Melanie Griffith, Ji-In Jeong, Maggie North und Juliana Ward
Kuratorisches Statement
Zeichnung ist direkter und zugänglicher als jedes andere Medium und bietet ein Fenster in den Prozess des Künstlers. Die gezeichnete Linie spiegelt die Bewegung der Hand wider und scheint im weiteren Sinne die Mäander der Gedanken des Künstlers zu verfolgen. Wie ein Gespenst eines vorübergehenden Gefühls, einer Erinnerung oder einer Bewegung erscheint die expressive Linie dringend, wesentlich, gestisch und privat. Im 20.Jahrhundert lehnten expressionistische und abstrakte expressionistische Künstler die starre Hierarchie und den naturalistischen Zeichenstil der Akademie ab und nahmen experimentelle Bilder an, die die traditionelle Zeichenästhetik und -materialien in Frage stellten. Diese Ausstellung untersucht Zeichnungen moderner und zeitgenössischer Künstler, die eine neue, expressive Liniensprache geschaffen haben. Diese innovativen Linien kamen in vielen Formen an, was sich in der Vielfalt der Markierungstechniken, Materialien und Formen der ausgestellten Werke zeigt. Diese Künstler verwendeten die expressive Linie als Code, um eine Vielzahl von Bedeutungen zu bezeichnen, die von der beobachtenden bis zur persönlichen und politischen reichen. In dieser Ausstellung transformiert und transzendiert die expressive Linie, um über die privaten und konventionellen Grundlagen der Zeichnung hinaus zu sprechen.
Mit der expressiven Linie verwendeten diese Künstler neue Techniken und Konzepte und erweiterten damit die Definition von Zeichnung. Wenn sie in ihren historischen Kontext gestellt werden, beanspruchen die Werke dieser Ausstellung die Linie als Ausdrucksmittel und überdenken ihren akademischen Gebrauch. Die Politik des Persönlichen und Kulturellen ist für zeitgenössische Künstler, die immer noch mit der expressiven Linie experimentieren, sie neu erfinden und sich aneignen, unverzichtbar geworden. Expressives Zeichnen in unserer heutigen Zeit fordert unsere Werte heraus, widersteht Unterdrückung und drückt sich jenseits von Konventionen aus.
Organisation der Ausstellung
Diese Ausstellung wird in vier Abschnitte unterteilt. Der erste Abschnitt, Espressionist Modes and Methods, untersucht die Spannung zwischen zwei Giganten der modernen Abstraktion: Wassily Kandinsky und Aleksandr Mikhailovich Rodchenko. Beide Künstler waren an einer radikal neuen Ästhetik interessiert, die die Ideen der Moderne ausdrücken konnte, doch die beiden waren sich über ihre Methoden und Absichten nicht einig. Während Kandinskys fließende Abstraktionen von Musik oder Natur inspiriert waren, verwendete Rodtschenko Werkzeuge wie den Kompass, um rein ungegenständliche, geometrische Kompositionen zu schaffen. Der zweite Abschnitt, Life Drawing and Distortion, untersucht die Art und Weise, wie codierte Linien in halbfigürlichen, expressiven Aktzeichnungen eine Rolle spielen. Viele Künstler verwendeten Gesten und Verzerrungen, um eine Version des Körpers darzustellen, die von der akademischen Tradition geprägt ist, aber mit ihr bricht. Die in dieser Gruppe vertretenen Künstler wollten über die Oberfläche figürlicher Bilder hinausgehen und sich mit der menschlichen Psychologie und Vorstellungskraft befassen. Das Kunstwerk in Myriad Markiert die Grenze zwischen erkennbaren und unkenntlichen Formen. Es präsentiert eine Vielzahl von Linien, sowohl organisch als auch geometrisch, die ihre Bedeutung offenbaren und verbergen. Die Ausstellung schließt mit Arbeiten des amerikanischen abstrakten Expressionisten, der sich eher von Emotionen und Materialien als von der Natur inspirieren ließ.
