Melanie Griffith, Ji-in Jeong, Maggie North og Juliana afdeling
kuratorisk Erklæring
Direkte og tilgængelig, tegning mere end noget andet medium giver et vindue ind i kunstnerens proces. Den tegnede linje gentager håndens bevægelse og synes i forlængelse at spore svingningerne i kunstnerens tanker. Som et spøgelse af en forbipasserende følelse, hukommelse eller bevægelse forekommer den udtryksfulde linje presserende, væsentlig, gestural og privat. I det 20.århundrede afviste ekspressionistiske og abstrakte ekspressionistiske kunstnere det stive hierarki og naturalistiske tegnestil, der blev fremmet af akademiet og omfavnede eksperimentelle billeder, der udfordrede traditionel tegningsæstetik og materialer. Denne udstilling udforsker tegninger af moderne og nutidige kunstnere, der skabte et nyt, udtryksfuldt linjebaseret sprog. Disse innovative linjer ankom i mange former, som det fremgår af de mange forskellige markeringsteknikker, materialer og former, der udgør værkerne. Disse kunstnere brugte den udtryksfulde linje som en kode til at betegne en række betydninger, lige fra det observatoriske til det personlige og politiske. I denne udstilling transformerer og overskrider den ekspressive linje for at tale ud over det private og konventionelle tegningsgrundlag.
Ved hjælp af den ekspressive linje anvendte disse kunstnere nye teknikker og koncepter og udvidede derved definitionen af tegning. Når de placeres i deres historiske kontekst, hævder værkerne i denne udstilling line som et udtryksfuldt værktøj, der genovervejer dets akademiske anvendelse. Politik for det personlige og kulturelle er blevet afgørende for nutidige kunstnere, der stadig eksperimenterer med, genopfinder og tilegner sig den ekspressive linje. Ekspressiv tegning i vores moderne æra udfordrer vores værdier, modstår undertrykkelse og udtrykker ud over konventioner.
organisering af udstillingen
denne udstilling vil blive opdelt i fire sektioner. Det første afsnit, Espressionistiske tilstande og metoder udforsker spændingen mellem to giganter i moderne abstraktion: Kandinsky og Aleksandr Mikhailovich Rodchenko. Begge kunstnere var interesserede i en radikalt ny æstetik, der kunne udtrykke ideerne fra den moderne æra, men de to var uenige om deres metoder og intentioner. Mens Kandinskys væskeabstraktioner blev inspireret af musik eller natur, brugte Rodchenko værktøjer som kompasset til at skabe rent ikke-objektive, geometriske kompositioner. Det andet afsnit, Livstegning og forvrængning, udforsker den måde, hvorpå kodede linjer spiller en rolle i semi-figurative, udtryksfulde livstegninger. Mange kunstnere brugte gestus og forvrængning til at skildre en version af kroppen, der er informeret af, men bryder med akademisk tradition. Kunstnerne repræsenteret i denne gruppering havde til formål at bevæge sig ud over overfladen af figurbilleder og dykke ned i menneskets psykologi og fantasi. Kunstværket i Myriad markerer grænsen mellem genkendelige og uigenkendelige former. Det præsenterer en række linjer, både organiske og geometriske, der både afslører og skjuler deres betydning. Udstillingen afsluttes med værker af amerikansk abstrakt ekspressionistisk kunstner, der hentede inspiration fra følelser og materialer snarere end fra naturen.
tjekliste og Vægetiketter
afsnit 1: ekspressionistiske tilstande og metoder
Varsily Kandinsky
(russisk, 1866-1944)
abstrakt komposition, 1916
Indien blæk, blyant på skitsebogspapir
13 1/2 10 tommer.; 34,3 * 25,4 cm
gave af Thomas P. Hvidney (klasse af 1937)
mjød Kunstmuseum, Amherst College, AC 2001.104
Ji-in Jeong:Kandinsky var en russisk-født teoretiker og pioner i den tyske ekspressionistiske bevægelse. Han blev dybt påvirket af det militariserede og nationalistiske politiske landskab i Tyskland i 1914. Han troede, at kunst kunne skabe en parallel til kosmos bevægelser. Kandinsky forsøgte at oversætte den unikke oplevelse af synestesi til billedkunst, hvilket tyder på vibrationerne af symfonisk musik i hans brug af linje og farve. I abstrakt sammensætning foreslår han et kropsligt rum med flydende linjer, der spænder fra tykt og tyndt. Indien blæk linjer indeholder rystende bevægelser, efterlader ingen del af denne sammensætning stadig eller sikker. De mindre streger spredt over hele siden efterligner en organisk form, hvilket tyder på tekstur af græs eller scener fra naturen. Uundgåelig for øjet er den tykke, sorte diagonale linje, centralt placeret på siden. Det tjener som en guide til virvelvinden af information, som Kandinsky kaotisk spreder inden for denne rystende verden. Han udfordrer konventionerne om kunstnerisk praksis ved at forsøge at videresende verdens usete vibrationer.
