Comienzos del Art Deco
A finales del siglo XIX en Francia, muchos de los notables artistas, arquitectos y diseñadores que habían desempeñado papeles importantes en el desarrollo del estilo Art Nouveau reconocieron que se estaba volviendo cada vez más pasado de moda. Al final de un siglo en el que se afianzó la Revolución Industrial, la vida contemporánea se volvió muy diferente de unas décadas antes. Era hora de algo nuevo, algo que gritara «Siglo XX» desde tejados modernistas de buen gusto.
La Sociedad de Artistas Decorativos en Francia
A partir de este deseo de entrar en el nuevo siglo al ritmo de la innovación en lugar de verse frenados por la nostalgia, un grupo de innovadores artísticos franceses formó una organización llamada Societé des Artistes Décorateurs (La Sociedad de Artistas Decorativos). El grupo estaba compuesto por figuras conocidas como el diseñador y grabador de estilo Art Nouveau Eugene Grasset, y el arquitecto Art Nouveau Héctor Guimard, junto con artistas decorativos y diseñadores emergentes como Pierre Chareau y Francis Jourdain. El Estado francés apoyó y fomentó esta dirección de la actividad artística.
Uno de los principales objetivos del nuevo grupo era desafiar la estructura jerárquica de las artes visuales que relegaba a los artistas decorativos a un estatus menor que los medios de pintura y escultura más clásicos. Jourdain es famoso por decir: «En consecuencia, decidimos devolver el arte decorativo, tratado desconsideradamente como una Cenicienta o un pariente pobre al que se le permite comer con los sirvientes, al lugar importante y casi preponderante que ocupaba en el pasado, de todos los tiempos y en todos los países del mundo.»El plan para una gran exposición que presentara un nuevo tipo de arte decorativo se concibió originalmente para 1914, pero tuvo que suspenderse hasta después del final de la Primera Guerra Mundial y luego retrasarse por varias razones hasta 1925.
La Exposición que lanzó oficialmente el movimiento
El gobierno francés, que acogió la exposición entre la explanada de las cúpulas doradas de Les Invalides y las entradas del Petit Palais y el Grand Palais a ambos lados del río Sena, se esforzó por mostrar el nuevo estilo. Más de 15.000 artistas, arquitectos y diseñadores expusieron su trabajo en la exposición. Durante los siete meses de la exposición, más de 16 millones de personas recorrieron las numerosas exposiciones individuales. Esta exposición fue el catalizador del comienzo del movimiento.
Art Nouveau y Art Deco
Art Deco, fue una respuesta directa estética y filosóficamente al estilo Art Nouveau y el amplio fenómeno de la cultura de la modernidad. El Art Nouveau comenzó a pasar de moda durante la Primera Guerra Mundial, ya que muchos críticos sintieron que los detalles elaborados, los diseños delicados, los materiales a menudo caros y los métodos de producción del estilo no se adaptaban a un mundo moderno desafiante, inestable y cada vez más mecanizado. Mientras que el movimiento Art Nouveau derivó sus formas intrincadas y estilizadas de la naturaleza y ensalzó las virtudes de lo hecho a mano, la estética Art Deco enfatizó la aerodinámica de la era de la máquina y la geometría elegante.
Art Deco y Modernismo
La Exposition Internationale reunió no solo obras de estilo Art Deco, sino que puso artículos artesanales cerca de ejemplos de pinturas y esculturas de vanguardia en estilos como el Cubismo, el Constructivismo, la Bauhaus, De Stijl y el Futurismo. En la década de 1920, el Art Deco era un contrapunto exuberante, pero en gran parte convencional, a la estética más cerebral de la Bauhaus y De Stijl. Los tres compartieron un énfasis en líneas limpias y fuertes como principio de diseño organizativo. Los practicantes del Art Decó adoptaron la innovación tecnológica, los materiales modernos y la mecanización e intentaron enfatizarlos en la estética general del estilo en sí. Los practicantes también tomaron prestado y aprendieron de otros movimientos modernistas. El art Deco llegó a ser considerado por admiradores que estaban en sintonía con las perspectivas de futuro de los movimientos de vanguardia contemporáneos. Irónicamente, la pintura y la escultura modernistas jugaron un papel secundario en la exposición, con las pocas excepciones del pabellón soviético y el pabellón Esprit Nouveau de Le Corbusier.
Art Deco Después de La Gran Depresión
El inicio de la segunda fase de Art Deco coincidió con el comienzo de la Gran Depresión. La austeridad, de hecho, podría ser la estética central tanto por razones pragmáticas como conceptuales para este segundo desarrollo del Art Deco. Mientras que la arquitectura Art Deco, por ejemplo, se había orientado verticalmente con rascacielos que subían a alturas elevadas, los edificios Art Deco posteriores, con sus exteriores en su mayoría sin adornos, curvas elegantes y énfasis horizontales, simbolizaban robustez, dignidad silenciosa y resistencia. Durante los peores años de desastre económico, de 1929 a 1931, el Art Decó estadounidense pasó de seguir las tendencias a establecerlas.
