En los últimos 10 años, miles de películas han llegado a los multicines del mundo. Es casi imposible ver, y mucho menos revisar, todos ellos. Sin embargo, mirando hacia atrás en la última década, es fácil recordar los que dejaron marcas indelebles. Los que provocaron que el público abandonara el teatro aturdido (o con el corazón roto, o alucinado). Para nosotros en WIRED, esta lista (en orden cronológico) representa esas películas. No todo aquí es una película de género, nuestra especialidad, pero probablemente haya más películas de ciencia ficción, fantasía y cómics aquí que en cualquier otro resumen de lo mejor. Bien. Nos encantan estas cosas. Espero que tú también.
en la Década de Revisión: WIRED mira hacia atrás las promesas y fracasos de los últimos 10 años
La Red Social (2010)
«La película», como los ejecutivos de Facebook todavía la llaman indignados, marcó el tono para el década tanto en el cine como en la metanarrativa tecnológica. El mejor guion de Aaron Sorkin, una pesadilla suave como la piel de un delfín, y la mejor actuación de Jesse Eisenberg, la paranoia megalómana en su forma más deliciosa, clavaron (espiritualmente, si no del todo de hecho) los orígenes resbaladizos de Facebook y presagiaron sus ataques a la privacidad, la democracia y la conciencia. Todo eso se completó con una banda sonora de terror tecno-industrial ganadora de un premio de la Academia que lanzó a Trent Reznor y Atticus Ross como los compositores de la década de las ansiedades de Estados Unidos (Gone Girl, Bird Box, Watchmen). «Hand Covers Bruise», la canción de apertura, que subraya el correteo de Mark Zuckerberg entre los dormitorios de ladrillo rojo de Harvard con un siniestro presagio, bien podría ser la banda sonora de la década. Nosotros, la gente, somos el piano solitario, tocando nerviosamente en primer plano, esforzándonos por una melodía. Un zumbido nervioso y explosiones de graves inquietantes (escándalos, notificaciones, atrocidades) nos ahogan lentamente, hasta que todo lo que queda es discordia, desunión, devolución. —Zak Jason
Atacar el bloque (2011)
El ataque de Joe Cornish the Block es una divertida película de aventuras sobre un grupo de adolescentes en el sur de Londres que defienden su hogar de una invasión alienígena. Aparte de sus travesuras, es la película que lanzó a la fama a la futura estrella de Star Wars, John Boyega. (También cuenta con el futuro Doctor Who, Señor del Tiempo Jodie Whittaker.) Palpitante, aterrador, a menudo hilarante: Atacar el bloque es lo que las películas de acción y aventura para adolescentes deberían esforzarse por ser. – Angela Watercutter
Looper (2012)
Años antes de entrar en el universo de Star Wars con The Last Jedi, el escritor y director Rian Johnson cambió los tropos de viaje en el tiempo con Looper. Ambientada en un futuro cercano, donde los sicarios tienen que un día ochenta y seis de su yo futuro, la historia de Johnson es en última instancia un noir, pero más que eso es una mirada perversamente inteligente a lo que cualquiera haría si pudiera intentar arreglar el pasado o el futuro. Más específicamente, fue la mejor película de viajes en el tiempo de la década, incluso si en realidad no se trataba de viajes en el tiempo en absoluto. —Angela Watercutter
Snowpiercer (2013)
la Ciencia ficción funciona metafóricamente, claro. Los alienígenas somos realmente nosotros, etc. Aquí, en el futuro de Bong Joon Ho, la metáfora funciona más, literalmente. El Snowpiercer es un tren que atraviesa los restos helados de la Tierra. Es todo lo que queda. Es la sociedad, es la estratificación social, verticalizada y energizada. La gente de atrás, liderada por Chris Evans, lucha para abrirse camino hacia el frente. Subsisten con barras gelatinosas de insectos molidos. Tilda Swinton y sus dientes falsos cometen atrocidades. A medida que los pobres superan a los privilegiados, se exponen los secretos y se hacen compromisos. Es un viaje sin aliento, una premisa estrecha que se abre con tanta capacidad que la metáfora amenaza con superar el significado. Grandiosamente, nunca lo hace. – Jason Kehe
Her (2013)