Checkliste und Wandetiketten
Abschnitt 1: Expressionistische Modi und Methoden
Wassily Kandinsky
(Russisch, 1866-1944)
Abstrakte Komposition, 1916
Tusche, Bleistift auf Skizzenbuchpapier
13 1/2 x 10 in.; 34,3 x 25,4 cm
Geschenk von Thomas P. Whitney (Klasse von 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.104
Ji-In Jeong:Wassily Kandinsky war ein in Russland geborener Theoretiker und Pionier des deutschen Expressionismus. Er war tief betroffen von der militarisierten und nationalistischen politischen Landschaft in Deutschland im Jahr 1914. Er glaubte, dass Kunst eine Parallele zu den Bewegungen des Kosmos schaffen könnte. Kandinsky versuchte, die einzigartige Erfahrung der Synästhesie in die bildende Kunst zu übersetzen, indem er die Schwingungen der symphonischen Musik in seiner Verwendung von Linie und Farbe vorschlug. In abstrakter Komposition schlägt er einen Körperraum mit fließenden Linien vor, die von dick bis dünn reichen. Die Tuschlinien enthalten wackelige Bewegungen, die keinen Teil dieser Komposition still oder sicher lassen. Die kleineren Striche, die auf der ganzen Seite verstreut sind, ahmen eine organische Form nach und deuten auf die Textur von Gras oder Szenen aus der Natur hin. Unvermeidlich für das Auge ist die dicke, schwarze diagonale Linie, zentral auf der Seite platziert. Es dient als Leitfaden für den Wirbelwind von Informationen, den Kandinsky chaotisch in dieser wackeligen Welt verstreut. Er fordert die Konventionen der künstlerischen Praxis heraus, indem er versucht, die unsichtbaren Schwingungen der Welt weiterzugeben.
Alexander Michailowitsch Rodtschenko
(Russisch, 1891 – 1956)
Kompasskomposition, 1915
Feder und Tinte und schwarze Tinte auf mittelschwerem, weichem, strukturiertem, cremefarbenem Papier
6 15/16 x 10 5/16 in.
Geschenk von Thomas P. Whitney (Klasse von 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.76
Melanie Griffith:
Aleksandr Rodchenkos Kunstwerk schuf neue Möglichkeiten für die moderne Kunst. Seine Arbeiten nach der Russischen Revolution 1917 sind geprägt von der kühnen Aussage, dass die Malerei tot sei und eine neue Ära des Konstruktivismus einläute. Später für seine Fotografie bekannt, war er auch ein erfahrener abstrakter Maler, der Werke produzierte, die mit den traditionellen Techniken der Staffeleimalerei brachen. Schon vor der Revolution und dem Bürgerkrieg, die die russische Gesellschaft bald umgestalten würden, hatte Rodtschenko mit der traditionellen akademischen Kunst gebrochen und war in die Welt der Abstraktion eingetreten. Sein Stück nutzt mutig die Designtechnologie des Kompasses, um mit geometrischen Formen einen spielerischen Ausdruck zu entwickeln.
Am Anfang wurde Rodtschenko von den Werken Wassily Kandinskys beeinflusst. Aber Kandinskys Kunst, obwohl abstrakt, neigte dazu, auf figurative Quellen zurückzugreifen, die sich auf Symbolik und Psychologie stützten, während sich die jüngere Generation auf das rein Abstrakte konzentrierte.
