Melanie Griffith, Ji-in Jeong, Maggie North i Juliana Ward
oświadczenie kuratorskie
bezpośrednie i dostępne, rysowanie więcej niż jakiekolwiek inne medium oferuje okno na proces artystki. Narysowana linia odbija się echem ruchu ręki, a przez to zdaje się prześledzić meandry myśli artysty. Jak duch przemijającego uczucia, pamięci czy ruchu, linia ekspresyjna wydaje się pilna, esencjalna, gestualna i prywatna. W XX wieku ekspresjoniści i abstrakcyjni artyści odrzucili sztywną hierarchię i naturalistyczny styl rysowania promowany przez akademię i przyjęli eksperymentalne obrazy, które podważały tradycyjną estetykę i materiały rysunkowe. Wystawa eksploruje rysunki współczesnych i współczesnych artystów, którzy stworzyli nowy, ekspresyjny język liniowy. Te innowacyjne linie pojawiły się w wielu formach, co jest widoczne w różnorodności technik znakowania, materiałów i kształtów, które składają się na oglądane prace. Artyści ci używali linii ekspresyjnej jako kodu do oznaczania różnych znaczeń, od obserwacyjnych po osobiste i polityczne. Na tej wystawie linia ekspresyjna przemienia się i przekracza, aby mówić poza prywatnymi i konwencjonalnymi podstawami rysunku.
wykorzystując linię ekspresyjną, artyści Ci zastosowali nowe techniki i pojęcia, poszerzając tym samym definicję rysunku. W kontekście historycznym prace prezentowane na wystawie traktują linię jako narzędzie ekspresji, na nowo rozważając jej akademickie zastosowanie. Polityka osobista i kulturowa stała się niezbędna dla współczesnych artystów, którzy wciąż eksperymentują, wymyślają i zawłaszczają linię ekspresji. Rysowanie ekspresyjne we współczesnej epoce stawia wyzwanie naszym wartościom, opiera się opresji i wyraża się poza konwencjami.
organizacja wystawy
wystawa zostanie podzielona na cztery części. Pierwsza część, tryby i metody Espresjonistyczne, bada napięcie między dwoma gigantami współczesnej abstrakcji: Wassily Kandinsky i Aleksandrem Michajłowiczem Rodczenko. Obaj artyści interesowali się radykalnie nową estetyką, która mogłaby wyrażać idee epoki nowożytnej, jednak obaj nie zgadzali się co do swoich metod i intencji. Podczas gdy płynne abstrakcje Kandinsky ’ ego były inspirowane muzyką lub naturą, Rodczenko używał narzędzi, takich jak kompas, do tworzenia czysto nieobiektywnych, geometrycznych kompozycji. Druga część, Life Drawing and Distortion, bada sposób, w jaki zakodowane linie odgrywają rolę w semi-figuralnych, ekspresyjnych rysunkach życia. Wielu artystów posługiwało się gestem i zniekształceniami, aby przedstawić wersję ciała, która jest informowana, ale zrywa z akademicką tradycją. Artyści reprezentowani w tym ugrupowaniu chcieli wyjść poza płaszczyznę obrazów figuralnych, zagłębiając się w ludzką psychologię i wyobraźnię. Dzieło w niezliczonych znakach wyznacza granicę między formami rozpoznawalnymi i nierozpoznawalnymi. Prezentuje różnorodne linie, zarówno organiczne, jak i geometryczne, które zarówno odsłaniają, jak i ukrywają swoje znaczenia. Wystawę zamyka praca amerykańskiego ekspresjonisty abstrakcyjnego, który czerpał inspirację raczej z emocji i materiałów niż z natury.
Lista kontrolna i etykiety ścienne
Sekcja 1: ekspresjonistyczne tryby i metody
Wassily Kandinsky
(rosyjski, 1866-1944)
kompozycja abstrakcyjna, 1916
India ink, pencil on sketchbook paper
13 1/2 x 10 in.; 34,3 x 25,4 cm
Dar Thomasa P. Whitneya (rocznik 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.104
Ji – in Jeong:
Wassily Kandinsky był urodzonym w Rosji teoretykiem i pionierem niemieckiego ruchu ekspresjonistycznego. Był głęboko dotknięty zmilitaryzowanym i nacjonalistycznym krajobrazem politycznym w Niemczech w 1914 roku. Uważał, że sztuka może tworzyć równoległość do ruchów kosmosu. Kandinsky próbował przełożyć unikalne doświadczenie synestezji na sztukę wizualną, sugerując wibracje muzyki symfonicznej w użyciu linii i koloru. W abstrakcyjnej kompozycji sugeruje przestrzeń ciała z płynnymi liniami, które wahają się od grubych do cienkich. Linie india ink zawierają chwiejne ruchy, nie pozostawiając żadnej części tej kompozycji ani pewnej. Mniejsze pociągnięcia rozrzucone po całej stronie naśladują formę organiczną, sugerując fakturę trawy lub sceny z natury. Nieunikniona dla oka jest gruba, czarna ukośna linia, centralnie umieszczona na stronie. Służy jako przewodnik po wirze informacji, które Kandinsky chaotycznie rozprasza w tym chwiejnym świecie. Kwestionuje konwencje praktyki artystycznej, próbując przekazać niewidzialne wibracje świata.
