Melanie Griffith, Ji-In Jeong, Maggie North e Juliana Ward
Curatorial Statement
Diretto e accessibile, drawing più di ogni altro mezzo offre una finestra sul processo dell’artista. La linea disegnata riecheggia il movimento della mano, e sembra per estensione tracciare i meandri dei pensieri dell’artista. Come un fantasma di un sentimento, di un ricordo o di un movimento che passa, la linea espressiva appare urgente, essenziale, gestuale e privata. Nel xx secolo, gli artisti espressionisti e astratti espressionisti rifiutarono la rigida gerarchia e lo stile di disegno naturalistico promosso dall’accademia e abbracciarono immagini sperimentali che sfidavano l’estetica e i materiali del disegno tradizionale. Questa mostra esplora i disegni di artisti moderni e contemporanei che hanno creato un nuovo linguaggio espressivo basato sulle linee. Queste linee innovative sono arrivate in molte forme come è evidente nella varietà di tecniche di mark-making, materiali e forme che compongono le opere in mostra. Questi artisti hanno usato la linea espressiva come un codice per significare una varietà di significati, che vanno dall’osservazione al personale e politico. In questa mostra, la linea espressiva si trasforma e trascende, per parlare oltre le basi private e convenzionali del disegno.
Utilizzando la linea espressiva, questi artisti hanno impiegato nuove tecniche e concetti, e quindi ampliato la definizione di disegno. Collocate nel loro contesto storico, le opere di questa mostra rivendicano line come strumento espressivo, ripensandone l’uso accademico. La politica del personale e della cultura sono diventate essenziali per gli artisti contemporanei che stanno ancora sperimentando, reinventando e appropriandosi della linea espressiva. Il disegno espressivo nella nostra epoca contemporanea sfida i nostri valori, resiste all’oppressione ed esprime oltre le convenzioni.
Organizzazione della Mostra
Questa mostra sarà divisa in quattro sezioni. La prima sezione, Modi e metodi espressionisti esplora la tensione tra due giganti dell’astrazione moderna: Wassily Kandinsky e Aleksandr Mikhailovich Rodchenko. Entrambi gli artisti erano interessati a un’estetica radicalmente nuova che potesse esprimere le idee dell’era moderna, ma i due non erano d’accordo sui loro metodi e intenzioni. Mentre le astrazioni fluide di Kandinsky sono state ispirate dalla musica o dalla natura, Rodchenko ha usato strumenti, come la bussola, per creare composizioni geometriche puramente non oggettive. La seconda sezione, Life Drawing and Distortion, esplora il modo in cui le linee codificate giocano un ruolo nei disegni di vita semi-figurali ed espressivi. Molti artisti hanno usato il gesto e la distorsione per rappresentare una versione del corpo che è informata da, ma rompe con la tradizione accademica. Gli artisti rappresentati in questo raggruppamento miravano ad andare oltre la superficie delle immagini figurali, approfondendo la psicologia umana e l’immaginazione. L’opera d’arte in miriade segna il confine tra forme riconoscibili e irriconoscibili. Presenta una varietà di linee, sia organiche che geometriche, che rivelano e nascondono i loro significati. La mostra si chiude con il lavoro dell’artista espressionista astratto americano che ha tratto ispirazione dalle emozioni e dai materiali più che dalla natura.
Lista di controllo e etichette murali
Sezione 1: Modalità e metodi espressionisti
Wassily Kandinsky
(russo, 1866-1944)
Composizione astratta, 1916
Inchiostro indiano, matita su carta da disegno
13 1/2 x 10 in.; 34.3 x 25.4 cm
Regalo di Thomas P. Whitney (Classe del 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.104
Ji-In Jeong:
Wassily Kandinsky è stato un teorico di origine russa e pioniere del movimento espressionista tedesco. Fu profondamente influenzato dal panorama politico militarizzato e nazionalista in Germania nel 1914. Credeva che l’arte potesse creare un parallelo ai moti del cosmo. Kandinsky tentò di tradurre l’esperienza unica della sinestesia in arte visiva, suggerendo le vibrazioni della musica sinfonica nel suo uso della linea e del colore. Nella composizione astratta, suggerisce uno spazio corporeo con linee fluide che vanno dallo spesso al sottile. Le linee di inchiostro di india contengono movimenti traballanti, senza lasciare alcuna parte di questa composizione ancora o certa. I tratti più piccoli sparsi in tutta la pagina imitano una forma organica, suggerendo la trama di erba o scene dalla natura. Inevitabile per l’occhio è la spessa linea diagonale nera, posizionata centralmente sulla pagina. Serve come guida al vortice di informazioni che Kandinsky disperde caoticamente all’interno di questo mondo traballante. Sfida le convenzioni della pratica artistica tentando di trasmettere le vibrazioni invisibili del mondo.