Aleksandr Mikhailovich Rodchenko
(russisk, 1891 – 1956)
Kompassammensætning, 1915
Pen og blæk og sort blæk på mellemvægt blødt, tekstureret hvidt papir
6 15/16 * 10 5/16 tommer.
gave af Thomas P. Hvidney(klasse af 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.76
Melanie Griffith:
Aleksandr Rodchenko ‘ s kunst skabte nye muligheder for Moderne Kunst. Hans stykker efter den russiske Revolution 1917 er markeret med den dristige erklæring om, at maleriet var dødt og indledte en ny æra af konstruktivisme. Senere kendt for sin fotografering, han var også en dygtig abstrakt maler, producerer værker, der brød med de traditionelle teknikker til staffeli maleri. Allerede før revolutionens og borgerkrigens periode, der snart ville omforme det russiske samfund, havde Rodchenko allerede brudt med traditionel akademisk kunst og kom ind i abstraktionsverdenen. Hans stykke bruger dristigt kompassets designteknologi til at udvikle et legende udtryk ved hjælp af geometriske former.
i begyndelsen blev Rodchenko påvirket af værker af Vasily Kandinsky. Men Kandinskys kunst, skønt abstrakt, havde en tendens til at pege tilbage mod figurative kilder og stole på symbolik og psykologi, mens den yngre generation fokuserede på det rent abstrakte.
afsnit 2: bryde med Akademiet:Livstegning og forvrængning
Oskar Kokoschka
(østrigsk, 1887-1980)
maks Reinhardt (hoved), 1919
litografi på grå vævet papir
Demensions unavialable
gave af Priscilla Paine Van der Poel, klasse af 1928
SC 1977:32-169
Maggie North:
selvom det er et litografi, kalder de presserende og uordnede linjer i dette print tankerne om skitsering. Med uberegnelige mærker har Oskar Kokoschka fanget sin nutidige, den berømte film-og teaterdirektør maks Reinhardt (1863-1943), i en tilstand af tilsyneladende angst. Efter at have brudt med School of Arts and Crafts i Vienna blev Kokoschka kendt for portrætter, der med hans ord “intuit fra ansigtet, fra dets udtryk og fra bevægelser, sandheden om en bestemt person.”Kokoschka var dramatiker, digter og billedkunstner, men han var også interesseret i psykologi. Arbejde i en æra, hvor indflydelsesrige psykoanalytiske skrifter af Sigmund Freud blev bredt offentliggjort, mente Kokoschka, at en persons “sandhed” eksisterede i deres indre verden og forsøgte at afsløre den. I dette portræt er Reinhardts umuligt runde, asymmetriske øjne og aflange, fure bryn udtryksfulde snarere end naturalistiske.
Leonard Baskin
(Amerikansk, 1922 – 2000)
To mænd, 1953
Indien blæk og grafit på buff lagt papir
38 1/8 i 25 1/8 i
gave af Helene B. Sort (klasse af 1931)
MH 1988.14.17
Maggie North:
inspireret af den menneskelige tilstands skrøbelighed er Leonard Baskins skildringer af den menneskelige figur ofte forvrænget eller vansiret. Han sagde engang, ” den menneskelige figur er billedet af alle mennesker og af en mand—den indeholder alt og kan udtrykke alt.”Som hos to mænd informeres Baskins tilgang til den menneskelige krop af viden om muskulatur og den akademiske undersøgelse af proportioner, men Baskin bryder de akademiske regler. Stærkt skraveret i nogle områder og tyndt skitseret i andre, hans kroppe er spredt med mørke, kantede mærker, der kunne repræsentere vener eller ar snarere end glat, smidig hud. De foruroligende holdninger og mystiske ansigtsudtryk af de afbildede mænd bidrager til den ekspressive kvalitet af linjen i denne tegning. Repræsenteret i adskillige museer og private samlinger er Baskin kendt internationalt, men han havde også en lokal tilstedeværelse. Kunstneren underviste i kunst på Smith College fra 1953-1974, derefter på Hampshire College fra 1984-1994.
