Melanie Griffith, Ji-In Jeong, Maggie North y Juliana Ward
Declaración Curatorial
Dibujar más que cualquier otro medio ofrece una ventana al proceso del artista. La línea dibujada se hace eco del movimiento de la mano, y parece, por extensión, trazar los serpenteos de los pensamientos del artista. Como un fantasma de un sentimiento pasajero, un recuerdo o un movimiento, la línea expresiva parece urgente, esencial, gestual y privada. En el siglo XX, los artistas expresionistas y expresionistas abstractos rechazaron la rígida jerarquía y el estilo de dibujo naturalista promovido por la academia y adoptaron imágenes experimentales que desafiaban la estética y los materiales del dibujo tradicional. Esta exposición explora dibujos de artistas modernos y contemporáneos que crearon un nuevo lenguaje expresivo basado en líneas. Estas líneas innovadoras llegaron en muchas formas, como es evidente en la variedad de técnicas de marcado, materiales y formas que componen las obras a la vista. Estos artistas utilizaron la línea expresiva como un código para significar una variedad de significados, que van desde lo observacional hasta lo personal y político. En esta exposición, la línea expresiva se transforma y trasciende, para hablar más allá de los fundamentos privados y convencionales del dibujo.
Utilizando la línea expresiva, estos artistas emplearon nuevas técnicas y conceptos, ampliando así la definición del dibujo. Al situarse en su contexto histórico, las obras de esta exposición reivindican la línea como una herramienta expresiva, repensando su uso académico. La política de lo personal y cultural se ha vuelto esencial para los artistas contemporáneos que todavía están experimentando, reinventando y apropiándose de la línea expresiva. El dibujo expresivo en nuestra era contemporánea desafía nuestros valores, resiste la opresión y se expresa más allá de las convenciones.
Organización de la Exposición
Esta exposición se dividirá en cuatro secciones. La primera sección, Modos y Métodos expresionistas, explora la tensión entre dos gigantes de la abstracción moderna: Wassily Kandinsky y Aleksandr Mijáilovich Rodchenko. Ambos artistas estaban interesados en una estética radicalmente nueva que pudiera expresar las ideas de la era moderna, pero los dos no estaban de acuerdo sobre sus métodos e intenciones. Mientras que las abstracciones fluidas de Kandinsky se inspiraron en la música o la naturaleza, Rodchenko usó herramientas, como la brújula, para crear composiciones geométricas puramente no objetivas. La segunda sección, Dibujo de vida y Distorsión, explora la forma en que las líneas codificadas desempeñan un papel en los dibujos de vida expresivos y semi-figurativos. Muchos artistas utilizaron el gesto y la distorsión para representar una versión del cuerpo que está informada por, pero rompe con la tradición académica. Los artistas representados en esta agrupación tenían como objetivo ir más allá de la superficie de las imágenes figurativas, ahondando en la psicología humana y la imaginación. La obra de arte en Miríadas de Marcas marca la línea entre formas reconocibles e irreconocibles. Presenta una variedad de líneas, tanto orgánicas como geométricas, que revelan y ocultan sus significados. La exposición se cierra con el trabajo de un artista expresionista abstracto estadounidense que se inspiró en las emociones y los materiales en lugar de en la naturaleza.
Lista de comprobación y Etiquetas murales
Sección 1: Modos y métodos Expresionistas
Wassily Kandinsky
(Ruso, 1866-1944)
Composición abstracta,1916
Tinta china, lápiz sobre papel de cuaderno de bocetos
13 1/2 x 10 pulg.; 34,3 x 25,4 cm
Regalo de Thomas P. Whitney(Clase de 1937)
Mead Art Museum, Amherst College, AC 2001.104
Ji-In Jeong:
Wassily Kandinsky fue un teórico nacido en Rusia y pionero del movimiento expresionista alemán. Fue profundamente afectado por el panorama político militarizado y nacionalista en Alemania en 1914. Creía que el arte podía crear un paralelo con los movimientos del cosmos. Kandinsky intentó traducir la experiencia única de la sinestesia en arte visual, sugiriendo las vibraciones de la música sinfónica en su uso de la línea y el color. En Composición abstracta, sugiere un espacio corporal con líneas fluidas que van de gruesas a finas. Las líneas de tinta china contienen movimientos temblorosos, sin dejar ninguna parte de esta composición inmóvil o segura. Los trazos más pequeños esparcidos por toda la página imitan una forma orgánica, sugiriendo la textura de la hierba o escenas de la naturaleza. Inevitable a la vista es la línea diagonal gruesa y negra, ubicada en el centro de la página. Sirve como guía para el torbellino de información que Kandinsky dispersa caóticamente dentro de este mundo inestable. Desafía las convenciones de la práctica artística al intentar transmitir las vibraciones invisibles del mundo.
