Melanie Griffith, Ji-In Jeong, Maggie North, and Juliana Ward
Curatorial Statement
Direct and accessible, drawing more than any other medium offers a window into the artist’s process. A linha traçada ecoa o movimento da mão, e parece, por extensão, traçar os significados dos pensamentos do artista. Como um fantasma de um sentimento passageiro, memória ou movimento, a linha expressiva parece urgente, essencial, gestual e privada. No século XX, artistas expressionistas e expressionistas abstratos rejeitaram a rígida hierarquia e o estilo naturalista de desenho promovido pela academia e abraçaram imagens experimentais que desafiavam a estética e os materiais tradicionais do desenho. Esta exposição explora desenhos de artistas modernos e contemporâneos que criaram uma nova linguagem expressiva baseada em linhas. Estas linhas inovadoras chegaram em muitas formas, como é evidente na variedade de técnicas de fabricação de marcas, materiais e formas que compõem os trabalhos em vista. Estes artistas usaram a linha expressiva como um código para significar uma variedade de significados, que vão desde a observação ao pessoal e político. Nesta exposição, a linha expressiva transforma-se e transcende, para falar além dos fundamentos privados e convencionais do desenho. usando a linha expressiva, estes artistas empregaram novas técnicas e conceitos, expandindo assim a definição de desenho. Quando colocados em seu contexto histórico, os trabalhos desta exposição reivindicam linha como uma ferramenta expressiva, repensando seu uso acadêmico. A Política pessoal e cultural tornou-se essencial para artistas contemporâneos que ainda estão experimentando, reinventando e apropriando-se da linha expressiva. O desenho expressivo na nossa era contemporânea desafia os nossos valores, resiste à opressão e exprime-se para além das convenções.
organização da exposição
Esta exposição será dividida em quatro secções. A primeira seção, modos e métodos Espressionistas explora a tensão entre dois gigantes da abstração moderna: Wassily Kandinsky e Aleksandr Mikhailovich Rodchenko. Ambos os artistas estavam interessados em uma estética radicalmente nova que pudesse expressar as ideias da era moderna, mas os dois discordaram sobre seus métodos e intenções. Enquanto as abstrações fluidas de Kandinsky foram inspiradas pela música ou natureza, Rodchenko usou ferramentas, como a bússola, para criar composições geométricas puramente não objetivas. A segunda seção, desenho de vida e distorção, explora a forma como as linhas codificadas desempenham um papel em desenhos de vida semi-figururais e expressivos. Muitos artistas usaram o gesto e a distorção para retratar uma versão do corpo que é informado, mas rompe com a tradição acadêmica. Os artistas representados neste grupo visavam mover-se para além da superfície das imagens figurais, aprofundando-se na psicologia humana e na imaginação. A obra de arte na miríade marca a linha entre formas reconhecíveis e irreconhecíveis. Apresenta uma variedade de linhas, tanto orgânicas quanto geométricas, que revelam e escondem seus significados. A exposição termina com o trabalho de um artista expressionista abstrato americano que se inspirou em emoções e materiais ao invés da natureza.
Checklist and Wall Labels
Section 1: Expressionist Modes and Methods
Wassily Kandinsky
(Russian, 1866-1944)
Abstract Composition, 1916
India ink, pencil on sketchbook paper
13 1/2 x 10 in.; 34.3 x 25.4 cm
Gift of Thomas P. Whitney (Class of 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.104 Ji-In Jeong:Wassily Kandinsky foi um teórico russo e pioneiro do movimento expressionista alemão. Ele foi profundamente afetado pela paisagem política militarizada e nacionalista na Alemanha em 1914. Ele acreditava que a arte poderia criar um paralelo aos movimentos do cosmos. Kandinsky tentou traduzir a experiência única da sinestesia para a arte visual, sugerindo as vibrações da música sinfônica em seu uso da linha e da cor. Em Composição abstrata, ele sugere um espaço corporal com linhas de fluido que variam de espessura e espessura. As linhas de tinta da Índia contêm movimentos tremidos, não deixando nenhuma parte desta composição ainda ou certo. Os traços menores espalhados por toda a página imitam uma forma orgânica, sugerindo a textura da grama ou cenas da natureza. Inevitável para o olho é a linha diagonal grossa, preta, lugar central na página. Serve como um guia para o turbilhão de informações que Kandinsky caoticamente dispersa dentro deste mundo instável. Ele desafia as convenções da prática artística, tentando transmitir as vibrações invisíveis do mundo.
