele mai frumoase aspecte ale „Carol” este cât de multă greutate și emoție este ținută într-o singură privire între Carol și Therese, mai ales într-un moment în care cuvintele nu puteau fi ponderate decât cu emoție voalată cu atenție. Atracția dintre Carol și Therese este incontestabilă și distruge tot ceea ce Therese credea că știe despre ea însăși, trimițând-o în propria călătorie de auto-descoperire atât împletită, cât și în afară de Carol. Astăzi, în umbra unor filme precum” Moonlight „și” Call Me By Your Name”,” Carol ” se simte aproape ca o relicvă, un film care nu poate sărbători pe deplin dragostea homosexuală fără a arunca consecințe condamnabile. Cu toate acestea, scenariul nominalizat la Oscar al lui Phyllis Nagy rămâne o amintire vitală atât a frumuseții ciudățeniei, cât și a lungimilor pe care le-am ajuns (și încă mai trebuie să mergem) în ceea ce privește acceptarea.

când cele două femei cedează în cele din urmă pasiunii lor, rezultatul este o frumoasă afișare a erotismului nuanțat de durere — Carol știe că, în cele din urmă, cedarea înseamnă și sfârșitul. Pasiunea lor a implodat atât căsătoria lui Carol, cât și propria lor relație, iar când se văd în cele din urmă după ceva timp, rolurile lor au fost inversate definitiv. Therese este diferită, mai sigură și mai sigură de cine este, datorită în parte lui Carol. Și Carol este cea care acum pare nesigură, după ce și-a pierdut confortul vieții sale anterioare, căsătoria și copilul și singura dragoste adevărată pe care o găsise în Therese. —Jamie Righetti

„Inglourious Basterds” (2009)

Fran Inglourious Duhamel / The Weinstein Company / Universal Pictures

niciodată unul care să se ferească de a-și arde propriul mit, Quentin Tarantino a declarat public că scena de deschidere a „Inglourious Basterds” este lucrul său preferat pe care l-a scris vreodată. Și în timp ce artiștii nu sunt întotdeauna cei mai buni arbitri ai muncii lor, Tarantino este regizorul rar care este la fel de faimos pentru gustul său în filme ca și pentru a le face. Destul de sigur, el are asta doar dreptul.

extragând un suspans incredibil dintr-o mega — doză de expunere, conversația lui Hans Landa cu un fermier francez de produse lactate suspicios de tensionat nu numai că face una dintre cele mai mari introduceri ale ticăloșilor din toate timpurile, ci și un trop familiar al cinematografiei Holocaustului — tăierea între un nazist calm și evreii pietrificați care se ascund de el la doar câțiva metri distanță-și explodează într-o lume colorată care este mai puțin informată de cel de-al doilea Război Mondial decât filmele care au fost făcute despre el. Punctul culminant terifiant al secvenței, zdrobirea ” căutătorilor „în” masacrul cu lanț din Texas „pentru a ajunge la ceva complet nou, pregătește scena pentru cel mai mare film al lui Tarantino, cel care susține cel mai bine că” pastișă ” este doar un cuvânt murdar dacă nu știi cum să-l pronunți corect. O lucrare orbitoare de istorie revizionistă care pune o piesă de neuitat deasupra alteia,” Inglourious Basterds ” transformă într-un fel o mică mână de scene de sine stătătoare într-o epopee delirantă plină de personaje grozave, momente citabile și o dragoste profundă pentru filmele în sine. – David Ehrlich

„poți conta pe mine” (2000)

la sfârșitul aclamatului debut al lui Kenneth Lonergan, fratele mai mic (Mark Ruffalo) este pe cale să urce într-un autobuz spre un viitor neclar. El îi repetă surorii sale (Laura Linney): „amintiți-vă ce obișnuim să spunem.”Personajele nu spun niciodată ce este, dar publicul știe instinctiv că este titlul filmului: poți conta pe mine. Este un moment pur Kenneth Lonergan, cu publicul completând golurile personajelor sale deteriorate în așa fel încât înțelegerea noastră despre ele să fie atât mai profundă, cât și mai emoțională. În primul lungmetraj al apreciatului dramaturg, legătura dintre frate și soră a fost clar modelată de evenimentele tragice ale copilăriei lor, dar este un trecut pe care ni se oferă o imagine completă fără să-l fi văzut vreodată. În schimb, scriitorul pune totul prin implicații și are încredere în interpreții săi — precum și în public — să facă saltul. – Chris O ‘ fals