Aleksandr Mikhailovich Rodchenko
(ruso, 1891 – 1956)
Compass Composition, 1915
Pluma y tinta y tinta negra sobre papel blanquecino suave y texturizado de peso medio
6 15/16 x 10 5/16 in.Regalo de Thomas P. Whitney(Clase de 1937) Museo de Arte Mead, Amherst College, AC 2001.76 Melanie Griffith: La obra de Aleksandr Rodchenko creó nuevas posibilidades para el arte moderno. Sus piezas posteriores a la Revolución Rusa de 1917 están marcadas con la declaración audaz de que la pintura estaba muerta, marcando el comienzo de una nueva era de constructivismo. Más tarde conocido por su fotografía, también fue un hábil pintor abstracto, produciendo obras que rompían con las técnicas tradicionales de pintura de caballete. Incluso antes del período de Revolución y guerra civil que pronto remodelaría la sociedad rusa, Ródchenko ya había roto con el arte académico tradicional y había entrado en el mundo de la abstracción. Su pieza utiliza audazmente la tecnología de diseño de la brújula para desarrollar una expresión lúdica utilizando formas geométricas.
Al principio, Rodchenko fue influenciado por las obras de Wassily Kandinsky. Pero el arte de Kandinsky, aunque abstracto, tendía a apuntar hacia fuentes figurativas, apoyándose en el simbolismo y la psicología, mientras que la generación más joven se enfocaba en lo puramente abstracto.
Sección 2: Rompiendo con la Academia:Dibujo al natural y distorsión
Oskar Kokoschka
(Austriaco, 1887-1980)
Max Reinhardt (Cabeza), 1919
Litografía sobre papel avitelado gris
Demensions unavialable
Regalo de Priscilla Paine Van der Poel, clase de 1928
SC 1977:32-169
Maggie North:
Aunque se trata de una litografía, las líneas urgentes y desordenadas de este grabado recuerdan el acto de dibujar. Con marcas erráticas, Oskar Kokoschka ha capturado a su contemporáneo, el famoso director de cine y teatro Max Reinhardt (1863-1943), en un estado de aparente ansiedad. Después de romper con la Escuela de Artes y Oficios de Viena, Kokoschka se hizo conocido por retratos que, en sus palabras, «intuyen desde el rostro, desde su juego de expresiones y gestos, la verdad sobre una persona en particular.»Kokoschka era dramaturgo, poeta y artista visual, pero también estaba interesado en la psicología. Trabajando en una época en la que los influyentes escritos psicoanalíticos de Sigmund Freud fueron ampliamente publicados, Kokoschka creía que la «verdad» de una persona existía en su mundo interior y trató de exponerla. En este retrato, los ojos increíblemente redondos y asimétricos de Reinhardt y las cejas alargadas y fruncidas son expresivos en lugar de naturalistas.
Leonard Baskin
(Americano, 1922 – 2000)
Dos hombres, 1953
Tinta china y grafito sobre papel verjurado pulido
38 1/8 in x 25 1/8 in
Regalo de Helene B. Black (clase de 1931)
MH 1988.14.17
Maggie North:
Inspiradas en la fragilidad de la condición humana, las representaciones de Leonard Baskin de la figura humana a menudo están distorsionadas o desfiguradas. Una vez declaró: «La figura humana es la imagen de todos los hombres y de un solo hombre, lo contiene todo y puede expresarlo todo.»Al igual que en Dos Hombres, el enfoque de Baskin hacia el cuerpo humano se basa en el conocimiento de la musculatura y el estudio académico de la proporción, pero Baskin rompe las reglas académicas. Muy sombreados en algunas áreas y escasamente dibujados en otras, sus cuerpos están dispersos con marcas oscuras y angulares que podrían representar venas o cicatrices en lugar de una piel suave y flexible. Las posturas inquietantes y las misteriosas expresiones faciales de los hombres representados contribuyen a la calidad expresiva de la línea en este dibujo. Representado en numerosos museos y colecciones privadas, Baskin es conocido internacionalmente, pero también tuvo una presencia local. El artista enseñó arte en el Smith College de 1953 a 1974, luego en el Hampshire College de 1984 a 1994.