Streamline Moderne
Streamline Moderne se convirtió en la continuación estadounidense del movimiento Art Decó europeo. Más allá de las serias influencias económicas y filosóficas, la inspiración estética para las primeras estructuras modernas aerodinámicas fueron edificios diseñados por los defensores del movimiento de la Nueva Objetividad en Alemania, que surgió de una asociación informal de arquitectos, diseñadores y artistas alemanes que se había formado a principios del siglo XX. Los artistas y arquitectos de la Nueva objetividad se inspiraron en el mismo tipo de pragmatismo sobrio que obligó a los defensores de Streamline Moderne a eliminar el exceso, incluida la emotividad del arte expresionista. Los arquitectos de la Nueva objetividad se concentraron en producir estructuras que pudieran considerarse prácticas, como reflejo de las demandas de la vida real. Preferían que sus diseños se adaptaran al mundo real en lugar de hacer que otros se ajustaran a una estética que no era práctica. Con ese fin, los arquitectos de New Objectivity incluso fueron pioneros en la tecnología de prefabricación (ayudando a albergar de manera rápida y eficiente a los pobres de Alemania).
Carente de adornos, la arquitectura moderna aerodinámica presentaba curvas limpias, líneas horizontales largas (incluidas bandas de ventanas), ladrillos de vidrio, ventanas de estilo ojo de buey y formas cilíndricas y, a veces, náuticas. Más que nunca, se hizo hincapié en la aerodinámica y otras expresiones de la tecnología moderna. Los materiales más caros y a menudo exóticos del Art Deco fueron reemplazados por hardware de hormigón, vidrio y cromo en Streamline Moderne. El color se usó con moderación, ya que los tonos blanquecinos, beige y tierra reemplazaron a los colores más vivos del Art Deco. El estilo se introdujo por primera vez en la arquitectura y luego se expandió a otros objetos, de manera similar al estilo Art Decó tradicional.
El Art Deco se denomina Retroactivamente
Originalmente, el término «Art Deco» fue utilizado peyorativamente por un famoso detractor, el arquitecto modernista Le Corbusier, en artículos en los que criticaba el estilo por su ornamentación, una característica que consideraba innecesaria en la arquitectura moderna. Mientras que los defensores del estilo lo aclamaron como una respuesta modernista a la ornamentación excesiva, especialmente en comparación con su predecesor inmediato, el Art Nouveau, ya que cualquier decoración era superflua para Le Corbusier. No fue hasta finales de la década de 1960, cuando se revitalizó el interés por el estilo, que el término «Art Deco» fue utilizado de manera positiva por el historiador de arte y crítico británico Bevis Hillier.
Art Deco y los Estados unidos
En los estados UNIDOS, la recepción del movimiento Art Decó se desarrolló en una trayectoria diferente. Herbert Hoover, el Secretario de Comercio de los Estados Unidos en ese momento, decretó que los diseñadores y arquitectos estadounidenses no podían exhibir su trabajo en la Exposition Internationale, ya que sostenía que el país aún no había concebido un estilo de arte claramente estadounidense que fuera satisfactoriamente «lo suficientemente nuevo».»Como alternativa, envió una delegación a Francia para evaluar las ofertas en la Exposición; y luego para aplicar lo que vieron a un estilo artístico y arquitectónico estadounidense contemporáneo. En el contingente de emisarios estéticos enviados por Hoover se incluyeron figuras importantes del Instituto Americano de Arquitectura, el Museo Metropolitano de Arte y el New York Times. La misión inspiró un auge casi inmediato de la innovación artística en los Estados Unidos.
Para 1926, una versión más pequeña de la feria francesa llamada «Una Colección Seleccionada de Objetos de la Exposición Internacional de Artes Modernas, Industriales y Decorativas» viajó a través de muchas ciudades estadounidenses como Nueva York, Cleveland, Chicago, Detroit, San Luis, Boston, Minneapolis y Filadelfia. Las Ferias Mundiales Estadounidenses de Chicago (1933) y la Ciudad de Nueva York (1939) destacaron los diseños Art Déco, mientras que Hollywood adoptó la estética y la hizo glamurosa en todo el país. Incluso corporaciones estadounidenses como General Motors y Ford construyeron pabellones en la Feria Mundial de Nueva York.
