Los 25 Mejores Guiones Americanos del Siglo XXI, De ‘Eternal Sunshine’ a ‘Lady Bird’

You a menudo escucharé a los directores decir que cada película es realmente tres películas: La de la página, la que grabas y la que terminas en el corte final. Eso te da tres oportunidades para hacerlo bien o estropearlo aún más, pero nada supera a una base sólida y un plano bien diseñado. Al menos con un gran guion, sabes que será mucho más difícil estropear las otras dos fases.

Cualquier consideración de las mejores películas de los últimos 18 años adquiere un nuevo contexto cuando se considera exclusivamente en términos de sus guiones. Hay algunos maestros obvios de la forma, como Charlie Kaufman y Kenneth Lonergan, sin mencionar la precisión mecánica de la fábrica de historias de Pixar, por lo que todos tienen dos películas en esta lista. Muchas de las películas aquí fueron robadas de nominaciones al Oscar, incluyendo desde «Zodiac» de David Fincher hasta «Memento» de Christopher Nolan, pero eso no quita nada de sus méritos.

En ese espíritu, aquí está la lista de IndieWire de los mejores guiones estadounidenses de las últimas dos décadas. Comparte el tuyo en los comentarios.

«American Psycho» (2000)

La novela de Bret Easton Ellis de 1991 «American Psycho» estaba envuelta en la controversia que rodeaba su lanzamiento, ya que retrataba la vida brutalmente violenta de un yuppie de alpha NYC que favorecía matar prostitutas y personas sin hogar. Entonces, ¿qué inspiraría a dos escritoras, la directora Mary Harron y Guinevere Turner, a adaptar la historia para el cine? La pareja está mucho más interesada en la mecánica que hace funcionar a Patrick Bateman, y en construir a partir de eso la sátira que subraya los mejores momentos de la película. Desde la obsesión por las tarjetas de visita y los asientos de restaurante, hasta las canciones pop discordantes de los 80 que subrayan los asesinatos más brutales de Bateman, el asesino se mueve hábilmente de la glorificación al estudio de casos. Utilizando sabiamente la novela como punto de partida en lugar de un texto sagrado, Harron y Turner dan a su guion un montón de textura y matices que elevan esta película de pie de página de culto a una clase magistral de escritura de guiones. – William Earl

» Finding Nemo»(2003)

Es difícil pensar en un personaje cómico más grande que Dory, el pez tang azul con pérdida de memoria a corto plazo y un corazón de oro. Según la voz de la incomparable Ellen Degeneres, Dory es a la vez enloquecedora e irresistible. Jugando un tartamudo Albert Brooks como aturdido recta de pescado Marlon (bueno, técnicamente es un pez payaso), estos dos podrían sostener su propio contra cualquier clásico dúo cómico. Por supuesto, se necesitaría una película para niños sobre peces para escribir la mejor comedia de amigos de chico/chica no romántica. Pero lo que eleva a «Buscando a Nemo» al estatus de la mejor película de Pixar de todos los tiempos es su núcleo emocional. No solo es» Buscando a Nemo » el tipo de película de la que los adultos pueden reírse, sino que la búsqueda de Nemo de Marlon llega hasta el hueso para cualquier padre o hijo. Bob Peterson y David Reynolds ayudaron al codirector Andrew Stanton en su historia original, la misma mente que soñó con otras de las mejores juntas de Pixar «Wall-E» y «Toy Story».»Conmovedor, hilarante y adornado con paisajes marinos vibrantes y fluidos, «Buscando a Nemo» captura la mayor lección que cualquier padre debe aprender; el arte de dejar ir. —Jude Dry

«Lovely & Amazing» (2001)

