Melanie Griffith, Ji-in Jeong, Maggie North și Juliana Ward
declarație curatorială
directă și accesibilă, desenarea mai mult decât orice alt mediu oferă o fereastră în procesul artistului. Linia trasată răsună mișcarea mâinii și pare, prin extensie, să urmărească meandrele gândurilor artistului. Ca o fantomă a unui sentiment trecător, memorie sau mișcare, linia expresivă apare urgentă, esențială, gestuală și privată. În secolul 20, artiștii expresioniști și abstracți au respins ierarhia rigidă și stilul de desen naturalist promovat de academie și au îmbrățișat imagini experimentale care au contestat estetica și materialele tradiționale de desen. Această expoziție explorează desene ale artiștilor moderni și contemporani care au creat un limbaj nou, expresiv, bazat pe linii. Aceste linii inovatoare au ajuns în multe forme, așa cum este evident în varietatea tehnicilor, materialelor și formelor de marcare care alcătuiesc lucrările la vedere. Acești artiști au folosit linia expresivă ca un cod pentru a semnifica o varietate de semnificații, variind de la observațional la personal și politic. În această expoziție, linia expresivă se transformă și transcende, pentru a vorbi dincolo de fundamentele private și convenționale ale desenului.
folosind linia expresivă, acești artiști au folosit noi tehnici și concepte și, prin urmare, au extins definiția desenului. Când sunt plasate în contextul lor istoric, lucrările din această expoziție revendică linia ca un instrument expresiv, regândind utilizarea sa academică. Politica personală și culturală a devenit esențială pentru artiștii contemporani care încă experimentează, reinventează și își însușesc linia expresivă. Desenul expresiv în epoca noastră contemporană ne provoacă valorile, rezistă opresiunii și se exprimă dincolo de convenții.
organizarea expoziției
această expoziție va fi împărțită în patru secțiuni. Prima secțiune, moduri și metode Espresioniste explorează tensiunea dintre doi giganți ai abstractizării moderne: Wassily Kandinsky și Aleksandr Mikhailovich Rodchenko. Ambii artiști erau interesați de o estetică radical nouă care să poată exprima ideile epocii moderne, totuși cei doi nu erau de acord cu metodele și intențiile lor. În timp ce abstracțiile fluide ale lui Kandinsky au fost inspirate de muzică sau natură, Rodchenko a folosit instrumente, cum ar fi busola, pentru a crea compoziții geometrice pur obiective. A doua secțiune, Life Drawing and Distortion, explorează modul în care liniile codificate joacă un rol în desenele de viață semi-figurale, expresive. Mulți artiști au folosit gestul și distorsiunea pentru a descrie o versiune a corpului care este informată de, dar încalcă tradiția academică. Artiștii reprezentați în această grupare și-au propus să treacă dincolo de suprafața imaginilor figurale, aprofundând psihologia și imaginația umană. Opera de arta in Myriad Marks degetele de la picioare linia dintre formele de recunoscut și de nerecunoscut. Prezintă o varietate de linii, atât organice, cât și geometrice, care dezvăluie și ascund semnificațiile lor. Expoziția se încheie cu lucrări ale artistului expresionist Abstract american care s-a inspirat mai degrabă din emoții și materiale decât din natură.
Lista de verificare și etichete de perete
Secțiunea 1: moduri și metode expresioniste
Wassily Kandinsky
(rusă, 1866-1944)
compoziție abstractă, 1916
India cerneală, creion pe hârtie sketchbook
13 1/2 x 10 în.; 34.3 x 25.4 cm
cadou de Thomas P. Whitney (clasa de 1937)
Muzeul de arta Mead, Colegiul Amherst, AC 2001.104
Ji-în Jeong:Wassily Kandinsky a fost un teoretician de origine rusă și pionier al mișcării expresioniste germane. El a fost profund afectat de peisajul politic militarizat și naționalist din Germania în 1914. El credea că arta ar putea crea o paralelă cu mișcările cosmosului. Kandinsky a încercat să traducă experiența unică a sinesteziei în arta vizuală, sugerând vibrațiile muzicii simfonice în utilizarea liniei și a culorii. În compoziția abstractă, el sugerează un spațiu corporal cu linii fluide care variază de la gros și subțire. Liniile de cerneală india conțin mișcări șubrede, lăsând nici o parte din această compoziție încă sau sigur. Loviturile mai mici împrăștiate pe toată pagina imită o formă organică, sugerând textura ierbii sau scene din natură. Inevitabil pentru ochi este linia diagonală groasă, neagră, plasată central pe pagină. Acesta servește ca un ghid pentru vârtejul informațiilor pe care Kandinsky le împrăștie haotic în această lume șubredă. El contestă convențiile practicii artistice încercând să transmită vibrațiile nevăzute ale lumii.
