楽譜への前駆体編集
楽譜は、羊皮紙や紙が書くために使用される前に開発されました。 楽譜の最も初期の形式は、紀元前2000年頃にシュメール（今日のイラク）のNippurで作成された楔形文字のタブレットで見つけることができます。 このタブレットは、音楽を演奏するための断片的な指示を表し、音楽は三分の一のハーモニーで構成され、全音階を使用して書かれたことを表しています。
紀元前1250年頃の錠剤は、より発達した表記法を示しています。 記譜法の解釈は依然として議論の余地があるが、記譜法は歌詞の文字列の名前を示しており、その調整は他の錠剤に記載されていることは明らかで 彼らは断片的ですが、これらの錠剤は、世界のどこにでも見られる最古の表記されたメロディーを表しています。
古代ギリシャの音楽表記は、少なくとも紀元前6世紀から紀元4世紀頃まで使用されていました。 表記法は、テキスト音節の上に配置された記号で構成されています。 完全な構成の一例は、紀元前2世紀から紀元1世紀の間に様々な日付が付けられているSeikilos墓碑銘です。
古代ギリシャの音楽では、クレタ島のメソメデスによる三つの賛美歌が写本に存在しています。 楽譜の最も古い知られている例の一つは、合唱頌歌のための楽譜を含むギリシャ時代の演劇オレステス（紀元前408年）のパピルス断片が発見されている。 古代ギリシャの表記法は、ローマ帝国の衰退の頃に使用されなくなったようです。
西洋の写本の表記編集
15世紀以前は、西洋の音楽は手で書かれ、写本に保存され、通常は大量にバインドされていました。 中世の音楽記譜法の最もよく知られた例は、モノフォニック聖歌の中世の写本です。 聖歌の表記は、聖歌のメロディーの音符を示していましたが、リズムの兆候はありませんでした。 モテットのような中世のポリフォニーの場合、部分は対向するページの別々の部分に書かれていました。 このプロセスは、また、リズムを示し、（後の時代のように）同時にではなく、順番にポリフォニーの部分を構成する中世の練習によって並列されたmensural記法の 楽譜形式で一緒に部品を示す写本はまれであり、主にオルガナム、特にノートルダム学校のものに限定されていました。 中世の間、修道院長が別の町の修道院長が所有する作曲など、既存の作曲のコピーを持ちたい場合、彼女は手で作業を行うためにコピーリストを雇わなければならず、これは長いプロセスであり、転写ミスにつながる可能性がある。
1400年代半ばの音楽印刷の出現後でさえ、多くの音楽は18世紀まで作曲家の手書きの原稿にのみ存在し続けました。
印刷編集
15th century edit
新しい印刷機技術を音楽に翻訳することにはいくつかの困難がありました。 音楽を含む最初の印刷された本であるマインツ詩篇（1457年）では、楽譜（譜表行と音符の両方）が手作業で追加されました。 これは、首都のための他のincunabulaeに残された部屋に似ています。 この詩篇はドイツのマインツでヨハン-フストとペーター-シェファーによって印刷され、現在はウィンザー城に、もう一つは大英図書館に所蔵されている。 その後、譜表が印刷されたが、筆記者はまだ手で音楽の残りの部分に追加されました。 Movable typeを使用して音楽を印刷する際の最大の難しさは、すべての要素が整列しなければならないことです。 声楽では、テキストは適切な音符と整列しなければなりません（現時点では、原稿でさえ、これは高い優先順位ではありませんでした）。
音楽彫刻は、機械的な再生を目的とした高品質の楽譜を描く芸術です。 最初の機械印刷された音楽は、グーテンベルクが印刷機を導入してから約20年後の1473年頃に登場しました。 1501年、オッタヴィアーノ・ペトルッチは96曲の楽譜を収録した『Harmonice Musices Odhecaton A』を出版した。 ペトルッチの印刷方法は、きれいで読みやすく、エレガントな音楽を作り出しましたが、それは印刷機を三つの別々のパスを必要とする長く、困難なプロセ ペトルッチは後に、プレスを通過するだけのプロセスを開発しました。 しかし、各パスが結果を読みやすくするために非常に正確な整列を必要としたので、それはまだ課税されていました（すなわち これにより、音符の頭が譜表の行と正しく並んでいるようになります）。 これは、最初のよく配布された印刷されたポリフォニック音楽でした。 ペトルッチはまた、可動タイプの最初のタブ譜を印刷しました。 譜表の行と音符を一枚のパスで印刷できるシングルインプレッション印刷は、1520年頃にロンドンで最初に登場しました。 1528年にピエール-アテンニャンがこの技術を広く使用したが、200年間ほとんど変更されていなかった。