Henry Spencer Moore
(Británico, 1898-1986)
Sin título: Figuras femeninas, 1956
Lápiz, pluma y tinta, crayón y lavado a color
10 15/16 in x 7 1/4 in
Regalo de Richard S. Zeisler (Clase de 1937)
Arte de aguamiel Museo, Amherst College, AC 1959.139
Ji-In Jeong:
Henry Moore trabajó principalmente en escultura, pero usó el dibujo como un medio para expresar rápidamente ideas de su inconsciente. Moore mezcló figuras humanas y otras observaciones del mundo natural para construir abstractamente sus dibujos, a menudo empleando una variedad de medios para renderizar imágenes bidimensionales que más tarde se traducirían en escultura. En Sin título: Figuras femeninas, la artista crea la ilusión de una obra escultórica a través del uso de líneas, contornos, colores y materiales. Resalta ciertas áreas con un lavado vibrante de color y deja otras blancas, jugando con el espacio positivo y negativo. Para complementar estas áreas más claras, Moore pone capas en una variedad de tonalidades texturizadas, desde el sutil sombreado del lápiz de grafito hasta la tinta negra cruda utilizada para representar las áreas sombreadas más oscuras. Moore usa line para empujar sus formas imaginarias a una tercera dimensión. El dibujo sirve como un modo de expresión accesible y rápida que más tarde se puede procesar en una forma escultórica.
Sección 3: Myriad Marks
Harvey Quaytman (American, 1937-2000)
Cinzano, 1963
Lápiz y lápiz al óleo sobre papel
11 1/16 in x 14 in
Regalo del artista en memoria de su padre, Mark Quaytman. Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Universidad de Massachusetts, Amherst, UM 1963.3
Ji-In Jeong:
Harvey Quaytman fue un artista abstracto geométrico con sede en Nueva York conocido por su característico estilo de pintura de bordes duros relacionado con el minimalismo. Su obra también combina un lenguaje expresivo con composiciones asimétricas y ricas zonas de colores. En Cinzano, líneas de diferentes espesores, formas y flexibilidades interpretan formas geométricas dentro de un plano abstracto. El título proviene de un emblemático vermut italiano, lo que sugiere que el artista trabajó a partir de una observación directa de la botella para redefinir las convenciones tradicionales de una imagen de bodegón. Las líneas compositivas principales son gruesas y seguras. Las líneas secundarias garabateadas o rayadas tienen un movimiento más fluido, flotando a través de una sugerencia de espacio poco profundo. Algunas líneas se crean negativamente al borrar, mientras que otras se aplican de forma gruesa a través de sombreados con manos pesadas, como se ve en el bloque rectangular en el lado izquierdo de la página.
Barbara Hepworth (británica, 1903-1975)
Proyecto para madera y cuerdas, Trezion II, 1959
Pintura, óleo, gesso, lápiz a bordo
14 7/8 in x 21 1/8 in. Regalo de Richard S. Zeisler. Museo de Arte de Aguamiel, Amherst College, AC 1960.1
Juliana Ward:
Barbara Hepworth, una escultora británica reconocida internacionalmente, es conocida por sus esculturas abstractas que evocan la naturaleza utilizando líneas, formas, espacios, texturas y materiales naturales. Este boceto para una escultura, Proyecto para Madera y cuerdas, Trezion II, ofrece una visión de la obsesión de Hepworth por la forma, a través de las líneas precisas y casi matemáticas que emplea a lápiz sobre un fondo pintado a tono. Estas líneas de grafito surgen para crear formas abstractas a medida que giran y se unen entre sí, sugiriendo tensiones de espacio tridimensional. Las líneas diagonales eclosionadas en el centro del tono azul más brillante crean un punto de fuga que alude a la tradición del dibujo en perspectiva. Hepworth reinventa el espacio con perspectiva a través de la abstracción futurista. Utiliza la línea abstracta para recrear el boceto en este dibujo etéreo.