Abschnitt 2: Bruch mit der Akademie:Aktzeichnen und Verzerrung
Oskar Kokoschka
(österreichisch, 1887-1980)
Max Reinhardt (Kopf), 1919
Lithographie auf grauem Velin
Demensions nicht verfügbar
Geschenk von Priscilla Paine Van der Poel, Klasse von 1928
SC 1977:32-169
Maggie North:
Obwohl es sich um eine Lithographie handelt, erinnern die dringenden und ungeordneten Linien in diesem Druck an den Akt des Skizzierens. Mit sprunghaften Spuren hat Oskar Kokoschka seinen Zeitgenossen, den berühmten Film- und Theaterregisseur Max Reinhardt (1863-1943), in einen Zustand scheinbarer Angst versetzt. Nach dem Bruch mit der Kunstgewerbeschule in Wien wurde Kokoschka bekannt für Porträts, die nach seinen Worten „aus dem Gesicht, aus seinem Ausdrucksspiel und aus Gesten die Wahrheit über eine bestimmte Person erahnen lassen.“ Kokoschka war Dramatiker, Dichter und bildender Künstler, aber er interessierte sich auch für Psychologie. In einer Zeit, in der einflussreiche psychoanalytische Schriften von Sigmund Freud weit verbreitet waren, glaubte Kokoschka, dass die „Wahrheit“ eines Menschen in seiner inneren Welt existiere, und versuchte, sie aufzudecken. In diesem Porträt sind Reinhardts unglaublich runde, asymmetrische Augen und langgestreckte, gefurchte Brauen eher expressiv als naturalistisch.
Leonard Baskin
(Amerikaner, 1922 – 2000)
Zwei Männer, 1953
Tusche und Graphit auf Büffelpapier
38 1/8 in x 25 1/8 in
Geschenk von Helene B. Black (Klasse von 1931)
MH 1988.14.17
Maggie North:
Inspiriert von der Zerbrechlichkeit des menschlichen Zustands sind Leonard Baskins Darstellungen der menschlichen Figur oft verzerrt oder entstellt. Er sagte einmal: „Die menschliche Figur ist das Bild aller Menschen und eines Mannes — sie enthält alles und kann alles ausdrücken.“ Wie bei zwei Männern basiert Baskins Herangehensweise an den menschlichen Körper auf dem Wissen über die Muskulatur und dem akademischen Studium der Proportionen, aber Baskin bricht die akademischen Regeln. In einigen Bereichen stark schattiert und in anderen spärlich skizziert, sind seine Körper mit dunklen, eckigen Flecken übersät, die eher Venen oder Narben als glatte, geschmeidige Haut darstellen könnten. Die beunruhigenden Körperhaltungen und geheimnisvollen Gesichtsausdrücke der abgebildeten Männer tragen zur expressiven Linienqualität dieser Zeichnung bei. Baskin ist in zahlreichen Museen und Privatsammlungen vertreten und international bekannt, hatte aber auch eine lokale Präsenz. Der Künstler lehrte Kunst am Smith College von 1953-1974, dann am Hampshire College von 1984-1994.
Henry Spencer Moore
(britisch, 1898-1986)
Ohne Titel: Weibliche Figuren, 1956
Bleistift, Feder und Tinte, Buntstift und farbige Wäsche
10 15/16 in x 7 1/4 in
Geschenk von Richard S. Zeisler (Klasse von 1937)
Mead Art Museum, Amherst Hochschule, AC 1959.139
Ji-In Jeong:Henry Moore arbeitete hauptsächlich in der Bildhauerei, benutzte aber die Zeichnung als Mittel, um Ideen aus seinem Unbewussten schnell auszudrücken. Moore mischte menschliche Figuren und andere Beobachtungen aus der Natur, um seine Zeichnungen abstrakt zu konstruieren, wobei er oft eine Vielzahl von Medien verwendete, um zweidimensionale Bilder zu rendern, die später in Skulpturen übersetzt wurden. In Untitled: Female Figures schafft die Künstlerin die Illusion einer skulpturalen Arbeit durch die Verwendung von Linien, Konturen, Farben und Materialien. Er hebt bestimmte Bereiche mit einem lebendigen Farbtupfer hervor und lässt andere weiß und spielt mit positivem und negativem Raum. Um diese helleren Bereiche zu ergänzen, schichtet Moore eine Vielzahl von strukturierten Tonalitäten auf, von der subtilen Schattierung des Graphitstifts bis zur starken schwarzen Tinte, die zum Rendern der dunkelsten schraffierten Bereiche verwendet wird. Moore benutzt die Linie, um seine imaginierten Formen in eine dritte Dimension zu bringen. Zeichnung dient als zugänglicher und schneller Ausdruck, der später zu einer skulpturalen Form verarbeitet werden kann.