Cuando se esfuerza por ser profético, la ciencia ficción a menudo se convierte en un retrato retorcido y miope del presente. (Mirándote, Jugador Uno listo. El extraño romance de Spike Jonze, Ella, protagonizada por Scarlett Johannson como un sistema operativo y Joaquin Phoenix como un hombre sensible y con el corazón roto en pantalones de talle alto, salta sobre ese escollo con facilidad. En lugar de impregnar la historia de un hombre que literalmente se enamora de una computadora con un aura de espectáculo extraño, Ella es extrañamente dulce, simpática con Theodore de Phoenix y Samantha de Johannson.»Es esa simpatía-o, en realidad, empatía-lo que hizo que durara esta década, y es probable que dure la próxima. La visión de Jonze se ha hecho realidad en la era de las redes sociales y la inteligencia artificial. Ya sea que adoren a los influencers de Instagram o se consideren verdaderos digisexuales, muchas personas ahora están verdaderamente enamoradas de sus computadoras, y ese ardor no muestra signos de desvanecerse. – Emma Grey Ellis
Color ascendente (2013)
Shhh. Estás confundido. Está bien. Hay cerdos. Flores raras. Una especie de artista foley malvado. Un hombre y una mujer. Concéntrate en ellos, esos dos. Claramente, se están enamorando. Es una historia de amor. No es fácil, pero ¿cuándo fue fácil el amor? Es dolor y reparación, sensibilidad y devoción. Los cerdos y los parásitos significan algo, sin duda. Algo sobre ciclos y resonancias y el valor de la vida. Es suficiente. Encuentra significado en los momentos, no en el todo. Esta excursión, la segunda de Shane Carruth, es imposible de romper. Te pide que renuncies a la carga de saber o entender. Es una fantasía del tipo más audaz y verdadero, un logro precioso no solo en el género, sino en la historia del cine: una historia que te niega la entrada, incluso cuando te da la bienvenida al interior. —Jason Kehe
Birdman (2014)
Aquí en WIRED escribimos mucho sobre superhéroes y antiheroes. El Hombre pájaro de Alejandro G. Iñárritu es ambos, y ninguno de los dos. Su protagonista, Riggan Thompson (Michael Keaton), es un actor que perdió su credibilidad como actor de teatro serio porque se puso un súper traje en sus primeros años (de la misma manera que el propio Keaton lo hizo como Batman). Su camino es una mirada abierta al valor que se le da a la fama y lo que significa encontrar la redención de verdad. También está bellamente filmado y lleno de brillantes actuaciones de Keaton, Emma Stone y Edward Norton. – Angela Watercutter
Edge of Tomorrow (2014)
Está bien establecido que el título de esta película apesta. Edge of Tomorrow – ¿es una canción de Lady Gaga? Tal vez es por eso que intentaron remarketing como Repetición de Live Die, que es de alguna manera, para ser un segundo intento, incluso peor. No importa. La película en sí es un guardián para todos los tiempos, un día de marmota para aquellos que encontraron a Hallmarker un poco aburrido. Tom Cruise (cuya efectividad como estrella de cine ha sido una carrera de larga vida, muerte y repetición) y Emily Blunt hacen cosas de tiempo lineal normalmente, como enamorarse y matar alienígenas en un solo día de bucle. A pesar de que la narración se repite y se repite, nunca se siente repetitiva. En su lugar, avanza sin descanso, hacia la inevitable batalla de jefes y la salida cronológica, la mejor película basada en un videojuego que nunca existió. —Jason Kehe
Mad Max: Fury Road (2015)
Si los primeros 2000 se han visto empañados por algo, es una sobreabundancia de reinicios. Si hubo una película que ayudó a eliminar ese empañamiento, fue Mad Max: Fury Road. Treinta años después de la última entrega de Max, Mad Max Beyond Thunderdome, el escritor y director George Miller trajo toda la belleza y el valor de sus películas anteriores a Fury Road y luego lo elevó a 11 con el tipo de acrobacias, efectos prácticos y mensajes feministas que nunca llegaron a esos capítulos anteriores. Fue una carrera de la muerte alimentada por adrenalina que también logró abordar los problemas ambientales y la esclavitud sexual. Podría haber sido un renacimiento de una franquicia masiva, pero también era diferente a cualquier cosa que nadie haya visto antes, o desde entonces. -Angela Watercutter
Tangerine (2015)
Grabado en un iPhone 5, con actores principales cuyas historias de la vida real informaron la trama, con una banda sonora influenciada por Vine, Tangerine es el tipo de película que solo se podría haber hecho en 2015. A pesar de que Vine se ha ido y el restaurante Donut Time que servía como escenario de la película está cerrado, la película es un testimonio de hacer cosas increíbles con pocos medios. El director Sean Baker hizo su película con Mark 100,000 de Mark Duplass y actrices—Mya Taylor y Kitana Kiki Rodríguez—que conoció en el centro LGBTQ de Los Ángeles. Su historia debe ser vista para ser creída, pero su belleza es obvia en la primera toma. – Angela Watercutter