„Moonlight” (2016)

deoarece „Moonlight” este atât de visceral, calitățile neconvenționale și non-americane ale povestirii din acest scenariu premiat cu Oscar sunt adesea ignorate. Într-un film care se întinde pe decenii din viața protagonistului său, scenariștii Barry Jenkins și Tarell Alvin McCraney sapă adânc în trei momente scurte și cer publicului să facă conexiuni care să dezvăluie adevăruri mari despre omul care devine Chiron. De la dispariția lui Juan (Mahershala Ali) în al doilea capitol – lăsându – ne dezorientați și trebuind să punem povestea împreună ceea ce s-a întâmplat, nu spre deosebire de un copil abandonat-până la ultimele 20 de minute sfâșietoare ale filmului, alegerile îndrăznețe și riscante ale scenariului „Moonlight” dau roade în moduri care fac ca această capodoperă să se îmbunătățească doar cu timpul și să repete vizionările. – CO

„Lost in Translation” (2003)

dacă „sinuciderile Virgine” l-au uns pe Coppola ca un nou talent major, „Lost in Translation” a dovedit că abia a început. Situația fascinantă și texturată a starului de film îmbătrânit Bob Harris și a tinerei femei cu care se împrietenește la un hotel palat din Tokyo au realizat multe lucruri simultan: a refăcut singură cariera lui Bill Murray și a pus-o pe Scarlett Johansson pe hartă; a transformat viziunea occidentalizată a luxului din Tokyo la ureche; a atacat industria publicitară; a făcut karaoke să pară cool. Ambii actori au fost pregătiți pentru comedia romantică jucăușă și misterioasă a lui Coppola, o poveste kafkiană a doi oameni din diferite medii de viață care găsesc un teren comun în lumea tristă și singură care îi înconjoară. Fața lui Murray spune jumătate din poveste, cu fiecare cută și cocoș o sprânceană vorbind volume despre frustrările sale interiorizate. Dar personajul lui Johansson, o tânără obosită să joace soția trofeului soțului ei auto-absorbit, a fost mult timp interpretată ca un avatar pentru experiențele proprii ale lui Coppola în căsătoria ei cu Spike Jonze.Coppola nu neagă acestor personaje posibilitatea de a-și găsi drumul spre un final fericit; dar într-o lovitură de maestru care a devenit iconică, ea neagă publicului capacitatea de a auzi cuvintele de despărțire ale viitorului cuplu. Aceasta este strălucirea lui Coppola pe scurt — limitările limbajului nu pot transmite niciodată posibilitățile nelimitate ale angajamentului emoțional. Vom fi încurcați de schimbul final al lui Bob și Charlotte de-a lungul veacurilor, dar implicațiile sale emoționante sunt incontestabile. – Ek

„Stăpânul Inelelor” trilogie (2001-2003)

un feat uimitor de adaptare, Philippa Boyens, Peter Jackson, și script-uri Fran Walsh pentru „Stăpânul Inelelor” distilat cumva 450.000 de cuvinte într-o trilogie cinematografică fluid care se topește toate J. R. R. Tolkien mitologia ridicol de densă într-o aventură epică bogată în inimă și umanitate. Știind exact ce să omită (vezi Ya, Tom Bombadil) și ce să adaug (evoluția lui Arwen într-un călăreț campion este o atingere frumoasă care ajută la galvanizarea complotului ei de dragoste), echipa lui Jackson a tăiat direct esența acestor personaje, lăsând în același timp loc spectatorilor să se bucure de splendoarea Pământului de mijloc din jurul lor. Faptul că ediția extinsă a „celor două turnuri” este chiar mai bogată (și se simte mai scurtă) decât tăierea teatrală este un tribut adus viziunii lui Tolkien — că filmul funcționează atât de frumos chiar și fără Faramir bits este o dovadă incontestabilă a integrității de bază a acestor scenarii, care nu trișează niciodată sau nu iau comenzi rapide emoționale neîncetate. S-ar putea să nu știm niciodată de ce vulturii nu au zburat pur și simplu inelul unic către Muntele Doom, dar cu scrierea acestui bine, este greu să te plângi. -De

