Précurseurs des partitions
La notation musicale a été développée avant l’utilisation du parchemin ou du papier pour l’écriture. La forme la plus ancienne de notation musicale se trouve dans une tablette cunéiforme créée à Nippur, à Sumer (aujourd’hui en Irak), vers 2000 avant JC. La tablette représente des instructions fragmentaires pour l’exécution de la musique, que la musique a été composée en harmonies de tierces et qu’elle a été écrite en utilisant une échelle diatonique.
Une tablette datant d’environ 1250 av.J.-C. montre une forme de notation plus développée. Bien que l’interprétation du système de notation soit encore controversée, il est clair que la notation indique les noms des cordes sur une lyre, dont l’accord est décrit dans d’autres tablettes. Bien qu’elles soient fragmentaires, ces tablettes représentent les premières mélodies notées trouvées partout dans le monde.
La notation musicale grecque antique était en usage depuis au moins le 6ème siècle avant JC jusqu’au 4ème siècle après JC environ; plusieurs compositions complètes et fragments de compositions utilisant cette notation subsistent. La notation se compose de symboles placés au-dessus des syllabes de texte. Un exemple de composition complète est l’épitaphe de Seikilos, qui a été diversement datée entre le 2ème siècle avant JC et le 1er siècle après JC.
Dans la musique grecque antique, trois hymnes de Mésomède de Crète existent en manuscrit. L’un des plus anciens exemples connus de notation musicale est un fragment de papyrus de la pièce d’Oreste de l’époque hellénique (408 av. J.-C.), qui contient une notation musicale pour une ode chorale. La notation grecque antique semble être tombée en désuétude à l’époque du déclin de l’Empire romain.
Note manuscrite occidentalemodifier
Avant le XVe siècle, la musique occidentale était écrite à la main et conservée dans des manuscrits, généralement reliés en gros volumes. Les exemples les plus connus de notation musicale du Moyen Âge sont les manuscrits médiévaux de chant monophonique. La notation du chant indiquait les notes de la mélodie du chant, mais sans aucune indication du rythme. Dans le cas de la polyphonie médiévale, comme le motet, les parties ont été écrites en parties séparées de pages en regard. Ce processus a été facilité par l’avènement de la notation mensurale, qui indiquait également le rythme et était mis en parallèle avec la pratique médiévale de composer des parties de polyphonie séquentiellement, plutôt que simultanément (comme dans les temps ultérieurs). Les manuscrits montrant des parties ensemble sous forme de partition étaient rares et se limitaient principalement à l’organum, en particulier celui de l’école Notre-Dame. Au Moyen Âge, si une abbesse voulait avoir une copie d’une composition existante, telle qu’une composition appartenant à une abbesse d’une autre ville, elle devait engager un copiste pour effectuer la tâche à la main, ce qui serait un processus long et susceptible d’entraîner des erreurs de transcription.
Même après l’avènement de l’impression musicale au milieu des années 1400, une grande partie de la musique a continué d’exister uniquement dans les manuscrits manuscrits des compositeurs jusqu’au XVIIIe siècle.
PrintingEdit
15e siècleModifier
Il y avait plusieurs difficultés à traduire la nouvelle technologie de la presse à imprimer en musique. Dans le premier livre imprimé à inclure de la musique, le Psautier de Mayence (1457), la notation musicale (lignes de portée et notes) a été ajoutée à la main. Ceci est similaire à la pièce laissée dans d’autres incunables pour les chapiteaux. Le psautier a été imprimé à Mayence, en Allemagne par Johann Fust et Peter Schöffer, et l’un réside maintenant au château de Windsor et l’autre à la British Library. Plus tard, des lignes de bâton ont été imprimées, mais des scribes ont toujours été ajoutés à la main dans le reste de la musique. La plus grande difficulté à utiliser le type mobile pour imprimer de la musique est que tous les éléments doivent s’aligner – la tête de note doit être correctement alignée avec la portée. Dans la musique vocale, le texte doit être aligné avec les notes appropriées (bien qu’à cette époque, même dans les manuscrits, ce n’était pas une priorité élevée).
