prekursory nut
notacja muzyczna została opracowana zanim do pisania użyto pergaminu lub papieru. Najwcześniejszą formę zapisu muzycznego można znaleźć w tabliczce klinowej, która powstała w Nippur, w Sumerze (dzisiejszy Irak) około roku 2000 pne. Tabliczka przedstawia fragmentaryczne instrukcje dotyczące wykonywania muzyki, że muzyka została skomponowana w harmoniach tercji i że została napisana przy użyciu skali diatonicznej.
tabliczka z około 1250 roku p. n. e.wykazuje bardziej rozwiniętą formę zapisu. Chociaż interpretacja systemu notacji jest nadal kontrowersyjna, jasne jest, że notacja wskazuje nazwy strun na lirze, których strojenie jest opisane w innych tablicach. Chociaż są fragmentaryczne, tabliczki te reprezentują najwcześniejsze notowane melodie Znalezione w dowolnym miejscu na świecie.
starożytna grecka notacja muzyczna była używana od co najmniej VI wieku p. n. e.do około IV wieku n. e. zachowało się kilka kompletnych kompozycji i fragmentów kompozycji wykorzystujących tę notację. Notacja składa się z symboli umieszczonych nad sylabami tekstowymi. Przykładem kompletnej kompozycji jest Epitafium Seikilosa, datowane różnie od II wieku p. n. e.do I wieku n. e.
w starożytnej muzyce greckiej w rękopisie występują trzy hymny Mesomedesa z Krety. Jednym z najstarszych znanych przykładów notacji muzycznej jest odnaleziony papirus z epoki hellenistycznej Orestesa (408 p. n. e.), zawierający zapis muzyczny do ody chóralnej. Wydaje się, że starożytna notacja grecka wyszła z użycia w czasie upadku Cesarstwa Rzymskiego.
Zachodnia notacjaedytuj
przed XV wiekiem Muzyka Zachodnia była pisana ręcznie i przechowywana w rękopisach, Zwykle oprawionych w duże tomy. Najbardziej znanymi przykładami średniowiecznej notacji muzycznej są średniowieczne manuskrypty śpiewu monofonicznego. Notacja śpiewu wskazywała nuty melodii śpiewu, ale bez wskazania rytmu. W przypadku średniowiecznej polifonii, jak np. motet, części pisane były w osobnych partiach stron. Proces ten był wspomagany pojawieniem się notacji mensuralnej, która również wskazywała rytm, a równolegle z nią średniowieczna praktyka komponowania części polifonii sekwencyjnie, a nie jednocześnie (jak w czasach późniejszych). Rękopisy pokazujące części razem w formacie partytury były rzadkie i ograniczały się głównie do organum, zwłaszcza szkoły Notre Dame. W średniowieczu, gdyby ksieni chciał mieć kopię istniejącej kompozycji, takiej jak kompozycja należąca do ksieni w innym mieście, musiałaby zatrudnić kopistę do wykonania tego zadania ręcznie, co byłoby procesem długotrwałym i mogącym prowadzić do błędów transkrypcyjnych.
nawet po pojawieniu się druku muzycznego w połowie 1400 roku, wiele muzyki nadal istniało wyłącznie w rękopisach kompozytorów ręcznie pisanych aż do XVIII wieku.
PrintingEdit
XV w.
w tłumaczeniu nowej technologii druku na muzykę pojawiło się kilka trudności. W pierwszej drukowanej książce zawierającej muzykę, Psałterzu Mogunckim (1457), zapis muzyczny (zarówno linie pięciolinii, jak i nuty) został dodany ręcznie. Jest to podobne do pomieszczenia pozostawionego w innych inkunabułach na kapitele. Psałterz został wydrukowany w Moguncji w Niemczech przez Johanna Fusta i Petera Schöffera, jeden obecnie znajduje się w Zamku Windsor, a drugi w Bibliotece Brytyjskiej. Później drukowane były linie pięciolinii, ale skrybowie nadal dodawali w pozostałej części muzyki ręcznie. Największą trudnością w użyciu ruchomego typu do drukowania muzyki jest to, że wszystkie elementy muszą być ustawione w linii – Głowica nuty musi być odpowiednio wyrównana z pięciolinią. W muzyce wokalnej tekst musi być wyrównany z odpowiednimi nutami (chociaż w tym czasie, nawet w rękopisach, nie było to wysokim priorytetem).