Holofcener escribe el tipo perfecto de comedias: sobre personajes profundamente defectuosos que se deleitan en los inevitables líos de la vida. Esta película casi perfecta está protagonizada por Catherine Keener y Emily Mortimer como hermanas, con la excelente Brenda Blethyn como su madre en busca de liposucción, y una Raven Goodwin robadora de escenas como su hermana negra adoptiva. Cada personaje es diferente a cualquier otra mujer que veas en pantalla, con partes iguales de auto-desaprobación y auto-absorción. Holofcener equilibra muchos elementos, incluyendo una aventura de mayo a diciembre con un joven Jake Gyllenhaal, y el uso del joven Goodwin como alimento cómico descarado. Es una opción audaz que vale la pena. Considerado erróneamente como una» película inteligente para chicas » por algunos, Holofcener es ese raro doble golpe de un autor cuyo arte genuino está enmascarado por el puro valor del entretenimiento. – Jude Dry

«Creed» (2015)

Warner Bros./REX/

El guion de «Creed» de Ryan Coogler y Aaron Covington es el tipo de nocaut agradable para el público que parece aparecer una vez en la luna azul — El guion no solo logra contar una historia de origen auténtica del joven y decidido Adonis Creed, sino que también encuentra una manera auténtica de revivir a Rocky de Sylvester Stallone y convertirlo en el eje emocional del ascenso de Adonis a boxeador campeón. Nada en» Creed «se siente con calzador para satisfacer a los fanáticos de» Rocky». El guion lucha duro para invertirte en el viaje de Adonis y ganar sus devoluciones de llamada al clásico de Stallone. No es de extrañar que el momento en que Creed corre por las calles de Filadelfia se sienta como un triunfo tan vigorizado. El guion es la definición misma de satisfacción. —Zack Sharf

«The Kids Are All Right» (2010)

Después de hacer algunas obras maestras desafiantes, Lisa Cholodenko finalmente lo sacó del parque con una versión ingeniosa y artística de la vida familiar contemporánea. Increíblemente inteligente y sin miedo a tomar giros inesperados, el guion de Choldenko era tan bueno que atrajo a personas como Annette Bening y Julianne Moore, e hizo estrellas de la joven Mia Wasikowska y Josh Hutcherson. Bening y Moore son cinéticos como una lesbiana de poder controladora y su esposa de espíritu libre que tiene una aventura con su donante de esperma, interpretada con brio por excelencia por Mark Ruffalo. Wasikowska y Hutcherson traen una mezcla perfecta de inocencia infantil y precocidad voluntaria como los niños titulares. La película fue un éxito de crítica y taquilla, aunque algunos críticos LGBT se enfurecieron con el tropo de «lesbian turns straight». En nuestra opinión, Cholodenko obtiene un pase como una lesbiana en Hollywood que hace grandes películas — y al final todo sale bien. – JD

» Punch Drunk Love»(2002)

The Criterion Collection

La brillante meditación de Paul Thomas Anderon sobre los hombres enojados y reprimidos que Adam Sandler ha interpretado millones de veces transforma ese arquetipo en una visión maravillosa. El solitario y deprimido Barry Egan lucha por encontrar las palabras para lidiar con un mundo que lo lanza sin fin, pero su panacea llega como una revelación en compañía romántica (que sería Emily Watson). Podrías diseccionar la política de género de esta película hasta la muerte, pero el guion de PTA maneja la brillante apuesta de permanecer en los confines de la cabeza de Barry, así que no importa lo que realmente pase en esos momentos finales, está claro que ha encontrado algo de paz. «Tengo amor en mi vida», declara, » y eso me hace más poderoso de lo que puedas imaginar.»De hecho, esto puede ser lo más cerca que Anderson está de hacer una película de superhéroes a través de su propia lógica narrativa loca y surrealista. También es una meditación fantasiosa sobre la locura de la rabia alimentada por testosterona. «Eso es todo, hombre colchón» debería ser el mantra de todos. – Eric Kohn

«Carol»(2015)