ルネサンス期のマルチパート、ポリフォニック音楽を発行するための共通の形式はpartbooksでした。 この形式では、例えば、5部構成のマドリガルのコレクションのための各声部は、それぞれの本に別々に印刷され、5部構成の本はすべて音楽を演奏するた 歌手や楽器奏者も同じパートを使用することができる。 ルネサンス期には多パート音楽の楽譜が印刷されることはほとんどなかったが、中世後期のように連続的ではなく同時にパートを作曲する手段としての楽譜形式の使用はJosquin des Prezにクレジットされている。
印刷された音楽の効果は、印刷された言葉の効果と同様であり、その情報は、手間のかかる手作業でコピーされた原稿を介して、より速く、より効率的に、 それは、楽譜を手に入れることができる十分な手段のアマチュア音楽家に演奏するよう奨励するという追加の効果をもたらした。 これは多くの点で音楽業界全体に影響を与えました。 作曲家は今、それが配布され、中産階級に販売することができることを知って、アマチュア演奏家のためのより多くの音楽を書くことがで
これは、作曲家が裕福な貴族の後援だけに依存する必要がないことを意味しました。 プロの選手は、彼らの処分でより多くの音楽を持っている可能性があり、彼らはさまざまな国からの音楽にアクセスすることができます。 それはプロの選手がそれらを教えることによってお金を稼ぐことができるアマチュアの数を増やしました。 それにもかかわらず、初期の年には、印刷された音楽のコストは、その配布を制限しました。 印刷された音楽の影響を制限したもう一つの要因は、多くの場所で、音楽を印刷する権利が君主によって与えられ、特別なディスペンサーを持つものだけがそうすることを許され、独占を与えたことであった。 これはしばしば好意的な宮廷音楽家や作曲家に与えられた名誉（そして経済的恩恵）でした。
16th centuryEdit
機械的なプレート彫刻は、十六世紀後半に開発されました。 プレート彫刻は、視覚芸術や地図を作成するために十五世紀初頭から使用されていたが、それは1581年まで音楽に適用されませんでした。 この方法では、音楽の完全なページの鏡像を金属板に彫刻した。 その後、溝にインクを塗布し、音楽印刷を紙に転写した。 金属板は保存して再利用することができ、この方法は音楽彫刻家にとって魅力的な選択肢となりました。 銅は初期のプレートのための選択の最初の金属でしたが、十八世紀までに、ピューターは、その可鍛性と低コストのために標準的な材料となりました。
プレート彫刻は、19世紀後半まで音楽印刷のための選択の方法論であり、その時点でその衰退は写真技術の発展によって急いでいました。 それにもかかわらず、この技術は今日まで生き残っており、ドイツのG.Henle Verlagなどの一部の出版社によって時折使用されています。作曲が複雑になるにつれて、正確な楽譜を作成するために必要な技術も複雑になりました。
主に印刷された単語を含む文学印刷とは異なり、音楽彫刻は同時にいくつかの異なる種類の情報を伝達します。 ミュージシャンに明確にするためには、彫刻技術が絶対的な精度を可能にすることが不可欠です。 和音、ダイナミックマーキング、およびその他の表記法のノートは、垂直精度で並んでいます。 テキストが含まれている場合、各音節は割り当てられたメロディーと垂直に一致します。 水平方向には、ビートの細分化は、そのフラグと梁だけでなく、ページ上のそれらの間の相対的なスペースによってもマークされます。 このような正確なコピーを作成する物流は、初期の音楽彫刻家にとっていくつかの問題を提起し、いくつかの音楽彫刻技術の開発をもたらしました。
19th centuryEdit
19世紀には、音楽業界は楽譜出版社によって支配されていました。 アメリカでは、楽譜業界はブラックフェイス-ミンストレルシーと並行して上昇した。 ニューヨーク市を拠点とする音楽出版社、ソングライター、作曲家のグループが業界を支配していたのは、”Tin Pan Alley”として知られていました。 19世紀半ばには、メロディーの著作権管理はそれほど厳格ではなく、出版社はしばしば当時人気のあった曲の独自のバージョンを印刷しました。 世紀の後半に強力な著作権保護法では、ソングライター、作曲家、作詞家、出版社は、彼らの相互の財政的利益のために一緒に働き始めました。 ニューヨーク市の出版社は声楽を中心に活動していた。 最大の音楽ハウスはニューヨーク市に設立されましたが、小さな地元の出版社–しばしば商業印刷機や音楽店と結びついて–全国で繁栄し続けました。 東ヨーロッパの移民の異常な数は、ティンパンアレーの音楽出版社やソングライターになった-最も有名なアーヴィング*ベルリンである。 成功した曲の確立された生産者になったソングライターは、音楽の家のスタッフに雇われました。