Aleksandr Mikhailovich Rodchenko
(russo, 1891 – 1956)
Compass Composition, 1915
Penna e inchiostro e inchiostro nero su medio peso morbido, strutturato off-white paper
6 15/16 x 10 5/16 in.
Dono di Thomas P. Whitney (Classe 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.76
Melanie Griffith:
Le opere d’arte di Aleksandr Rodchenko hanno creato nuove possibilità per l’arte moderna. I suoi pezzi dopo la Rivoluzione russa 1917 sono contrassegnati con l’affermazione audace che la pittura era morta, inaugurando una nuova era di costruttivismo. Più tardi noto per la sua fotografia, fu anche un abile pittore astratto, producendo opere che rompevano con le tecniche tradizionali della pittura da cavalletto. Anche prima del periodo della rivoluzione e della guerra civile che avrebbe presto rimodellato la società russa, Rodchenko aveva già rotto con l’arte accademica tradizionale ed era entrato nel mondo dell’astrazione. Il suo pezzo utilizza audacemente la tecnologia di design della bussola per sviluppare un’espressione giocosa usando forme geometriche.
All’inizio, Rodchenko fu influenzato dalle opere di Wassily Kandinsky. Ma l’arte di Kandinsky, sebbene astratta, tendeva a puntare verso fonti figurative, basandosi sul simbolismo e sulla psicologia, mentre le giovani generazioni si concentravano sul puramente astratto.
Sezione 2: la Rottura con l’Accademia:la Vita di Disegno e di Distorsione
Oskar Kokoschka
(Austriaco, 1887-1980)
Max Reinhardt (Testa), 1919
Litografia su grigio tessuto carta
Demensions unavialable
Dono di Priscilla Paine Van der Poel, classe 1928
SC 1977:32-169
Maggie Nord:
Sebbene sia una litografia, le linee urgenti e disordinate di questa stampa richiamano alla mente l’atto dello schizzo. Con segni erratici, Oskar Kokoschka ha catturato il suo contemporaneo, il famoso regista cinematografico e teatrale Max Reinhardt (1863-1943), in uno stato di apparente ansia. Dopo aver rotto con la Scuola di Arti e Mestieri di Vienna, Kokoschka divenne noto per i ritratti che, nelle sue parole, ” intuiscono dal volto, dal suo gioco di espressioni e dai gesti, la verità su una persona in particolare.”Kokoschka era drammaturgo, poeta e artista visivo, ma era anche interessato alla psicologia. Lavorando in un’epoca in cui influenti scritti psicoanalitici di Sigmund Freud furono ampiamente pubblicati, Kokoschka credeva che la “verità” di una persona esistesse nel loro mondo interiore e cercava di esporla. In questo ritratto, gli occhi incredibilmente rotondi e asimmetrici di Reinhardt e le sopracciglia allungate e solcate sono espressivi piuttosto che naturalistici.
Leonard Baskin
(Americano, 1922 – 2000)
Due Uomini, 1953
India inchiostro e grafite su buff di cui carta
38 1/8 x 25 1/8 in
Dono di Helene B. Nero (classe 1931)
MH 1988.14.17
Maggie Nord:
Ispirato dalla fragilità della condizione umana, Leonard Baskin è la raffigurazione della figura umana sono spesso distorte o sfigurato. Una volta dichiarò: “La figura umana è l’immagine di tutti gli uomini e di un solo uomo—contiene tutto e può esprimere tutto.”Come in due uomini, l’approccio di Baskin al corpo umano è informato dalla conoscenza della muscolatura e dallo studio accademico della proporzione, ma Baskin rompe le regole accademiche. Fortemente ombreggiato in alcune zone e scarsamente abbozzato in altri, i suoi corpi sono sparsi con scuro, segni angolari che potrebbero rappresentare vene o cicatrici piuttosto che liscia, pelle elastica. Le posture inquietanti e le misteriose espressioni facciali degli uomini raffigurati contribuiscono alla qualità espressiva della linea in questo disegno. Rappresentato in numerosi musei e collezioni private, Baskin è conosciuto a livello internazionale, ma ha avuto anche una presenza locale. L’artista ha insegnato arte allo Smith College dal 1953 al 1974, poi all’Hampshire College dal 1984 al 1994.