Uno de los aspectos más bellos de» Carol » es cuánto peso y emoción se mantiene en una sola mirada entre Carol y Therese, especialmente en un momento en que las palabras solo se podían ponderar con emociones cuidadosamente veladas. La atracción entre Carol y Therese es innegable y trastorna todo lo que Therese pensaba que sabía de sí misma, enviándola a su propio viaje de autodescubrimiento entrelazado y separado de Carol. Hoy, a la sombra de películas como «Moonlight» y «Call Me By Your Name», «Carol» casi se siente como una reliquia, una película que no puede celebrar completamente el amor gay sin arrojar consecuencias condenatorias. Sin embargo, el guion nominado al Oscar de Phyllis Nagy sigue siendo un recordatorio vital de la belleza de la homosexualidad y de lo lejos que hemos llegado (y aún tenemos que llegar) en términos de aceptación.

Cuando las dos mujeres finalmente ceden a su pasión, el resultado es una hermosa exhibición de erotismo teñida de dolor: Carol sabe que finalmente ceder también significa el fin. Su pasión implosionó tanto el matrimonio de Carol como su propia relación, y cuando finalmente se ven después de algún tiempo, sus roles se han invertido permanentemente. Therese es diferente, más segura y segura de quién es, gracias en parte a Carol. Y es Carol la que ahora parece insegura, habiendo perdido las comodidades de su vida anterior, su matrimonio y su hijo, y el único amor verdadero que había encontrado en Teresa. —Jamie Righetti

«Inglourious Basterds» (2009)

François Duhamel / The Weinstein Company / Universal Pictures

Nunca rehuye a bruñido de su propio mito, Quentin Tarantino ha declarado públicamente que la escena de apertura de «Inglourious Basterds» es su cosa favorita que jamás haya escrito. Y aunque los artistas no siempre son los mejores árbitros de su propio trabajo, Tarantino es el raro cineasta que es tan famoso por su gusto por las películas como por hacerlas. Por supuesto, este lo tiene perfecto.Extrayendo un suspenso increíble de una mega dosis de exposición, la conversación de Hans Landa con un granjero francés sospechosamente tenso no solo es una de las grandes introducciones de villanos de todos los tiempos, sino que también toma un tropo familiar de cine del Holocausto, cortando entre un nazi tranquilo y los judíos petrificados que se esconden de él a pocos pies de distancia, y lo explota en un mundo colorido que está menos informado por la Segunda Guerra Mundial que por las películas que se han hecho sobre él. El aterrador clímax de la secuencia, mezclando «The Searchers» en «Texas Chainsaw Massacre» para llegar a algo completamente nuevo, prepara el escenario para la mejor película de Tarantino, la que mejor defiende que «pastiche» es solo una palabra sucia si no sabes pronunciarla correctamente. «Inglourious Basterds», una deslumbrante obra de historia revisionista que superpone una pieza de escenografía inolvidable a otra, de alguna manera transforma un pequeño puñado de escenas independientes en una épica delirantemente satisfactoria llena de grandes personajes, momentos citables y un profundo amor por las películas en sí. – David Ehrlich

» You Can Count on Me»(2000)

Al final del aclamado debut de Kenneth Lonergan, wayward younger brother (Mark Ruffalo) está a punto de abordar un autobús hacia un futuro incierto. Le repite a su hermana (Laura Linney), » Recuerda lo que solíamos decir.»Los personajes nunca dicen lo que es, pero el público sabe instintivamente que es el título de la película: Puedes contar conmigo. Es un momento puro de Kenneth Lonergan, con el público llenando los espacios en blanco de sus personajes dañados de tal manera que nuestra comprensión de ellos es más profunda y más emocional. En el primer largometraje del aclamado dramaturgo, el vínculo del hermano y la hermana se formó claramente por los trágicos acontecimientos de su infancia, pero es un pasado del que se nos da una imagen completa sin haber visto nunca. En cambio, el escritor lo expone todo a través de las implicaciones y confía en sus intérpretes, así como en el público, para dar el salto. – Chris O’Falt