La gravure musicale est l’art de dessiner une notation musicale de haute qualité à des fins de reproduction mécanique. La première musique imprimée à la machine est apparue vers 1473, environ 20 ans après l’introduction de la presse à imprimer par Gutenberg. En 1501, Ottaviano Petrucci publie Harmonice Musices Odhecaton A, qui contient 96 pièces de musique imprimée. La méthode d’impression de Petrucci produisait une musique propre, lisible et élégante, mais c’était un processus long et difficile qui nécessitait trois passages distincts dans la presse à imprimer. Petrucci développa plus tard un procédé qui ne nécessitait que deux passages dans la presse. Mais c’était quand même taxant puisque chaque passage nécessitait un alignement très précis pour que le résultat soit lisible (i.e., de sorte que les têtes de notes soient correctement alignées avec les lignes de portée). Ce fut la première musique polyphonique imprimée bien distribuée. Petrucci a également imprimé la première tablature avec un type mobile. L’impression par impression unique, dans laquelle les lignes de portée et les notes pouvaient être imprimées en un seul passage, est apparue pour la première fois à Londres vers 1520. Pierre Attaingnant a largement utilisé la technique en 1528, et elle est restée peu modifiée pendant 200 ans.
Un format courant pour l’émission de musique polyphonique en plusieurs parties à la Renaissance était les partbooks. Dans ce format, chaque partie vocale d’un recueil de madrigaux en cinq parties, par exemple, serait imprimée séparément dans son propre livre, de sorte que les cinq parties seraient nécessaires pour interpréter la musique. Les mêmes manuels pourraient être utilisés par des chanteurs ou des instrumentistes. Les partitions pour musique en plusieurs parties étaient rarement imprimées à la Renaissance, bien que l’utilisation du format de partition comme moyen de composer des parties simultanément (plutôt que successivement, comme à la fin du Moyen Âge) soit attribuée à Josquin des Prez.
L’effet de la musique imprimée était similaire à celui de la parole imprimée, en ce sens que l’information se propageait plus rapidement, plus efficacement, à moindre coût et à plus de personnes qu’elle ne le pouvait grâce à des manuscrits laborieusement copiés à la main. Cela avait pour effet supplémentaire d’encourager les musiciens amateurs disposant de moyens suffisants, qui pouvaient désormais se payer des partitions, à se produire. Cela a affecté à bien des égards l’ensemble de l’industrie de la musique. Les compositeurs pouvaient maintenant écrire plus de musique pour des interprètes amateurs, sachant qu’elle pouvait être distribuée et vendue à la classe moyenne.
Cela signifiait que les compositeurs n’avaient pas à dépendre uniquement du patronage de riches aristocrates. Les joueurs professionnels pourraient avoir plus de musique à leur disposition et ils pourraient accéder à de la musique de différents pays. Cela a augmenté le nombre d’amateurs, auprès desquels les joueurs professionnels pouvaient ensuite gagner de l’argent en leur enseignant. Néanmoins, dans les premières années, le coût de la musique imprimée limitait sa distribution. Un autre facteur qui limitait l’impact de la musique imprimée était que dans de nombreux endroits, le droit d’imprimer de la musique était accordé par le monarque, et seuls ceux bénéficiant d’une dispense spéciale étaient autorisés à le faire, leur donnant un monopole. C’était souvent un honneur (et une aubaine économique) accordé aux musiciens ou compositeurs favorisés de la cour.
16e siècle
La gravure mécanique sur plaque a été développée à la fin du XVIe siècle. Bien que la gravure sur plaque ait été utilisée depuis le début du XVe siècle pour créer des arts visuels et des cartes, elle n’a été appliquée à la musique qu’en 1581. Dans cette méthode, une image miroir d’une page complète de musique a été gravée sur une plaque de métal. De l’encre a ensuite été appliquée sur les rainures et l’impression musicale a été transférée sur du papier. Les plaques métalliques pouvaient être stockées et réutilisées, ce qui faisait de cette méthode une option attrayante pour les graveurs de musique. Le cuivre était le métal initial de choix pour les premières plaques, mais au XVIIIe siècle, l’étain est devenu le matériau standard en raison de sa malléabilité et de son coût inférieur.