Iwami Reika
(Japonés, nacido en 1924)
Sin título «Skating by the Water», 1976
Estampado, bloque de madera y pan de oro
13 3/4 in x 10 1/16 in.Regalo de Doris Lee y John H. Rich, Jr. Mead Art Museum, Amherst College, AC 2010.31
Juliana Ward:
Iwami Reika, una maestra grabadora japonesa, es conocida por sus evocaciones abstractas y lineales de la naturaleza. Reinventa las capacidades de la línea expresiva mediante la incorporación de materiales encontrados en su estampado. Reika no solo confía en su propia mano para renderizar la línea, sino que utiliza madera a la deriva encontrada, imprimiendo la veta de madera natural y usándola como inspiración para líneas dibujadas orgánicas. Su lenguaje expresivo de líneas difumina las divisiones entre elementos naturales como el agua, la madera, el aire y el espacio. Al trabajar en una paleta de colores limitada, Reika permite que la línea, el espacio y la textura visual ocupen un lugar central. Su énfasis en la línea o forma expresiva y a veces simbólica crea un drama restringido, sugiriendo un mundo interior filosófico o espiritual. Reika también es poeta del haiku, otra tradición japonesa basada en la moderación. Afirma: «El haiku es un estudio de disciplina. Obliga a uno a eliminar lo que no es necesario, y es por eso que lo uso como un ejercicio espiritual para mis huellas.»
La Línea Expresiva como Gesto
Lee Krasner
(American, 1908-1984)
Serie primaria: Gold Stone, 1969
Litografía a color
22 1/2 in x 30 in.Donación de Robert Staub a través de la Fundación Martin S. Ackerman, Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Universidad de Massachusetts, Amherst, UM 1979.23
Lee Krasner
(American, 1908 – 1984)
Serie primaria: Piedra Rosa, 1969
Litografía a color
22 1/2 en x 30 pulg.Donación de Robert Staub a través de la Fundación Martin S. Ackerman, Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Universidad de Massachusetts, Amherst, UM 1979.24
Lee Krasner
(American, 1908-1984)
Serie Primaria: Piedra azul, 1969 Litografía a color 22 1/2 in x 30 in.Regalo de Robert Staub a través de la Fundación Martin S. Ackerman, Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Universidad de Massachusetts, Amherst, UM 1979.25 Melanie Griffith: La serie Principal de Lee Krasner presenta una atractiva salpicadura de color sobre lienzo. El tríptico se basa en los colores primarios, pero reemplaza el rojo, el amarillo y el azul comunes con tonos más sugerentes o poéticos. Krasner se hizo conocida por las pinturas coloridas y exuberantes que produjo después de la muerte de su esposo, el pintor Jackson Pollock, en 1956. Empoderada por el movimiento de mujeres, salió adelante, creando pinturas y grabados famosos por su expresión dinámica y colorida. Experimentó con una amplia gama de técnicas diferentes para poner color sobre lienzo y papel. En esta serie de tres partes, Krasner rinde homenaje a las pinturas por goteo de Pollock, experimentando con la transparencia y la opacidad logradas variando el grosor de la tinta litográfica antes de imprimir cada imagen en su color elegido.
Joan Mitchell(American, 1926-1992)
Lados de un río I, de la Serie Bedford, 1981
Litografía impresa en papel a color
42 x 32 pulg.Regalo de Lois Perelson-Gross, clase de 1983, y Stewart Gross en honor de Janice Carlson Oresman, clase de 1955, con motivo de su 50ª reunión SC 2005:12-1 Maggie North: Joan Mitchell fue una de las pocas artistas femeninas que irrumpió en el grupo expresionista Abstracto estadounidense dominado por hombres en la década de 1950. Aunque es famosa por sus pinturas de acción grandes y coloridas, Mitchell también usó pastel y fue una consumada grabadora. Al principio, sus marcas pueden parecer no planificadas, pero la extraordinaria atención a los esquemas de color equilibrados y la relación figura-suelo típicamente subyacen a las obras gestuales de Mitchell. En 1981, Mitchell trabajó en estrecha colaboración con el renombrado impresor Kenneth Tyler para crear una serie de diez litografías grandes, incluida esta. La serie se tituló la «Serie Bedford», por la ubicación del taller en Bedford Village, Nueva York. Las marcas dispersas, calcáreas y semi-verticales llenan el centro de la composición, volviéndose más oscuras y condensadas en la parte superior e inferior del papel. Las líneas comprimidas de Mitchell son casi caligráficas. Al igual que las firmas ilegibles, al mismo tiempo invitan a la especulación y ocultan su significado expresivo.