grawerowanie Muzyczne jest sztuką rysowania notacji muzycznej o wysokiej jakości w celu mechanicznej reprodukcji. Pierwsza muzyka drukowana maszynowo pojawiła się około 1473 roku, około 20 lat po wprowadzeniu prasy drukarskiej przez Gutenberga. W 1501 roku Ottaviano Petrucci opublikował Harmonice Musices Odhecaton A, które zawierało 96 utworów drukowanych. Metoda drukowania Petrucciego wytwarzała czystą, czytelną, elegancką muzykę, ale był to długi, trudny proces, który wymagał trzech oddzielnych przejść przez prasę drukarską. Petrucci później opracował proces, który wymagał tylko dwóch przejść przez prasę. Ale nadal było to opodatkowanie, ponieważ każde podanie wymagało bardzo precyzyjnego wyrównania, aby wynik był czytelny (tj., tak aby główki nut były prawidłowo ustawione w linii pięciolinii). Była to pierwsza dobrze rozpowszechniona drukowana muzyka polifoniczna. Petrucci wydrukował również pierwszą tabulaturę z ruchomym typem. Druk pojedynczy impresja, w którym linie pięciolinii i notatki mogą być drukowane w jednym przejeździe, po raz pierwszy pojawił się w Londynie około 1520 roku. Pierre Attaingnant wprowadził technikę do szerokiego zastosowania w 1528 roku i przez 200 lat pozostawała ona niewiele zmieniona.
popularnym formatem wydawania wieloczęściowej, polifonicznej muzyki w okresie renesansu był partbooks. W tym formacie każda część głosowa dla zbioru pięcioczęściowych madrygałów, na przykład, byłaby drukowana oddzielnie w swojej własnej książce, tak że wszystkie pięć części książek byłoby potrzebne do wykonania muzyki. Z tych samych partbooków mogli korzystać śpiewacy lub instrumentaliści. Partytury do muzyki wieloczęściowej były rzadko drukowane w renesansie, chociaż użycie formatu partytur jako środka do komponowania części jednocześnie (a nie sukcesywnie, jak w późnym średniowieczu) przypisuje się Josquinowi des Prez.
efekt drukowanej muzyki był podobny do efektu drukowanego słowa, ponieważ informacje rozprzestrzeniały się szybciej, wydajniej, przy niższych kosztach i do większej liczby ludzi niż mogła dzięki mozolnie ręcznie kopiowanym manuskryptom. Miało to dodatkowy efekt zachęcania do występów muzyków amatorów o wystarczających środkach, których teraz stać było na nuty. To pod wieloma względami wpłynęło na cały przemysł muzyczny. Kompozytorzy mogli teraz pisać więcej muzyki dla wykonawców amatorskich, wiedząc, że może być dystrybuowana i sprzedawana klasie średniej.
oznaczało to, że kompozytorzy nie musieli polegać wyłącznie na mecenacie zamożnych arystokratów. Profesjonalni gracze mogą mieć więcej muzyki do swojej dyspozycji i mogą uzyskać dostęp do muzyki z różnych krajów. Zwiększyło to liczbę amatorów, od których zawodowi gracze mogli potem zarabiać pieniądze ucząc ich. Jednak we wczesnych latach koszty drukowania muzyki ograniczały jej dystrybucję. Innym czynnikiem, który ograniczał wpływ muzyki drukowanej, było to, że w wielu miejscach prawo do drukowania muzyki było przyznawane przez monarchę, a tylko ci, którzy mieli specjalną dyspensę, mogli to robić, dając im monopol. Był to często zaszczyt (i dobrodziejstwo ekonomiczne) przyznawany faworyzowanym muzykom dworskim lub kompozytorom.