Abschnitt 3: Myriad Marks
Harvey Quaytman (Amerikaner, 1937-2000)
Cinzano, 1963
Bleistift und Ölkreide auf Papier
11 1/16 in x 14 in
Geschenk des Künstlers in Erinnerung an seinen Vater Mark Quaytman. University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1963.3
Ji-In Jeong:
Harvey Quaytman war ein in New York ansässiger geometrisch abstrakter Künstler, der für seinen charakteristischen, kantigen Malstil im Zusammenhang mit Minimalismus bekannt war. Seine Arbeit kombiniert auch eine expressive Sprache mit asymmetrischen Kompositionen und reichen Farbflächen. In Cinzano interpretieren Linien unterschiedlicher Dicke, Form und Flexibilität geometrische Formen innerhalb einer abstrakten Ebene. Der Titel stammt von einem ikonischen italienischen Wermut, was darauf hindeutet, dass der Künstler aus einer direkten Beobachtung der Flasche arbeitete, um die traditionellen Konventionen eines Stilllebenbildes neu zu definieren. Die Hauptkompositionslinien sind dick und selbstbewusst. Sekundäre gekritzelte oder schraffierte Linien haben eine flüssigere Bewegung und schweben durch einen Vorschlag von flachem Raum. Einige Linien werden durch Löschen negativ erzeugt, während andere durch starke Schattierung dick aufgetragen werden, wie im rechteckigen Block auf der linken Seite der Seite zu sehen ist.
Barbara Hepworth (britisch, 1903-1975)
Projekt für Holz und Saiten, Trezion II, 1959
Malerei, Öl, Gips, Bleistift an Bord
14 7/8 in x 21 1/8 in. Schenkung von Richard S. Zeisler. Mead Kunstmuseum, Amherst College, AC 1960.1
Juliana Ward:Barbara Hepworth, eine international anerkannte britische Bildhauerin, ist bekannt für ihre abstrakten Skulpturen, die mit Linien, Formen, Räumen, Texturen und natürlichen Materialien an die Natur erinnern. Diese Skizze für eine Skulptur, Project for Wood and Strings, Trezion II, gibt einen Einblick in Hepworths Obsession mit der Form, durch die präzisen und fast mathematischen Linien, die sie in Bleistift über einem tonal gemalten Hintergrund verwendet. Diese Graphitlinien entstehen, um abstrakte Formen zu erzeugen, während sie sich drehen und aneinander haften, was auf Spannungen des dreidimensionalen Raums hindeutet. Die schraffierten diagonalen Linien in der Mitte des hellsten Blautons bilden einen Fluchtpunkt, der auf die Tradition des perspektivischen Zeichnens anspielt. Hepworth erfindet den perspektivischen Raum durch futuristische Abstraktion neu. Sie verwendet abstrakte Linien, um sich die Skizze in dieser ätherischen Zeichnung neu vorzustellen.
Iwami Reika
(Japanisch, geb.1924)
Ohne Titel „Skating by the Water“, 1976
Druck, Holzschnitt und Blattgold
13 3/4 in x 10 1/16 in.
Geschenk von Doris Lee und John H. Rich, Jr. Mead Art Museum, Amherst College, AC 2010.31
Juliana Ward:Iwami Reika, eine japanische Druckgrafikerin, ist bekannt für ihre abstrakten linearen Beschwörungen der Natur. Sie erfindet die Fähigkeiten der expressiven Linie neu, indem sie gefundene Materialien in ihren Druck einbezieht. Reika verlässt sich nicht nur auf ihre eigene Hand, um Linien zu rendern, sondern verwendet gefundenes Treibholz, indem sie sowohl die natürliche Holzmaserung druckt als auch als Inspiration für organisch gezeichnete Linien verwendet. Ihre expressive Liniensprache verwischt die Trennlinien zwischen natürlichen Elementen wie Wasser, Holz, Luft und Raum. Reika arbeitet in einer begrenzten Farbpalette und lässt Linie, Raum und visuelle Textur im Mittelpunkt stehen. Ihre Betonung der expressiven und manchmal symbolischen Linie oder Form erzeugt ein zurückhaltendes Drama, das eine philosophische oder spirituelle Innenwelt suggeriert. Reika ist auch eine Dichterin des Haiku, einer anderen japanischen Tradition, die auf Zurückhaltung basiert. Sie sagt: „Haiku ist eine Disziplin Studie. Es zwingt einen, das zu eliminieren, was nicht notwendig ist, und deshalb benutze ich es als spirituelle Übung für meinen Körper.“
Die expressive Linie als Geste
Lee Krasner
(amerikanisch, 1908 – 1984)
Primärserie: Gold Stone, 1969
Farblithographie
22 1/2 in x 30 in.