Henry Spencer Moore
(Inglese, 1898-1986)
senza titolo: Figure Femminili, 1956
Matita, penna e inchiostro, matita e lavaggio colorato
10 15/16 x 7 1/4 pollici
Dono di Richard S. Zeisler (Classe 1937)
Mead Museo d’Arte, Amherst College, AC 1959.139
Ji-In Jeong:
Henry Moore ha lavorato principalmente nella scultura, ma ha usato il disegno come mezzo per esprimere rapidamente idee dal suo inconscio. Moore ha mescolato figure umane e altre osservazioni dal mondo naturale per costruire astrattamente i suoi disegni, spesso impiegando una varietà di mezzi per rendere immagini bidimensionali che sarebbero poi state tradotte in scultura. In Untitled: Figure femminili, l’artista crea l’illusione di un’opera scultorea attraverso l’uso di linee, contorni, colori e materiali. Evidenzia alcune aree con un vibrante lavaggio di colore e lascia altre bianche, giocando con lo spazio positivo e negativo. Per completare queste aree più chiare, Moore si sovrappone a una varietà di tonalità testurizzate, dalla sottile sfumatura della matita di grafite all’inchiostro nero rigido utilizzato per rendere le aree tratteggiate più scure. Moore usa la linea per spingere le sue forme immaginate in una terza dimensione. Il disegno serve come una modalità di espressione accessibile e rapida che può essere successivamente trasformata in una forma scultorea.
Sezione 3: Myriad Marks
Harvey Quaytman (americano, 1937-2000)
Cinzano, 1963
Matita e pastello ad olio su carta
11 1/16 in x 14 in
Dono dell’artista in memoria di suo padre, Mark Quaytman. University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1963.3
Ji-In Jeong:
Harvey Quaytman era un artista astratto geometrico con sede a New York noto per il suo stile di pittura dal taglio duro legato al minimalismo. Il suo lavoro combina anche un linguaggio espressivo con composizioni asimmetriche e aree ricche di colori. In Cinzano linee di diversi spessori, forme e flessibilità interpretano le forme geometriche all’interno di un piano astratto. Il titolo deriva da un iconico vermouth italiano, suggerendo che l’artista ha lavorato da un’osservazione diretta della bottiglia al fine di ridefinire le convenzioni tradizionali di un’immagine still-life. Le principali linee compositive sono spesse e sicure. Le linee secondarie scarabocchiate o tratteggiate hanno un movimento più fluido, fluttuando attraverso una suggestione di spazio poco profondo. Alcune linee vengono create negativamente cancellando, mentre altre vengono applicate fittamente attraverso l’ombreggiatura pesante, come si vede nel blocco rettangolare sul lato sinistro della pagina.
Barbara Hepworth (British, 1903-1975)
Progetto per legno e corde, Trezion II, 1959
Pittura, olio, gesso, matita su tavola
14 7/8 in x 21 1/8 in. Dono di Richard S. Zeisler. Museo d’arte Mead, Amherst College, AC 1960.1
Juliana Ward:
Barbara Hepworth, scultrice britannica riconosciuta a livello internazionale, è nota per le sue sculture astratte che evocano la natura usando linee, forme, spazi, texture e materiali naturali. Questo schizzo per una scultura, Project for Wood and Strings, Trezion II, offre uno sguardo all’ossessione della Hepworth per la forma, attraverso le linee precise e quasi matematiche che impiega a matita su uno sfondo dipinto tonale. Queste linee di grafite escono per creare forme astratte mentre ruotano e si attaccano l’una all’altra, suggerendo tensioni dello spazio tridimensionale. Le linee diagonali tratteggiate al centro del tono blu più brillante creano un punto di fuga alludendo alla tradizione del disegno prospettico. Hepworth reinventa lo spazio prospettico attraverso l’astrazione futuristica. Utilizza la linea astratta per ri-immaginare lo schizzo in questo disegno etereo.
Iwami Reika
(giapponese, nato nel 1924)
Senza titolo “Skating by the Water”, 1976
Stampa, xilografia e foglia d’oro
13 3/4 in x 10 1/16 in.