XVI wiekuedit
mechaniczne grawerowanie płyt powstało pod koniec XVI wieku. Chociaż grawerowanie płyt było używane od początku XV wieku do tworzenia sztuk wizualnych i map, nie było stosowane do muzyki aż do 1581 roku. W tej metodzie lustrzane odbicie kompletnej strony muzyki zostało wygrawerowane na metalowej płytce. Następnie nakładano atrament na rowki, a nadruk muzyczny przenoszono na papier. Metalowe płyty mogły być przechowywane i ponownie wykorzystywane, co sprawiło, że ta metoda była atrakcyjną opcją dla grawerów muzycznych. Miedź była początkowym metalem z wyboru dla wczesnych płyt, ale w XVIII wieku cyna stała się standardowym materiałem ze względu na swoją plastyczność i niższy koszt.
grawerowanie płyt było metodologią wyboru w druku muzycznym aż do końca XIX wieku, kiedy to jego upadek został przyspieszony przez rozwój techniki fotograficznej. Niemniej jednak technika ta przetrwała do dnia dzisiejszego i jest nadal sporadycznie używana przez wybranych wydawców, takich jak G. Henle Verlag w Niemczech.
wraz ze wzrostem złożoności kompozycji muzycznej, tak samo jak technologia wymagana do tworzenia dokładnych partytur muzycznych. W przeciwieństwie do druku literackiego, który zawiera głównie drukowane słowa, grawerowanie muzyczne przekazuje kilka różnych rodzajów informacji jednocześnie. Aby było jasne dla muzyków, konieczne jest, aby techniki grawerowania umożliwiały absolutną precyzję. Nuty akordów, oznaczenia dynamiczne i inne notacje wyrównują się z dokładnością pionową. Jeśli tekst jest dołączony, każda sylaba dopasowuje się pionowo do przypisanej mu melodii. Poziomo podziały uderzeń są oznaczone nie tylko flagami i belkami, ale także względną przestrzenią między nimi na stronie. Logistyka tworzenia tak precyzyjnych kopii stwarzała wiele problemów dla rytowników muzyki dawnej i zaowocowała rozwojem kilku technologii grawerowania muzyki.
XIX wiek
w XIX wieku przemysł muzyczny był zdominowany przez wydawców nut. W Stanach Zjednoczonych, przemysł nut wzrosła w tandemie z Blackface minstrelsy. Grupa nowojorskich wydawców muzycznych, autorów piosenek i kompozytorów dominujących w branży była znana jako”Tin Pan Alley”. W połowie XIX wieku Kontrola autorska melodii nie była tak surowa, a wydawcy często drukowali własne wersje popularnych wówczas piosenek. Pod koniec wieku, wraz z zaostrzonymi przepisami dotyczącymi ochrony praw autorskich, twórcy piosenek, Kompozytorzy, lirycy i wydawcy zaczęli współpracować dla ich wzajemnych korzyści finansowych. Nowojorscy wydawcy koncentrowali się na muzyce wokalnej. Największe domy muzyczne powstały w Nowym Jorku, ale małe lokalne wydawnictwa-często związane z drukarniami komercyjnymi lub sklepami muzycznymi-nadal rozwijały się w całym kraju. Niezwykła liczba imigrantów z Europy Wschodniej stała się wydawcami muzyki i twórcami piosenek na Tin Pan Alley – najbardziej znanym był Irving Berlin. Autorzy piosenek, którzy stali się uznanymi producentami udanych piosenek, zostali zatrudnieni do pracy w domach muzycznych.
pod koniec XIX wieku nastąpił ogromny wybuch muzyki salonowej, w której posiadanie i umiejętności gry na fortepianie stały się de rigueur dla rodziny z klasy średniej. Pod koniec XIX wieku, jeśli rodzina z klasy średniej chciała usłyszeć popularny nowy utwór lub utwór, kupowali nuty, a następnie wykonywali piosenkę lub utwór w Amatorski sposób w swoim domu. Jednak na początku XX wieku gramofon i nagrana muzyka zyskały na znaczeniu. To, połączone ze wzrostem popularności radiofonii od 1920 roku na, zmniejszyło znaczenie wydawców nut. Przemysł Fonograficzny ostatecznie zastąpił wydawców nut jako największą siłę przemysłu muzycznego.