» Moonlight»(2016)

Debido a que» Moonlight » es tan visceralmente atractivo, las cualidades no convencionales y no estadounidenses de la narración en este guion ganador de un Oscar a menudo se ignoran. En una película que abarca décadas de la vida de su protagonista, los guionistas Barry Jenkins y Tarell Alvin McCraney profundizan en tres breves momentos y piden al público que haga conexiones que revelen grandes verdades sobre el hombre en que se convierte Quirón. Desde la desaparición de Juan (Mahershala Ali) en el segundo capítulo – dejándonos desorientados y teniendo que reconstruir la historia, al igual que un niño abandonado – hasta los desgarradores 20 minutos finales de la película, las opciones audaces y arriesgadas del guion «Moonlight» dan sus frutos de maneras que hacen que esta obra maestra solo mejore con el tiempo y las visualizaciones repetidas. – CO

«Lost in Translation»(2003)

Si» The Virgin Suicides «ungió a Coppola como un nuevo talento importante,» Lost in Translation » demostró que apenas estaba comenzando. La fascinante y texturizada situación de la envejecida estrella de cine Bob Harris y la joven de la que se hace amigo en un palaciego hotel de Tokio logró muchas cosas a la vez: rehizo la carrera de Bill Murray sin ayuda y puso a Scarlett Johansson en el mapa; hizo que la visión occidentalizada del lujo de Tokio estuviera en sus oídos; asaltó la industria de la publicidad; hizo que el karaoke pareciera genial. Ambos actores fueron preparados para la divertida y misteriosa comedia romántica de Coppola, una historia kafkiana de dos personas de diferentes ámbitos sociales que encuentran puntos en común en el triste y solitario mundo que los rodea. La cara de Murray cuenta la mitad de la historia, con cada pliegue y una ceja hablando mucho sobre sus frustraciones interiorizadas. Pero el personaje de Johansson, una joven cansada de jugar a ser la esposa trofeo de su marido egocéntrico, ha sido interpretado durante mucho tiempo como un avatar de las propias experiencias de Coppola en su matrimonio con Spike Jonze.

Coppola no niega a estos personajes la posibilidad de encontrar su camino hacia un final feliz; pero en un golpe maestro que se ha vuelto icónico, niega a la audiencia la capacidad de escuchar las palabras de despedida de la futura pareja. Esta es la brillantez de Coppola en pocas palabras: las limitaciones del lenguaje nunca pueden transmitir las posibilidades ilimitadas del compromiso emocional. Estaremos desconcertados sobre el intercambio final de Bob y Charlotte por años, pero sus implicaciones conmovedoras son innegables. – EK

Trilogía»El Señor de los Anillos» (2001-2003)

Una asombrosa hazaña de adaptación, los guiones de Philippa Boyens, Peter Jackson y Fran Walsh para «El Señor de los Anillos» destilaron de alguna manera 450.000 palabras en una trilogía cinematográfica fluida que funde todo J. R. La ridículamente densa mitología de R. Tolkien en una aventura épica rica en corazón y humanidad. Sabiendo exactamente qué omitir (nos vemos, Tom Bombadil) y qué agregar (la evolución de Arwen en una campeona es un toque hermoso que ayuda a galvanizar su trama de amor), el equipo de Jackson recortó la esencia de estos personajes, al tiempo que dejaba espacio para que los espectadores absorbieran el esplendor de la Tierra Media a su alrededor. Que la edición extendida de «Las dos Torres» sea aún más rica (y se sienta más corta) que el corte teatral es un homenaje a la visión de Tolkien: que la película funcione tan maravillosamente incluso sin los fragmentos de Faramir es un testimonio irreprochable de la integridad básica de estos guiones, que nunca engañan ni toman atajos emocionales no ganados. Puede que nunca sepamos por qué las águilas no volaron simplemente el Anillo Único al Monte Doom, pero con una escritura tan buena, es difícil quejarse. —DE