Aleksandr Mihailovici Rodchenko
(rusă, 1891 – 1956)
Compass Compass, 1915
stilou și cerneală și cerneală neagră pe greutate medie moale, texturate off-hârtie albă
6 15/16 x 10 5/16 în.
cadou de Thomas P. Whitney (clasa de 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.76
Melanie Griffith:
Opera de arta Aleksandr Rodchenko a creat noi posibilități pentru arta modernă. Piesele sale după Revoluția Rusă din 1917 sunt marcate cu afirmația îndrăzneață că pictura a murit, inaugurând o nouă eră a constructivismului. Mai târziu remarcat pentru fotografia sa, el a fost, de asemenea, un pictor abstract priceput, producând lucrări care au rupt tehnicile tradiționale de pictură de șevalet. Chiar înainte de perioada Revoluției și a războiului civil care va remodela în curând societatea rusă, Rodchenko se rupse deja de arta academică tradițională și intrase în lumea abstractizării. Piesa sa folosește cu îndrăzneală tehnologia de proiectare a busolei pentru a dezvolta o expresie jucăușă folosind forme geometrice.
la început, Rodchenko a fost influențat de lucrările lui Wassily Kandinsky. Dar arta lui Kandinsky, deși abstractă, a avut tendința de a indica înapoi spre surse figurative, bazându-se pe simbolism și psihologie, în timp ce generația tânără s-a concentrat pe pur abstract.
Secțiunea 2: ruperea cu Academia:desen de viață și distorsiune
Oskar Kokoschka
(austriac, 1887-1980)
Max Reinhardt (cap), 1919
litografie pe hârtie țesută Gri
demensiuni inevitabile
cadou de Priscilla Paine Van der Poel, clasa 1928
SC 1977:32-169
Maggie Nord:
deși este o litografie, liniile urgente și dezordonate din acest tipar ne aduc aminte de actul schițării. Cu semne neregulate, Oskar Kokoschka și-a surprins Contemporanul, faimosul regizor de film și teatru Max Reinhardt (1863-1943), într-o stare de anxietate aparentă. După ce s-a despărțit de școala de Arte și meserii din Viena, Kokoschka a devenit cunoscut pentru portrete care, în cuvintele sale, „intuiesc din față, din jocul său de expresii și din gesturi, adevărul despre o anumită persoană.”Kokoschka a fost dramaturg, poet și artist vizual, dar a fost interesat și de Psihologie. Lucrând într-o epocă în care scrierile psihanalitice influente ale lui Sigmund Freud au fost publicate pe scară largă, Kokoschka credea că „adevărul” unei persoane există în lumea lor interioară și căuta să-l expună. În acest portret, ochii imposibil rotunzi, asimetrici ai lui Reinhardt și sprâncenele alungite, brăzdate, sunt mai degrabă expresive decât naturaliste.
Leonard Baskin
(American, 1922 – 2000)
doi bărbați, 1953
India cerneală și grafit pe piele de bivol pus hârtie
38 1/8 în x 25 1/8 În
cadou de Helene B. negru (clasa de 1931)
MH 1988.14.17
Maggie North:
inspirate de fragilitatea condiției umane, reprezentările lui Leonard Baskin despre figura umană sunt adesea distorsionate sau desfigurate. El a declarat odată: „figura umană este imaginea tuturor oamenilor și a unui singur om—conține totul și poate exprima totul.”La fel ca la doi bărbați, abordarea lui Baskin față de corpul uman este informată de cunoașterea musculaturii și studiul academic al proporției, dar Baskin încalcă regulile academice. Puternic umbrite în unele zone și slab schițate în altele, corpurile sale sunt împrăștiate cu semne întunecate, unghiulare, care ar putea reprezenta vene sau cicatrici, mai degrabă decât pielea netedă și suplă. Posturile neliniștitoare și expresiile faciale misterioase ale bărbaților descriși contribuie la calitatea expresivă a liniei în acest desen. Reprezentat în numeroase muzee și colecții private, Baskin este cunoscut pe plan internațional, dar a avut și o prezență locală. Artistul a predat arta la Smith College din 1953–1974, apoi la Hampshire College din 1984–1994.
