„baroc”—Cuvântul, stilul, perioada
în contextul istoriei europene, perioada de la c. 1585 la c. 1700/1730 este adesea numită epoca barocă. Cuvântul „baroc”derivă din cuvintele portugheze și spaniole pentru o perlă mare, de formă neregulată („barroco „și, respectiv,” barrueco”). Criticii secolului al XVIII-lea au fost primii care au aplicat termenul artei secolului al 17-lea. Nu a fost un termen de laudă. Pentru ochii acestor critici, care au favorizat reținerea și ordinea neoclasicismului, lucrările lui Bernini, Borromini și Pietro da Cortona păreau bizare, absurde, chiar bolnave—cu alte cuvinte, deformate, ca o perlă imperfectă.până la mijlocul secolului al 19-lea, cuvântul și-a pierdut implicațiile peiorative și a fost folosit pentru a descrie calitățile ornamentate și complexe prezente în multe exemple de artă, muzică și literatură din secolul al 17-lea. În cele din urmă, termenul a ajuns să desemneze perioada istorică în ansamblu. În contextul picturii, de exemplu, realismul puternic al altarelor lui Zurbaran, intimitatea liniștită a interioarelor domestice ale lui Vermeer și clasicismul restrâns al peisajelor lui Poussin sunt toate „baroce” (acum cu un capital „B” pentru a indica perioada istorică), indiferent de absența trăsăturilor stilistice asociate inițial cu termenul.
Gian Lorenzo Bernini, Cathedra Petri( sau scaunul Sfântului Petru), bronz aurit, aur, lemn, vitralii, 1647-53 (absida Bazilicii Sfântul Petru, Vatican, Roma)
Roma: De la” curva Babilonului ” la mireasa strălucitoare a lui Hristos
când Martin Luther și-a fixat cele 95 de teze la ușile Catedralei din Wittenburg în 1517 protestând împotriva corupției Bisericii Catolice, el a inițiat o mișcare care avea să transforme peisajul religios, politic și artistic al Europei. Pentru secolul următor, Europa va fi în criză pe măsură ce noi granițe politice și religioase vor fi determinate, adesea prin conflicte militare sângeroase. Abia în 1648, odată cu semnarea Tratatului de la Westfalia, conflictele dintre protestanți și catolici au scăzut în Europa continentală.Martin Luther și-a concentrat critica asupra a ceea ce el a văzut ca fiind lăcomia și abuzul de putere al Bisericii. El a numit Roma, sediul puterii papale, „curva Babilonului” împodobită cu podoabe de artă scumpă, arhitectură grandioasă și banchete somptuoase. Biserica a răspuns crizei în două moduri: abordând intern problemele corupției și apărând doctrinele respinse de Protestanți. Astfel, în timp ce primele două decenii ale secolului al 16-lea au fost o perioadă de cheltuieli generoase pentru papalitate, deceniile de mijloc au fost o perioadă de austeritate. După cum a remarcat un vizitator al Romei în anii 1560, întregul oraș devenise mănăstire. Evlavia și asceza au condus ziua.până la sfârșitul secolului al 16-lea, Biserica Catolică se simțea din nou optimistă, chiar triumfătoare. Ieșise din criză cu o vigoare reînnoită și o claritate a scopului. Păstorirea credincioșilor—instruindu—i cu privire la doctrinele Catolice și inspirând un comportament virtuos-a ocupat locul central. Dornic să reconstruiască reputația Romei ca oraș sfânt, papalitatea s-a angajat în ample campanii de construcție și decorare menite să evidențieze originile sale antice, credințele sale și autoritatea sa sancționată divin. În ochii catolicilor credincioși, Roma nu era o curvă necredincioasă, ci o mireasă pură, frumos împodobită pentru unirea ei cu soțul ei divin. Arta acestei mișcări se numește artă barocă.
