Melanie Griffith, Ji-in Jeong, Maggie North och Juliana Ward
Curatorial Statement
Direkt och tillgängligt, ritning mer än något annat medium erbjuder ett fönster i konstnärens process. Den dragna linjen ekar handens rörelse och verkar i förlängningen spåra slingringarna i konstnärens tankar. Som ett spöke av en övergående känsla, minne eller rörelse verkar den uttrycksfulla linjen brådskande, väsentlig, gestural och privat. På 20-talet avvisade expressionistiska och abstrakta expressionistiska konstnärer den styva hierarkin och naturalistiska ritstilen som främjades av akademin och omfamnade experimentella bilder som utmanade traditionell ritningsestetik och material. Denna utställning utforskar teckningar av moderna och samtida konstnärer som skapade ett nytt, uttrycksfullt linjebaserat språk. Dessa innovativa linjer kom i många former, vilket framgår av de olika märkningstekniker, material och former som utgör verken på vyn. Dessa konstnärer använde den uttrycksfulla linjen som en kod för att beteckna en mängd olika betydelser, allt från observations till det personliga och politiska. I denna utställning förvandlas och transcenderar den uttrycksfulla linjen, för att tala bortom de privata och konventionella grunderna för ritning.
med hjälp av den uttrycksfulla linjen använde dessa konstnärer nya tekniker och begrepp och utvidgade därmed definitionen av ritning. När de placeras i sitt historiska sammanhang hävdar verken i denna utställning linje som ett uttrycksfullt verktyg och omprövar dess akademiska användning. Det personliga och kulturella politiken har blivit avgörande för samtida konstnärer som fortfarande experimenterar med, återuppfinner och tillägnar sig den uttrycksfulla linjen. Expressiv ritning i vår samtida era utmanar våra värderingar, motstår förtryck och uttrycker bortom konventioner.
organisation av utställningen
denna utställning kommer att delas in i fyra sektioner. Det första avsnittet, Espressionistiska lägen och metoder utforskar spänningen mellan två jättar av modern abstraktion: Wassily Kandinsky och Aleksandr Mikhailovich Rodchenko. Båda konstnärerna var intresserade av en radikalt ny estetik som kunde uttrycka den moderna tidens tankar, men de två var oense om deras metoder och avsikter. Medan Kandinskys flytande abstraktioner inspirerades av musik eller natur, använde Rodchenko verktyg, som kompassen, för att skapa rent icke-objektiva, geometriska kompositioner. Det andra avsnittet, Livsteckning och förvrängning, utforskar hur kodade linjer spelar en roll i halvfigurala, uttrycksfulla livsteckningar. Många konstnärer använde gest och distorsion för att skildra en version av kroppen som informeras av, men bryter med akademisk tradition. Konstnärerna representerade i denna gruppering syftade till att flytta bortom ytan av figurbilder, fördjupa sig i mänsklig psykologi och fantasi. Konstverket i Myriad markerar gränsen mellan igenkännliga och oigenkännliga former. Den presenterar en mängd olika linjer, både organiska och geometriska, som både avslöjar och döljer deras betydelser. Utställningen avslutas med verk av amerikansk Abstrakt expressionistisk konstnär som hämtade inspiration från känslor och material snarare än från naturen.
checklista och Väggetiketter
avsnitt 1: expressionistiska lägen och metoder
Wassily Kandinsky
(ryska, 1866-1944)
Abstrakt komposition, 1916
Indien bläck, penna på skissbokspapper
13 1/2 x 10 tum.; 34,3 x 25,4 cm
gåva av Thomas P. Whitney (klass 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.104
Ji-in Jeong:Wassily Kandinsky var en ryskfödd teoretiker och pionjär inom den tyska Expressioniströrelsen. Han påverkades djupt av det militariserade och nationalistiska politiska landskapet i Tyskland 1914. Han trodde att konst kunde skapa en parallell med kosmos rörelser. Kandinsky försökte översätta den unika upplevelsen av synestesi till bildkonst, vilket tyder på vibrationer av symfonisk musik i hans användning av linje och färg. I abstrakt komposition föreslår han ett kroppsligt utrymme med flytande linjer som sträcker sig från tjockt och tunt. Indien bläck linjer innehåller skakiga rörelser, lämnar ingen del av denna komposition fortfarande eller vissa. De mindre streck spridda över hela sidan efterliknar en organisk form, vilket tyder på gräsens struktur eller scener från naturen. Oundviklig för ögat är den tjocka, svarta diagonala linjen, centralt placerad på sidan. Det fungerar som en guide till virvelvinden av information som Kandinsky kaotiskt sprider inom denna skakiga Värld. Han utmanar konventionerna för konstnärlig praxis genom att försöka förmedla världens osynliga vibrationer.