Aleksandr Mikhailovich Rodchenko
(Russian, 1891 – 1956)
Compass Composition, 1915
Pen and ink and black ink on medium weight soft, textured off-white paper
6 15/16 x 10 5/16 in.
Gift of Thomas P. Whitney(Class of 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.76
Melanie Griffith:
Aleksandr Rodchenko’s artwork created new possibilities for modern art. Suas peças após a Revolução Russa de 1917 estão marcadas com a declaração ousada de que a pintura estava morta, inaugurando uma nova era de construtivismo. Mais tarde conhecido por sua fotografia, Ele também foi um pintor abstrato hábil, produzindo trabalhos que romperam com as técnicas tradicionais da pintura do cavalete. Mesmo antes do período da Revolução e da guerra civil que em breve reformularia a sociedade russa, Rodchenko já havia rompido com a arte acadêmica tradicional e entrou no mundo da abstração. Sua peça corajosamente usa a tecnologia de design da bússola para desenvolver uma expressão lúdica usando formas geométricas.no início, Rodchenko foi influenciado pelas obras de Wassily Kandinsky. Mas a arte de Kandinsky, embora abstrata, tendeu a apontar para Fontes figurativas, confiando no simbolismo e na psicologia, enquanto a geração mais jovem se concentrava no puramente abstrato.
Seção 2: a Ruptura com a Academia:a Vida de Desenho e Distorção
Oskar Kokoschka
(Austríaco, 1887-1980)
Max Reinhardt (Cabeça), de 1919
Litografia em cinza teceu papel
Demensions unavialable
Dom de Priscila Paine Van der Poel, de classe, de 1928
SC 1977:32-169
Maggie Norte:
embora seja uma litografia, as linhas urgentes e desordenadas nesta impressão chamam a atenção para o ato de esboçar. Com marcas erráticas, Oskar Kokoschka capturou seu contemporâneo, o famoso diretor de cinema e Teatro Max Reinhardt (1863-1943), em um estado de aparente ansiedade. Depois de romper com a Escola de Artes e Ofícios de Viena, Kokoschka ficou conhecido por retratos que, em suas palavras, “intuit from the face, from its play of expressions, and from gestures, the truth about a particular person. Kokoschka foi dramaturgo, poeta e artista visual, mas também se interessou por Psicologia. Trabalhando em uma época em que influentes escritos psicanalíticos de Sigmund Freud foram amplamente publicados, Kokoschka acreditava que a “verdade” de uma pessoa existia em seu mundo interior e procurou expô-la. Neste Retrato, os olhos assimétricos e alongados de Reinhardt são expressivos e não naturalistas.
Leonard Baskin
(Americano, 1922 – 2000)
Dois Homens, de 1953
nanquim e grafite no lustre papel vergê
38 1/8 x 25 1/8
Dom de Helene B. Preto (classe de 1931)
MH 1988.14.17
Maggie Norte:
Inspirado pela fragilidade da condição humana, Leonard Baskin as representações da figura humana é muitas vezes distorcida ou desfigurado. Ele afirmou uma vez: “a figura humana é a imagem de todos os homens e de um homem—ela contém tudo e pode expressar tudo. Como em dois homens, a abordagem de Baskin ao corpo humano é informada pelo conhecimento da musculatura e o estudo acadêmico da proporção, mas Baskin quebra as regras acadêmicas. Fortemente sombreado em algumas áreas e escassamente esboçado em outras, seus corpos estão espalhados com marcas escuras, angulares que podem representar veias ou cicatrizes em vez de pele macia e macia. As posturas inquietantes e as misteriosas expressões faciais dos homens retratados contribuem para a qualidade expressiva da linha neste desenho. Representado em vários museus e coleções privadas, Baskin é conhecido internacionalmente, mas também teve uma presença local. O artista ensinou arte no Smith College de 1953 — 1974, depois no Hampshire College de 1984 — 1994.