Aleksandr Michajłowicz Rodczenko
(rosyjski, 1891 – 1956)
Kompas kompozycja, 1915
długopis i tusz oraz czarny atrament na średnim papierze miękkim, teksturowanym off-white
6 15/16 x 10 5/16 in.
Gift of Thomas P. Whitney (Class of 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.76
Melanie Griffith:
twórczość Aleksandra Rodczenki stworzyła nowe możliwości dla sztuki nowoczesnej. Jego prace po rewolucji rosyjskiej 1917 roku naznaczone są śmiałym stwierdzeniem, że malarstwo umarło, zapoczątkowując nową erę konstruktywizmu. Później znany ze swojej fotografii, był również wykwalifikowanym malarzem abstrakcyjnym, tworzącym prace, które zerwały z tradycyjnymi technikami malarstwa sztalugowego. Jeszcze przed okresem rewolucji I wojny domowej, która wkrótce przekształciła rosyjskie społeczeństwo, Rodczenko zerwał już z tradycyjną sztuką akademicką i wszedł w świat abstrakcji. Jego praca odważnie wykorzystuje technologię projektowania kompasu, aby rozwinąć zabawną ekspresję za pomocą form geometrycznych.
na początku Rodczenko był pod wpływem twórczości Wassily 'ego Kandinsky’ ego. Jednak Sztuka Kandinsky ’ ego, choć abstrakcyjna, kierowała się w stronę źródeł figuratywnych, opierając się na symbolice i psychologii, podczas gdy młodsze pokolenie skupiało się na czysto abstrakcyjnym.
Sekcja 2: zerwanie z Akademią:rysunek i zniekształcenie życia
Oskar Kokoschka
(Austriak, 1887-1980)
Max Reinhardt (Głowa), 1919
Litografia na szarym papierze plecionym
Demensions unvialable
Gift of Priscilla Paine Van der Poel, rocznik 1928
SC 1977:32-169
:
mimo, że jest to litografia, pilne i nieuporządkowane linie w tym druku przywołują na myśl akt szkicowania. Oskar Kokoschka ujął swoim współczesnym, słynnym reżyserem filmowym i teatralnym Maxem Reinhardtem (1863-1943), w stanie pozornego niepokoju. Po zerwaniu ze szkołą Rzemiosła Artystycznego w Wiedniu Kokoschka stał się znany z portretów, które według jego słów „wyczuwa z twarzy, z gry wyrażeń i gestów prawdę o konkretnej osobie.”Kokoschka był dramaturgiem, poetą i artystą wizualnym, ale interesował się także psychologią. Pracując w czasach, gdy wpływowe pisma psychoanalityczne Zygmunta Freuda były szeroko publikowane, Kokoschka wierzył, że „prawda” człowieka istnieje w jego wewnętrznym świecie i starał się ją ujawnić. W tym portrecie Reinhardt ma nieprawdopodobnie okrągłe, asymetryczne oczy i wydłużone, marszczone brwi, które są bardziej wyraziste niż naturalistyczne.
Leonard Baskin
(Amerykanin, 1922 – 2000)
dwaj mężczyźni, 1953
India ink and graphite on buff laid paper
38 1/8 in x 25 1/8 in
Dar Helene B. Black (rocznik 1931)
MH 1988.14.17
Maggie North:
inspirowane kruchością ludzkiej kondycji obrazy Leonarda baskina są często zniekształcone lub zniekształcone. Powiedział kiedyś: „postać ludzka jest obrazem wszystkich ludzi i jednego człowieka-zawiera wszystko i może wyrazić wszystko.”Podobnie jak u dwóch mężczyzn, podejście Baskina do ludzkiego ciała jest oparte na wiedzy o muskulaturze i akademickim badaniu proporcji, ale Baskin łamie akademickie Zasady. W niektórych miejscach silnie zacienione, a w innych słabo zarysowane, jego ciała są porozrzucane ciemnymi, kanciastymi śladami, które mogą przedstawiać żyły lub blizny, a nie gładką, elastyczną skórę. Niepokojące postawy i tajemnicza mimika przedstawianych mężczyzn przyczyniają się do ekspresyjnej jakości linii na tym rysunku. Reprezentowany w licznych muzeach i kolekcjach prywatnych, Baskin jest znany na całym świecie, ale miał również lokalną obecność. Artysta uczył Sztuki w Smith College od 1953 do 1974, następnie w Hampshire College od 1984 do 1994.