Henry Spencer Moore
(Britanic, 1898-1986)
fără titlu: figuri feminine, 1956
creion, stilou și cerneală, creion și spălare colorată
10 15/16 în x 7 1/4 În
darul lui Richard S. Zeisler (clasa din 1937)
Mead Art Muzeul, Colegiul Amherst, ac 1959.139
ji-in Jeong:Henry Moore a lucrat în primul rând în sculptură, dar a folosit desenul ca mijloc de exprimare rapidă a ideilor din inconștientul său. Moore a amestecat figuri umane și alte observații din lumea naturală pentru a-și construi abstract desenele, folosind adesea o varietate de medii pentru a reda imagini bidimensionale care vor fi traduse ulterior în sculptură. În Untitled: figuri feminine, artistul creează iluzia unei lucrări sculpturale prin utilizarea liniei, conturului, culorii și materialelor. El evidențiază anumite zone cu o spălare vibrantă de culoare și le lasă pe altele albe, jucându-se cu spațiu pozitiv și negativ. Pentru a completa aceste zone mai ușoare, straturile Moore pe o varietate de tonalități texturate, de la umbrirea subtilă a creionului de grafit până la cerneala neagră puternică folosită pentru a reda cele mai întunecate zone eclozate. Moore folosește linia pentru a-și împinge formele imaginate într-o a treia dimensiune. Desenul servește ca un mod de exprimare accesibilă și rapidă, care poate fi ulterior procesată într-o formă sculpturală.
Secțiunea 3: Myriad Marks
Harvey Quaytman (American, 1937-2000)
Cinzano, 1963
creion și creion de ulei pe hârtie
11 1/16 în x 14 În
darul artistului în memoria tatălui său, Mark Quaytman. Muzeul universitar de Artă Contemporană, Universitatea din Massachusetts, Amherst, UM 1963.3
Ji-in Jeong:
Harvey Quaytman a fost un artist abstract geometric din New York, cunoscut pentru stilul său de pictură dur legat de Minimalism. Opera sa Combină, de asemenea, un limbaj expresiv cu compoziții asimetrice și zone bogate de culori. În Cinzano, liniile de diferite grosimi, forme și flexibilități interpretează formele geometrice într-un plan abstract. Titlul provine dintr-un vermut italian iconic, sugerând că artistul a lucrat dintr-o observare directă a sticlei pentru a redefini convențiile tradiționale ale unei imagini de natură moartă. Principalele linii compoziționale sunt groase și încrezătoare. Liniile secundare mâzgălite sau eclozate au o mișcare mai fluidă pentru ele, plutind printr-o sugestie de spațiu superficial. Unele linii sunt create negativ prin ștergere, în timp ce altele sunt aplicate gros prin umbrire grea, așa cum se vede în blocul dreptunghiular din partea stângă a paginii.
Barbara Hepworth (Britanic, 1903-1975)
proiect pentru lemn și corzi, Trezion II, 1959
pictură, ulei, gesso, creion la bord
14 7/8 în x 21 1/8 în. Darul lui Richard S. Zeisler. Muzeul de artă Mead, Colegiul Amherst, AC 1960.1
Juliana Ward:Barbara Hepworth, sculptor Britanic recunoscut la nivel internațional, este cunoscută pentru sculpturile sale abstracte care evocă natura folosind linia, forma, spațiul, textura și materialele naturale. Această schiță pentru o sculptură, proiect pentru lemn și corzi, Trezion II, oferă o privire asupra obsesiei lui Hepworth pentru formă, prin liniile precise și aproape matematice pe care le folosește în creion pe un fundal pictat tonal. Aceste linii de grafit apar pentru a crea forme abstracte pe măsură ce se rotesc și se atașează una de cealaltă, sugerând tensiuni ale spațiului tridimensional. Liniile diagonale eclozate din centrul celui mai strălucitor ton albastru creează un punct de dispariție care face aluzie la tradiția desenului în perspectivă. Hepworth reinventează spațiul perspectival prin abstractizare futuristă. Ea utilizează linia abstractă pentru a re-imagina schița în acest desen eteric.