Aleksandr Mikhailovich Rodchenko
(ryska, 1891-1956)
kompass sammansättning, 1915
penna och bläck och svart bläck på medium vikt mjuk, texturerat off-white papper
6 15/16 x 10 5/16 i.
gåva av Thomas P. Whitney(klass 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.76
Melanie Griffith:
Aleksandr Rodchenko konstverk skapade nya möjligheter för modern konst. Hans verk efter den ryska revolutionen 1917 är markerade med det djärva uttalandet att målningen var död och inledde en ny era av konstruktivism. Senare känd för sin fotografering var han också en skicklig abstrakt målare och producerade verk som bröt med de traditionella teknikerna för stafflimålning. Redan före Revolutionens och inbördeskrigets period som snart skulle omforma det ryska samhället hade Rodchenko redan brutit med traditionell akademisk konst och gått in i abstraktionens Värld. Hans verk använder djärvt kompassens designteknik för att utveckla ett lekfullt uttryck med geometriska former.
i början påverkades Rodchenko av Wassily Kandinskys verk. Men Kandinskys konst, även om den var abstrakt, tenderade att peka tillbaka mot figurativa källor och förlita sig på symbolik och psykologi, medan den yngre generationen fokuserade på det rent abstrakta.
avsnitt 2: bryta med akademin:Livsteckning och distorsion
Oskar Kokoschka
(österrikisk, 1887-1980)
Max Reinhardt (Huvud), 1919
Litografi på grå vävd papper
Demensioner unavialable
gåva av Priscilla Paine Van der Poel, klass av 1928
SC 1977:32-169
Maggie North:
Även om det är en litografi, uppmanar de brådskande och oordnade linjerna i detta tryck att tänka på skissen. Med oregelbundna märken har Oskar Kokoschka fångat sin samtida, den berömda film-och teaterregissören Max Reinhardt (1863-1943), i ett tillstånd av uppenbar ångest. Efter att ha brutit med Konsthögskolan i Wien blev Kokoschka känd för porträtt som i hans ord ”intuit från ansiktet, från dess uttrycksspel och från gester, sanningen om en viss person.”Kokoschka var dramatiker, poet och bildkonstnär, men han var också intresserad av psykologi. Arbeta i en tid då inflytelserika psykoanalytiska skrifter av Sigmund Freud publicerades i stor utsträckning, trodde Kokoschka att en persons ”sanning” fanns i sin inre värld och försökte avslöja den. I detta porträtt är Reinhardts omöjligt runda, asymmetriska ögon och långsträckta, furade ögonbryn uttrycksfulla snarare än naturalistiska.
Leonard Baskin
(amerikansk, 1922 – 2000)
Två män, 1953
Indien bläck och grafit på buff som papper
38 1/8 i x 25 1/8 i
gåva av Helene B. Svart (klass 1931)
MH 1988.14.17
Maggie North:
inspirerat av bräckligheten i det mänskliga tillståndet, är Leonard Baskins skildringar av den mänskliga figuren ofta förvrängda eller disfigured. Han sa en gång: ”den mänskliga figuren är bilden av alla människor och av en man—den innehåller allt och kan uttrycka allt.”Som hos två män informeras Baskins inställning till människokroppen av kunskap om muskulatur och den akademiska studien av proportioner, men Baskin bryter mot de akademiska reglerna. Kraftigt skuggade i vissa områden och glest skissade i andra, hans kroppar är utspridda med mörka, kantiga märken som kan representera vener eller ärr snarare än slät, smidig hud. De oroande ställningarna och mystiska ansiktsuttryck hos de avbildade männen bidrar till den uttrycksfulla kvaliteten på linjen i denna ritning. Representerad i många museer och privata samlingar, Baskin är känd internationellt, men han hade också en lokal närvaro. Konstnären undervisade konst vid Smith College från 1953-1974, sedan vid Hampshire College från 1984-1994.