„Sideways” (2004)

Sad men ar putea fi punctul central inițial al scenariului premiat cu Oscar al lui Alexander Payne și Jim Taylor (adaptat din romanul cu același nume al lui Rex Pickett), dar scribii se deschid cu înțelepciune când este timpul să introducă personaje feminine sterline precum Maya și Stephanie — deși asta nu înseamnă că Miles și Jack scris; ambele sunt scrise atât de brusc încât aproape că doare să le privești expunându — se în moduri mai îngrozitoare-dar scenariul are generozitatea și înțelepciunea de a se extinde în continuare pe măsură ce sunt introduși mai mulți oameni. Și oamenii sunt cei care fac „lateral” să coboare atât de ușor, mai ales când lucrurile devin greu de înghițit. Un studiu de caractere în principal de mile, „lateral” este la fel de obligat de către ceilalți oameni care filtrează în și din viața lui, desen lucrurile sale bune și lucruri foarte, foarte rele în relief ascuțite ca fiecare pagină răstoarnă de. Este un scenariu punctat de replici clasice (mai ales despre vin, cu siguranta despre „Merlot nenorocit”) si discursuri pasionate (genul care se simt atat bine lucrate, cat si relatabile), piese wild set si sentimentul ca Taylor si Payne stiu intotdeauna cand sa se opreasca (chiar daca vrei sa mearga mai departe). Se citește ca propriul său roman, atât o tragedie, cât și o comedie, cu tot ce este expus pe pagină și se revarsă. – Kate Erbland

„Spotlight” (2015)

chiar și atunci când este vorba de știri reale pe linie, filme despre jurnalism nu funcționează întotdeauna: nimeni nu știe asta mai bine decât scriitorul „Spotlight” Josh Singer, care a scris dezamăgitoarea Dramă Wikileaks „The Fifth Estate” înainte de a se cupla cu regizorul Tom McCarthy pentru a scrie ce va deveni câștigătorul celui mai bun film. Punerea laolaltă a scenariului pentru povestea adevărată din spatele anchetei chinuitoare și schimbătoare a lumii din Boston Globe asupra crimelor sexuale comise de preoții catolici a fost un act de jurnalism în sine, punctat de ore de interviuri, tone de călătorii și o editare înainte și înapoi între cei doi pentru a ajunge la inima unei povești uimitoare. Poate de aceea ticăie de-a lungul atât de bine, nu de tăiere orice colțuri atunci când vine vorba de curajos nitty de raportare lumea reală, în timp ce, de asemenea, găsirea de timp pentru a dezvolta personajele sale și spune un banger de o poveste. Lovește bătăile potrivite, dar o face în moduri câștigate, înrădăcinate în realism și luptând pentru adevăr la fiecare pas. – KE

” Hotelul Grand Budapest”(2014)

Moviestore/REX/

într-o stațiune roz palatială dintr-o țară inventată, un băiat numit după un număr studiază ospitalitatea de la un suspect de crimă și posibil gigolo. Așa s-a gândit Wes Anderson când a scris scenariul ingenios pentru cel de-al optulea lungmetraj, care i-a adus jumătate din cele șase nominalizări la Oscar (inclusiv cel mai bun scenariu original nod, împărtășit cu Hugo Guinness), plus cele mai bune numere de box office până în prezent. Influențat de poveștile scribului austriac Stefan Zweig, fabula „The Grand Budapest Hotel” este spusă nu de un angajat, ci de un autor care a întâlnit stațiunea doar zeci de ani după ce și-a pierdut splendoarea. Amplasat în cea mai mare parte în anii ’30, dar uneori trecând în anii’ 60 și nu numai, filmul lui Anderson din 2014 a beneficiat din nou de designul prismatic de producție și de castingul plin de vinovăție (inclusiv un plumb necunoscut, Tony Revolori, și Tilda Swinton ca proprietar geriatric al hotelului). Finalul sumbru face ca cele 100 de minute petrecute în zubrowka sierra să se simtă extra extravagante. – Jenna Marotta