The Lobster (2015)
La película distópica sombría del cineasta griego Yorgos Lanthimos es el epítome de strange. Ambientada en un futuro cercano, donde las personas solteras son enviadas al «Hotel» para encontrar una pareja (si no se emparejan en 45 días, se convierten en animales y se envían a la naturaleza), en última instancia, es una historia sobre la conexión. O una historia sobre los valores manufacturados que se colocan en la pareja. Su premisa puede ser futurista y extraña, pero su larga mirada al alma de las relaciones, o la falta de ella, es profundamente desgarradora. Además, tiene un final similar a Pi que nadie puede olvidar. —Angela Watercutter
la luz de la Luna (2016)
Esta década, las imágenes definidas con nosotros. Era inevitable, sobre todo, dado que los principales motores culturales de la década de 2010 eran las innovaciones centradas en la imagen: actualizaciones de la cámara del iPhone, Instagram, la permanencia de la cultura de vigilancia, TikTok. Comparativamente, las películas podrían sentirse un poco menos emocionantes. Las estructuras de Hollywood simplemente no permiten el mismo tipo de interrupción cultural, sin importar cuán duro haya intentado Netflix romper ese modelo. En 2016, eso cambió con el lanzamiento de Moonlight, una historia de amor negra queer que se hizo popular. Originalmente adaptada de la obra del dramaturgo Tarell Alvin McCraney In Moonlight Black Boys Look Blue, la película está llena de escenas de ternura que miden profundamente las profundidades de la pertenencia, la vulnerabilidad y la intimidad masculina negra. El tríptico angustiado es un extraordinario estudio a distancia: Juan (Mahershala Ali) le enseña a nadar a un pequeño aterrorizado (Alex Hibbert); Quirón (Trevonte Rhodes) se reúne con Kevin (Andre Holland) en un restaurante de Miami, transformando el restaurante en un Edén de deseo tácito. La belleza de la película dirigida por Barry Jenkins, que ganó la Mejor Película en los Premios de la Academia, es cómo abandonó cualquier tipo de remedio limpio sobre identidad, orientación sexual o rendimiento de género. La imagen resultante nos dio una nueva forma de vernos a nosotros mismos. —Jason Parham
La Criada (2016)
Es inaceptable exageración llamar a una obra de arte de Shakespeare? Que así sea: The Handmaiden, el escandaloso psicodrama lésbico de Chan-wook Park sobre el robo, el arte y la lealtad en la Corea ocupada por los japoneses, es positivamente shakesperiano en alcance y esplendor. Las relaciones, los personajes, los giros y los reveses: En dos horas y 48 minutos, ni uno solo desperdiciado, la película te da todo lo que no sabías que querías. No sabía que lo necesitabas. Nada condescendiente con tu inteligencia; todo se siente ganado. (El pulpo Choi Min-sik come vivo en Oldboy obtiene una especie de venganza aquí, en la revelación más espeluznante de la película. La mayor parte del tiempo, ni siquiera las obras de Shakespeare se sienten shakesperianas. Esa cualidad tiene más que ver con la ampliación de nuestro espíritu. La Doncella podría hacer estallar la tuya. -Jason Kehe
Arrival (2016)
Louise Banks (Amy Adams) cuts una extraña figura en la galería de héroes de películas de ciencia ficción. No es militar, ni Elegida, ni astronauta de ningún tipo. Es una profesora de lingüística encargada de dominar un alfabeto alienígena increíblemente extraño, y es maravillosa. Sin ser nunca predicador ni aburrido, Arrival se atreve a poner la investigación académica en el centro de un éxito de taquilla, y se desarrolla como la historia de ciencia ficción más reflexiva de la década. No se imagina un futuro en el que la humanidad domine la galaxia. No lucha ni conquista. En cambio, la película gira completamente en torno a una búsqueda para comunicarse con los enormes alienígenas de siete patas que han aterrizado en 12 lugares de la Tierra en enormes y enigmáticas naves espaciales. Con Banks, Arrival revela que entender a un pueblo tan extraño requiere una gran cantidad de humanidad. —Emma Grey Ellis
Get Out (2017)