«Sideways» (2004)

Los hombres tristes podrían ser el foco inicial del guion ganador de un Oscar de Alexander Payne y Jim Taylor (adaptado de la novela del mismo nombre de Rex Pickett), pero los escribas sabiamente se abren cuando es el momento de presentar personajes femeninos como Maya y Stephanie, aunque eso no quiere decir que Miles y Jack no estén bien-escrito; ambos están escritos con tanta nitidez que casi duele verlos exponerse de maneras más horribles, pero el guion tiene la generosidad y la sabiduría para expandirse aún más a medida que se presentan más personas. Y es la gente la que hace que «De lado» caiga tan fácil, especialmente cuando las cosas se ponen difíciles de tragar. Un estudio de personajes principalmente de Miles,» Sideways » es tan impulsado por las otras personas que entran y salen de su vida, dibujando sus cosas buenas y muy, muy malas en relieve como cada página pasa. Es un guion salpicado de líneas clásicas (sobre todo de vino, definitivamente de «maldito Merlot») y discursos apasionados (del tipo que se sienten bien elaborados y con los que se puede relacionar), piezas salvajes y la sensación de que Taylor y Payne siempre saben cuándo detenerse (incluso si quieres que vayan más lejos). Se lee como su propia novela, tanto una tragedia como una comedia, con todo expuesto en la página y derramándose. – Kate Erbland

» Spotlight «(2015)

Incluso cuando se trata de noticias reales en línea, las películas sobre periodismo no siempre funcionan: nadie lo sabe mejor que el escriba de «Spotlight» Josh Singer, quien escribió el decepcionante drama de Wikileaks «The Fifth Estate» antes de engancharse con el director Tom McCarthy para escribir lo que pasaría a ser el ganador de la Mejor Película. Armar el guion para la historia real detrás de la desgarradora y cambiante investigación del Boston Globe sobre los crímenes sexuales cometidos por sacerdotes católicos fue un acto de periodismo en sí, salpicado de horas de entrevistas, toneladas de viajes y una edición de ida y vuelta entre ambos para llegar al corazón de una historia impresionante. Tal vez es por eso que avanza tan bien, sin cortar esquinas cuando se trata de lo esencial de los informes del mundo real, al tiempo que encuentra tiempo para desarrollar sus personajes y contar una historia. Golpea los ritmos correctos, pero lo hace de maneras ganadas, arraigadas en el realismo y luchando por la verdad a cada paso. – KE

» The Grand Budapest Hotel»(2014)

Moviestore/REX/

En un complejo palaciego de color rosa en un país inventado, un niño que lleva el nombre de un número estudia hospitalidad de un sospechoso de asesinato y un posible gigoló. Así lo pensó Wes Anderson al escribir el ingenioso guion de su octavo largometraje, que le valió la mitad de sus seis nominaciones al Oscar (incluido un guiño al Mejor Guion Original, compartido con Hugo Guinness), además de sus mejores números de taquilla hasta la fecha. Influenciado por las historias del escriba austriaco Stefan Zweig, la fábula del «Gran Hotel de Budapest» no es contada por un empleado, sino por un autor que solo se encontró con el complejo décadas después de que perdiera su esplendor. Ambientada en su mayor parte en los años 30, pero a veces rebotando a los años 60 y más allá, la película de 2014 de Anderson se benefició una vez más de un diseño de producción prismático y un reparto guileful (incluyendo a un protagonista desconocido, Tony Revolori y Tilda Swinton como la propietaria geriátrica del hotel). El final sombrío solo hace que los 100 minutos pasados en la sierra de Zubrowka se sientan extra extravagantes. – Jenna Marotta

» Toy Story 3″(2010)

