Introducción a los Conceptos de Arte

«Barroco» —la Palabra, el Estilo, el Período

En el contexto de la historia europea, el período de c. 1585 a c. 1700/1730 a menudo se llama la era barroca. La palabra «barroco»deriva de las palabras portuguesas y españolas para una perla grande de forma irregular («barroco «y» barrueco», respectivamente). Los críticos del siglo XVIII fueron los primeros en aplicar el término al arte del siglo XVII. No era un término de alabanza. A los ojos de estos críticos, que favorecían la moderación y el orden del neoclasicismo, las obras de Bernini, Borromini y Pietro da Cortona parecían extrañas, absurdas, incluso enfermas, en otras palabras, deformes, como una perla imperfecta.

A mediados del siglo XIX, la palabra había perdido sus implicaciones peyorativas y se usaba para describir las cualidades ornamentadas y complejas presentes en muchos ejemplos de arte, música y literatura del siglo XVII. Con el tiempo, el término llegó a designar el período histórico como un todo. En el contexto de la pintura, por ejemplo, el realismo crudo de los retablos de Zurbarán, la intimidad tranquila de los interiores domésticos de Vermeer y el clasicismo contenido de los paisajes de Poussin son todos «barrocos» (ahora con una «B» mayúscula para indicar el período histórico), independientemente de la ausencia de los rasgos estilísticos originalmente asociados con el término.

Roma: Desde la» Ramera de Babilonia » hasta la Resplandeciente Novia de Cristo

Cuando Martín Lutero clavó sus 95 tesis a las puertas de la Catedral de Wittenburg en 1517 en protesta por la corrupción de la Iglesia Católica, inició un movimiento que transformaría el paisaje religioso, político y artístico de Europa. Durante el próximo siglo, Europa se verá sumida en la agitación a medida que se determinen nuevas fronteras políticas y religiosas, a menudo a través de sangrientos conflictos militares. Solo en 1648, con la firma del Tratado de Westfalia, los conflictos entre protestantes y católicos disminuyeron en la Europa continental.

Martín Lutero centró su crítica en lo que veía como la codicia y el abuso de poder de la Iglesia. Llamó a Roma, la sede del poder papal, «la ramera de Babilonia» adornada con bellas artes caras, gran arquitectura y suntuosos banquetes. La Iglesia respondió a la crisis de dos maneras: abordando internamente los problemas de corrupción y defendiendo las doctrinas rechazadas por los protestantes. Así, mientras que las dos primeras décadas del siglo XVI fueron un período de gasto suntuoso para el Papado, las décadas medias fueron un período de austeridad. Como señaló un visitante de Roma en la década de 1560, toda la ciudad se había convertido en un convento. La piedad y el ascetismo dominaron el día.

A finales del siglo XVI, la Iglesia Católica se sentía una vez más optimista, incluso triunfante. Ha salido de la crisis con renovado vigor y claridad de propósito. El pastoreo de los fieles, instruyéndoles sobre doctrinas católicas e inspirando un comportamiento virtuoso, ocupó el centro del escenario. Deseoso de reconstruir la reputación de Roma como ciudad santa, el Papado se embarcó en extensas campañas de construcción y decoración destinadas a resaltar sus orígenes antiguos, sus creencias y su autoridad autorizada por Dios. A los ojos de los fieles católicos, Roma no era una ramera infiel, sino una novia pura, bellamente adornada para su unión con su esposo divino. El arte de este movimiento se llama arte barroco.

El Arte de la Persuasión: instruir, Deleitarse, Moverse

Mientras los protestantes criticaban duramente el culto a las imágenes, la Iglesia Católica abrazaba ardientemente el poder religioso del arte. Las artes visuales, argumentó la Iglesia, jugaron un papel clave en la guía de los fieles. Sin duda, eran tan importantes como la palabra escrita y hablada, y tal vez incluso más importantes, ya que eran accesibles tanto para los eruditos como para los no eruditos. Para ser eficaz en su papel pastoral, el arte religioso tenía que ser claro, persuasivo y poderoso. No solo tenía que instruir, tenía que inspirar. Tenía que mover a los fieles a sentir la realidad del sacrificio de Cristo, el sufrimiento de los mártires, las visiones de los santos.

el énfasis de La Iglesia en el arte del papel pastoral pide a los artistas a experimentar con nuevas y más directas de involucrar al espectador. Artistas como Caravaggio recurrieron a un realismo poderoso y dramático, acentuado por audaces contrastes de luz y oscuridad, y composiciones recortadas que realzan la inmediatez física y emocional de la narrativa representada. Otros artistas, como Annibale Carracci (que también experimentó con el realismo), finalmente se asentaron en un lenguaje visual más clásico, inspirado en la paleta vibrante, las formas idealizadas y las composiciones equilibradas del Alto Renacimiento. Otros, como Giovanni Battista Gaulli, recurrieron a audaces hazañas de ilusionismo que desdibujaron no solo los límites entre la pintura, la escultura y la arquitectura, sino también los que existen entre el mundo real y el representado. Al hacerlo, lo divino se hizo físicamente presente y palpable. Ya sea a través de un realismo impactante, un movimiento dinámico o una ornamentación exuberante, el arte del siglo XVII está destinado a impresionar. Su objetivo es convencer al espectador de la verdad de su mensaje impactando los sentidos, despertando las emociones y activando, incluso compartiendo el espacio del espectador.