Henry Spencer Moore
(Britânico, 1898-1986)
sem Título: Figuras Femininas, 1956
Lápis, caneta e tinta, giz de cera e de cor lavar
10 15/16 x 7 1/4
Dom de Richard S. Zeisler (Classe de 1937)
Mead Museu de Arte, Amherst College, AC 1959.139
Ji-Jeong:Henry Moore trabalhou principalmente em escultura, mas usou o desenho como um meio de expressar ideias rapidamente de seu inconsciente. Moore misturou figuras humanas e outras observações do mundo natural para construir abstratamente seus desenhos, muitas vezes empregando uma variedade de médiuns para produzir imagens bidimensionais que mais tarde seriam traduzidas em escultura. Em Sem Título: figuras femininas, o artista cria a ilusão de uma obra escultural através do uso de linha, contorno, cor e materiais. Ele destaca certas áreas com uma vibrante Lavagem de cor e deixa outras brancas, brincando com espaço positivo e negativo. Para complementar essas áreas mais leves, camadas Moore em uma variedade de tonalidades texturizadas, desde o sombreamento sutil do lápis de grafite até a tinta preta stark usada para renderizar as áreas eclodidas mais escuras. Moore usa a linha para empurrar suas formas imaginárias para uma terceira dimensão. O desenho serve como um modo de expressão acessível e rápida que mais tarde pode ser processado em uma forma escultural.
Secção 3: Myriad Marks
Harvey Quaytman (American, 1937-2000)
Cinzano, 1963
lápis e cera de óleo em papel
11 1/16 in x 14 in
Gift of the artist in memory of his father, Mark Quaytman. University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, um 1963.3
Ji-In Jeong:
Harvey Quaytman foi um artista abstrato geométrico de Nova Iorque conhecido por seu estilo de pintura de gume duro relacionado ao minimalismo. Seu trabalho também combina uma linguagem expressiva com composições assimétricas e ricas áreas de cores. Em Cinzano, linhas de espessuras variáveis, formas e flexibilidades interpretam formas geométricas dentro de um plano abstrato. O título vem de um emblemático Vermute italiano, sugerindo que o artista trabalhou a partir de uma observação direta da garrafa, a fim de redefinir as convenções tradicionais de uma imagem imóvel. As principais linhas de composição são grossas e confiantes. Linhas recortadas ou nascidas secundárias têm um movimento mais fluido para elas, flutuando através de uma sugestão de espaço raso. Algumas linhas são criadas negativamente pelo apagamento, enquanto outras são aplicadas grosseiramente através de sombreamento pesado com as mãos, como visto no bloco retangular no lado esquerdo da página.
Barbara Hepworth (British, 1903-1975)
Project for Wood and Strings, Trezion II, 1959
Painting, oil, gesso, pencil on board
14 7/8 in x 21 1/8 in. Presente de Richard S. Zeisler. Mead Art Museum, Amherst College, AC 1960.1
Juliana Ward:Barbara Hepworth, uma escultora Britânica reconhecida internacionalmente, é conhecida por suas esculturas abstratas que evocam a natureza usando linha, forma, espaço, textura e materiais naturais. Este esboço para uma escultura, projeto para madeira e cordas, Trezion II, fornece um vislumbre da obsessão de Hepworth com a forma, através das linhas precisas e quase matemáticas que ela emprega a lápis sobre um fundo tonal pintado. Estas linhas de grafite surgem para criar formas abstratas enquanto rodam e se ligam umas às outras, sugerindo tensões do espaço tridimensional. As linhas diagonais nascidas no centro do tom azul mais brilhante criam um ponto de desaparecimento aludindo à tradição do desenho de perspectiva. Hepworth reinventa o espaço perspectival através da abstração futurista. Ela utiliza uma linha abstrata para re-visualizar o esboço neste desenho etéreo.
Iwami Reika
(Japonês, B. 1924)
Sem Título “Skating by the Water”, 1976
Print, woodblock and gold leaf
13 3/4 in x 10 1/16 in.