Después de ganar un Oscar por su primer guion producido, «Little Miss Sunshine», Michael Arndt se unió al equipo de Pixar y se encargó de escribir el guion de la querida franquicia «Toy Story 3».»Comenzó con el sólido esqueleto de un tratamiento de Andrew Stanton de 20 páginas, los resultados de un retiro de dos días con Pixar brain trust dirigido por los creadores originales de «Toy Story»: John Lasseter, Lee Unkrich y Pete Docter. Arndt tuvo que idear unas 25 secuencias fuertes para que los animadores le dieran vida mientras seguía perfeccionando la complicada historia, que toma 10 años más tarde cuando Andy se dirige a la universidad. Sus juguetes ansiosos se enfrentan a lo que podría ser el final de su vida natural. ¿Andy se preocupa por ellos, excepto por Woody? Así que se donan a la guardería Sunny Side, que parece benevolente en la superficie, pero que resulta ser una prisión. Es entonces cuando la película gira hacia el modo de escape de prisión, con homenajes a «The Great Escape» y «Cool Hand Luke».»

El guion lleva a Andy a un lugar donde puede regalar los juguetes a una niña merecedora. Pero se necesitaron tres años y varias versiones de la película para llegar a la meta, y valió la pena el esfuerzo. – Anne Thompson

«A Serious Man» (2009)

Ya sabes que Joel y Ethan Coen están a punto de ponerse personales cuando comienzan un guion con un prólogo en idish sobre un asesinato en un shtetl en Europa oriental del siglo XIX. El prólogo de» A Serious Man » presenta una perspectiva pesimista sobre una vida maldita, y esa perspectiva sombría sangra en la historia de los hermanos Coen de Larry Gopnick, un profesor de física judío con mala suerte cuya vida es una larga serie de eventos desafortunados. El guion de The Coen es una clase magistral de comedia oscura, con la difícil situación de Larry convirtiéndose en una oda deprimente pero a menudo humorística al mundo que no funciona a nuestro favor. —ZS

» Lady Bird»(2017)

A24

» Frances Ha » fue la primera cosa que Greta Gerwig escribió (con su compañero Noah Baumbach) que se sintió como un paso hacia la realización y escritura de películas que quería hacer. En 2013, Gerwig había lanzado todas sus ideas de «Lady Bird» en un primer borrador de 350 páginas. Luego pasó años recortándolo, lenta y deliberadamente, leyéndolo en voz alta, refinando los ritmos. Cuando el guion estaba terminado, Gerwig tuvo que decidir si regalar la película o dirigirla ella misma. Su película ficticia pero semi-autobiográfica estuvo cerca del guion final. La nominada al Oscar irlandesa Saoirse Ronan interpretó el papel de Christine «Lady Bird» Macpherson (una versión de la estudiante de secundaria católica Gerwig) como una voraz buitre cultural deseosa de escapar de sus confines de Sacramento para ir a una universidad del Este. Laurie Metcalf clava a su madre enojada, frustrada, pellizcada y amorosa que no puede evitar volver a viejas discusiones. Tracy Letts es el padre que adora a Lady Bird, y Lucas Hedges y Timothee Chalamet son sus enredos románticos desafiantes. «Lady Bird» marca un triunfo en toda regla, no solo como un magnífico guion elaborado con precisión, sino como una pieza de cine completamente realizada. Es evidente que Gerwig se había estado preparando para tomar las riendas de la dirección toda su vida. – AT

«Memento»(2000)