Regalo di Doris Lee e John H. Rich, Jr. Mead Art Museum, Amherst College, AC 2010.31
Juliana Ward:
Iwami Reika, maestro incisore giapponese, è nota per le sue evocazioni astratte e lineari della natura. Reinventa le capacità della linea espressiva incorporando materiali trovati nella sua stampa. Reika non solo si affida alla propria mano per rendere la linea, ma utilizza legni trovati, sia stampando la venatura del legno naturale che usandola come ispirazione per linee disegnate organiche. Il suo linguaggio espressivo della linea sfuma le divisioni tra elementi naturali come acqua, legno, aria e spazio. Lavorando in una tavolozza di colori limitata, Reika consente alla linea, allo spazio e alla trama visiva di essere al centro della scena. La sua enfasi sulla linea o forma espressiva e talvolta simbolica crea un dramma sobrio, suggerendo un mondo interiore filosofico o spirituale. Reika è anche un poeta di haiku, un’altra tradizione giapponese basata sulla moderazione. Lei afferma, ” Haiku è uno studio di disciplina. Costringe a eliminare ciò che non è necessario, ed è per questo che lo uso come esercizio spirituale per le mie stampe.”
La linea espressiva come gesto
Lee Krasner
(americano, 1908 – 1984)
Serie primaria: Gold Stone, 1969
Litografia a colori
22 1/2 in x 30 in.
Dono di Robert Staub attraverso il Martin S. Ackerman, Fondazione, Università, Museo di Arte Contemporanea, Università del Massachusetts, Amherst, UM 1979.23
Lee Krasner
(Americano, 1908 – 1984)
Serie Primario: Rosa Pietra, 1969
Colore litografia
22 1/2 ” x 30.
Dono di Robert Staub attraverso la Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.24
Lee Krasner
(americano, 1908 – 1984)
Serie primaria: Pietra blu, 1969
Litografia a colori
22 1/2 in x 30 in.
Dono di Robert Staub attraverso la Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.25
Melanie Griffith:
La serie primaria di Lee Krasner presenta un avvincente spruzzo di colore su tela. Il trittico si basa sui colori primari, ma sostituisce il comune rosso, giallo e blu con tonalità più suggestive o poetiche. Krasner divenne nota per i dipinti colorati ed esuberanti che produsse dopo la morte di suo marito, il pittore Jackson Pollock, nel 1956. Potenziata dal movimento femminile, ha caricato in avanti, creando dipinti e stampe rinomati per la loro espressione dinamica e colorata. Ha sperimentato una vasta gamma di diverse tecniche di mettere il colore su tela e carta. In questa serie in tre parti, Krasner rende omaggio ai dipinti a goccia di Pollock, sperimentando la trasparenza e l’opacità ottenute variando lo spessore dell’inchiostro litografico prima di stampare ogni immagine nel colore scelto.
Joan Mitchell
(American, 1926-1992)
Sides of a River I, from Bedford Series, 1981
Litografia stampata su carta a colori
42 x 32 in.
Dono di Lois Perelson-Gross, classe 1983, e Stewart Gross in onore di Janice Carlson Oresman, classe 1955, in occasione della sua 50a reunion
SC 2005:12-1
Maggie North:
Joan Mitchell è stata una delle poche artiste femminili ad entrare nel gruppo espressionista astratto americano dominato dagli uomini negli anni ‘ 50. Anche se lei è celebrata per il suo grande, colorato, dipinti d ” azione, Mitchell utilizzato anche pastello ed era un abile incisore. A prima vista, i suoi segni possono sembrare non pianificati, ma una straordinaria attenzione alle combinazioni di colori bilanciate e al rapporto figura-terra è alla base delle opere gestuali di Mitchell. Nel 1981, Mitchell ha lavorato a stretto contatto con la famosa stampante Kenneth Tyler per creare una serie di dieci grandi litografie, tra cui questa. La serie è stata intitolata la “Serie Bedford,” dopo la posizione del laboratorio a Bedford Village, New York. Sparsi, gessoso, segni semi-verticali riempire centro della composizione, diventando più scuro e più condensato nella parte superiore e inferiore della carta. Le linee compresse di Mitchell sono quasi calligrafiche. Come le firme illeggibili, allo stesso tempo invitano alla speculazione e nascondono il loro significato espressivo.