Los Reyes Católicos y Sus Territorios

Los reyes de España, Portugal y Francia también abrazaron los elementos más ornamentados del arte del siglo XVII para celebrar el catolicismo. En España y sus colonias, los gobernantes invirtieron enormes recursos en elaboradas fachadas de iglesias, impresionantes capillas y tabernáculos cubiertos de oro, y esculturas policromadas sorprendentemente realistas. En los Países Bajos españoles, donde el arte sacro había sufrido terriblemente como resultado de la iconoclasia protestante (la destrucción del arte), los líderes cívicos y religiosos priorizaron el adorno de las iglesias mientras la región recuperaba su identidad católica. La remodelación de los altares de las iglesias de Amberes mantuvo ocupado el taller de Peter Paul Rubens durante muchos años. Los monarcas europeos también adoptaron este vocabulario artístico para proclamar su propio poder y estatus. Luis XIV, por ejemplo, encargó los espléndidos edificios y jardines de Versalles como expresión visual de su derecho divino a gobernar.

El Norte Protestante

En los países protestantes, y especialmente en la recién independiente República Holandesa (moderna-day Netherlands), el clima artístico cambió radicalmente a raíz de la Reforma.

Dos de las fuentes de mecenazgo más ricas—la monarquía y la Iglesia—ya no existían. En su lugar surgió una clase media cada vez más próspera ansiosa por expresar su estatus y su nuevo sentido de orgullo nacional a través de la compra de arte.

A mediados del siglo XVII, un nuevo mercado había surgido para satisfacer los gustos artísticos de esta clase. La demanda era ahora para pinturas de menor escala adecuadas para su exhibición en hogares privados. Estas pinturas incluían temas religiosos para la contemplación privada, como se ve en las conmovedoras pinturas y grabados de narrativas bíblicas de Rembrandt, así como retratos que documentan semejanzas individuales.

Pero, el mayor cambio en el mercado fue el aumento dramático en la popularidad de paisajes, bodegones y escenas de la vida cotidiana (conocida como pintura de género). De hecho, la proliferación de estos temas como géneros artísticos independientes fue una de las contribuciones más significativas del siglo XVII a la historia del arte occidental. En todos estos géneros, los artistas revelaron un gran interés en replicar la realidad observada, ya fuera la luz en el paisaje holandés, la expresión momentánea en un rostro o las variadas texturas y materiales de los objetos que los holandeses recolectaron mientras cosechaban los beneficios de su imperio mercantil en expansión. Estas obras demostraron tanto virtuosismo artístico e inmediatez física como las grandes decoraciones de los palacios e iglesias de la Europa católica.

Los inicios del Rococó

En los primeros años de la década de 1700, al final del reinado de Luis XIV (que muere en 1715), hubo un cambio desde el clasicismo y la «Gran Manera» (basada en el arte de Poussin) que había gobernado el arte de los 50 años anteriores, hacia un nuevo estilo que llamamos Rococó.Versalles fue abandonado por la aristocracia, que una vez más se estableció en París. Un desplazamiento de la monarquía hacia la aristocracia caracteriza este período.

¿Qué tipo de estilo de vida llevó la aristocracia durante este período? Recuerde que la aristocracia tenía un enorme poder político, así como una enorme riqueza. Muchos eligieron el ocio como una búsqueda y se involucraron en intrigas románticas. De hecho, crearon una cultura de lujo y exceso que formó un marcado contraste con la vida de la mayoría de la gente en Francia. La aristocracia, solo un pequeño porcentaje de la población de Francia, poseía más del 90% de su riqueza. Una clase media pequeña, pero en crecimiento, no se queda quieta con esto por mucho tiempo (recuerde la Revolución Francesa de 1789).

El columpio de Fragonard

Al igual que con la mayoría de las pinturas rococó, el tema de El Columpio de Fragonard no es muy complicado! Dos amantes han conspirado para que este tipo mayor empuje a la joven en el columpio mientras su amante se esconde en los arbustos. Su idea es que a medida que sube en el columpio, puede separarse las piernas, y él puede obtener una vista perfecta debajo de su falda.

Están rodeados por un exuberante jardín cubierto de vegetación. Una figura esculpida a la izquierda se pone los dedos en la boca, como si dijera «silencio», mientras que otra escultura en el fondo tiene dos figuras de cupido abrazadas juntas. Los colores son rosas y verdes pastel pálido, y aunque tenemos una sensación de movimiento y una línea diagonal prominente, la pintura carece de toda la seriedad de una pintura barroca.

Si miras de cerca, puedes ver las pinceladas sueltas en el vestido de seda rosa, y al abrir sus piernas, vemos su liguero. Fue precisamente este tipo de pintura lo que los filósofos de la Ilustración pronto condenaron. Exigieron un nuevo estilo de arte, que mostró un ejemplo de comportamiento moral de los seres humanos en su más noble.