Henry Spencer Moore
(Britisk, 1898-1986)
Untitled: kvindelige figurer, 1956
blyant, pen og blæk, farveblyant og farvet vask
10 15/16 i 7 1/4 i
gave af Richard S. Seisler (klasse af 1937)
Mead kunstmuseum, Amherst College, AC 1959.139
ji-in Jeong:Henry Moore arbejdede primært i skulptur, men brugte tegning som et middel til hurtigt at udtrykke ideer fra hans ubevidste. Moore blandede menneskelige figurer og andre observationer fra den naturlige verden for abstrakt at konstruere sine tegninger og anvendte ofte en række medier til at gengive todimensionale billeder, som senere ville blive oversat til skulptur. I Untitled: kvindelige figurer skaber kunstneren illusionen af et skulpturelt værk gennem brug af linje, kontur, farve og materialer. Han fremhæver visse områder med en levende farvevask og efterlader andre hvide og leger med positivt og negativt rum. For at supplere disse lysere områder lag Moore på en række teksturerede tonaliteter, fra den subtile skygge af grafitblyanten til det skarpe sorte blæk, der bruges til at gengive de mørkeste udklækkede områder. Moore bruger line til at skubbe sine forestillede former ind i en tredje dimension. Tegning fungerer som en tilstand af tilgængeligt og hurtigt udtryk, der senere kan behandles til en skulpturel form.
afsnit 3: Myriad Marks
Harvey Kaytman (Amerikansk, 1937-2000)
Cinsano, 1963
blyant og oliekridt på papir
11 1/16 i 14 I
kunstnerens gave til minde om sin far, Mark Kaytman. University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1963.3
Ji-in Jeong:
Harvey Kaytman var en ny York baseret geometrisk abstrakt kunstner kendt for sin underskrift hårdt kantede maleri stil relateret til Minimalisme. Hans arbejde kombinerer også et ekspressivt sprog med asymmetriske kompositioner og rige farver. Linjer med forskellige tykkelser, former og fleksibilitet fortolker geometriske former inden for et abstrakt plan. Titlen kommer fra en ikonisk italiensk vermouth, hvilket antyder, at kunstneren arbejdede ud fra en direkte observation af flasken for at omdefinere de traditionelle konventioner om et stillebenbillede. De vigtigste kompositionslinjer er tykke og selvsikre. Sekundære kradsede eller udklækkede linjer har en mere flydende bevægelse for dem, der flyder gennem et forslag om lavt rum. Nogle linjer oprettes negativt ved sletning, mens andre påføres tykt gennem kraftig håndskygge, som det ses i den rektangulære blok på venstre side af siden.
Barbara Hevorth (Britisk, 1903-1975)
projekt for træ og strenge, Tresion II, 1959
maleri, olie, gesso, blyant om bord
14 7/8 i 21 1/8 i. Gave af Richard S. Mjød Kunstmuseum, Amherst College, AC 1960.1
Juliana afdeling:Barbara, en internationalt anerkendt britisk billedhugger, er kendt for sine abstrakte skulpturer, der fremkalder naturen ved hjælp af linje, form, rum, tekstur og naturlige materialer. Denne skitse til en skulptur, projekt for træ og strenge, Trecion II, giver et indblik i Hepverdhs besættelse af form gennem de præcise og næsten matematiske linjer, hun anvender i blyant over en tonal malet baggrund. Disse grafitlinjer kommer frem for at skabe abstrakte former, når de roterer og fastgøres til hinanden, hvilket antyder spændinger i tredimensionelt rum. De udklækkede diagonale linjer i midten af den lyseste blå tone skaber et forsvindingspunkt, der henviser til traditionen med perspektivtegning. Han genopfinder perspektivrummet gennem futuristisk abstraktion. Hun bruger abstrakt linje til at forestille sig skitsen i denne æteriske tegning.