” Toy Story 3″(2010)

după ce a câștigat un Oscar pentru primul său scenariu produs, „Little Miss Sunshine”, Michael Arndt s-a alăturat echipei Pixar și a fost însărcinat să scrie scenariul pentru îndrăgita franciză „Toy Story 3.”A început cu scheletul puternic al unui tratament Andrew Stanton de 20 de pagini, rezultatele unei retrageri de două zile cu Pixar brain trust condus de creatorii originali „Toy Story”-John Lasseter, Lee Unkrich și Pete Docter. Arndt a trebuit să vină cu aproximativ 25 de secvențe puternice pe care animatorii să le aducă la viață, în timp ce continua să perfecționeze povestea complicată, care durează 10 ani mai târziu, pe măsură ce Andy se îndreaptă spre facultate. Jucăriile sale anxioase se confruntă cu ceea ce ar putea fi sfârșitul vieții lor naturale. Lui Andy îi pasă de ei, în afară de Woody? Așa că se donează la Centrul de zi Sunny Side, care pare binevoitor la suprafață, dar se dovedește a fi o închisoare. Atunci filmul intră în modul de evadare a închisorii, cu omagii aduse „The Great Escape” și „Cool Hand Luke.”

scenariul îl conduce pe Andy într-un loc unde poate da jucăriile unei fetițe merituoase. Dar a durat trei ani și mai multe versiuni ale filmului pentru a ajunge la linia de sosire și a meritat efortul. – Anne Thompson

„A Serious Man” (2009)

știi că Joel și Ethan Coen sunt pe cale să devină personali atunci când încep un scenariu cu un prolog Idiș despre o crimă într-un shtetl din secolul 19 din Europa de Est. Prologul la „un om serios” prezintă o perspectivă pesimistă asupra unei vieți blestemate, iar această perspectivă sumbră sângerează în Povestea fraților Coen a lui Larry Gopnick, un profesor de fizică evreu a cărui viață este o lungă serie de evenimente nefericite. Scenariul lui Coen este un masterclass în comedie întunecată, situația lui Larry devenind o odă deprimantă, dar adesea plină de umor, pentru lumea care nu lucrează în favoarea noastră. – ZS

„Lady Bird” (2017)

A24

„Frances Ha” a fost primul lucru pe care Greta Gerwig l-a cowritten (împreună cu partenerul Noah Baumbach) care s-a simțit ca un pas spre realizarea și scrierea filmului pe care dorea să-l facă. Până în 2013, Gerwig și-a aruncat toate ideile „Lady Bird” într-un prim proiect de 350 de pagini. Apoi a petrecut ani de zile să-l micșoreze, încet și deliberat, citind-o cu voce tare, rafinând ritmurile. Când scenariul a fost terminat, Gerwig a trebuit să decidă dacă va da filmul sau îl va regiza singură. Filmul ei fictiv, dar semi-autobiografic, a fost aproape de scenariul final. Nominalizat irlandez la Oscar Saoirse Ronan a fugit cu rolul lui Christine” Lady Bird ” Macpherson (o versiune a Liceului catolic Gerwig) ca o cultură scrappy și vorace-vultur dornic să scape de limitele ei Din Sacramento pentru un colegiu Estic. Laurie Metcalf unghiile ei furios, frustrat, penny-ciupit, și mama iubitoare, care nu poate ajuta la revenirea la argumente vechi. Tracy Letts este tatăl adorator al Lady Bird, iar Lucas Hedges și Timothee Chalamet sunt încurcăturile ei romantice provocatoare. „Lady Bird” marchează un triumf în plină floare nu numai ca un scenariu superb, exact lucrat, ci și o piesă cinematografică pe deplin realizată. În mod clar, Gerwig se pregătise să preia conducerea toată viața. – La

