introduktion till Konstbegrepp

”barock”—ordet, stilen, perioden

i samband med europeisk historia kallas perioden från c. 1585 till c. 1700/1730 ofta barocktiden. Ordet ”barock” härstammar från de portugisiska och spanska orden för en stor, oregelbundet formad pärla (”barroco” respektive ”barrueco”). Sjuttonhundratalet kritiker var de första att tillämpa termen till konsten av 17-talet. Det var inte ett lovord. För dessa kritikers ögon, som gynnade neoklassicismens återhållsamhet och ordning, verkade Bernini, Borromini och Pietro da Cortonas verk bisarra, absurda, till och med sjuka—med andra ord missformade, som en ofullkomlig pärla.i mitten av 19-talet hade ordet förlorat sina nedsättande konsekvenser och användes för att beskriva de utsmyckade och komplexa egenskaper som finns i många exempel på 17th century konst, musik och litteratur. Så småningom kom termen att beteckna den historiska perioden som helhet. I samband med målningen är till exempel den skarpa realismen i Zurbarans altartavlor, Den tysta intimiteten i Vermeers inhemska interiörer och återhållsam klassicism i Poussins landskap alla ”barock” (nu med en huvudstad ”B” för att indikera den historiska perioden), oavsett frånvaron av de stilistiska drag som ursprungligen var förknippade med termen.

Rom: Från” Babylons Hora ” till Kristi strålande brud

När Martin Luther tackade sina 95 teser till dörrarna till Wittenburg-Katedralen 1517 och protesterade mot den katolska kyrkans korruption, initierade han en rörelse som skulle förvandla Europas religiösa, politiska och konstnärliga landskap. För nästa århundrade skulle Europa vara i oro när nya politiska och religiösa gränser bestämdes, ofta genom blodiga militära konflikter. Först i 1648, med undertecknandet av Westfalen, dämpade konflikterna mellan protestanter och Katoliker i kontinentala Europa.Martin Luther fokuserade sin kritik på vad han såg som kyrkans girighet och maktmissbruk. Han kallade Rom, säte för Påvliga makt,” hora Babylon ” dekorerad i grannlåt av dyr konst, storslagen arkitektur, och överdådiga banketter. Kyrkan svarade på krisen på två sätt: genom att internt ta itu med korruptionsfrågor och genom att försvara de läror som protestanterna avvisade. Således, medan de två första decennierna av 16-talet var en period av påkostade utgifter för påvedömet, de mellersta decennierna var en period av åtstramning. Som en besökare i Rom noterade på 1560-talet hade hela staden blivit ett kloster. Fromhet och asketik styrde dagen.

i slutet av 16-talet kände den katolska kyrkan återigen optimistisk, till och med triumferande. Det hade uppstått ur krisen med förnyad kraft och tydlighet i syfte. Shepherding de troende-instruera dem om Katolska läror och inspirerande dygdigt beteende—tog centrum. Påvedömet ville återuppbygga Roms rykte som en helig stad och inledde omfattande byggnads-och dekorationskampanjer som syftade till att lyfta fram dess forntida ursprung, dess tro och dess gudomligt sanktionerade auktoritet. I trofasta katolikers ögon var Rom inte en otrogen hora, utan en ren brud, vackert prydd för sin förening med sin gudomliga make. Konsten i denna rörelse kallas barock konst.

konsten att övertala: att instruera, att glädja, att flytta

medan protestanterna hårt kritiserade bildkulten, omfamnade den katolska kyrkan ivrigt konstens religiösa kraft. Bildkonsten, hävdade kyrkan, spelade en nyckelroll för att vägleda de troende. De var verkligen lika viktiga som det skrivna och talade ordet, och kanske ännu viktigare, eftersom de var tillgängliga för de lärda och de olärda. För att vara effektiv i sin pastorala roll måste religiös konst vara tydlig, övertygande och kraftfull. Det var inte bara att instruera, det var tvungen att inspirera. Det var tvungen att flytta de troende för att känna verkligheten av Kristi offer, martyrernas lidande, de helgonas visioner.

kyrkans betoning på konstens pastorala roll fick konstnärer att experimentera med nya och mer direkta sätt att engagera betraktaren. Konstnärer som Caravaggio vände sig till en kraftfull och dramatisk realism, accentuerad av djärva kontraster av ljus och mörker, och tätt beskurna kompositioner som förbättrar den avbildade berättelsens fysiska och emotionella omedelbarhet. Andra artister, som Annibale Carracci (som också experimenterade med realism), slutligen bosatte sig på ett mer klassiskt visuellt språk, inspirerat av den livliga paletten, idealiserade former och balanserade kompositioner från högrenässansen. Ytterligare andra, som Giovanni Battista Gaulli, vände sig till djärva illusionism som suddade inte bara gränserna mellan målning, skulptur och arkitektur utan också de mellan de verkliga och avbildade världarna. På så sätt gjordes det gudomliga fysiskt närvarande och påtagligt. Vare sig genom chockerande realism, dynamisk rörelse, eller sprudlande utsmyckning, sjuttonhundratalet konst är tänkt att imponera. Det syftar till att övertyga betraktaren om sanningen i sitt budskap genom att påverka sinnena, väcka känslorna och aktivera, till och med dela betraktarens utrymme.