Henry Spencer Moore
(Brytyjski, 1898-1986)
Bez tytułu: postacie kobiece, 1956
ołówek, długopis i tusz, kredka i kolorowe pranie
10 15/16 W x 7 1/4 W
Dar Richarda S. Zeislera (rocznik 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 1959.139
Ji-in Jeong:
Henry Moore zajmował się głównie rzeźbą, ale używał rysunku jako środka szybkiego wyrażania pomysłów z nieświadomości. Moore połączył ludzkie postacie i inne obserwacje ze świata przyrody, aby abstrakcyjnie konstruować swoje rysunki, często wykorzystując różne media do renderowania dwuwymiarowych obrazów, które później zostały przełożone na rzeźbę. W Untitled: female Figures artystka tworzy iluzję dzieła rzeźbiarskiego poprzez użycie linii, konturu, koloru i materiałów. Podkreśla niektóre obszary żywym odcieniem koloru, a inne pozostawia białe, bawiąc się pozytywną i negatywną przestrzenią. Aby uzupełnić te lżejsze obszary, Moore nakłada warstwy na różne teksturowane tonacje, od subtelnego cieniowania grafitowego ołówka po surowy czarny tusz używany do renderowania najciemniejszych wykluwanych obszarów. Moore używa linii, by wypchnąć swoje wyobrażone formy w trzeci wymiar. Rysunek służy jako sposób przystępnej i szybkiej ekspresji, który można później przekształcić w formę rzeźbiarską.
Sekcja 3: Myriad Marks
Harvey Quaytman (Amerykanin, 1937-2000)
Cinzano, 1963
ołówek i kredka olejna na papierze
11 1/16 W x 14 W
Dar artysty ku pamięci jego ojca, Marka Quaytmana. University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1963.3
Ji-in Jeong:
Harvey Quaytman był nowojorskim artystą abstrakcji geometrycznej znanym ze swojego charakterystycznego, twardego stylu malarskiego związanego z minimalizmem. Jego twórczość łączy również wyrazisty język z asymetrycznymi kompozycjami i bogatymi obszarami barw. W Cinzano linie o różnych grubościach, kształtach i elastycznościach interpretują geometryczne formy w abstrakcyjnej płaszczyźnie. Tytuł pochodzi od ikonicznego włoskiego wermutu, co sugeruje, że artysta pracował z bezpośredniej obserwacji butelki, aby na nowo zdefiniować tradycyjne konwencje martwego obrazu. Główne linie kompozycyjne są grube i pewne siebie. Linie wtórnie nabazgrane lub wyklute mają bardziej płynny ruch, unosząc się przez sugestię płytkiej przestrzeni. Niektóre linie są tworzone negatywnie przez wymazywanie, podczas gdy inne są grubo nakładane przez cieniowanie, jak widać w prostokątnym bloku po lewej stronie strony.
Barbara Hepworth (Brytyjska, 1903-1975)
Projekt na drewno i struny, Trezion II, 1959
malarstwo, olej, gesso, ołówek na desce
14 7/8 W x 21 1/8 W. Dar Richarda S. Zeislera. Mead Art Museum, Amherst College, AC 1960.1
Juliana Ward:
Barbara Hepworth, uznana na całym świecie brytyjska rzeźbiarka, znana jest ze swoich abstrakcyjnych rzeźb, które przywołują naturę za pomocą linii, kształtu, przestrzeni, faktury i naturalnych materiałów. Ten szkic do rzeźby, projektu na drewno i smyczki, Trezion II, daje wgląd w obsesję Hepworth na punkcie formy, poprzez precyzyjne i niemal matematyczne linie, które stosuje ołówkiem na tonalnym malowanym tle. Te grafitowe linie wychodzą na zewnątrz, tworząc abstrakcyjne kształty, które obracają się i łączą ze sobą, sugerując napięcia trójwymiarowej przestrzeni. Wyklute ukośne linie w centrum najjaśniejszego niebieskiego tonu tworzą punkt zbiegu nawiązujący do tradycji rysowania perspektywicznego. Hepworth odkrywa perspektywiczną przestrzeń poprzez futurystyczną abstrakcję. Wykorzystuje abstrakcyjną linię, aby ponownie zobrazować szkic w tym eterycznym rysunku.
Iwami Reika
(Japoński, ur. 1924)
Bez tytułu „Jazda na łyżwach nad wodą”, 1976
druk, klocek i złoty liść
13 3/4 W x 10 1/16 w.