Ivami Reika
(Japansk, f.1924)
Untitled “skøjteløb ved vandet”, 1976
Print, træblok og guldblad
13 3/4 i 10 1/16 in.
gave af Doris Lee og John H. Rich, Jr. Mead Kunstmuseum, Amherst College, AC 2010.31
Juliana afdeling:Reika, en mester Japansk grafiker, er kendt for sine abstrakte lineære evokations af naturen. Hun genopfinder kapaciteten i den ekspressive linje ved at inkorporere fundne materialer i sit tryk. Reika er ikke kun afhængig af sin egen hånd for at gengive linje, men bruger fundet drivved, både udskrivning af det naturlige trækorn og brug af det som inspiration til organiske tegnede linjer. Hendes udtryksfulde linjesprog udvisker splittelserne mellem naturlige elementer som vand, træ, luft og rum. Reika arbejder i en begrænset farvepalet og giver linje, plads og visuel struktur mulighed for at tage centrum. Hendes vægt på den udtryksfulde og undertiden symbolske linje eller form skaber et tilbageholdende drama, der antyder en filosofisk eller åndelig indre verden. Reika er også en digter af haiku, en anden japansk tradition baseret på tilbageholdenhed. Hun siger, ” Haiku er en disciplinstudie. Det tvinger en til at eliminere det, der ikke er nødvendigt, og derfor bruger jeg det som en åndelig øvelse for mine udskrifter.”
den ekspressive linje som gestus
Lee Krasner
(Amerikansk, 1908 – 1984)
primær serie: guldsten, 1969
Farvelitografi
22 1/2 i 30 tommer.
gave af Robert Staub gennem Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.23
Lee Krasner
(Amerikansk, 1908 – 1984)
primær serie: Pink Stone, 1969
farve litografi
22 1/2 i 30 ind.
gave af Robert Staub gennem Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.24
Lee Krasner
(Amerikansk, 1908 – 1984)
primær serie: Blå sten,1969
farve litografi
22 1/2 i 30 tommer.
Robert Staubs gave gennem Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.25
Melanie Griffith:
Lee Krasners primære serie præsenterer en overbevisende sprøjt af farve på lærred. Triptykonet er baseret på de primære farver, men erstatter den almindelige røde, gule og blå med mere suggestive eller poetiske nuancer. Krasner blev kendt for de farverige og sprudlende malerier, hun producerede efter døden af sin mand, maler Jackson Pollock, i 1956. Bemyndiget af kvindebevægelsen, hun opkrævet forude, skabe malerier og prints kendt for deres dynamiske og farverige udtryk. Hun eksperimenterede med en bred vifte af forskellige teknikker til at lægge farve ned på lærred og papir. I denne tredelte serie hylder Krasner Pollocks dryppemalerier og eksperimenterer med gennemsigtighed og opacitet opnået ved at variere tykkelsen på litografisk blæk, før hun udskriver hvert billede i sin valgte farve.
Joan Mitchell
(Amerikansk, 1926-1992)
sider af en flod I, Fra Bedford Series, 1981
litografi trykt på farvepapir
42 gange 32 tommer.
gave af Lois Perelson-Gross, klasse af 1983 og Stuart Gross til ære for Janice Carlson Oresman, klasse af 1955, i anledning af hendes 50.Genforening
SC 2005:12-1
Maggie North:
Joan Mitchell var en af kun en håndfuld kvindelige kunstnere, der brød ind i den mandsdominerede Amerikanske abstrakte ekspressionistiske gruppe i 1950 ‘ erne. Selvom hun fejres for sine store, farverige actionmalerier, brugte Mitchell også pastel og var en dygtig grafiker. Ved første glace, hendes mærker kan virke uplanlagte, men ekstraordinær opmærksomhed på afbalancerede farveskemaer og figur-jord-forholdet ligger typisk til grund for Mitchells gestusværker. I 1981 arbejdede Mitchell tæt sammen med den berømte printer Kenneth Tyler for at skabe en serie på ti store litografier, inklusive denne. Serien fik titlen “Bedford Series”, efter værkstedets placering i Bedford Village, Ny York. Spredte, kalkholdige, semi-lodrette mærker fylder midten af kompositionen, bliver mørkere og mere kondenseret øverst og nederst på papiret. Mitchells komprimerede linjer er næsten kalligrafiske. Ligesom ulæselige underskrifter inviterer de samtidig spekulation og skjuler deres udtryksfulde betydning.