Es un gran testimonio del talento de Christopher y Jonathan Nolan que» Memento «fuera capaz de tener tal impacto un año después de «Fight Club» de David Fincher.»Pero mientras que ambas películas sacan la alfombra de debajo de los espectadores gracias a narradores poco confiables, las líneas de tiempo oscilantes del guion nominado al Oscar han hecho que el público vuelva a tratar de armar el rompecabezas tentador de la película. Basado en un cuento de Jonathan Nolan, «Memento» sigue a Leonard, un hombre tan cargado de culpa que le destroza la mente, y lo envía en busca de venganza contra el asaltante desconocido que irrumpió en su casa y asesinó a su esposa. Leonard sufre de amnesia anterógrada como resultado del ataque, y su incapacidad para crear nuevos recuerdos han convertido su cuerpo en un lienzo de paranoia, con tatuajes pertenecientes a su tarea grabados en cada pulgada de piel disponible. Pero «Memento» no se trata realmente de si Leonard es John G, y si mató a su esposa en una explosión de violencia o una sobredosis de insulina. En cambio, se trata de lo lejos que podemos llegar para evitar el duelo y cuán peligrosamente vulnerables nos volvemos como resultado. Es esta parábola más profunda, entrelazada en el misterio estructural más grande, la que ayuda a hacer que el» Recuerdo » sea tan escalofriante e inolvidable. – JR

«Zodiac»(2007)

Paramount

David Fincher no era ajeno al género del crimen, teniendo tanto» Se7en «como» Fight Club «ya en su haber cuando hizo» Zodiac » en 2007. Adaptado del libro de Robert Graysmith sobre el asesino en serie que aterrorizó a San Francisco a finales de los años 60 y 70, hay una buena razón por la que «Zodiac» es a menudo aclamada como la obra maestra de Fincher y una de las mejores películas del género. La obsesiva atención de Fincher a los detalles y la adhesión del guion al material original infunden a la película un sentido de realismo casi alarmante y captan la tensa atmósfera de una ciudad al límite. Cada asesinato cobra vida en base al testimonio de los sobrevivientes de la vida real, y los resultados son escalofriantes. La sangre y la violencia nunca se sienten sensacionalizados o glorificados, sino que transmiten lo verdaderamente horrible que fue cada ataque. Pero más allá de los crímenes en sí, el amor de Fincher por su ciudad natal es evidente a lo largo de la película, y muestra cómo la ciudad evolucionó en un período tan oscuro de su historia. Incluso hoy en día, «Zodiac» sigue siendo una maravilla de CGI, y repleto de actuaciones excepcionales de Mark Ruffalo, Robert Downey Jr.y Jake Gyllenhaal, sigue siendo una maravilla que la película haya sido rechazada por los Oscar. A pesar de esto, «Zodiac» ha sobrevivido, ganando elogios de cinéfilos como Guillermo del Toro, e incluso encabezando la lista de las Mejores Películas Policíacas del Siglo XXI de IndieWire. – JR

» Manchester by the Sea»(2016)

Lo que a menudo se pasa por alto cuando se habla de» Manchester by the Sea», una de las mejores películas de 2016 (y sin duda la más desgarradora), es lo divertido que es. El guion de Kenneth Lonergan equilibra casi todas las escenas desgarradoras con un momento de ligereza, la mayoría cortesía de Lucas Hedges (dos palabras: «negocio del sótano»); esto resulta crucial, ya que la película podría haber sido demasiado triste para la mayoría de la gente. Cada lágrima se gana aquí, ya sea por la risa o (más a menudo) por el dolor, con Lonergan mostrando una y otra vez que «Puedes contar conmigo» y «Margaret» estaban lejos de ser trematodos. Es ayudado en gran medida por su elenco, especialmente Casey Affleck y Michelle Williams, quienes en una escena devastadora dan vida a sus palabras de una manera que es difícil de soportar e imposible de rechazar. Esa descripción se aplica a «Manchester» en su conjunto. – Michael Nordine

» La Red Social»(2010)

Facebook no es genial. ¿Sabes qué es genial? Una película sobre Facebook. Ahora considerada como una de las mejores películas de The aughts,» The Social Network » fue descartada sin ser vista por muchos debido a su tema. ¿Y por qué no? El sitio de redes sociales solo había cobrado prominencia unos años antes, y era difícil imaginar que el seguimiento de David Fincher a «El curioso caso de Benjamin Button» recibiera una aclamación tan abrumadora. Pero todo encajó casi a la perfección en la película, gracias en gran parte al guion ganador de un Oscar de Aaron Sorkin. Su facebook encuentra al escribano locuaz en su mejor momento, con todas las eliminaciones verbales («Si ustedes fueran los inventores de Facebook, habrían inventado Facebook») y los rápidos retrocesos que hemos llegado a esperar (y, más a menudo que la nota, el amor) de él. La interpretación de Sorkin de Mark Zuckerberg no fue halagadora, pero los titulares recientes sugieren que pudo haber sido demasiado comprensiva. – MN