„Memento” (2000)

este o mare dovadă a talentelor lui Christopher și Jonathan Nolan că „Memento” a reușit să obțină un astfel de impact la doar un an după „Fight Club” al lui David Fincher.”Dar, în timp ce ambele filme scot covorul de sub spectatori datorită naratorilor nesiguri, cronologia scenariului nominalizat la Oscar a menținut publicul să revină pentru a încerca să pună cap la cap puzzle-ul tantalic al filmului. Bazat pe o nuvelă de Jonathan Nolan, „Memento” îl urmărește pe Leonard, un bărbat atât de împovărat de vinovăție încât îi sfărâmă mintea și îl trimite într-o căutare de răzbunare împotriva atacatorului necunoscut care i-a pătruns în casă și i-a ucis soția. Leonard suferă de amnezie anterogradă ca urmare a atacului, iar incapacitatea sa de a-și face noi amintiri i-a transformat corpul într-o pânză de paranoia, cu tatuaje legate de sarcina sa inscripționate pe fiecare centimetru de piele Disponibil. Dar „Memento” nu este cu adevărat despre dacă Leonard este John G și dacă și-a ucis soția într-o explozie de violență sau o supradoză de insulină. În schimb, este vorba despre lungimea la care putem merge pentru a evita durerea și cât de periculos de vulnerabili devenim ca urmare. Este această parabolă mai profundă, dantelat adânc în misterul structural mai mare, care ajută la a face „Memento” atât de refrigerare și de neuitat. – JR

„Zodiac” (2007)

Paramount

David Fincher nu era străin de genul crimei, având atât „Se7en”, cât și „fight Club” deja sub centură când a făcut „Zodiac” în 2007. Adaptat din Cartea lui Robert Graysmith despre criminalul în serie care a terorizat San Francisco la sfârșitul anilor 60 și 70, există un motiv bun pentru care „Zodiac” este adesea salutat ca capodopera lui Fincher și unul dintre cele mai bune filme ale genului. Atenția obsesivă a lui Fincher la detalii și aderarea scenariului la Materialul sursă infuzează filmul cu un sentiment aproape alarmant de realism și surprinde atmosfera tensionată a unui oraș la margine. Fiecare crimă este adusă la viață pe baza mărturiei supraviețuitorilor din viața reală, iar rezultatele sunt înfiorătoare. Gore și violența nu se simte niciodată senzaționalizată sau glorificată, ci în schimb transmite cât de oribil a fost fiecare atac. Dar dincolo de crimele în sine, dragostea lui Fincher pentru orașul său natal este evidentă pe tot parcursul filmului și arată cum orașul a evoluat în jurul unei perioade atât de întunecate din istoria sa. Chiar și astăzi, „Zodiac” rămâne o minune CGI, și ambalate cu performanțe excepționale de Mark Ruffalo, Robert Downey, Jr.și Jake Gyllenhaal, rămâne o minune că filmul a fost snubbed de Oscar. În ciuda acestui fapt,” Zodiac ” a trăit, câștigând laude de la cinefili precum Guillermo del Toro și chiar în fruntea celor mai bune filme criminale ale IndieWire din lista secolului 21. – JR

„Manchester by the Sea” (2016)

ceea ce este adesea trecut cu vederea atunci când discutăm despre „Manchester by the Sea”, unul dintre cele mai bune filme din 2016 (și cu siguranță cel mai chinuitor), este cât de amuzant este. Scenariul lui Kenneth Lonergan echilibrează aproape fiecare scenă sfâșietoare cu un moment de frivolitate, majoritatea prin amabilitatea Lucas Hedges (două cuvinte: „afaceri la subsol”); acest lucru se dovedește crucial, deoarece altfel filmul ar fi fost pur și simplu prea trist pentru ca majoritatea oamenilor să treacă. Fiecare lacrimă este câștigată aici, Fie că este vorba de râs sau (mai des) de durere, Lonergan arătând din când în când că „poți conta pe mine” și „Margaret” erau departe de flukes. El este ajutat foarte mult de distribuția sa, în special Casey Affleck și Michelle Williams, care într-o scenă devastatoare își aduc cuvintele la viață într-un mod dificil de îndurat și imposibil de îndepărtat. Această descriere se aplică „Manchester” în ansamblu. – Michael Nordine

” rețeaua socială”(2010)