Gift of Doris Lee and John H. Rich, Jr. Mead Art Museum, Amherst College, AC 2010.31
Juliana Ward:
Iwami Reika, Mistrzyni japońskiej Grafiki, znana jest ze swoich abstrakcyjnych linearnych odniesień do natury. Odkrywa na nowo możliwości linii ekspresyjnej poprzez włączenie znalezionych materiałów do swojego druku. Reika nie tylko polega na własnej ręce do renderowania linii, ale wykorzystuje znalezione Drewno dryfujące, zarówno drukując naturalne ziarno drewna, jak i wykorzystując je jako inspirację dla organicznych linii rysowanych. Jej wyrazisty język linii zaciera podziały między naturalnymi elementami, takimi jak woda, drewno, powietrze i przestrzeń. Pracując w ograniczonej palecie kolorów, Reika pozwala linii, przestrzeni i teksturze wizualnej zająć centralne miejsce. Jej nacisk na ekspresyjną, czasem symboliczną linię czy kształt tworzy powściągliwy dramat, sugerujący świat wewnętrzny filozoficzny lub duchowy. Reika jest również poetą haiku, innej japońskiej tradycji opartej na powściągliwości. Stwierdza: „Haiku jest badaniem dyscypliny. Zmusza do wyeliminowania tego, co nie jest konieczne, dlatego używam go jako ćwiczenia duchowego dla moich odcisków.”
wyrazista linia jako gest
Lee Krasner
(Amerykański, 1908 – 1984)
Seria Podstawowa: złoty kamień, 1969
Litografia kolorowa
22 1/2 in x 30 in.
Dar Roberta Stauba przez Fundację Martina S. Ackermana, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.23
Lee Krasner
(Amerykański, 1908 – 1984)
Podstawowa Seria: Różowy Kamień, 1969
kolorowa litografia
22 1/2 W x 30 po
Dar Roberta Stauba przez Fundację Martina S. Ackermana, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.24
Lee Krasner
(Amerykański, 1908 – 1984)
Seria Podstawowa: Niebieski Kamień,1969
Litografia kolorowa
22 1/2 in x 30 in.
Gift of Robert Staub through the Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.25
Melanie Griffith:
pierwotna Seria Lee Krasnera przedstawia fascynujący rozbryzg koloru na płótnie. Tryptyk opiera się na podstawowych kolorach, ale zastępuje wspólny czerwony, żółty i niebieski bardziej sugestywnymi lub poetyckimi odcieniami. Krasner stała się znana z kolorowych i żywiołowych obrazów, które wyprodukowała po śmierci męża, malarza Jacksona Pollocka, w 1956 roku. Wzmocniona ruchem kobiecym, szła naprzód, tworząc obrazy i Grafiki słynące z dynamicznej i barwnej ekspresji. Eksperymentowała z szeroką gamą różnych technik nakładania koloru na płótno i papier. W tej trzyczęściowej serii Krasner oddaje hołd obrazom kroplowym Pollocka, eksperymentując z przezroczystością i nieprzezroczystością uzyskaną poprzez zmianę grubości tuszu litograficznego przed wydrukowaniem każdego obrazu w wybranym przez nią kolorze.
Joan Mitchell
(Amerykańska, 1926-1992)
Sides of a River I, z serii Bedford, 1981
Litografia drukowana na kolorowym papierze
42 x 32 w.
Gift of Lois Perelson-Gross, class of 1983, and Stewart Gross in honor of Janice Carlson Oresman, class of 1955, on the occasion of her 50th reunion
SC 2005:12-1
Maggie North:
Joan Mitchell była jedną z niewielu artystek, które włamały się do zdominowanej przez mężczyzn amerykańskiej grupy ekspresjonistów abstrakcyjnych w latach 50. Chociaż jest znana ze swoich dużych, kolorowych obrazów akcji, Mitchell posługiwała się również pastelami i była znakomitym grafikiem. Na początku Glace jej ślady mogą wydawać się nieplanowane, ale niezwykła dbałość o zrównoważone Schematy kolorystyczne i relacje figure-ground, które zwykle leżą u podstaw gestu Mitchella. W 1981 Mitchell ściśle współpracował ze znanym drukarzem Kennethem Tylerem, aby stworzyć serię dziesięciu dużych litografii, w tym tę. Seria została zatytułowana „Bedford Series”, po lokalizacji warsztatów w Bedford Village w Nowym Jorku. Rozproszone, kredowe, pół-pionowe znaki wypełniają środek kompozycji, stają się ciemniejsze i bardziej skondensowane na górze i na dole papieru. Skompresowane linie Mitchella są prawie kaligraficzne. Podobnie jak nieczytelne podpisy, jednocześnie prowokują spekulacje i ukrywają swoje ekspresyjne znaczenie.