vedere a Capelei Cerasi din Santa Maria del Popolo din Roma cu Annibale Carracci ‘s altar, Adormirea Maicii Domnului, 1600-01, ulei pe panza, 96 în 61 inci și la dreapta, Caravaggio’ s convertirea Sfântului Paul (convertirea lui Saul), 1601, 91 în 69 inci
arta persuasiunii: pentru a instrui, pentru a încânta, pentru a muta
în timp ce protestanții au criticat dur cultul imaginilor, Biserica Catolică a îmbrățișat cu ardoare puterea religioasă a artei. Artele vizuale, susținea Biserica, au jucat un rol cheie în îndrumarea credincioșilor. Ele erau cu siguranță la fel de importante ca și cuvântul scris și vorbit, și poate chiar mai importante, deoarece erau accesibile atât celor învățați, cât și celor neînvățați. Pentru a fi eficientă în rolul său pastoral, arta religioasă trebuia să fie clară, convingătoare și puternică. Nu numai că a trebuit să instruiască, a trebuit să inspire. Trebuia să-i facă pe credincioși să simtă realitatea jertfei lui Cristos, suferința martirilor, viziunile sfinților.
Caravaggio, încoronarea cu spini, 1602-04, ulei pe pânză, 165,5 x 127 cm (Kunsthistorisches Museum, Viena)
accentul pus de biserică pe rolul pastoral al artei i-a determinat pe artiști să experimenteze mijloace noi și mai directe de implicare a privitorului. Artiști precum Caravaggio s-au orientat către un realism puternic și dramatic, accentuat de contraste îndrăznețe de lumină și întuneric și compoziții strâns decupate care sporesc imediatitatea fizică și emoțională a narațiunii descrise. Alți artiști, precum Annibale Carracci (care a experimentat și realismul), s-au stabilit în cele din urmă pe un limbaj vizual mai clasic, inspirat de paleta vibrantă, formele idealizate și compozițiile echilibrate ale Înaltei renașteri. Alții, precum Giovanni Battista Gaulli, au apelat la fapte îndrăznețe de iluzionism care au estompat nu numai granițele dintre pictură, sculptură și arhitectură, ci și cele dintre lumea reală și cea descrisă. Făcând astfel, divinul a fost făcut prezent fizic și palpabil. Fie prin realism șocant, mișcare dinamică sau ornamentare exuberantă, arta secolului al XVII-lea este menită să impresioneze. Scopul său este de a convinge privitorul de adevărul mesajului său prin impactul simțurilor, trezirea emoțiilor și activarea, chiar împărtășirea spațiului privitorului.
Giovanni Battista Gaulli, cunoscut și sub numele de Il Baciccio, triumful numelui lui Isus, Il Ges frescă de tavan De la sută, 1672-1685
Giovanni Battista Gaulli, cunoscut și sub numele de Il Baciccio, 1672-1685
monarhii catolici și teritoriile lor
monarhii Spaniei, Portugaliei și Franței au îmbrățișat, de asemenea, elementele mai ornamentate ale artei secolului al XVII-lea pentru a sărbători catolicismul. În Spania și coloniile sale, conducătorii au investit resurse vaste pe fațadele elaborate ale Bisericii, capele și tabernacole uimitoare, acoperite cu aur și sculptură policromă izbitor de realistă. În țările de Jos spaniole, unde arta sacră suferise teribil ca urmare a iconoclasmului Protestant (distrugerea artei), liderii civici și religioși au acordat prioritate împodobirii bisericilor pe măsură ce regiunea și-a recuperat identitatea Catolică. Refacerea altarelor bisericilor din Anvers a ținut ocupat atelierul lui Peter Paul Rubens mulți ani. Monarhii Europei au adoptat, de asemenea, acest vocabular artistic pentru a-și proclama propria putere și statut. Ludovic al XIV-lea, de exemplu, a comandat splendidele clădiri și grădini din Versailles ca expresie vizuală a dreptului său divin de a domni.
vedere a picturilor de Peter Paul Rubens în Alte Pinakothek, Munchen
nordul Protestant
în țările protestante, și mai ales în Noua Republică olandeză independentă (modern-ziua Olanda), climatul artistic s-a schimbat radical în urma reformei.