Henry Spencer Moore
(Brittisk, 1898-1986)
Untitled: kvinnliga figurer, 1956
penna, penna och bläck, krita och färgad tvätt
10 15/16 i x 7 1/4 i
gåva av Richard S. Zeisler (klass 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, ac 1959.139
ji-in Jeong:Henry Moore arbetade främst i skulptur, men använde teckning som ett sätt att snabbt uttrycka tankar från sitt omedvetna. Moore blandade mänskliga figurer och andra observationer från den naturliga världen för att Abstrakt konstruera sina ritningar och använde ofta en mängd olika medier för att göra tvådimensionella bilder som senare skulle översättas till skulptur. I Untitled: Female Figures skapar konstnären illusionen av ett skulpturellt arbete genom användning av linje, kontur, färg och material. Han belyser vissa områden med en livlig färgtvätt och lämnar andra vita och leker med positivt och negativt utrymme. För att komplettera dessa lättare områden, Moore lager på en mängd olika texturerade tonaliteter, från den subtila skuggning av grafit penna till skarp svart bläck som används för att göra de mörkaste kläckta områden. Moore använder line för att driva sina föreställda former till en tredje dimension. Ritning fungerar som ett sätt för tillgängligt och snabbt uttryck som senare kan bearbetas till en skulpturell form.
avsnitt 3: Myriad märken
Harvey Quaytman (amerikansk, 1937-2000)
Cinzano, 1963
penna och olja krita på papper
11 1/16 i x 14 i
gåva av konstnären till minne av sin far, Mark Quaytman. University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1963.3
Ji-in Jeong:
Harvey Quaytman var en New York-baserad geometrisk abstrakt konstnär känd för sin signatur hårdkantade målningsstil relaterad till Minimalism. Hans arbete kombinerar också ett uttrycksfullt språk med asymmetriska kompositioner och rika färger. I Cinzano tolkar linjer med varierande tjocklekar, former och flexibiliteter geometriska former inom ett abstrakt plan. Titeln kommer från en ikonisk italiensk vermouth, vilket tyder på att konstnären arbetade från en direkt observation av flaskan för att omdefiniera de traditionella konventionerna för en stillebenbild. De viktigaste kompositionslinjerna är tjocka och självsäkra. Sekundära klottrade eller kläckta linjer har en mer flytande rörelse till dem, flytande genom ett förslag på Grunt utrymme. Vissa linjer skapas negativt genom att radera, medan andra appliceras tjockt genom kraftig skuggning, vilket ses i det rektangulära blocket på vänster sida av sidan.
Barbara Hepworth (Brittisk, 1903-1975)
projekt för trä och strängar, Trezion II, 1959
målning, olja, gesso, penna ombord
14 7/8 i x 21 1/8 i. Gåva av Richard S. Zeisler. Mead Art Museum, Amherst College, AC 1960.1
Juliana Ward:Barbara Hepworth, en internationellt erkänd brittisk skulptör, är känd för sina abstrakta skulpturer som framkallar naturen med linje, form, rymd, textur och naturmaterial. Denna skiss för en skulptur, projekt för trä och strängar, Trezion II, ger en inblick i Hepworths besatthet av form, genom de exakta och nästan matematiska linjerna som hon använder i blyertspenna över en tonmålad bakgrund. Dessa grafitlinjer kommer fram för att skapa abstrakta former när de roterar och fäster vid varandra, vilket tyder på spänningar i tredimensionellt utrymme. De kläckta diagonala linjerna i mitten av den ljusaste blå tonen skapar en försvinnande punkt som hänvisar till traditionen med perspektivritning. Hepworth återuppfinner perspektivutrymme genom futuristisk abstraktion. Hon använder abstrakt linje för att föreställa sig skissen i denna eteriska ritning.