de katolska monarkerna och deras territorier

monarkerna i Spanien, Portugal och Frankrike omfamnade också de mer utsmyckade elementen i sjuttonhundratalets konst för att fira katolicismen. I Spanien och dess kolonier investerade härskare stora resurser på utarbetade kyrkfasader, fantastiska, guldtäckta kapell och tabernakler och påfallande realistisk polykrom skulptur. I det spanska Nederländerna, där helig konst hade lidit fruktansvärt till följd av protestantisk ikonoklasm (förstörelsen av konst), prioriterade medborgerliga och religiösa ledare utsmyckningen av kyrkor när regionen återtog sin katolska identitet. Renovera altarna i Antwerpens kyrkor höll Peter Paul Rubens verkstad upptagen i många år. Europas monarker antog också detta konstnärliga ordförråd för att förkunna sin egen makt och status. Louis XIV beställde till exempel de fantastiska byggnaderna och trädgårdarna i Versailles som ett visuellt uttryck för hans gudomliga rätt att styra.

den protestantiska norr

i de protestantiska länderna, och särskilt i den nyligen oberoende Nederländska Republiken (dagens Nederländerna) förändrades det konstnärliga klimatet radikalt i efterdyningarna av reformationen.

två av de rikaste källorna till beskydd—monarkin och kyrkan—var nu borta. I deras ställe uppstod en alltmer välmående medelklass ivrig att uttrycka sin status och sin nya känsla av nationell stolthet genom köp av konst.

i mitten av 17-talet hade en ny marknad uppstått för att möta den konstnärliga smaken av denna klass. Efterfrågan var nu för mindre skala målningar som lämpar sig för visning i privata hem. Dessa målningar inkluderade religiösa ämnen för privat kontemplation, vilket ses i Rembrandts gripande målningar och tryck av bibliska berättelser, samt porträtt som dokumenterar individuella likheter.

men den största förändringen på marknaden var den dramatiska ökningen av populariteten för landskap, stilleben och scener i vardagen (känd som genremålning). Verkligen, spridningen av dessa ämnen som oberoende konstnärliga genrer var en av 17th century mest betydande bidrag till historien om västerländsk konst. I alla dessa genrer avslöjade konstnärer ett stort intresse för att replikera observerad verklighet—oavsett om det var ljuset på det nederländska landskapet, det momentana uttrycket i ett ansikte eller de olika texturerna och materialen i de föremål som holländarna samlade när de skördade fördelarna med deras expanderande merkantila Imperium. Dessa verk visade lika mycket konstnärlig virtuositet och fysisk omedelbarhet som de stora dekorationerna av palats och kyrkor i katolska Europa.

början av rokoko

under de första åren av 1700-talet, i slutet av Louis XIVs regeringstid (som dör 1715), skedde ett skifte från klassicismen och ”Grand Manner” (baserat på Poussin-konsten) som hade styrt konsten under de föregående 50 åren, mot en ny stil som vi kallar rokoko.Versailles övergavs av aristokratin, som återigen bosatte sig i Paris. Ett skifte från monarkin, mot aristokratin kännetecknar denna period.

vilken typ av livsstil ledde aristokratin under denna period? Kom ihåg att aristokratin hade enorm politisk makt såväl som enorm rikedom. Många valde fritid som en strävan och blev involverade i romantiska intriger. Verkligen, de skapade en kultur av lyx och överskott som bildade en skarp kontrast till livet för de flesta människor i Frankrike. Aristokratin, endast en liten andel av Frankrikes befolkning, ägde över 90% av sin rikedom. En liten men växande medelklass sitter inte stilla med detta länge (kom ihåg den franska revolutionen 1789).

Fragonards gungan

som med de flesta rokoko-målningar är ämnet för Fragonards the swing inte särskilt komplicerat! Två älskare har konspirerat för att få den här äldre mannen att driva den unga damen i gungan medan hennes älskare gömmer sig i buskarna. Deras uppfattning är att när hon går upp i gungan, hon kan dela benen, och han kan få en perfekt vy upp hennes kjol.

de är omgivna av en frodig, övervuxen Trädgård. En skulpterad figur till vänster sätter fingrarna i munnen, som om han säger ”hush”, medan en annan skulptur i bakgrunden har två cupidfigurer kramade ihop. Färgerna är pastellfärgade rosa och gröna, och även om vi har en känsla av rörelse och en framträdande diagonal linje — saknar målningen all allvar av en barockmålning.

om du tittar riktigt noga kan du se de lösa penseldragen i den rosa sidenklänningen, och när hon öppnar benen får vi en glimt av hennes ryggbälte. Det var just denna typ av målning som upplysningens filosofer snart skulle fördöma. De krävde en ny konststil, en som visade ett exempel på moraliskt beteende, av människor som mest ädla.