Jordan Peele no siempre fue un maestro del terror en ascenso, un experimentador ágil y elegante capaz de fusionar las fricciones del mundo moderno (lucha racial, inmovilidad de clase) con las piedras de toque de género (observe cómo remezcló hábilmente el tropo de chica en nosotros). Con Get Out, el vehículo de fuga de Peele en 2017, prácticamente revolucionó las convenciones del horror, viajando profundamente en el retorcido interior de nuestras mentes y proyectando lo que muchos negros habían sospechado durante mucho tiempo pero temían decir en voz alta: Algunos blancos están locos. A primera vista, la historia de Chris Washington (Daniel Kaluuya) y Rose Armitage (Allison Williams) es simple. Un chico conoce a una chica. Chica invita a chico a conocer a su familia para el fin de semana. Solo que, los Armitages no son cualquier familia blanca estadounidense liberal (¿o lo son?!?son psicópatas que secuestran a negros y los venden al mejor postor. La película, como la mejor del género, se inclinó hacia la realidad. Era un thriller social lleno de paranoia racial pero anclado en el temor cotidiano. Salir fue más que un éxito de taquilla; con la película, Peele se convirtió en su propio Dr. Frankenstein, inyectando el género con matices frescos y, en última instancia, mostrando que el horror podría ser más de lo que esperábamos. —Jason Parham
Star Wars: El Último de los Jedi (2017)
Cállate, internet. Sólo cállate. Se ve tu posesura. Si odiabas esta película, si te enfureces en todos los foros con desesperación por esta «traición», eres un farsante. No eres un verdadero fan. Simple. Podrías pensar que sí. Creciste con estas películas. Conoces el nombre de todos los Jedi del Consejo, incluso el de cara de pez. Pero te lo perdiste. El punto. El espíritu de la empresa. Al igual que el Imperio anterior, El Último Jedi hizo lo que cada punto medio digno de una trilogía se supone que debe hacer: volar mierda. Corta algunas partes del cuerpo. Arriésgate en una misión secundaria que tal vez sea más conveniente narrativa que enriquecimiento temático coherente, ¡pero a quién le importa! Casinos de otro mundo y caballos espaciales en estampida! Además, esa escena silenciosa en la que Laura Dern hace el corte suicida se llevó las tripas que ninguno de los odiosos tiene. Así que no saques tu infelicidad personal y tu autoestima cada vez menor de la increíble y expansiva contribución de Rian Johnson a la franquicia, la mejor, de hecho, desde Empire. Desconectar. Da un paseo. Tal vez ir tan lejos como una isla imposible de localizar en medio del océano, donde puedes meditar en tus fracasos, como Lucas, por el resto del tiempo. —Jason Kehe
Thor: Ragnarok (2017)
En esta década de éxitos de taquilla de superhéroes, hemos pasado mucho tiempo preguntándonos qué películas de superhéroes deberían ser. Una respuesta es empoderar, y para eso tenemos películas como Pantera Negra, Mujer Maravilla y Hombre Araña: En el Universo Araña en esta lista. La otra respuesta es divertida. Por lo tanto, Thor: Ragnarok, que es absolutamente la película de superhéroes más divertida (y extraña) de la década. Las estrellas Chris Hemsworth y Tessa Thompson son indispensables, pero gran parte del crédito debe ir a las chuletas cómicas de la directora Taika Waititi, quien tomó un mito nórdico sobre el fin del mundo y lo convirtió en un retoño espacial psicodélico ambientado en Led Zeppelin. -Emma Grey Ellis
La forma del agua (2017)
Décadas a partir de ahora, La Forma del Agua probablemente será recordada por dos cosas: (1) ganarle a Guillermo del Toro un merecido Oscar por dirigir, y (2) sexo con peces. Sin embargo, por lo que debe recordarse, es por ser una historia de amor totalmente fascinante entre una mujer y un pez que terminó siendo la película más efectiva de 2017. A finales de ese año, escribí que La Forma del agua era «un examen sensible de cómo la sociedad trata al «otro» y un testimonio maravilloso del hecho de que el amor puede, verdaderamente, tomar cualquier forma.»Era tan cierto entonces como lo es ahora. —Angela Watercutter
Wonder Woman (2017)
No voy a usar este espacio para volver a litigar la oscuridad del universo de las películas de DC (es sombrío, adelante, @ me), pero si ha habido una luz brillante en todo el pantano, era la Mujer Maravilla. Dirigida por Patty Jenkins y protagonizada por Gal Gadot como Diana Prince, it was everything Justice League et al. no eran: astuto, divertido (y divertido), ligero en sus pies, lleno de propósito y ritmo, agradable. Se ha escrito una pieza de reflexión sobre la importancia de la primera película de superhéroes liderada por mujeres, y esas son válidas, pero más que nada, Wonder Woman acaba de tener éxito en ser un excelente juego que acaba de presentar a una semidiós temiscirana. – Angela Watercutter