Iwami Reika
(japanska, f.1924)
Untitled ”Skating by the Water”, 1976
Tryck, träblock och bladguld
13 3/4 i x 10 1/16 i.
gåva av Doris Lee och John H. Rich, Jr. Mead Art Museum, Amherst College, AC 2010.31
Juliana Ward:
Iwami Reika, en mästare Japansk printmaker, är känd för sina abstrakta linjära framkallningar av naturen. Hon uppfinner förmågan hos den uttrycksfulla linjen genom att införliva hittade material i sitt tryck. Reika inte bara förlitar sig på sin egen hand för att göra linje men använder hittade drivved, både skriva ut den naturliga träfibrerna och använda den som inspiration för organiska ritade linjer. Hennes uttrycksfulla linjespråk suddar ut uppdelningen mellan naturliga element som vatten, trä, luft och rymd. Genom att arbeta i en begränsad färgpalett tillåter Reika linje, utrymme och visuell struktur att stå i centrum. Hennes betoning på den uttrycksfulla och ibland symboliska linjen eller formen skapar ett begränsat drama som föreslår en filosofisk eller andlig inre värld. Reika är också en poet av haiku, en annan japansk tradition baserad på återhållsamhet. Hon säger, ” Haiku är en disciplinstudie. Det tvingar en att eliminera det som inte är nödvändigt, och det är därför jag använder det som en andlig övning för mina tryck.”
den uttrycksfulla linjen som gest
Lee Krasner
(amerikansk, 1908 – 1984)
primär serie: guldsten, 1969
färglitografi
22 1/2 i x 30 tum.
gåva av Robert Staub genom Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.23
Lee Krasner
(amerikansk, 1908 – 1984)
primär serie: rosa sten, 1969
färglitografi
22 1/2 i x 30 in.
gåva av Robert Staub genom Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.24
Lee Krasner
(amerikansk, 1908 – 1984)
primär serie: Blå sten, 1969
färg litografi
22 1/2 i x 30 i.Robert Staubs gåva genom Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.25
Melanie Griffith: Lee Krasners primära serie presenterar en övertygande färgstänk på duk. Triptyken är baserad på primärfärgerna, men ersätter det vanliga röda, gula och blåa med mer suggestiva eller poetiska nyanser. Krasner blev känd för de färgglada och sprudlande målningarna som hon producerade efter sin mans död, målaren Jackson Pollock, 1956. Bemyndigad av kvinnorörelsen laddade hon framåt och skapade målningar och tryck kända för sitt dynamiska och färgstarka uttryck. Hon experimenterade med ett brett spektrum av olika tekniker för att sätta färg ner på duk och papper. I denna tredelade serie hyllar Krasner Pollocks droppmålningar och experimenterar med transparens och opacitet som uppnås genom att variera tjockleken på litografbläcket innan hon skriver ut varje bild i sin valda färg.
Joan Mitchell
(amerikansk, 1926-1992)
sidor av en flod I, Från Bedford-serien, 1981
litografi tryckt på färgpapper
42 x 32 tum.
gåva av Lois Perelson-Gross, klass 1983, och Stewart Gross för att hedra Janice Carlson Oresman, klass 1955, i samband med hennes 50:e Återförening
SC 2005: 12-1
Maggie North:
Joan Mitchell var en av endast en handfull kvinnliga konstnärer att bryta sig in i mansdominerade amerikanska Abstrakt Expressionist grupp på 1950-talet. Även om hon firas för sin stora, färgstarka, action målningar, Mitchell använde också pastell och var en skicklig grafiker. Vid första glace kan hennes märken verka oplanerade, men extraordinär uppmärksamhet på balanserade färgscheman och förhållandet mellan figur och mark ligger vanligtvis till grund för Mitchells gesturala verk. 1981 arbetade Mitchell nära med den kända skrivaren Kenneth Tyler för att skapa en serie med tio stora litografier, inklusive den här. Serien fick titeln ”Bedford Series”, efter verkstadens plats i Bedford Village, New York. Spridda, kritiga, halv vertikala märken fyller mitten av kompositionen, blir mörkare och mer kondenserade på toppen och botten av papperet. Mitchells komprimerade linjer är nästan kalligrafiska. Liksom oläsliga signaturer bjuder de samtidigt på spekulationer och döljer sin uttrycksfulla mening.