Entre los ejemplos más conocidos del estilo Art Deco americano se encuentran los rascacielos y otros edificios a gran escala. De hecho, la iteración estadounidense del Art Déco en los diseños de edificios se ha denominado Zigzag Moderno por sus patrones angulares y geométricos como fachadas arquitectónicas elaboradas. Sin embargo, en general, el Art Déco estadounidense es a menudo menos ornamental que su predecesor europeo. Más allá de las líneas limpias y las curvas fuertes, las formas geométricas audaces, los colores ricos y, a veces, la ornamentación lujosa, la versión estadounidense es más despojada. A medida que influencias importantes como la Nueva Objetividad y el Estilo Internacional de la arquitectura, así como los graves reveses económicos de finales de la década de 1920 y principios de la década de 1930 comenzaron a ejercer su influencia en la estética Art Deco, el estilo se volvió mucho menos lujoso. Por ejemplo, esta transformación podría simbolizarse con la sustitución del oro por cromo, de la nácar por la baquelita, del granito por el hormigón, etc.
El estilo Art Deco estadounidense se desarrolló como una celebración del avance tecnológico, incluida la producción en masa, y una fe restaurada en el progreso social. En esencia, estos logros podrían considerarse un reflejo del orgullo nacional. En la década de 1930, bajo la Administración de Progreso de Obras de Roosevelt (WPA), muchas de las obras que se crearon fueron Art Decó, desde estructuras municipales como bibliotecas y escuelas hasta murales públicos masivos. La WPA tenía la intención de impulsar la economía estadounidense de la posguerra mediante la creación de empleos en obras públicas, y buscaba servir a la comunidad creando empleos e inculcando valores estadounidenses en el diseño. El uso del Art Déco americano trajo así una expresión de democracia a través del diseño. Algunos materiales utilizados a menudo en la creación Art Déco eran caros y, por lo tanto, estaban fuera del alcance del hombre promedio. Sin embargo, el uso de materiales baratos o nuevos hizo posible producir una amplia gama de productos asequibles, y así trajo la belleza a la esfera pública de una nueva manera. El Art Déco inspiró el diseño y la producción de una variedad de objetos, desde portadas de revistas y anuncios coloridos hasta artículos funcionales como cubiertos, muebles, relojes, automóviles e incluso transatlánticos.
Crecimiento global del Art Deco
El estilo Art Deco se afianzó en capitales mundiales tan diversas como La Habana, Cuba, Mumbai y Yakarta. La Habana cuenta con un barrio entero construido en estilo Art Deco. El sistema de metro de Londres incorpora en gran medida el estilo. El puerto de Shanghái contiene más de cincuenta estructuras Art Decó, la mayoría de las cuales fueron diseñadas por el húngaro Laszlo Hudec. Desde monumentos de guerra hasta hospitales, ciudades tan lejanas como Sídney y Melbourne en Australia también han absorbido el estilo fenomenal.
Art Deco: Conceptos, Estilos y tendencias
Las principales características visuales del Art Deco se derivan del uso repetitivo de formas lineales y geométricas, incluidas formas triangulares, zigzagueantes, trapezoidales y con patrones de chevron. Al igual que su predecesor, el Art Nouveau, cuando se representan objetos como flores, animales o figuras humanas, están altamente estilizados y simplificados para mantener la estética general del Art Decó. La naturaleza y el alcance de la estilización y simplificación o desmontaje varían dependiendo de la iteración regional del estilo. Por ejemplo, una figura como El pájaro de fuego (1922) del diseñador francés René Lalique, es elegantemente esbelta y atenuada, mientras que el Atlas de Lee Lawrie (1937) fuera del Rockefeller Center es sólido y robusto con una musculatura enfáticamente lineal, aunque ambos se consideran representaciones finas de estilo decorativo.
De acuerdo con el énfasis del movimiento en la tecnología moderna, los artistas y diseñadores Art Decó explotaron materiales modernos como plásticos, baquelita y acero inoxidable. Pero cuando se necesitaba un toque de riqueza y refinamiento, los diseñadores incorporaron materiales más exóticos como marfil, cuerno y piel de cebra. Al igual que con el Art Nouveau y los movimientos de Artes y Oficios, el estilo Art Deco se aplicó mucho menos a las formas de expresión de arte visual tradicionalmente de más alto rango: la pintura y la escultura.
Diseño
El estilo Art Deco ejerció su influencia sobre las artes gráficas de una manera que revela la influencia del futurismo italiano con su amor por la velocidad y la adoración de la máquina. Los artistas futuristas usaban líneas para indicar el movimiento, conocidas como» bigotes de velocidad » que salían de las ruedas de los coches y trenes en movimiento rápido. Además, los practicantes del Art Déco utilizaron líneas paralelas y formas cónicas que sugieren simetría y racionalización. La tipografía se vio afectada por la influencia internacional del Art Deco y las tipografías Bifur, Broadway y Peignot inmediatamente recuerdan el estilo.