Judith Leyster, autoportret, c. 1630, ulei pe pânză, 651 x 746 cm (Galeria Națională de artă, Washington)
două dintre cele mai bogate surse de patronaj-monarhia și Biserica—dispăruseră acum. În locul lor a apărut o clasă de mijloc din ce în ce mai prosperă, dornică să-și exprime statutul și noul său sentiment de mândrie națională, prin achiziționarea de artă.până la mijlocul secolului al 17-lea a apărut o nouă piață pentru a satisface gusturile artistice ale acestei clase. Cererea era acum pentru picturi la scară mai mică, potrivite pentru afișare în case particulare. Aceste picturi includeau subiecte religioase pentru contemplare privată, așa cum se vede în picturile și amprentele emoționante ale lui Rembrandt ale narațiunilor biblice, precum și portrete care documentează asemănări individuale.
Willem Claesz Heda, piesă de banchet cu plăcintă tocată, 1635, ulei pe pânză, 42 x 43-3/4 inci dar, cea mai mare schimbare de pe piață a fost creșterea dramatică a popularității peisajelor, a naturilor moarte și a scenelor din viața de zi cu zi (cunoscută sub numele de pictura de gen). Într-adevăr, proliferarea acestor subiecte ca genuri artistice independente a fost una dintre cele mai semnificative contribuții ale secolului al 17-lea la istoria artei occidentale. În toate aceste genuri, artiștii au dezvăluit un interes deosebit în replicarea realității observate-fie că este vorba de lumina peisajului olandez, de expresia momentană pe o față, fie de texturile și materialele variate ale obiectelor pe care olandezii le-au colectat pe măsură ce au cules beneficiile imperiului lor mercantil în expansiune. Aceste lucrări au demonstrat la fel de multă virtuozitate artistică și imediatitate fizică ca marile decorațiuni ale palatelor și bisericilor din Europa catolică.
începuturile Rococo
în primii ani ai anilor 1700, la sfârșitul domniei lui Ludovic al XIV-lea (care moare în 1715), a existat o schimbare de la clasicism și „grand Manner” (bazat pe arta lui Poussin) care guvernase arta ultimilor 50 de ani, spre un nou stil pe care îl numim Rococo.Versailles a fost abandonat de aristocrație, care și-a stabilit din nou reședința la Paris. O schimbare de la monarhie, spre aristocrație caracterizează această perioadă.
Ce fel de stil de viață a condus aristocrația în această perioadă? Amintiți-vă că aristocrația avea o putere politică enormă, precum și o bogăție enormă. Mulți au ales timpul liber ca o urmărire și s-au implicat în intrigi romantice. Într-adevăr, au creat o cultură a luxului și a excesului care a format un contrast puternic cu viața majorității oamenilor din Franța. Aristocrația, doar un mic procent din populația Franței, deținea peste 90% din averea sa. O clasă de mijloc mică, dar în creștere, nu stă nemișcată cu asta mult timp (amintiți-vă de Revoluția franceză din 1789).
Jean-Honor-ul Fragonard, leagănul, uleiul pe pânză, 1767 (Wallace Collection, Londra)
leagănul lui Fragonard
ca și în cazul majorității picturilor Rococo, subiectul leagănului lui Fragonard nu este foarte complicat! Doi iubiți au conspirat pentru a-l determina pe acest om mai în vârstă să o împingă pe tânăra doamnă în leagăn, în timp ce iubitul ei se ascunde în tufișuri. Ideea lor este că, pe măsură ce urcă în leagăn, își poate despărți picioarele, iar el poate obține o vedere perfectă în fusta ei.
sunt înconjurate de o grădină luxuriantă, înverzită. O figură sculptată în stânga își pune degetele la gură, ca și cum ar spune „hush”, în timp ce o altă sculptură în fundal are două figuri Cupidon înghesuite împreună. Culorile sunt roz pastel-pal și verde, și, deși avem un sentiment de mișcare și o linie diagonală proeminentă — pictura nu are toată seriozitatea unei picturi baroce.
dacă te uiți cu adevărat atent, poți vedea pensulele libere în rochia de mătase roz și, pe măsură ce își deschide picioarele, obținem o privire asupra centurii ei. Tocmai acest tip de pictură a fost condamnat în curând de filozofii Iluminismului. Au cerut un nou stil de artă, unul care să arate un exemplu de comportament moral, al ființelor umane la cel mai nobil.