Black Panther (2018)
Para encapsular verdaderamente la grandeza de la Pantera Negra del director Ryan Coogler, voy a tener que tomar prestado un sentimiento de mi colega Jason Parham: «¿Qué debería ser una película de superhéroes? ¿Qué puede ser? Con Pantera Negra, finalmente tenemos una respuesta digna de nuestro tiempo.»Como señaló entonces, antes de T’Challa, a los superhéroes negros nunca se les dio la misma deificación cinematográfica que a sus contrapartes blancas, ya fueran hermanos de ciencia multimillonarios como Tony Stark o dioses nórdicos como Thor. En el escenario de Pantera Negra, T’Challa tuvo la oportunidad no solo de dirigir una de las mejores películas de superhéroes de la década, sino también de dirigir una película que casi sin esfuerzo se tejió en heroísmo de Marvel, piedras de toque culturales negras y comentarios sobre el colonialismo. Era una maravilla de contemplar. —Angela Watercutter
Aniquilación (2018)
Podríamos haber elegido a Alex La otra maravilla de ciencia ficción de Garland de esta década, Ex Machina, y durmió profundamente. Es una película fantástica, inteligente, subversiva, con giratorios de cadera eminentemente bienvenidos de Oscar Isaac. Pero sigue siendo sobre (los terrores de) la IA, una obsesión no desconocida del género. Comparativamente, la Aniquilación no tiene puntos de contacto, nada a lo que aferrarnos, ya que nos empuja a una pesadilla ecológica surrealista, con cinco mujeres (dirigidas por Natalie Portman) como nuestras guías problemáticas. Basada en el primer libro de la trilogía Southern Reach de Jeff VanderMeer, la película es un verdadero acto de adaptación. Garland, uno de nuestros autores más comprometidos, dijo que ni siquiera releyó el libro para preparar; hizo la película basándose en sus recuerdos de los sentidos, sus impresiones, de los temas premonitorios de VanderMeer. Deja que te inunde, las sorprendentes imágenes y las grotescas, santuarios de un desierto alienígena. Ciertamente no dormirás profundamente. -Jason Kehe
Spider-Man: Into the Spider-Verse (2018)
Muy bien, lo diré: Spider-Man siempre ha sido mi superhéroe menos favorito. Es aburrido como un charco de barro, un adolescente con una mordedura de insecto que es puppy en el mejor de los casos e insufriblemente emo en el peor. Entonces vi a Spider-Man: En el Verso Araña. En palabras de mi colega Angela Watercutter, «después de innumerables versiones de Peter Parker, la nueva película animada brinda a los fanáticos el héroe multidimensional que se merecen.»Spider-Verse se centra en un Hombre Araña menos conocido (pero muy querido), Myles Morales, un adolescente afrolatino que, como todas las otras arañas que de repente se estrellan en su universo, se ha convertido en un vigilante que lanza telarañas después de ser mordido por una araña radiactiva. La taquilla se volvió loca por esto por una razón: Es divertido, está increíblemente animado y es, sin duda, el futuro de Spider-Man. – Emma Grey Ellis
Sorry to Bother You (2018)
El primer largometraje de Riley de finales del capitalismo, Sorry to Bother You, está tan perturbado como viene. Pero gloriosamente. El veterano activista y ex rapero vuelca con maestría una antigua costumbre estadounidense, la explotación del trabajo, en un paseo de alegría surrealista protagonizado por algunos de los talentos más atractivos de la década (LaKeith Stanfield, Tessa Thompson, Armie Hammer). Lo que comienza como una crónica indolora de un joven tratando de gorronear el dinero del alquiler se convierte en una compleja alegoría racial sobre la clase y los males de la sociedad. Un crédito a su guion inteligente, la película desentrañó las perversiones del capital humano—la economía de los conciertos, la encarcelación en masa—e insinuó una realidad que no se siente muy lejos de la que habitamos ahora. Lo mejor de todo, Lo siento por molestarte, fue un enfoque sin pestañear, investigando descaradamente la cuestión del futuro negro. Proponía una pregunta fundamental: ¿Quién tendrá el control en el futuro? La respuesta fue tan espeluznante como hilarante. —Jason Parham
Parásito (2019)
Las películas de 2019 se enumeran aquí, pero diremos que el parásito del escritor y director Bong Joon Ho fue increíble. Deberías verlo. —Angela Watercutter
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