Geschenk von Robert Staub durch die Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.23
Lee Krasner
(amerikanisch, 1908 – 1984)
Primärserie: Pink Stone, 1969
Farblithographie
22 1/2 in x 30 in.
Schenkung von Robert Staub durch die Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.24
Lee Krasner
(Amerikanisch, 1908 – 1984)
Primary Series: Blauer Stein, 1969
Farblithographie
22 1/2 in x 30 in.
Geschenk von Robert Staub durch die Martin S. Ackerman Foundation, University Museum of Contemporary Art, University of Massachusetts, Amherst, UM 1979.25
Melanie Griffith:
Lee Krasners Primary Series präsentiert einen überzeugenden Farbspritzer auf Leinwand. Das Triptychon basiert auf den Primärfarben, ersetzt jedoch die üblichen Rot-, Gelb- und Blautöne durch suggestivere oder poetischere Farbtöne. Krasner wurde bekannt für die farbenfrohen und üppigen Gemälde, die sie nach dem Tod ihres Mannes, des Malers Jackson Pollock, im Jahr 1956 produzierte. Gestärkt durch die Frauenbewegung, stürmte sie voran und schuf Gemälde und Drucke, die für ihren dynamischen und farbenfrohen Ausdruck bekannt sind. Sie experimentierte mit einer Vielzahl verschiedener Techniken, um Farbe auf Leinwand und Papier zu bringen. In dieser dreiteiligen Serie huldigt Krasner Pollocks Drip Paintings und experimentiert mit Transparenz und Deckkraft, die durch Variation der Dicke der Lithographistinte erreicht werden, bevor jedes Bild in der von ihr gewählten Farbe gedruckt wird.
Joan Mitchell
(amerikanisch, 1926-1992)
Seiten eines Flusses I, aus der Bedford-Serie, 1981
Lithographie auf Farbpapier gedruckt
42 x 32 in.
Geschenk von Lois Perelson-Gross, Klasse 1983, und Stewart Gross zu Ehren von Janice Carlson Oresman, Klasse 1955, anlässlich ihres 50. Wiedersehens
SC 2005:12-1
Maggie North:
Joan Mitchell war eine von nur einer Handvoll Künstlerinnen, die in den 1950er Jahren in die männlich dominierte amerikanische Gruppe des abstrakten Expressionismus einbrach. Obwohl sie für ihre großen, farbenfrohen Action-Paintings gefeiert wird, verwendete Mitchell auch Pastell und war eine versierte Druckerin. Auf den ersten Blick mögen ihre Spuren ungeplant erscheinen, aber außergewöhnliche Aufmerksamkeit für ausgewogene Farbschemata und die Figur-Boden-Beziehung liegen typischerweise Mitchells gestischen Arbeiten zugrunde. 1981 arbeitete Mitchell eng mit dem renommierten Drucker Kenneth Tyler zusammen, um eine Serie von zehn großen Lithografien zu erstellen, darunter diese. Die Serie trug den Titel „Bedford Series“, nach dem Standort des Workshops in Bedford Village, New York. Verstreute, kreidige, halbvertikale Markierungen füllen die Mitte der Komposition und werden oben und unten auf dem Papier dunkler und verdichteter. Mitchells komprimierte Linien sind fast kalligraphisch. Wie unleserliche Unterschriften laden sie gleichzeitig zur Spekulation ein und verbergen ihre expressive Bedeutung.