Gift of Doris Lee and John H. Rich, Jr. Mead Art Museum, Amherst College, AC 2010.31
Juliana Ward:
Iwami Reika, uma mestre em japonês, é conhecida por suas evocações lineares abstratas da natureza. Ela reinventa as capacidades da linha expressiva através da incorporação de materiais encontrados em sua impressão. Reika não só depende de sua própria mão para desenhar linha, mas usa madeira seca encontrada, tanto imprimir o grão de madeira natural e usá-lo como inspiração para linhas desenhadas orgânicas. Sua expressiva linguagem de linha mancha as divisões entre os elementos naturais, como água, madeira, ar e espaço. Trabalhando em uma paleta de cores limitadas, Reika permite linha, espaço e textura visual para tomar o centro do palco. Sua ênfase na linha ou forma expressiva e às vezes simbólica cria um drama contido, sugerindo um mundo interior filosófico ou espiritual. Reika é também um poeta de haiku, outra tradição japonesa baseada na contenção. Ela afirma: “Haiku é um estudo disciplinar. Obriga-nos a eliminar o que não é necessário, e é por isso que o uso como exercício espiritual para as minhas impressões digitais.”
A Linha expressiva como gesto
Lee Krasner
(American, 1908 – 1984)
Primary Series: Gold Stone, 1969
Color lithograph
22 1/2 in x 30 in.
Dom de Robert Staub, através de Martin S. Ackerman Fundação, Museu Universitário de Arte Contemporânea da Universidade de Massachusetts, Amherst, UM 1979.23
Lee Krasner
(Americano, 1908 – 1984)
Série Principal: cor-de-Rosa de Pedra, de 1969
Cor litografia
22 de 1/2 ” x 30.
Gift of Robert Staub through the Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, um 1979.24
Lee Krasner
(American, 1908 – 1984)
Primary Series: Blue Stone, 1969
Color lithograph
22 1/2 in x 30 in.
Gift of Robert Staub through the Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, um 1979.25
Melanie Griffith:
Lee Krasner’s Primary Series presents a compelling spatter of color on canvas. O tríptico é baseado nas cores primárias, mas substitui o vermelho comum, amarelo e azul com tons mais sugestivos ou poéticos. Krasner ficou conhecida pelas pinturas coloridas e exuberantes que ela produziu após a morte de seu marido, o pintor Jackson Pollock, em 1956. Fortalecida pelo movimento das mulheres, ela avançou, criando pinturas e gravuras renomadas por sua expressão dinâmica e colorida. Ela experimentou uma ampla gama de diferentes técnicas de colocar cor em tela e papel. Nesta série de três partes, Krasner presta homenagem às pinturas de Pollock, experimentando com transparência e opacidade conseguidas variando a espessura da tinta litográfica antes de imprimir cada imagem em sua cor escolhida.
Joan Mitchell
(Americano, 1926-1992)
Lados de um Rio, de Bedford Série, 1981
Litografia impressa em papel de cor
42 x 32.
Dom de Lois Perelson-Bruto, classe de 1983, e Stewart Bruto em honra de Janice Carlson Oresman, classe de 1955, por ocasião do seu 50º reunião
SC 2005:12-1
Maggie Norte:
Joan Mitchell foi um de apenas um punhado de artistas do sexo feminino para dividir no masculino dominou Expressionista Abstrato grupo na década de 1950. Apesar de ser celebrada por suas grandes pinturas coloridas, Mitchell também usou pastel e foi um grande impressorista. Em primeiro lugar, suas marcas podem parecer não planejadas, mas uma atenção extraordinária para esquemas de cores equilibrados e a relação figura-Solo tipicamente subjacente às obras gestuais de Mitchell. Em 1981, Mitchell trabalhou de perto com o renomado impressor Kenneth Tyler para criar uma série de Dez grandes litografias, incluindo esta. A série foi intitulada “Bedford Series”, após a localização da oficina em Bedford Village, Nova Iorque. As marcas espalhadas, chalky, semi-verticais preenchem o centro da composição, tornando-se mais escuras e mais condensadas no topo e no fundo do papel. As linhas comprimidas do Mitchell são quase caligráficas. Como assinaturas ilegíveis, simultaneamente convidam a especulação e escondem o seu significado expressivo.