» Get Out»(2017)

Mientras estaba en el camino de los premios para» Get Out», Jordan Peele habló mucho sobre cómo la verdad era el ingrediente esencial que le permitió a su película ofrecer su compleja perspectiva sobre la raza a una audiencia masiva. Y mientras Peele ponía en pantalla realidades innegables y una sensibilidad que faltaba en el entretenimiento convencional, caminaba por una cuerda floja narrativa que requería tanto arte como perspicacia. Con un margen de error cero, el guionista-director construyó un guion en el que la comprensión de la audiencia de lo que Chris (Daniel Kaluuya) está pensando y sintiendo es siempre clara. Al estilo de Hitchcock en su ejecución, y al hacer juego con el género y las expectativas de la audiencia (especialmente sobre cómo se retrata tradicionalmente la dinámica racial en la pantalla), los giros y vueltas de «Get Out» no solo inducen a jadear; cada uno revela una nueva capa en su exploración de los sistemas de creencias racistas sistemáticos. Este cine de género entretenido y, sí, veraz, solo se puede apreciar plenamente cuando rompes los bloques de construcción de cómo Peele lo ensambló. – CO

» Adaptation»(2002)

Siempre es maravilloso dar un paseo por la mente de Charlie Kaufman, y su vertiginoso examen del bloqueo del escritor en» Adaptation » es una de sus mejores obras. Tomando una versión ficticia de sí mismo para dar una vuelta, » Adaptación «sigue a un» Charlie Kaufman «mientras lucha por escribir una adaptación cinematográfica de» El ladrón de orquídeas » de Susan Orlean. Mientras tanto, su gemelo vago Donald comienza a fomentar sus propios sueños de estrellato en la escritura de guiones, y las películas se fragmentan en un relato metaficcional de arte, lujuria y lucha creativa. Mientras que un elenco valiente, liderado por Nicolas Cage, Meryl Streep y Chris Cooper, y la inventiva dirección de Spike Jonze hicieron una película atemporal, la columna vertebral creativa fue Kaufman. — NOSOTROS

«Eternal Sunshine of the Spotless Mind» (2004)

Características de Enfoque

Sans fantástico premisa y de la vista gags — Zap recuerdos de su cerebro una vez que giro desagradable! ¡Sumerja a Jim Carrey y Kate Winslet en un fregadero de cocina de gran tamaño! El guión de Charlie Kaufman seguiría siendo una obra maestra merecida de su Oscar. Un «Annie Hall», para la era posterior a la privacidad, cortesía del camaleón de género Michel Gondry,» Sol eterno de la Mente inmaculada » refasa los momentos mundanos como oberturas románticas. Joel y Clementine, conscientes de sí mismos, se cortejan dos veces con saludos de tren torpes, muslos de pollo deslizados y hokum de observación de estrellas. Cuando se rompen, cada uno tiene todos los recuerdos del otro borrados, un procedimiento que suena serio llevado a cabo por técnicos que retozan (Kirsten Dunst, Mark Ruffalo y Elijah Wood). En su punto medio, Joel quiere abortar, pero no puede, por lo que Clementine hace de guía turístico a través de los pasillos aún intactos de su mente, aprendiendo todos sus secretos mientras lo asesora a través de un imaginario «adiós».»Carrey nunca ha sido más firme o sincero, y el entusiasmo de Winslet es suficiente para inspirar innumerables caminatas a Montauk. – JM