Facebook nu este cool. Știi ce e mișto? Un film despre Facebook. Acum considerat unul dintre cele mai bune filme ale aughts, „rețeaua socială” a fost respinsă vedere nevăzută de mulți datorită subiectului său. Și de ce nu? Site-ul social-media a crescut cu adevărat la proeminență cu câțiva ani mai devreme și a fost greu de imaginat urmărirea lui David Fincher la „Cazul curios al lui Benjamin Button” primind o asemenea apreciere copleșitoare. Dar totul s-a reunit aproape perfect în film, datorită în mare parte scenariului câștigător de Oscar al lui Aaron Sorkin. Găsește scribul cel mai bun, cu toate eliminările verbale („dacă ați fi inventatorii Facebook, ați fi inventat Facebook”) și back-and-forth-urile rapide pe care le-am așteptat (și, mai des decât nota, dragostea) de la el. Portretizarea lui Sorkin a lui Mark Zuckerberg nu a fost deloc măgulitoare, dar titlurile recente sugerează că ar fi putut fi prea simpatice. – MN

„Get Out” (2017)

în timp ce se afla pe traseul premiilor pentru „Get Out”, Jordan Peele a vorbit foarte mult despre modul în care adevărul a fost ingredientul esențial care a permis filmului său să ofere o perspectivă complexă asupra rasei unui public de masă. Și în timp ce Peele a pus pe ecran realități incontestabile și o sensibilitate care lipsește extrem de mult din divertismentul mainstream, el a mers pe o frânghie narativă care a necesitat la fel de multă ambarcațiune ca o perspectivă. Cu o marjă de eroare zero, scriitorul-regizor a construit un scenariu în care înțelegerea publicului despre ceea ce gândește și simte Chris (Daniel Kaluuya) este întotdeauna clară. Hitchcock-ca în execuția sa și jucând genul și așteptările publicului (în special despre modul în care dinamica rasială este descrisă în mod tradițional pe ecran), răsucirile „ieși” nu sunt doar inducătoare de suflare; fiecare dezvăluie un nou strat explorării sale sistematice sisteme de credințe rasiste. Film de gen acest distractiv și da, adevărat, poate fi pe deplin apreciat numai atunci când defalcare blocurile de modul în care Peele pus cap la cap împreună. – CO

„adaptare” (2002)

este întotdeauna minunat să faci o plimbare prin mintea lui Charlie Kaufman, iar examinarea amețitoare a blocajului scriitorului în „adaptare” este una dintre cele mai bune lucrări ale sale. Luând o versiune fictivă a lui însuși pentru o rotire,” adaptarea „urmează un” Charlie Kaufman „în timp ce se luptă să scrie o adaptare cinematografică a lui Susan Orlean” Hoțul de orhidee.”Între timp, fratele său geamăn, Donald, începe să-și promoveze propriile vise de a scrie scenarii, iar filmele se despart într-o relatare metaficțională a artei, poftei și luptei creative. În timp ce o distribuție curajoasă — condusă de Nicolas Cage, Meryl Streep și Chris Cooper — și regia inventivă a lui Spike Jonze au făcut un film atemporal, coloana vertebrală creativă a fost tot Kaufman. — Noi

„Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (2004)

caracteristici de focalizare

fără premise fantastice și gaguri de vedere-Zap amintiri din creierul tău odată ce devin neplăcute! Plonjați Jim Carrey și Kate Winslet într-o chiuvetă de bucătărie supradimensionată! – Scenariul lui Charlie Kaufman va rămâne o capodoperă meritată de Oscarul său. O „Annie Hall”, pentru curtoazia post-intimitate de vârstă de gen-cameleon Michel Gondry,” Eternal Sunshine of the Spotless Mind ” remodelează momente banale ca uverturi romantice. Conștient de sine Joel și Clementine de două ori woo reciproc peste Salutări de tren fumbled, swiped copane de pui, și hokum stargazing. Când se despart, fiecare are fiecare amintire a celuilalt șters, o procedură serioasă, efectuată de tehnicienii cavorting (Kirsten Dunst, Mark Ruffalo și Elijah Wood). La mijlocul său, Joel vrea să avorteze, dar nu poate, așa că Clementine joacă Ghid turistic prin coridoarele încă neatinse ale minții sale, învățând toate secretele sale în timp ce îl sfătuiește printr-un „La revedere” imaginat.”Carrey nu a fost niciodată mai împământat sau mai sincer, iar verva lui Winslet este suficientă pentru a inspira nenumărate călătorii către Montauk. – JM