Iwami Reika
(Japoneză, n.1924)
fără titlu” patinaj de apă”, 1976
imprimare, lemn și frunze de aur
13 3/4 în x 10 1/16 în.
cadou de Doris Lee și John H. Rich, Jr. Mead Muzeul de arta, Amherst College, AC 2010.31
Juliana Ward:
Iwami Reika, un maestru tipograf japonez, este cunoscut pentru evocările sale liniare abstracte ale naturii. Ea reinventează capacitățile liniei expresive prin încorporarea materialelor găsite în tipăritul ei. Reika nu numai că se bazează pe propria mână pentru a reda linia, dar folosește lemn de drift găsit, atât imprimând bobul de lemn natural, cât și folosindu-l ca inspirație pentru liniile desenate organice. Limbajul ei expresiv de linie estompează diviziunile dintre elementele naturale, cum ar fi apa, lemnul, aerul și spațiul. Lucrând într-o paletă de culori limitată, Reika permite liniei, spațiului și texturii vizuale să fie în centrul atenției. Accentul ei pe linia sau forma expresivă și uneori simbolică creează o dramă restrânsă, sugerând o lume interioară filosofică sau spirituală. Reika este, de asemenea, un poet de haiku, o altă tradiție japoneză bazată pe reținere. Ea afirmă: „Haiku este un studiu de disciplină. Îl forțează pe unul să elimine ceea ce nu este necesar și de aceea îl folosesc ca exercițiu spiritual pentru amprentele mele.”
linia expresivă ca gest
Lee Krasner
(American, 1908 – 1984)
seria primară: Piatra de aur, 1969
litografie Color
22 1/2 În x 30 în.
cadou de Robert Staub prin Fundația Martin S. Ackerman, Muzeul Universitar de Artă Contemporană, Universitatea din Massachusetts, Amherst, UM 1979.23
Lee Krasner
(American, 1908 – 1984)
seria primară: piatra roz, 1969
litografie Color
22 1/2 În x 30 în.
cadou de Robert Staub prin Fundația Martin S. Ackerman, Muzeul Universitar de Artă Contemporană, Universitatea din Massachusetts, Amherst, UM 1979.24
Lee Krasner
(American, 1908-1984)
seria primară: Piatra albastra, 1969
litografie Color
22 1/2 in x 30 in.
cadou de Robert Staub prin Martin S. Ackerman Foundation, Muzeul Universității de Artă Contemporană, Universitatea din Massachusetts, Amherst, UM 1979.25
Melanie Griffith:
seria primară Lee Krasner prezintă o stropire convingătoare de culoare pe panza. Tripticul se bazează pe culorile primare, dar înlocuiește roșul, galbenul și albastrul comun cu nuanțe mai sugestive sau poetice. Krasner a devenit cunoscută pentru picturile colorate și exuberante pe care le-a produs după moartea soțului ei, pictorul Jackson Pollock, în 1956. Împuternicită de mișcarea femeilor, ea a încărcat înainte, creând picturi și imprimeuri renumite pentru expresia lor dinamică și colorată. Ea a experimentat cu o gamă largă de tehnici diferite de a pune culoarea pe pânză și hârtie. În această serie în trei părți, Krasner aduce un omagiu picturilor de picurare ale lui Pollock, experimentând transparența și opacitatea obținute prin variația grosimii cernelii litografice înainte de a imprima fiecare imagine în culoarea aleasă.
Joan Mitchell
(American, 1926-1992)
laturile unui râu I, din seria Bedford, 1981
litografie tipărită pe hârtie color
42 x 32 in.
cadou de Lois Perelson-Gross, clasa 1983, și Stewart Gross în onoarea lui Janice Carlson Oresman, clasa 1955, cu ocazia celei de-a 50-a reuniuni SC 2005:12-1
Maggie North:
Joan Mitchell a fost una dintre puținele artiste de sex feminin care au pătruns în grupul expresionist Abstract american dominat de bărbați în anii 1950. Deși este celebrată pentru picturile sale mari, colorate, de acțiune, Mitchell a folosit și pastel și a fost un tipograf desăvârșit. La început glace, semnele ei pot părea neplanificate, dar o atenție extraordinară acordată schemelor de culori echilibrate și relației figura-sol stau la baza lucrărilor gestuale ale lui Mitchell. În 1981, Mitchell a lucrat îndeaproape cu renumitul tipograf Kenneth Tyler pentru a crea o serie de zece litografii mari, inclusiv aceasta. Seria a fost intitulată „seria Bedford”, după locația atelierului Din Bedford Village, New York. Mărcile împrăștiate, calcaroase, semi-verticale umple centrul compoziției, devenind mai întunecate și mai condensate în partea de sus și de jos a hârtiei. Liniile comprimate ale lui Mitchell sunt aproape caligrafice. La fel ca semnăturile ilizibile, ele invită simultan speculații și ascund semnificația lor expresivă.