XX wiek i początek XXI wiekuedit
pod koniec XX wieku i w XXI wieku rozwinęło się duże zainteresowanie przedstawianiem nut w formacie czytelnym dla komputera (patrz oprogramowanie do notacji muzycznej), a także plikami do pobrania. Music OCR, oprogramowanie do „odczytu” zeskanowanych nut, dzięki czemu można manipulować wynikami, jest dostępne od 1991 roku.
w 1998 r.wirtualne nuty ewoluowały dalej w to, co miało być nazywane cyfrowymi nut, co po raz pierwszy pozwoliło wydawcom udostępnić nuty autorskie do zakupu online. W przeciwieństwie do ich odpowiedników w wersji papierowej, pliki te pozwoliły na manipulację, takie jak zmiany instrumentów, transpozycja i MIDI (Musical Instrument Digital Interface) odtwarzanie. Popularność tego systemu natychmiastowej dostawy wśród muzyków wydaje się działać jako katalizator nowego wzrostu dla branży w najbliższej przyszłości.
wczesnym programem do notacji komputerowej dostępnym dla komputerów domowych był Music Construction Set, opracowany w 1984 roku i wydany na kilka różnych platform. Wprowadzenie pojęć w dużej mierze nieznanych ówczesnemu użytkownikowi domowemu, pozwalało na manipulowanie nutami i symbolami za pomocą urządzenia wskazującego, takiego jak mysz; użytkownik „chwytał” nutę lub symbol z palety i „upuszczał” go na pięciolinię we właściwym miejscu. Program pozwalał na odtwarzanie wyprodukowanej muzyki za pomocą różnych wczesnych kart dźwiękowych i mógł wydrukować partyturę muzyczną na drukarce graficznej.
wiele programów do nowoczesnej cyfrowej stacji roboczej audio i scorewriterów do ogólnych komputerów osobistych obsługuje generowanie nut z plików MIDI, przez wykonawcę odtwarzającego nuty na klawiaturze MIDI lub innym kontrolerze MIDI lub przez ręczne wprowadzanie za pomocą myszy lub innego urządzenia komputerowego.
do 1999 roku system i sposób koordynacji odtwarzania muzyki wśród graczy w orkiestrze został opatentowany przez Harry ’ ego Connicka Jr. Jest to urządzenie z ekranem komputera, który służy do wyświetlania nut dla muzyków w orkiestrze zamiast powszechnie używanego papieru. Connick używa tego systemu np. podczas koncertowania ze swoim big bandem. Wraz z rozprzestrzenianiem się sieci bezprzewodowych i iPadów podobne systemy zostały opracowane. W świecie muzyki klasycznej niektóre grupy kwartetów smyczkowych wykorzystują partie ekranowe komputera. Istnieje kilka zalet części komputerowych. Ponieważ partytura znajduje się na ekranie komputera, użytkownik może dostosować kontrast, jasność, a nawet Rozmiar nut, aby ułatwić czytanie. Ponadto niektóre systemy wykonują „zakręty strony” za pomocą pedału nożnego, co oznacza, że Wykonawca nie musi przegapić odtwarzania muzyki podczas zakrętu strony, Jak to często ma miejsce w przypadku części papierowych.
szczególnie interesujący dla ogółu społeczeństwa jest projekt Mutopia, który ma na celu stworzenie biblioteki nut z domeny publicznej, porównywalnej z biblioteką książek z domeny publicznej projektu Gutenberga. The International Music Score Library Project (IMSLP) próbuje również utworzyć wirtualną bibliotekę zawierającą wszystkie partytury muzyczne domeny publicznej, a także partytury kompozytorów, którzy chcą bezpłatnie udostępniać swoją muzykę światu.
niektóre programy komputerowe mają funkcję, która jest bardzo przydatna dla kompozytorów i aranżerów: możliwość „odtwarzania” zapisanej muzyki za pomocą dźwięków syntezatora lub wirtualnych instrumentów. Ze względu na wysokie koszty wynajęcia pełnej orkiestry symfonicznej do gry nowego utworu, przed opracowaniem tych programów komputerowych wielu kompozytorów i aranżerów było w stanie usłyszeć swoje utwory orkiestrowe tylko poprzez aranżację ich na fortepian, organy lub kwartet smyczkowy. Podczas gdy odtwarzanie programu scorewiter nie będzie zawierało niuansów profesjonalnego nagrania orkiestrowego, nadal przekazuje poczucie barw tonów stworzonych przez utwór i wzajemne oddziaływanie poszczególnych części.