En términos de imágenes, las formas simples y las grandes áreas de color sólido recuerdan a las xilografías japonesas, que se habían convertido en una importante fuente de influencia para los artistas occidentales, especialmente en Francia, tras el final del período Edo aislacionista en 1868. La posterior afluencia de arte de Japón a Europa tuvo un enorme impacto. En particular, los artistas encontraron en la simplicidad formal de los grabados en madera un modelo para crear sus propios estilos claramente modernos, comenzando por el impresionista.
Muebles
Hasta finales de la década de 1920, el diseño vanguardista de muebles en Francia era en su mayoría variaciones del estilo Art Nouveau, pero simplificado y menos curvilíneo. A medida que avanzaba la década, Émile-Jacques Ruhlmann emergió como el diseñador de muebles más destacado (Ruhlmann tenía un pabellón propio en la Exposición de 1925). Si bien sus diseños se inspiraron principalmente en piezas del siglo XVIII producidas en el estilo neoclásico, eliminó gran parte de la ornamentación mientras seguía utilizando materiales exóticos favorecidos por los diseñadores Art Nouveau, como caoba, ébano, palo de rosa, marfil y concha de tortuga. Por supuesto, sus piezas eran a menudo demasiado caras para ser adquiridas por cualquiera, aparte de los más ricos.
En contraste con los lujosos diseños de Ruhlmann, que parecían encajar en los estilos Art Nouveau y Art Deco, el diseñador de muebles Art Deco más definitivo en Francia fue Jules Leleu. Había sido un diseñador tradicional hasta que el nuevo estilo sustituyó al Art Nouveau y es conocido por el diseño del gran comedor del Palacio del Elíseo en París, y las lujosas cabinas en la cubierta de primera clase del elegante barco de vapor, el Normandie.
En contraste con Leleu y Ruhlmann, Le Corbusier era un defensor de una versión muy reducida y sin adornos del estilo Art Decó, a menudo creando muebles adecuados para los interiores austeros de sus propias estructuras arquitectónicas. Su intención era diseñar prototipos, en particular de sillas, que pudieran ser producidos en masa y, por lo tanto, asequibles para un mercado más amplio. También es de destacar que el diseño interior de Donald Deskey del famoso hito de la ciudad de Nueva York, Radio City Music Hall, es un excelente ejemplo del diseño de muebles Art Deco estadounidense que aún está intacto en su forma original hoy en día.
Arquitectura
La arquitectura Art Deco se caracteriza por diseños de bordes duros, a menudo ricamente adornados, acentuados por detalles de metal relucientes. Muchos de estos edificios tienen un énfasis vertical, construidos de una manera destinada a atraer la vista hacia arriba. Las formas rectangulares, a menudo en bloques, están dispuestas geométricamente, con la adición de agujas en la azotea y/o elementos ornamentales curvados para proporcionar un efecto aerodinámico. Los rascacielos de Nueva York y los edificios de colores pastel de Miami se encuentran entre los ejemplos estadounidenses más famosos, aunque el estilo se desplegó en una variedad de estructuras en todo el mundo.
En los Estados Unidos, la Works Progress Administration ayudó a que la arquitectura Art Deco se convirtiera en la corriente principal. Curiosamente, la fusión del clasicismo Art Déco y Beaux-Arts que se ve en muchas obras públicas de la época de la Depresión ha llegado a ser conocida como PWA Moderne o Depresión Moderna.
Desarrollos posteriores-Después del Art Deco
El Art Deco pasó de moda durante los años de la Segunda Guerra Mundial en Europa y América del Norte, con la austeridad de los tiempos de guerra haciendo que el estilo pareciera siempre llamativo y decadente. Los metales se recuperaron para usarlos en la construcción de armamentos, en lugar de decorar edificios o espacios interiores. Los muebles ya no se consideraban objetos de estado. Otros avances tecnológicos permitieron una producción más barata de artículos de consumo básicos, eliminando la necesidad y la popularidad de los diseñadores Art Deco.
Un movimiento que en muchos aspectos buscaba romper con el pasado, ahora se ha convertido en un clásico nostálgico y recordado con cariño. Desde la década de 1960, ha habido un interés constante y continuo en el estilo. Los ecos del Art Deco se pueden ver en el diseño moderno de mediados de siglo, que lleva adelante la estética aerodinámica del Deco y revisita la simplicidad limpia de la Bauhaus. Deco también ayudó a inspirar al Grupo Memphis, un movimiento de diseño y arquitectura centrado en Milán durante la década de 1980.Memphis también se basó en el arte Pop y el kitsch como fuentes para sus coloridos diseños conscientemente posmodernos.