La gravure sur plaque a été la méthodologie de choix pour l’impression musicale jusqu’à la fin du XIXe siècle, date à laquelle son déclin a été accéléré par le développement de la technologie photographique. Néanmoins, la technique a survécu jusqu’à nos jours et est encore occasionnellement utilisée par des éditeurs sélectionnés tels que G. Henle Verlag en Allemagne.
À mesure que la composition musicale devenait de plus en plus complexe, la technologie requise pour produire des partitions musicales précises augmentait également. Contrairement à l’impression littéraire, qui contient principalement des mots imprimés, la gravure musicale communique plusieurs types d’informations simultanément. Pour être clair pour les musiciens, il est impératif que les techniques de gravure permettent une précision absolue. Les notes d’accords, les marquages dynamiques et d’autres notations s’alignent avec une précision verticale. Si du texte est inclus, chaque syllabe correspond verticalement à la mélodie qui lui est assignée. Horizontalement, les subdivisions des battements sont marquées non seulement par leurs drapeaux et leurs faisceaux, mais aussi par l’espace relatif entre eux sur la page. La logistique de la création de copies aussi précises a posé plusieurs problèmes aux graveurs de musique ancienne et a abouti au développement de plusieurs technologies de gravure musicale.
19e siècle
Au 19e siècle, l’industrie de la musique était dominée par les éditeurs de partitions. Aux États-Unis, l’industrie de la partition s’est développée en tandem avec le ménestrel blackface. Le groupe d’éditeurs de musique, d’auteurs-compositeurs et de compositeurs basés à New York dominant l’industrie était connu sous le nom de « Tin Pan Alley ». Au milieu du 19e siècle, le contrôle du droit d’auteur sur les mélodies n’était pas aussi strict et les éditeurs imprimaient souvent leurs propres versions des chansons populaires à l’époque. Avec des lois de protection du droit d’auteur plus strictes à la fin du siècle, les auteurs-compositeurs, les compositeurs, les paroliers et les éditeurs ont commencé à travailler ensemble pour leur bénéfice financier mutuel. Les éditeurs de New York se sont concentrés sur la musique vocale. Les plus grandes maisons de musique se sont établies à New York, mais de petits éditeurs locaux – souvent liés à des imprimeurs commerciaux ou à des magasins de musique – ont continué à prospérer dans tout le pays. Un nombre extraordinaire d’immigrants d’Europe de l’Est sont devenus les éditeurs de musique et les auteurs-compositeurs de Tin Pan Alley – le plus célèbre étant Irving Berlin. Les auteurs-compositeurs qui sont devenus des producteurs établis de chansons à succès ont été embauchés pour faire partie du personnel des maisons de musique.
La fin du 19e siècle a vu une explosion massive de la musique de salon, avec la propriété et l’habileté à jouer du piano devenant de rigueur pour la famille de la classe moyenne. À la fin du 19e siècle, si une famille de la classe moyenne voulait entendre une nouvelle chanson ou une nouvelle pièce populaire, elle achetait la partition et interprétait ensuite la chanson ou la pièce de manière amateur chez elle. Mais au début du 20ème siècle, le phonographe et la musique enregistrée ont pris beaucoup d’importance. Ceci, ajouté à la popularité croissante de la radiodiffusion à partir des années 1920, a diminué l’importance des éditeurs de partitions. L’industrie du disque a finalement remplacé les éditeurs de partitions comme la plus grande force de l’industrie de la musique.