19世紀後半には、パーラー音楽の大規模な爆発を見ました,の所有権とピアノを演奏するスキルは、中産階級の家族のためにde rigueurになってきました. 19世紀後半、中産階級の家族が人気のある新しい曲や曲を聞きたい場合、彼らは楽譜を購入し、自宅でアマチュアの方法で曲や曲を演奏します。 しかし、20世紀初頭には、蓄音機と録音された音楽が大きく重要性を増しました。 これは、1920年代からのラジオ放送の人気の高まりに加えて、楽譜出版社の重要性を軽減しました。 レコード業界は最終的に音楽業界最大の力として楽譜出版社に取って代わった。
20世紀と21世紀初頭編集
20世紀後半から21世紀にかけて、楽譜をコンピュータで読み取り可能な形式で表現することに大きな関心が高まっている（楽譜表記ソフトウェアを参照）。 音楽OCR、結果を操作することができるように、スキャンした楽譜を”読む”ためのソフトウェアは、1991年以来利用可能であった。
1998年、仮想楽譜はデジタル楽譜と呼ばれるものにさらに進化し、出版社は初めて著作権楽譜をオンラインで購入できるようにしました。 彼らのハードコピーの対応とは異なり、これらのファイルは、楽器の変更、移調、MIDI（楽器デジタルインターフェイス）再生などの操作を可能にしました。 ミュージシャンの間でこのインスタント配信システムの人気は、近い将来にも業界のための新たな成長の触媒として機能しているように見えます。家庭用コンピュータで利用可能な初期のコンピュータ記譜プログラムは、1984年に開発され、いくつかの異なるプラットフォーム用にリリースされたMusic Construction Setで 当時のホームユーザーにはほとんど知られていない概念を導入し、マウスなどのポインティングデバイスで音符や記号を操作することができました。 プログラムは、様々な初期のサウンドカードを介して生産された音楽の再生を可能にし、グラフィックプリンタに楽譜を印刷することがで
現代のデジタルオーディオワークステーション用の多くのソフトウェア製品と一般的なパーソナルコンピュータ用のスコアライターは、midi装備のキーボードやその他のMIDIコントローラでノートを演奏する演奏者、またはマウスやその他のコンピュータデバイスを使用して手動で入力することによって、MIDIファイルから楽譜を生成することをサポートしている。1999年までに、オーケストラのプレイヤー間で音楽表示を調整するためのシステムと方法は、Harry Connick Jr.によって特許を取得されました。 これは、より一般的に使用される紙の代わりに、オーケストラのミュージシャンのための楽譜を表示するために使用されるコンピュータ画面を備えたデ コニックは、例えば、彼のビッグバンドと一緒にツアーするときにこのシステムを使用しています。 ワイヤレスネットワークやipadの普及に伴い、同様のシステムが開発されています。 クラシック音楽の世界では、いくつかの弦楽四重奏団は、コンピュータ画面ベースの部品を使用しています。 コンピュータベースの部品にはいくつかの利点があります。 スコアは、コンピュータの画面上にあるので、ユーザーが読みやすくするために、コントラスト、明るさ、さらにはノートのサイズを調整することができます。 さらに、いくつかのシステムは、足のペダルを使用して”ページターン”を行うので、パフォーマーは、ページターン中に音楽を演奏することを見逃す必要はありません。
一般市民のための特別な実用的な関心のMutopiaプロジェクト、プロジェクトグーテンベルクのパブリックドメインの本の図書館に匹敵するパブリック 国際楽譜図書館プロジェクト（IMSLP）はまた、すべてのパブリックドメインの楽譜だけでなく、無料で世界と自分の音楽を共有して喜んでいる作曲家からのスコアを含む仮想ライブラリを作成しようとしています。
いくつかのスコアライターコンピュータプログラムは、作曲家やアレンジャーのために非常に有用である機能を持っています：シンセサイザーの音や 新しい作曲を演奏するために完全な交響楽団を雇うコストが高いため、これらのコンピュータプログラムの開発前に、多くの作曲家や編曲家は、ピアノ、オルガン、または弦楽四重奏のためにそれらを配置することによって、彼らのオーケストラ作品を聞くことができました。 スコアライタープログラムの再生には、プロのオーケストラの録音のニュアンスは含まれませんが、作品によって作成されたトーンカラーと異なる部分の相互作用の感覚を伝えています。