20e siècle et début du 21e siècledit
À la fin du 20e et jusqu’au 21e siècle, un intérêt important s’est développé pour la représentation de partitions dans un format lisible par ordinateur (voir logiciel de notation musicale), ainsi que des fichiers téléchargeables. Music OCR, logiciel permettant de » lire » des partitions numérisées afin de pouvoir manipuler les résultats, est disponible depuis 1991.
En 1998, les partitions virtuelles ont évolué pour devenir ce que l’on allait appeler des partitions numériques, ce qui a permis pour la première fois aux éditeurs de mettre des partitions de droits d’auteur disponibles à l’achat en ligne. Contrairement à leurs homologues papier, ces fichiers permettaient des manipulations telles que les changements d’instruments, la transposition et la lecture MIDI (Interface numérique d’instrument de musique). La popularité de ce système de diffusion instantanée parmi les musiciens semble agir comme un catalyseur de nouvelle croissance pour l’industrie dans un avenir prévisible.
Un premier programme de notation informatique disponible pour les ordinateurs domestiques était Music Construction Set, développé en 1984 et publié pour plusieurs plates-formes différentes. Introduisant des concepts largement inconnus de l’utilisateur domestique de l’époque, il permettait de manipuler des notes et des symboles avec un dispositif de pointage tel qu’une souris; l’utilisateur « attrapait » une note ou un symbole d’une palette et le « déposait » sur la portée au bon endroit. Le programme permettait la lecture de la musique produite à travers diverses cartes son anciennes et pouvait imprimer la partition musicale sur une imprimante graphique.
De nombreux logiciels pour stations de travail audio numériques modernes et machines à écrire pour ordinateurs personnels prennent en charge la génération de partitions à partir de fichiers MIDI, par un interprète jouant les notes sur un clavier équipé du MIDI ou un autre contrôleur MIDI ou par saisie manuelle à l’aide d’une souris ou d’un autre appareil informatique.
En 1999, un système et une méthode de coordination de l’affichage de musique entre les joueurs d’un orchestre ont été brevetés par Harry Connick Jr. C’est un appareil avec un écran d’ordinateur qui est utilisé pour afficher les partitions pour les musiciens d’un orchestre au lieu du papier le plus couramment utilisé. Connick utilise ce système lors de tournées avec son big band, par exemple. Avec la prolifération des réseaux sans fil et des iPads, des systèmes similaires ont été développés. Dans le monde de la musique classique, certains groupes de quatuor à cordes utilisent des parties sur écran d’ordinateur. Les pièces informatisées présentent plusieurs avantages. Puisque la partition est sur un écran d’ordinateur, l’utilisateur peut ajuster le contraste, la luminosité et même la taille des notes, pour faciliter la lecture. De plus, certains systèmes feront des « tours de page » à l’aide d’une pédale, ce qui signifie que l’interprète n’a pas à manquer de jouer de la musique pendant un tour de page, comme cela se produit souvent avec des pièces en papier.
D’un intérêt pratique particulier pour le grand public est le projet Mutopia, un effort pour créer une bibliothèque de partitions du domaine public, comparable à la bibliothèque de livres du domaine public du projet Gutenberg. L’International Music Score Library Project (IMSLP) tente également de créer une bibliothèque virtuelle contenant toutes les partitions musicales du domaine public, ainsi que des partitions de compositeurs désireux de partager gratuitement leur musique avec le monde.
Certains programmes informatiques de scorewriter ont une caractéristique très utile pour les compositeurs et les arrangeurs: la possibilité de « lire » la musique notée à l’aide de sons de synthétiseur ou d’instruments virtuels. En raison du coût élevé de l’embauche d’un orchestre symphonique complet pour jouer une nouvelle composition, avant le développement de ces programmes informatiques, de nombreux compositeurs et arrangeurs ne pouvaient entendre leurs œuvres orchestrales qu’en les arrangeant pour piano, orgue ou quatuor à cordes. Bien que la lecture d’un programme de scorewiter ne contienne pas les nuances d’un enregistrement d’orchestre professionnel, elle transmet tout de même une idée des couleurs sonores créées par la pièce et de l’interaction des différentes parties.